viernes, 11 de mayo de 2018

SUPERMAN: ANTE LA VERDAD, INVENCIBLE ULTIMATE COLLECTION (6) y MORTADEL·LO I FILEMÓ: EL 60È ANIVERSARI (reseñas)

Hace tiempo escogía los comics según si la premisa me atraia, pero sin valorar los autores que la llevaban a cabo (eran otros tiempos, conmigo recien aficionado a esto de las viñetas) Pero los muchos años que llevo leyendo comics ya me han hecho escoger también según los autores, si bien es una selección, al igual que la argumental, que no te libra de decepciones. En el caso de Superman: Ante la verdad mi decisión de escogerlo vino dada por la presencia de mi apreciado John Romita Jr. en el apartado gráfico, del que ya había visto como trabajaba con el alter-ego de Clark Kent, lejos de la Marvel que en su momento lo vió despuntar.

Este tomo da inicio con una historia independiente que intenta humanizar al héroe, haciéndolo ir a tomar algo al bar junto con sus colegas de la Liga de la Justicia (todos de incognito, claro está) tras haberse reunido para intentar profundizar en el nuevo superpoder de Superman. En ese número John Romita Jr. se encarga tanto del guión como del dibujo, en un relato donde lo más divertido radica en como el protagonista se relaciona con los otros personajes.

Tras ese pequeño intervalo comienza el arco argumental titulado Ante la verdad (que es el que da título al presente tomo) en donde el enemigo a batir es una empresa llamada Hordr, la cual se dedica a chantajear a mucha gente amenazando con desvelar sus secretos más personales si no obedecen en todo lo que se les diga. Como es natural, cuando se enteren de la identidad secreta de Superman verán todo un sinfin de posibilidades si el kryptoniano no quiere que se desvele quien se esconde tras el periodista Clark Kent, pero la historia no se desarrollará según lo esperado ni por uno ni por los otros.

Con un correcto guión de Gene Luen Yan que vendría a ser una crítica contra el mal uso de las redes sociales (y como eso mismo puede destruir la reputación de una persona), la historia tiene un destacado apartado gráfico a cargo de Romita Jr. que tampoco tildariamos de genial pero que sin duda es bastante destacado. Aunque tiene algunos detalles quizás un tanto exagerados (como ese nuevo superpoder de Superman que casi parece sacado de Dragon Ball, y que le "descarga" lo que le lleva a tener que esperar para "recargarse"), la historia deja abiertas interesantes posibilidades ante lo que ocurre tras la nueva situación que aqui se genera.
Hace ya mucho tiempo que no leia nada de la serie Invencible Ultimate Collection (ya hace un par de años del más reciente) porque tuve la absurda idea de coger en préstamo bibliotecario todos los comics de la misma para darles un repaso general. Pero debido a la ingente cantidad de opciones de lectura que tengo, me pareció un tanto absurdo lo de la relectura, por lo que he continuado desde donde lo dejé, con evidentes "lagunas" respecto al tiempo transcurrido pero encontrándome un comic realmente entretenido.

Es justo recordar que este comic es de Robert Kirkman, famoso por su The walking dead, esa otra serie en viñetas que le ha dado fama (sobretodo a raiz de su salto a la televisión) Aunque estamos ante un comic de superheroes, no sería como los que ofrece Marvel o DC, ya que aqui son los propios autores los que deciden el avance de la historia y los que también proponen (en muchos casos) una visión de la violencia altamente sangrienta, una cosa que no es muy común en las editoriales antes citadas.

Aunque no tenga nada que ver con superhéroes previos, el protagonista de esta serie (Mark Grayson) vendría a ser como una mezcla entre Spider-Man y Superman, cogiendo del primero sus muchos problemas existenciales y del kryptoniano su amplia colección de superpoderes. Este volumen da comienzo con el protagonista intentando parar los ataques por todo el mundo de unos dobles suyos malvados, para a partir de ahi encadenar una aventura tras otra con un ritmo muy equilibrado en donde también brilla el apartado gráfico a cargo de Ryan Ottley, que no se corta a la hora de expresar el (sangriento) mundo por el que circula este superhéroe.
Resulta algo del todo evidente que si le preguntas a alguien de este pais por algún personaje autóctono de los comics, los nombres de Mortadelo y Filemón ganarán por mayoria (no en vano han sabido adaptarse a todo tipo de eventos y se han cruzado con todo tipo de famosos) Al ser personajes que no envejecen afrontan en este album una aventura para conmemorar su 60 aniversario, que en esta ocasión les llevará a tener que poner un poco de paz y orden entre los dirigentes de dos paises claramente inspirados en Donald Trump y Kim Jong-Un, con los evidentes momentos para situaciones de humor propias de esta pareja.

Aprovechando lo de los sesenta años se tira un montón de veces (quizás demasiadas) de todo tipo de achaques que provocarán delirantes situaciones, aunque quizás lo que se me ha hecho menos aceptable es tirar también en exceso de humor escatológico (de hecho un porcentaje muy alto de momentos tiran de una u otra solución, lo cual puede llegar a hacerse BASTANTE cansino) aunque hay que admitir que el espíritu se mantiene.

En mi caso tengo que citar, aunque la portada adjunta sea la de la versión en castellano, que el handicap que tuve yo fue tener en la biblioteca tan solo la versión en catalán. Pero lo aclaro: eso es tan solo por la costumbre que tenía yo de leerlos en castellano, haciéndoseme muy raro leerlos así (por contra, y que sirva de ejemplo, con Dragon Ball me ocurre todo lo contrario, se me hace muy raro escucharlo y/o leerlo en un idioma que no sea el catalán) De todas maneras sigue siendo una aventura muy entretenida con la gracia de ver como el genial Ibáñez cruza aqui a sus criaturas con famosos como los antes citados o incluso la variante de Vladimir Putin.

lunes, 7 de mayo de 2018

LA COSA DEL PANTANO: GÉNESIS OSCURA, LOS PERROS DUROS NO BAILAN y PITOPAUSIA: OTOÑO EN LOS PANTALONES (reseñas)

Por fin he tenido la posibilidad de leer el origen de La cosa del pantano, uno de esos míticos personajes clásicos de DC del que hasta ahora había leído poca cosa (de hecho este comic, en su edición por parte de Planeta, lo encontré por pura casualidad al dejar pasear los ojos por las estanterias de la biblioteca) El origen de este tan peculiar personaje se remonta la década de los años setenta, cuando Marvel y DC intentaban propuestas dentro del género del terror, de la que surgió La cosa del pantano (entre otras)

En el número 92 de House of secrets vio la luz inicialmente este personaje, en un relato de Len Wein con apartado gráfico de Berni Wrightson, de apenas ocho páginas y muy al estilo de las historias homónimas que habian surgido de EC o Creepy. En el mismo se desarrolla de forma modélica un relato donde la rivalidad entre dos científicos por una mujer se lleva hasta más allá de los límites, con repercusiones para todos los miembros de dicho trio. En apenas unas pocas páginas quedaba todo bien resuelto, por lo que era absurdo estirarlo más... ¿o no?

