domingo, 4 de diciembre de 2022

NOCHE DE PAZ, navidades con SANTA McCLANE (crítica sin spoilers)

Las navidades son unas fiestas agradables para unos y odiosas para otros. Desde mi punto de vista, más coincidente con el segundo grupo que con el primero, los que las disfrutan con ilusión son los que pueden celebrarlas con reuniones familiares (cumpliendo con los estereotipos pertinentes), y sobretodo aquellas en las que hay niños pequeños, que aún mantienen esa ilusión infantil por Papa Noel, Santa Claus, San Nicolás o como cada uno se tercie de llamarlo (a lo que luego añadir la llegada de los Reyes Magos
 
Pero luego está la versión de los que vemos estas fiestas como una mera excusa para fomentar el consumismo más exacerbado, con campañas de caridad para los necesitados (que te hacen preguntarte si esa pobre gente sólo come en estas fechas, porque el resto del año ni se acuerdan de ellos como ahora), banquetes pantagruélicos para comer hasta reventar (como si esto fuera una competición para alcanzar el mayor empacho) y anuncios de (sobretodo) perfumes, que parece que la gente sólo tenga la obligación de oler bien por estas fechas. 

En un punto intermedio entre ambas tendencias quedan productos como esta Noche de paz, cuyo título original es Violent night (más explícita en cuanto a lo que ofrece este film), que vendría a ser una "jocosa" variación de la típica canción navideña O Holy night. Dirigida por Tommy Wirkola, responsable entre otras de Zombis nazis o Hansel y Gretel cazadores de brujas, y protagonizada por David Harbour (Stranger Things o el Hellboy de Neil Marshall)... ¿que es Noche de paz?

Imaginemos una película navideña simpática como fue Solo en casa, y mezclemos eso con el film de acción navideño más emblemático de la década de los ochenta (Jungla de cristal, de título original Die hard), y el desaforado resultado final bien podría ser perfectamente algo como esta película. De hecho en este film se hace referencia a ambos títulos, cogiendo del primero las trastadas contra los intrusos (en este caso algo más sangrientas), y del segundo un símil de la relación que se establecía por radio entre John McClane (Bruce Willis) y el sargento Al Powell (Reginald VelJohnson), en este caso entre el Santa Claus encarnado con tremendo desparpajo por un divertido David Harbour y la jovencita Trudy Lightstone (Leah Brady), que pese a que le digan en cierto momento de tensión que no existe ese personaje tan navideño, tiene fé inquebrantable en él y esperanza de que les solucionará el problema.

¿Y cual es el incidente que lleva a este Santa Claus ha comportarse cual si fuera el protagonista de la franquicia Jungla de Cristal? Muy sencillo: al principio nos lo presentan como el verdadero Santa Claus, pero uno cansado y amargado de que el espíritu de la navidad se haya transformado en una mera cuestión mercantilista. Me parece muy ilustrativo cuando le indican, en su primera escena en un bar, que la mayor ilusión es la sonrisa de un niño, y él contesta que eso dura dos segundos antes de ir al siguiente regalo, ya que los inflan a obsequios haciendo que no sepan valorar lo que tienen. Cuando enmedio de su (agotadora) labor pasa por la mansión Lightstone, se encuentra con que unos mercenarios han secuestrado a toda la familia. Tanto los villanos como sus víctimas ejemplifican una desmedida codicia, los primeros por la fortuna familiar pero los segundos disputándose la herencia de la matriarca del clan.
 
Pero la esperanza está en la pequeña Trudy, totalmente ilusionada con la llegada de Santa Claus y a quien pedirá ayuda, mediante un walkie-talkie de juguete, para intentar salvar la situación. Al principio Santa tendrá sus dudas, pero poco a poco lo veremos cual John McClane, dando buena cuenta de los asaltantes de las formas más sangrientamente navideñas. Y es que este Santa, como él mismo revelará, tiene sus orígenes en la antigua mitologia nórdica, comentando como por aquel entonces tenía un martillo similar al de Thor, con el que machacó muchos craneos, por lo que no tiene ningún problema en enfrentarse con los "chicos malos". El resultado es una película gamberra, que en todo momento tiene conciencia del disparate que plantea (siendo entretenida justo por ello), pero cuyo único handicap sería la (no siempre) acertada cohesión entre el citado tono bárbaro y las ñoñerias típicas de estas fiestas.
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martes, 29 de noviembre de 2022