Los mismos autores que en inicio no quisieron para no perder la esencia conseguida en el relato inicial, al final claudicaron con una historia diferente en sus personajes pero en la que permanece el espíritu del origen narrado en un principio. He de admitir que el mismo me hizo recordar la película Darkman de Sam Raimi (que probablemente se inspiró para la misma en comics como el aqui reseñado) ya que coincide en esencia, cambiando tan solo la "particularidad" del protagonista tras ese fatal incidente que lo cambia para siempre. En este tomo se recopilan tanto ese origen antes citado como los 10 primeros números de su serie regular en la que estuvieron ambos artistas, ya que para el 11 abandonó Berni Wrightson el dibujo, mientras que Len Wein haría lo mismo tres números después, decayendo a partir de ahi su notable calidad inicial.
Cuando ví en la biblioteca Los perros duros no bailan de Arturo Pérez-Reverte lo que me llamó antes la atención fue lo escueto que era: apenas 160 páginas. Ante tal concisión me decanté por él, sobretodo también por mi aprecio hacia los animales, ya que la historia nos es narrada desde el punto de vista de un perro. Ya sé que tampoco es algo original eso de que un escritor se ponga en la cabeza de algún animal para relatarnos algo, pero lo conciso de esta novela me hizo pensar que si tenía alguna crítica (que la tiene) sería lo suficientemente evidente dado lo escueto de la historia, aunque lo que me asombró fue el parecido parcial entre esta y la de Espartaco, ¡y ojo que la misma novela lo admite, si bien yo encontré este parecido antes de dicha mención!

El protagonista de la historia es Negro, un perro mezcla de mastín español y fila brasileño, el cual nos introduce en el mundo de los canes relatando lo que les preocupa, les entretiene o como ellos sienten conceptos como el honor, la justicia, la amistad o el odio en una historia donde la crítica está centrada en el cruel mundo de las peleas ilegales de perros, en donde nuestro protagonista tendrá que introducirse a la búsqueda de unos amigos perrunos suyos desaparecidos. Poco más se puede citar sin desvelar ningún spoiler pero es cierto que en algunos momentos puede parecer un relato infantil (¡cuantas fábulas pueden servir de ejemplo!) aunque sería la dureza hacia las peleas de perros lo que lo aleja, aunque sea de forma leve, de esa historia apta para los más pequeños (lo que no le priva de ser una lectura más que recomendable para el público general)

Aparte de que en cierto momento de la novela me recordó a Espartaco (tal y como he citado antes, hecho que al continuar leyendo la propia obra me confirmó) no sería la única referencia cinematográfica ya que hay también para películas como Gladiator e incluso se compara la belleza perruna de cierta perra como el equivalente a la humana Charlize Theron. Más que evidente sería el uso de tópicos para las diferentes nacionalidades de algunos de los canes que se pasean por aqui, así como ciertas dudas sobre como está compuesto este mundo de perros (que se balancea por momentos entre lo humano y lo perruno) pero nada de ello es obstáculo para una novela notable en su concisión y que lleva implícito el muy loable mensaje de que tengamos algo más de respeto y consideración hacia los perros, muchas veces maltratados injustificamente.
Cuando fuí al más reciente Salón del Comic de Barcelona, en mi afan por lograr alguna firma tuve dudas sobre lo de Ralf König ya que como gran cantidad de sus comics los he leido de la biblioteca, pensé que lo mejor era comprar algo (de momento) inédito en las mismas. Tuve dudas entre la edición integral de ¡Oh, genio! que si me compré y el de Pitopausia: Otoño en los pantalones, pero al final me decanté por el primero con total acierto porque el segundo entró hace pocos días como novedad en la biblioteca.

Este comic sería la más reciente aportación que ha hecho el autor a sus dos personajes más comunes en multitud de obras: la pareja gay encarnada por Konrad y Paul. Ese fue el motivo de que me decantara por la otra obra (pero ¡cuidado! no me entendais mal, no es para nada por homofobia; tan solo porque estos simpáticos personajes ya tenian un recorrido previo del que era absurdo tener tan solo su ¿epílogo?) Y es que los años no pasan en balde, por lo que este comic bien podría ser el último de esta simpática pareja.

Pitopausia: Otoño en los pantalones comienza con Paul cerca del medio siglo de vida y con pequeños saltos temporales abarca hasta que él y Konrad están en una residencia geriátrica. Entre esos dos extremos tenemos un relato estructurado por capítulos entre los cuales pasan dos o tres años, logrando que en un primer momento el lector no se percate pero que luego sirve para que recapacite sobre lo rápido que pasa el tiempo... al igual que ocurre en la vida real. El humor de esta historia viene dado en la mayoria de las situaciones por parte de Paul, al que le cuesta asumir que ya no es el joven que era (sobretodo en lo que al sexo se refiere) mientras que Konrad asume mejor eso de envejecer. Como curiosidad esta obra utiliza un coro griego para la introducción de cada capítulo porque König plantea la historia de hacerse mayor cual si de una tragedía griega se tratara (aunque, como es evidente, con mucho humor e ironia) Sin duda alguna un comic muy entretenido que no decepcionará a los seguidores de este autor.
  • Ficha editorial por este enlace, ficha de la biblioteca PENDIENTE DE ACTIVAR.

jueves, 3 de mayo de 2018

EL CASTIGADOR: ARRIBA ES ABAJO Y NEGRO ES BLANCO y CABALLERO LUNA: MUERTE Y NACIMIENTO (reseñas de comics)

Tras haberme leido los cuatro volúmenes previos de la cabecera dedicada a El Castigador (The Punisher) de la biblioteca (los tres primeros por aqui, el cuarto por aqui), ahora le ha llegado el turno al número cinco, titulado Arriba es abajo y negro es blanco. En este arco argumental de seis números veremos cual es la (previsible) reacción de Frank Castle cuando el mafioso Nicky Cavella no se lo ocurre otra cosa que profanar las tumbas de la esposa e hijos de El Castigador. Este mafioso ya se vió en el segundo volumen de este personaje, y aqui se propone terminar de una vez por todas con The Punisher antes de comenzar a gobernar la poca mafia que ha dejado viva El Castigador.

Como ya he citado antes, resulta previsible que ante semejante provocación, el bueno de Frank Castle irá a cobrarse venganza, lleno de rabia y dolor, contra Cavella (de hecho nada más verse lo que trama ya se supone que El Castigador irá a por él para reventarlo) Pero pese a ello (por lo predecible) el guión de Garth Ennis consigue un relato trepidante y bastante entretenido, en el cual The Punisher se cruzará con viejos conocidos de la CIA, entre los que se encuentra cierto personaje femenino que deseaba (sexualmente) a Castle, y que aqui se verá ¿recompensada por ello? De entre todos los personajes que circulan por estas viñetas, el más desarrollado es el del antes citado Nicky Cavella, del cual asistimos a varios flashbacks en este tomo donde veremos la génesis para acabar siendo lo que es. También es justo destacar el apartado gráfico a cargo de Leando Fernández, que se adecua sin problemas a la explícita violencia que siempre ha rodeado a este personaje de Marvel.
Como he citado en otras ocasiones, el intentar leer una serie de forma usual con los comics de la biblioteca resulta una tarea harto complicada. Si a eso le añadimos que es de un personaje MUY secundario del amplio universo de los comics Marvel, la cosa se complica: si ya para los más mediáticos en ocasiones tengo que hacer filigranas para leerlo correlativamente, aunque sea con meses de diferencia, en el caso del Caballero Luna me he encontrado con el handicap de que unas bibliotecas tenian disponibles (o no) algunos mientras que otras tenian disponible (o no) los otros, y no necesariamente en orden, por lo que al final decidí leerlos como fuera e ir llenando yo las lagunas hasta que lo que tuviera inédito lo pudiese leer.

En inicio este personaje vendría a ser la variante Marvel del popular Batman de DC, por lo que en un primer momento sus comics me parecían evidentes adaptaciones de aventuras que bien podría vivir el Cruzado de la Capa de Gotham. Pero a medida que iba solucionando el problema citado en el párrafo previo, fui entreteniéndome más con esta serie a medida que iba llegando a mis manos. Supongo que todo se debe al planteamiento que tiene aqui su acto ¿final? y que aunque tampoco es novedad en el mundo de los superhéroes, si tengo que admitir que, una vez organizado todo, es sin duda un relato entretenido eso de hacer dudar sobre la salud mental del protagonista y (en el caso que nos ocupa) su evidente trastorno de personalidad; que en este caso va más allá de la típica bipolaridad de los superhéroes ya que varias personalidades conviven en el cuerpo de Marc Spector más allá de su alter-ego enmascarado de Caballero Luna.
  • Ficha editorial por este enlace, ficha de la biblioteca PENDIENTE DE ACTIVAR.

miércoles, 2 de mayo de 2018

LAS ALMAS DE BRANDON, ORGULLO Y SATISFACCIÓN: GRANDES ÉXITOS y EL JOVEN MORIARTY Y LA CIUDAD DE LAS NUBES

En mi casa no hay mucha afición hacia los realitys o los talent-shows por lo que admito que uno como Got Talent de Telecinco no me llamaba nunca la atención, y como mucho podía pararme en algún momento si me lo cruzaba haciendo zapping, sobretodo por Risto Mejide, un miembro de su jurado popular por, entre otras cosas, decir su opinión bien a las claras (lo que le ha dado la fama al ser tan rígido en sus comentarios)

Pero para mi sorpresa me entero de que su más reciente edición la ha ganado ¡¡UN POETA!!, y entonces me pica la curiosidad porque en un show así los que suelen destacar son frikis (en el mal sentido) que van al mencionado programa para realizar espectáculos esperpénticos (de lo que podría ser buen ejemplo el ganador de la edición previa a la de este año) ¿Como es posible ganar alguien equipado tan solo de palabras en un concurso como este, donde en ocasiones lo que prima es el espectáculo? Cuando ví luego la repetición de sus actuaciones la cosa me quedó bastante claro: su loable sencillez y su inmenso corazón (magnífico el poema para su madre)

Descubierto gracias al citado programa, del joven César Brandon Ndjocu Davies, de apenas 25 años (nació en 1993) se ha editado en fechas recientes su primer libro, titulado Las almas de Brandon, que se ha convertido en un éxito de ventas en la pasada festividad de Sant Jordi y que (me imagino que por eso) ya ha llegado a las bibliotecas y he podido disfrutar de su lectura. En la presente obra se recogen un centenar de historias cortas, cuentos y poemas de todo tipo, en los que César Brandon, ordenándolos y numerándolos como "almas", desarrolla y expresa con inmensa sensibilidad sus sentimientos más íntimos y profundos. En los mismos el autor nos propone meditar y reflexionar sobre temas tales como el amor, la soledad, el dolor, el olvido, la felicidad, la alegría, la vida y la muerte, todo ello con resultados emotivos y sobresalientes.

Sin lugar a dudas una obra excelente, donde César Brandon se puede decir que nos abre su alma (muy acertado el título de la misma) en la que incluso, y relacionado con las temáticas habituales de este blog, me hizo gracia encontrar extractos de su obra inspirados en sagas de cine como Los juegos del hambre o series de televisión como The walking dead. Resulta sorprendente la sensibilidad y el arte que tiene en su interior César Brandon, un joven nacido en Malabo y educador social por la Universidad de Granada (como figura en la nota bibliográfica de esta obra suya, donde también vienen sus datos para seguirlo por redes sociales como Instagram: @ndjocu.davies, Twitter: @cesarbrandon93 y Facebook: César Brandon Ndjocu Davies)
Cuando el grupo editorial RBA censuró una portada de la revista satírica El Jueves cuando abdicó Juan Carlos I en el actual Felipe VI, dió motivo y justificación para que varios autores de la citada revista decidieran abandonarla. Al poco fundaron una propia y digital titulada Orgullo y satisfacción que tuvo un recorrido que duró desde 2014 a 2017, y que en origen fue montada para que en ella hubiera todo tipo de libertad y ninguna censura preestablecida. Es apropiado admitir que algunos de los mejores autores que tenía El Jueves fueron los que se fueron (bajo mi punto de vista), por lo que es de agradecer este gran tomo de más de 300 páginas donde se recopila, ahora en formato físico, una selección de lo mejor que se vió en dicha revista a lo largo de ese tiempo.

Ordenada por capítulos temáticos (La democracia española, Los borbones, el PPSOE, Corrupción, La nueva política, La libertad de expresión, Periodismo, Religión, Feminismo, Inmigración y refugiados, Terrorismo, Tecnología, Vivienda, Trabajo, Cultura y Donald Trump), el resultado sirve para dar una buena visión de este pais en el que vivimos en estos últimos años, en un compendio donde se hacen notar autores como Ágreda, Albert Monteys, Alberto Gónzalez Vázquez, Asier y Javier, Bernardo Vergara, El Mundo Today, Flavita Banana, Guillermo, Isaac Rosa, Lalo Kubala, Luis Bustos, Malagón, Manel Fontdevila, Manuel Bartual, Mel, Miguel Brieva, Morán, Oroz, Paco Alcázar, Paco Sordo, Pacheco y Pacheco, Toni o Triz, todos ellos con parodias y chistes más o menos acertados según el estilo de cada cual.
El joven Moriarty y la ciudad de las nubes es la cuarta entrega de una serie dedicada al más inteligente enemigo con el que se cruzó el popular Sherlock Holmes, de la que ya me he leido las entregas previas (El misterio del Dodo, La planta carnivora y Los misterios de Oxford) En esta cuarta aventura se sigue un espíritu continuista con lo previo, en una historia donde repiten algunos de los personajes vistos antes y aparecen otros nuevos.

Uno de los incentivos de esta serie de novelas en origen dedicadas a un público juvenil (pese a ser del todo disfrutables tanto para el general como para el de los aficionados al detective Sherlock Holmes en particular) es que a lo largo de los mismos, y cual si fuera La liga de los hombres extraordinarios, el popular villano se cruza con todo tipo de conocidos personajes, tanto reales como ficticios, que fueron coetáneos en la época en que transcurre la acción (que en el caso que nos ocupa sería 1866) Si bien ya ha transcurrido un tiempo desde que me leí la última entrega, enseguida entré en el juego que propone Sofía Rhei, su autora.

En esta ocasión la historia comienza con el joven Moriarty ingresando en un internado muy severo en el que acaban todos aquellos jóvenes más antisociales, pero del que pronto el protagonista intentará evadirse, en lo que tan solo representa el inicio de una aventura en la que "la ciudad de las nubes" del título tan solo sería un extracto de todo el relato. Esta cuarta entrega se beneficía de un cúmulo de giros argumentales en su tramo final que bien podrían servir para señalar el final de la adolescencia del personaje y su entrada en el mundo de los adultos, donde acabará siendo el popular villano por todos conocido. De todas maneras, y como me ocurrió con los previos, me sobra el personaje de John Watson, metido con simple alivio cómico y el enésimo guiño hacia el que será el futuro compañero de investigaciones de Holmes, que no aporta nada más que ser el tonto de la historia.

viernes, 27 de abril de 2018

VENGADORES: INFINITY WAR, crítica sin spoilers de algo GRANDE

Ya han pasado diez años desde que el universo en imágenes de Marvel nació con la primera entrega de Iron Man. Con una evidente calidad más o menos constante, y con sus puntos más flojos pero también los más álgidos, se ha completado un mosaico donde se ha presentado a multitud de personajes. En origen el primer film de Los Vengadores venía a ser la reunión de todos los personajes que se habian visto en los títulos precedentes, y para completar esta ¿trilogia? (a la espera de la cuarta cinta) en este tercer film se une en una película a bastantes (¿quizás demasiados?) de los superheroes presentados en las películas Marvel habidas hasta la fecha en una confrontación (que le da título) donde de ellos depende el destino del universo.

Si nos concentramos en la calidad de esta película dentro del conjunto donde está englobada, en el que representa el 19º episodio de eso ya conocido como Universo Cinematográfico Marvel, la presente cinta se queda cerca de ser el mejor título de superhéroes de las últimas décadas, en un claro intento de la mencionada Marvel por superarse siempre a si misma. Cuando hace pocos meses la Warner presentó con su Liga de la Justicia el intento de hacer lo más parecido a Los Vengadores en el universo DC, en esta ocasión se devuelve la pelota mostrando el mayor crossover de este género visto hasta la fecha, lo que le lleva a uno a pensar que será lo que vendrá para superar a una película de estas características (¿quizás su resolución cuando llegue a las pantallas el próximo año?)

Eso si, que se pueda decir de Infinity War que es una excelente propuesta en su género no significa que estemos ante la mayor genialidad de todos los tiempos, primero de todo por su evidente caracter episódico. Y es que todos los personajes presentados hasta ahora que aqui aparecen ya se da por supuesto que el público los conoce, por lo que el primer requisito para poder disfrutar más esta película es haber visto las 18 previas (si no todas como mínimo las que presentaban a cada diferente superhéroe) Otro detalle que hasta ahora no se había visto eran bajas de importancia dentro del conjunto de los personajes habidos hasta la fecha, bien sean superhéroes o villanos, algo que se remedía aqui casi desde su mismo inicio y llegando a un colofón donde ya el tema se dispara... PERO (y ahi se abriría un ámplio paréntesis) los lectores de comics ya saben que esos giros rara vez son permanentes, por lo que el supuesto dramatismo no se me hizo tal debido a lo previsible del restablecimiento al momento previo, justo por el hecho de su previsible aparición en próximas entregas de sus films en solitario de algunos de los afectados.

Lo que nadie le puede negar es ofrecer dos horas y media en las que poco espacio hay para el aburrimiento, remontando el bajón que tuvo esta (de momento) trilogia en su segunda entrega, ya que en La era de Ultron su director (Joss Whedon) rebajó bastante el nivel alcanzado en la primera (quizás debido a la falta de novedad), siendo muy necesario que para esta tercera entrega cambiara la silla de mando. La mejor opción fueron sin duda los hermanos Russo, los cuales ya realizaron maravillas con la segunda y tercera entrega de las películas del Capitán América (de hecho para muchos, y hasta ahora, El soldado de invierno es la mejor película de este universo y Civil War es casi como si fuera Los Vengadores 3) y que aqui vuelven a demostrar su meticuloso control en un universo que debido a su gran cantidad de elementos se les podría haber desbocado. No en vano estamos hablando de una película que se ha ido fraguando durante una década (bueno, puede que menos porque dudo que en 2008 imaginaran que llegarian tan lejos), sugiriendo la presencia del villano Thanos hasta que aqui ha dado la cara y atacado en pos de conseguir las Gemas del Infinito.

Las expectativas ante dicho enemigo eran mayúsculas (no en vano ya fue sugerida su presencia en episodios previos) por lo que hay que admitir que el resultado, visto lo visto, de momento cumple con lo esperado: Josh Brolin (que pronto hará doblete en el universo Marvel al ser también Cable en Deadpool 2) logra crear un villano con matices coherentes, el cual tiene sus motivos para la destrucción que planea, lo que lo aleja del tópico enemigo que tan solo sirve como punching-ball para los superhéroes de turno (eso no sería extensible a sus acólitos de la Black Order, si bien vendrían a cubrir el puesto de esos desafios previos antes del desafio final en un título de estas características) Infinity War alcanza unos momentos épicos que bien podrían encaramarse el podium de los mejores vistos en este universo cinematográfico, aunque por contra hay algunos en donde se da un cierto alivio cómico a lo que está sucediendo de manera quizás poco coherente, pese a que como mínimo no se abusa de ellos.

Esta película se guarda sorpresas (que evidentemente no revelaré) entre las cuales está la aparición de algunos secundarios que creiamos ya perdidos en este amplio universo, o la ausencia de otros, supongo que motivada por el hecho de que había ya suficientes personajes con los que trabajar, si bien luego algunos no están tan desarrollados como se desearía (aunque aún así tiene mérito que el resultado final luzca como lo hace) Asimismo hay algunas indumentarias que nunca imaginé que podría llegar a ver en la gran pantalla, si bien el uniforme al que me refiero parece más funcional en esta cinta que en las viñetas en las que lo vi (lo que me lo hizo más tolerable), a lo que añadir el ya clásico cameo de Stan Lee y en el presente caso tan solo una escena tras los créditos, que le abre las puertas al personaje que pronto nos presentarán y que se supone que será quien ayude a resolver el entuerto con el que acaba esta entrega. En resumidas cuentas esta Infinity War es una película mastodóntica como no se había visto antes (por todos los elementos que maneja) de la que tan solo queda esperar que su conclusión esté a la altura de las circunstancias. 
============================
  • FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
  • FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 27 de abril de 2018
  • Galeria de posters por este enlace.
  • LO MEJOR: Teniendo en cuenta todo lo previo, que el resultado final encaje más o menos sin problemas y resulte el grandioso espectáculo que es sería lo mejor de esta ambiciosa superproducción.
  • LO PEOR: Ciertos momentos y detalles que no se pueden calificar de errores pero que quizás desentonan sobre el conjunto, aunque son perdonables sobre todo lo acertado.
  • LA ANÉCDOTA: Al preestreno al que fuí, más de la mitad de la sala se marchó nada más empezar los títulos de crédito: ¿es que tras casi una veintena de películas hay gente que no sabe que suele haber escenas tras los créditos? ¡Un verdadero fan se queda hasta el final!

martes, 24 de abril de 2018

¡OH, GENIO! (EDICIÓN INTEGRAL), DOCTOR WHO: REVOLUCIONES DE TERROR, BITCH PLANET (2): PRESIDENTA BITCH y BONE: CODA

Hay autores a los que conozco por sus obras desde hace tanto tiempo que son casi como de la familia, y si tras saber de ellos he podido ir siguiendo sus respectivas trayectorias de manera más o menos completa, la relación de complicidad que se establece con ellos aumenta. Eso es lo que me ocurre con Ralf König, del que he leido gran cantidad de comics, disfrutando con su talento a la hora de hacer vivir a sus personajes enredos de todo tipo, con la clara presencia en muchas de sus obras de una acertada crítica social contra las más rancias tradiciones, pero siempre con el sarcasmo por delante y la sexualidad como elemento primordial. De una forma errónea se le podría etiquetar de autor de comics underground de temática gay, pero afirmar eso sería una generalización equivocada a tenor del buen partido que ha logrado en ocasiones partiendo de ideas o conceptos bastante triviales.

Cuando supe que vendría para el Salón del Comic de Barcelona de este año me lo puse como objetivo, y entre su muy amplio historial de obras me decanté por la edición integral de ¡Oh, Genio! justo por su condición de recopilatorio. Para mi gran satisfacción conseguí dedicatoria, y ahora ya he podido leerla completa, porque lo único que había leido hasta el momento fue una versión parcial (la segunda parte, ahora que he podido leerla toda entera) En este caso la historia se centra en Manfred, un hombre gay (con tendencia al sadomaso) que trabaja en una copistería y comparte piso con Dörten, una mujer hetero, con la que coincide en llevar una vida amorosa que no es todo lo plena que a ambos les gustaría. Sus muchos debates sobre que podrían cambiar, hacer o decir para modificar dicha situación no les priva de que al final todo continue en la misma monotonia.

El remedio para arreglar sus apáticas vidas sentimentales parece llegar con la entrada en escena de una muy antigua tetera dentro de la cual hay un genio con dos versiones: o joven lampiño de belleza poética o un robusto machote peludo, estando al servicio de lo que ordene aquel que frote la tetera. Pero dicha dualidad viene de cuando ese genio fue "concebido" por un ifrit, ya que en origen se supone que era un "castigo" contra un humano demasiado extremista y radical (todo ello narrado en el desternillante inicio de esta obra) A partir de dicha premisa se sucederán todo tipo de situaciones divertidas que van desde lo que les sucede a los personajes principales hasta un escenario más "histórico", donde veremos como fue "creado" dicho genio y el periplo que tuvo a través de los siglos hasta llegar a manos de los protagonistas. Resulta bastante evidente que al final esta obra vendría a ser una evidente crítica contra los fanatismos religiosos y las pasiones exacerbadas, en la que König convence con unos carismáticos personajes muy bien desarrollados para transmitir dicha moraleja.
Ser seguidor de la serie Doctor Who es digno de mérito en este pais, ya que a diferencia de en su lugar de origen (donde es un producto triunfador) en España ha sido siempre una serie más bien minoritaria, lejos del triunfo que han cosechado otras. En su versión clásica me recuerdo de haberla visto en mi infancia, y por los gratos momentos que pasé con ella me enganché a la versión moderna a partir de la etapa de Matt Smith, si bien gracias al canal de televisión Boing recuperé todo lo previo, para a partir de ahi seguir al ritmo original que la emiten (algo similar, valga la comparación, a The big bang theory, que también enganché en la quinta, recupere en Neox lo previo y ahora la sigo a ritmo original)

Como es lógico todo lo relacionado con esta serie tiene una presencia minoritaria en este pais, siendo la gran mayoría merchandising de importación, por lo que tienes que tener unas buenas nociones de inglés si quieres ampliar tu abanico de entretenimientos con algo relacionado con Doctor Who, en clara referencia a otras opciones como las novelas o los comics... aunque esto último quizás con suerte ya quede solucionado. Para mi alegria hace unos meses me enteré de que la editorial Fandogamia iba a editar en español los comics de Doctor Who, y me propuse comprarlo nada más salir también como apoyo a los de la citada editorial (no en vano es una serie de éxito muy limitado en este pais y lo suyo no deja de ser una apuesta hacia los fans de la misma, por lo que cuanto mejores sean las ventas, más posibilidades hay de que salga más material)

Tras adquirirlo en el pasado Salón del comic de Barcelona ya me he leído el tomo titulado Revoluciones de terror, que contiene los cinco primeros capítulos del comic con el Décimo Doctor de protagonista que incluyen dos arcos argumentales, el que da título a este tomo y el de Las artes del espacio. Situados en orden cronológico después de que el Décimo Doctor dejara a Donna Noble como companion, estos dos arcos argumentales vendrian a ser el equivalente a los dos episodios de inicio cual si esto fuera una hipotética temporada televisiva, en donde el Doctor conoce a una nueva companion (en este caso Gabriela González, una joven de ascendencia mexicana, que nos presentan de forma concisa y acertada) con la que tendrá que primero salvar Brooklyn de unas criaturas psíquicas al acecho y caza de humanos, tras lo cual la llevará a ver una galería de arte de una amiga suya en otro planeta, donde tendrán que lidiar con su aprendiz con doble personalidad, una sorprendente habilidad para cambiar el entorno a voluntad... y ganas de acabar con ellos.

En resumidas cuentas este comic sería una buena oportunidad de ampliar el escaso catálogo de opciones en español de las tiene esta serie, disfrutando de un par de historias que tampoco son de una fundamental trascendencia, pero con las que se puede recuperar al Décimo Doctor (encarnado en la serie por David Tennant, recreando en las viñetas muy bien la forma de actuar del mismo) en lo que bien podría haber sido una hipotética temporada intermedia que en vez de en pantalla se puede ver en comic. El resultado final, satisfactorio para los seguidores de la serie, me deja a la espera de que será lo próximo que Fandogamia edite de Doctor Who.
Hace unos meses me leí el primer tomo de Bitch Planet, un comic tremendamente feminista bajo la premisa de una historia carcelaria ambientada en un futuro distópico a medio camino entre El cuento de la criada y Los juegos del hambre con toques a lo Tarantino. Aquel tomo inicial enseguida llamó mi atención, no solo por lo llamativo de su título (Planeta de las putas) sino por la notable historia que nos planteaba, por lo que ahora le ha tocado el turno a leerme el segundo volumen que lleva por título Presidenta Bitch.

De todas maneras lo primero que nos encontramos en esta nueva entrega es una historia sobre el pasado de un personaje ya fallecido, que aunque impactante (atención al bastante evidente tema de la pedofilia) en un principio puede hacernos pensar que no tiene nada que ver, aunque resulta interesante por el personaje de Makoto Maki, el padre de familia que nos presentan en ese número inicial y que tendrá un papel primordial en el arco argumental recogido aqui, hasta el punto de sentir una inmediata empatia por sus acciones.

Tras ese inicio hasta cierto punto aclarador de lo que vendrá después se continua el relato carcelario donde se quedó en el primer tomo, pero no se alargan las situaciones (como en principio se podría pensar) sino que es evidente la intención de finalizar, al menos esta parte, mediante una revuelta en la prisión que servirá para la introducción de un nuevo personaje: una Eleanor Doane que parece ser que fue la líder del mundo libre (por ella es el título del arco argumental recogido en el presente volumen) antes de que el Protectorado tomara el control y relegara a las mujeres a su mínima expresión. Lo más peliaguado que se le puede encontrar es que nos deja con un cliffhanger final realmente impactante, del que se tardará en saber su resolución ya que en el momento en que escribo esta reseña no hay material nuevo editado (de hecho los números hasta el momento, 10 entre este tomo y el previo, se dilataron durante cuatro años, por lo que me imagino que habrá que tener paciencia)
Por recomendación me leí hace unos años toda la saga épica Bone más sus dos precuelas, con las que admito que pasé muy buenos momentos, por lo que me sorprendió el encontrar este nuevo comic realizado con motivo del 25º aniversario de esta serie, del que desconocía por completo de su existencia.

Ante todo hay que dejar bien claro que este Bone: Coda no aporta nada que sea primordial o imprescindible para disfrutar la serie original, actuando más bien como complemento a ella. Además sería comic tan solo la mitad de este tomo (en una historia en la que el propio autor recupera a los personajes originales en un relato superfluo, como en la propia contraportada indica), ya que el resto serían dos extensas retrospectivas sobre Bone a cargo del propio Jeff Smith, creador de la misma, y Stephen Weiner. Sería esta parte que actúa a modo de extras la que me resultó más entretenida, ya que sirve para profundizar como fue el proceso de gestación de esta serie hasta convertirse al final en un exito.

sábado, 21 de abril de 2018

WONDERSTRUCK: EL MUSEO DE LAS MARAVILLAS, toda una sorpresa

Me leí la novela Maravillas en la que está basada esta película hace ya unos años, pero por circunstancias ajenas a mi voluntad se me escapó esta Wonderstruck: El museo de las maravillas cuando se estrenó el pasado mes de enero, aunque al final (al igual que he hecho con Loving Vincent) he podido recuperarla en sala de cine gracias a un evento que se celebra en mi localidad, saliéndome cada una por el muy económico precio de 5 euros (incluso si quisiera haberlas visto las 6 películas que entraban podía haberlo hecho por 12 euros, saliendo cada una por solo 2, lo que pasa que yo estaba interesado tan solo en las dos citadas) Ya centrados en el film tal cual, cabe indicar que tenía unas expectativas que más o menos han quedado satisfechas, ya que la adaptación de la obra de Brian Selznick, de la cual se ha encargado el propio autor (en este caso como guionista), es una cinta competente que me sorprende que haya pasado de manera tan desapercibida tanto a nivel de taquilla como en la temporada de premios en la que se estrenó.

En comparación mejor fortuna tuvo La invención de Hugo de Martin Scorsese, adaptación de La invención de Hugo Cabret, y el anterior libro de este mismo autor creado (al igual que el presente) mezclando elementos literarios y pictóricos con un resultado final realmente muy destacable, ya que conjuga ambos para que se entrelacen, ofreciendo un conjunto tan emotivo como significativo. Scorsese supo captar esa esencia en su adaptación y aqui Todd Haynes (director de esta) realiza también una gran labor, pese a no lograr un resultado tan redondo.

Sin desvelar spoilers cabe indicar que en la novela original el tramo del joven Ben en los años setenta es en inicio literario, mientras que el de Rose en los años veinte sería pictórico. ¿Cómo hacer resaltar esa diferencia en una película que es del todo visual? De manera muy ingeniosa el tramo del chaval sería en color y hablado, mientras que el que transcurre 50 años antes está concebido en blanco y negro, y cual si fuera el cine mudo que estaba de moda por aquel entonces. La historia los sigue, pese al medio siglo de diferencia entre cada uno, en pos de sus búsquedas personales: en el caso de él a un padre al que nunca conoció y en el caso de ella a una famosa actriz de cine mudo de la que es fiel seguidora. Ambos jóvenes tienen en común tan solo el sufrir una discapacidad auditiva, pero a partir de ahi la historia nos irá demostrando algo mucho más profundo que los une, hasta que al final lo que parecian dos historias diferentes queden del todo entrelazadas.

Esa clara diferenciación entre ambos personajes y los mundos por los que se mueven está muy lograda en esencia, pero se le podría achacar a la película la brusquedad con la que en algunos momentos salta de uno a otro para demostrar, pese al tiempo que los separa, lo paralelo de sus respectivos periplos existenciales. Aún así Haynes logra contenerlo lo suficiente para que no dificulte lo que al final desea mostrarnos (que vendría a ser el hacernos recuperar esa sorpresa infantil frente al descubrimiento de maravillas), pese a que ambas historias abusen un poco de las casualidades necesarias para hacerlas paralelas en esencia. En esta película su director vuelve a coincidir en un papel secundario con Julianne Moore, actriz que ya había colaborado con él en anteriores cintas, así como Cory Michael Smith (visto como Edward Nygma en Gotham, la televisiva serie precuela de Batman) que ya trabajó para él en Carol, su película previa a esta, hecho que desconocía hasta que la sorpresa de reconocer su rostro me hizo buscar el dato.

Cuando una película se tiene que sostener sobre los hombros de sus jóvenes protagonistas, estos tienen que llevar a cabo un trabajo bastante destacable, que es justo lo que sucede aqui con unos Oakes Fegley y Millicent Simmonds que saben dar la talla con solvencia (en el caso de ella incluso siendo su estreno en pantalla, teniendo en su carrera hasta el momento esta película y la posterior, y más reciente, Un lugar tranquilo, donde también hace una labor remarcable) En resumidas cuentas digamos que esta adaptación de la novela de Selznick consigue un destacado resultado final al que quizás sólo se le podría echar en cara el intentar ser más comercial (aunque en este caso sin conseguirlo en sus resultados en la taquilla) lo que no es obstáculo para no poder disfrutar de un film que tan solo busca el hacernos recuperar la ilusión y esa sorpresa infantil al descubrir los detalles maravillosos de la vida.
============================
  • FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
  • FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 5 de enero de 2018
  • LO MEJOR: La manera tan acertada de mostrar en imágenes dos relatos que en inicio eran diferentes, al ser literario uno y pictórico el otro, haciendo que se entrelacen con destacable acierto.
  • LO PEOR: Cierta brusquedad entre los cambios de ambos relatos así como un relativo exceso de casualidades.

viernes, 20 de abril de 2018

LOVING VINCENT, la hermosa primera película de animación al óleo

Aunque la animación esté ahora mismo en un momento destacado por la gran variedad que ofrece, la verdad es que la mayoría sería la muy común ahora animación por ordenador (que podriamos afirmar que ha sustituido a la tradicional, al menos en productos para las pantallas de cine) Fuera del inmenso grupo que genera la de ordenador, o sino en su defecto lo que aún se continúa realizando mediante la más clásica, estariamos antes curiosidades como la stop-motion, a la que dió un buen empuje Pesadilla antes de Navidad. Y a partir de ahi no se me ocurre ningún ejemplo (aunque no descarto que exista) ya que sería más a nivel anecdótico, por lo que ante mi curiosidad me decanté por recuperar la de Loving Vincent (que en su estreno no pude ver), ya que estamos ante la primera película de animación al óleo.

Resulta evidente que es justamente la manera tan llamativa en la que ha sido concebida el mayor atractivo con el que parte esta película de nacionalidad polaca dirigida por Dorota Kobiela y Hugh Welchman (a los que ni conocía) y con un reparto donde el nombre más popular, a nivel secundario, sería el de la actriz Saoirse Ronan (a la que se ha visto en films como por ejemplo The lovely bones de Peter Jackson) La película se rodó con actores y luego sus fotogramas pasaron a 125 artistas que los plasmaron al óleo, en un titánico homenaje a ese gran ejemplo del artista incomprendido que fue Vincent Van Gogh, con un resultado final tan hermoso como curioso, que igual podría haber dado mejor como corto que como largometraje.

El problema con el que parte el guión de este curioso film es construirlo cual si fuera un procedimental, labor que realizan con acierto pero que, debido a sobrepasar la duración típica de ese estilo en su formato más clásico, resulta monótono en algunos momentos. Todo se basa en las investigaciones que lleva a cabo el protagonista, Armand Roulin, hijo del cartero amigo de Vincent, cuando se embarca en el propósito de entregar una carta en mano a Theo Van Gogh, el hermano de ese genial pintor. Como pronto descubre que también ha fallecido, toda la película gira sobre sus investigaciones para llegar a establecer una hipótesis sobre la muerte de Vincent Van Gogh, evaluando si de verdad se suicidó o más bien es que había alguien que lo quería muerto.

No quiero dar lugar a equivocaciones, porque el hecho de que toda la película gire sobre los diferentes puntos de vista de los personajes que rodearon al citado pintor en sus últimos dias resulta sin duda interesante, pero sería la repetición de la estructura con la que se desarrolla la que me lleva a pensar que igual como cortometraje hubiera funcionado de una forma más notable que como largometraje (si bien dura tan solo 95 minutos) Por eso más allá de su precioso aspecto visual, que sin duda ya es de por si un gran homenaje a Vincent Van Gogh, en mi caso creo que salió más honrado el citado pintor en el emotivo episodio Vincent y el Doctor de la serie Doctor Who, donde aparte de la técnica si se ahondó con acierto en el drama más personal gracias a la acertada interpretación del actor Tony Curran.
============================
  • FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
  • FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 12 de enero de 2018
  • LO MEJOR: Su espléndido apartado visual y el titánico trabajo para conseguir llevarlo a cabo, ya en si todo un homenaje al famoso pintor.
  • LO PEOR: Su trama en algunos momentos se hace monótona, no estando al nivel de sus prodigiosas imágenes.

miércoles, 18 de abril de 2018

NATACHA (2), USAGI YOJIMBO Y LAS TORTUGAS NINJA, PERROS VS. GATOS, ¿QUÉ ES EL HUMOR? y WONDER WOMAN: WARBRINGER

No la conocía de nada pero he descubierto a un personaje realmente muy interesante de ese comic francobelga que ya me había deparado agradables sorpresas en el pasado: la intrépida y aventurera azafata Natacha, una heroina muy sensual para su época (hablamos de los años 70) pero que no cae (demasiado) en los estereotipos típicos de que si una es guapa, ha de ser tonta, a lo que añadir el mostrarla como una mujer resolutiva e independiente que no tiene necesidad de ser siempre la damisela en apuros.

Lo que puede llamar la atención es la disparidad de páginas entre historias, al no seguir esa tónica más o menos habitual en este estilo de comic de presentar aventuras de una duración determinada. De esa manera las más extensas en este volumen serían las tituladas Un trono para Natacha y El decimotercer apóstol, siendo la primera una trama de espionaje muy bien desarrollada y la otra una aventura arqueológica al estilo de Indiana Jones, estando ante dos historias realmente muy destacables.

El resto, aunque no tan extensas, siguen la misma tónica de relatos notables con unos buenos desarrollos de sus premisas argumentales: en Doble vuelo ofrecen una aventura trepidante que comienza con el secuestro de un avión por parte de nuestra protagonista, mientras que en Juego de manos, juego de villanos estamos ante una intriga muy al estilo de las de Agatha Christie pero con acertadas notas de humor, que tiene una resolución brillante teniendo en cuenta que apenas se extiende durante 13 páginas.

Este tomo se completa con tres historias breves, todas ellas destacables, más luego 26 páginas de extras, que sirven para acercarnos a un personaje bastante desconocido por aqui, pero que en su pais de origen triunfó, hecho evidente al mostrar a una protagonista tan femenina como atrevida, no haciéndola caer en los estereotipos para las mujeres que se estilaban por aquel entonces (donde tenian una posición más secundaria, a la sombra del protagonista masculino)

Aún así a nuestra heroina la suele acompañar un colega de trabajo llamado Walther, sin nunca ir más allá de la amistad, pero con una evidente tensión sexual en el ambiente, si bien lo mejor desarrollado en ese aspecto es el contraste entre sus diferentes personalidades y como reaccionan ante los diferentes giros argumentales que toman las historias en las que se ven inmersos (haciéndose evidente en algunos casos su época de origen)
En el más reciente Salón del Comic de Barcelona decidí comprar el comic Usagi Yojimbo y las Tortugas Ninja con la clara intención de lograr que me lo firmara su autor (Stan Sakai), invitado al citado evento. El objetivo lo logré, con lo cual ya tengo algo de un autor y su personaje al que conocí leyendo todo lo que había disponible suyo en las bibliotecas.

No sería la primera vez que estos personajes cruzan sus destinos (de hecho entre los extras del presente comic se adjunta la versión original del que fuera primer crossover entre uno y los otros) pero estamos ante lo que sin duda se podría tildar como un cértero cruce entre estos personajes, partiendo de una leyenda tradicional de la cultura japonesa sobre un siluro gigante, para a partir de ahi construir una destacable aventura con un ritmo muy fluido, en la que tanto el cuarteto de quelonios como el conejo samurai quedan muy bien definidos. Por ser breve (40 páginas) igual el formato grapa le hubiera ido mejor, pero bien por la editorial al decantarse por este formato tomo para coleccionistas que se completa con multitud de extras así como portadas variantes.
Entre tantos autores que he conocido gracias a las lecturas que me proporcionan las bibliotecas está José Fonollosa, del que destacaría sus comics sobre los gatos que inició con Miau. Con el grato recuerdo que tengo de ellos, sumado a mis anheladas ganas de tener uno (salvo perros y gatos he tenido toda clase de mascotas, siendo la última una cotorra argentina) así como otros factores, cuando en el más reciente Salón del Comic de Barcelona ví que estaba firmando este autor no dudé para allí mismo comprar uno de esta serie dedicada a los felinos y así tenerlo dedicado. 

Con el objetivo cumplido tengo que admitir este Perros vs.Gatos ha sido la gozada que yo me esperaba, realizando en él un divertido contraste entre los dos tipos de mascotas más usuales y el comportamiento habitual de las mismas. Aqui no hay ganadores ni perdedores, porque al final ambos son igual de entrañables, y en el fondo aqui no dejan de reflejarse situaciones que aquellos que hayan tenido alguna de estos dos tipos de mascota enseguida reconocerán (¡incluso yo, sin haber tenido, admiro lo acertado de algunas de las tiras al haberlo vivido en familiares y/o conocidos que si tenian o han tenido algún perro o gato!)
Aún hay alguno que cuando miro la revista por la biblioteca me parece más o menos simpático, pero es buena verdad que desde que ocurrió aquel caso de censura en la revista El Jueves a raiz de la abdicación de Juan Carlos I, los mejores dibujantes de la misma salieron de ella (o al menos los que a mi más me gustan) formando la revista digital Orgullo y satisfacción que duró tres años y medio.

El presente comic sería una recopilación de 100 chistes que intentan responder (con ironia, sarcasmo y bastante humor) a la pregunta que da título a esta obra, de la mano de autores de la citada revista digital como Ágreda, Albert Monteys, Alberto Gónzalez Vázquez, Asier y Javier, Bernardo Vergara, Guillermo, Paco Alcázar, Luis Bustos, Manel Fontdevila, Manuel Bartual, Mel, Morán, Oroz, Toni y Triz. El resultado bascula de la mano de cada autor si bien al final queda un entretenido ensayo donde se evalua ese concepto tan amplio que es el humor de las manos de quien mejor lo pueda analizar: los humoristas que se ganan la vida con él.
Siempre he pensado que el bastante amplio universo de los superhéroes (bien sea DC, Marvel o cualquier otra) podía tener más salida aparte de las viñetas, pero no tan solo a nivel visual en las múltiples adaptaciones para cine y televisión, sino también como novelas. En cambio, y que yo sepa, en caso de existir son más que nada a nivel anecdótico, y con escasos atractivos tanto para el lector habitual a estos personajes como al ajeno, si bien pueden ser como esa infantil justo también de Wonder Woman que me leí hace ya unos meses, donde al menos el personaje interactúa con otros de su mismo universo, sirviendo tanto como de incentivo para nuevos lectores como de guiño a los adultos que se acerquen a ella.

Esa que he citado era sobretodo infantil (aunque muy correcta de cara a su público potencial) pero hacía unos meses había visto en una libreria la novela Wonder Woman: Warbringer que pensaba yo que tomaría a la ahora muy popular heroina de los comics DC en una historia ya un poco más adulta. En estos tiempos, en que la literatura juvenil parece que no sepa existir si no es con sagas, esta novela sería la primera de cuatro, estando dedicadas cada una de ellas a lo que se denominan Iconos DC, por lo que tras esta tendrian que llegar las de Batman, Catwoman y Superman, cada una por un autor diferente. Los motivos para incluir a Catwoman junto a la trinidad más popular de los comics DC lo ignoro, si bien no me quejaré porque si llego a leerla pueda que me sorprenda y todo.

Quizás es que mis expectativas eran un poco altas, pero la cuestión es que tras leer esta novela al llegar a la biblioteca el resultado ha sido TAN SOLO entretenido, y aún así con matices. A diferencia de la infantil citada antes, en este caso no hay ningún tipo de interactuación (ni tan siquiera leve mención) a ningún otro personaje de los comics DC, empezando la historia cual si fuera el origen del personaje, aunque ambientado en la actualidad, y cambiando al inicial Steve Trevor por una adolescente como nuestra protagonista a la que tendrá que ayudar en una trama de esas donde se juega el destino de la humanidad. E insisto en que como mínimo es entretenido... pero me costó mucho imaginar a Wonder Woman como la protagonista de una historia en la cual ella podría ser plenamente intercambiable con cualquier otra superhéroina, siendo muy escasos los detalles relacionados con la mitología de este personaje.