EL MENÚ, una deliciosa pesadilla en la cocina (crítica sin spoilers)

Las similitudes culinarias a la hora de escribir sobre una película son bastante usuales, y en un caso como este vendrían la mar de bien, pero antes que nada quisiera exponer mis pensamientos previos antes de ver el film El menú, ya que por los mínimos avances que ví, que una de sus temáticas fuera el ¿terror? era algo que me intrigaba y me llevaba a la duda. Tranquilos que podeis seguir leyendo porque esto es tan solo lo que me sugería la película ANTES de verla, que cambió una vez la pude ver (o, jugando a lo culinario, me deleité con ella) 

Lo primero que se me vino a la cabeza fue Blanco humano de John Woo, con Jean-Claude Van Damme de protagonista, por aquello de la caza del ser humano; mientras que estando presente el tema de la alimentación me recordé del personaje de Hannibal Lecter, todo un sibarita canibal, en cuya tercera entrega con Anthony Hopkins de protagonista ya estuvo de villano el actor Ralph Fiennes, presente en esta cinta dirigida por Mark Mylod
 
Ambas cosas me cuadraban con el hecho de que El menú se supone que es una sátira gastronómica con toques de crítica social, aunque tengo que admitir que fallé en mis presunciones, ya que lo que al final lo que prevalece es una de las sensaciones más antiguas, que según el refranero popular mejora si se sirve fría (nueva referencia culinaria que, con otra más, me viene al dente) Porque El menú sería sin lugar a dudas una de las mejores películas de este 2022.

A la hora de comer, cada uno tiene su particular manera de hacerlo, pero en cierto momento de esta película el personaje de Fiennes pide a sus comensales que NO coman... sino que saboreen, que degusten y que se recreen en los sabores de lo que les van a servir. Su personaje vendría a ser una acertada parodia llevada al exceso de esos chefs de renombre que no te ofrecen algo para alimentarte, sino más bien algo bonito para ser contemplado y admirado más que saboreado. Eso se caracteriza por platos donde lo alimenticio apenas te da para un bocado, pero por los que los más sibaritas pueden llegar a pagar cantidades exorbitantes, como le ocurre a los personajes de esta cinta: una pléyade de supuestos esnobs que en muchos casos viven de las apariencias (pero que también esconden sus oscuros secretos), entre los cuales entra por pura casualidad el personaje de Anya Taylor-Joy, cuyo caracter menos petulante que el del resto parece resaltar tanto del citado grupo de comensales como al propio chef encarnado por Fiennes.
 
Con una excéntrica manera de comportarse, a medio camino entre lo excéntrico y lo dictatorial, la férrea actitud de control absoluto que ejerce el chef Slowik sobre el destino exclusivo al que lleva a sus comensales (y TODO lo que allí acontece) no le acaba de cuadrar cuando se entera de que uno de ellos (el personaje de Margo, al que encarna Anya Taylor-Joy), no es el esperado en un inicio. Pese a todo seguirá con su idea de hacerles pasar a sus comensales una experiencia gastronómica única y excepcional, con una sucesión de platos a cual más excéntrico, y en donde lo que comenzó como un ágape un tanto arrogante (por el exceso de florituras en cada nueva receta) derivará en una despiadada crítica contra la petulancia de esa acomodada clase social, que en una situación problemática no deja de comportarse como seres humanos, en muchos casos mostrando pese a todo que son capaces de los comportamientos más miserables cuando las circunstancias se ponen en contra. Y todo ello con un ajustadísimo metraje de 107 minutos.

Para finalizar esta crítica, porque lo mejor es ir a ver esta película sabiendo lo mínimo de ella, me gustaría citar un detalle en el que no se ahonda, y por lo que creo que lo que podía haber sigo magistral se queda tan solo en un notable alto: la sumisión del equipo de cocineros de Slowik. Cuando quedan más o menos claras las características del personaje de Fiennes uno las puede entender (o no), pero resulta curioso que todos los del equipo culinario que le acompaña sigan con absoluta obediencia y sumisión todas sus órdenes (sirva de ejemplo el tono militar cada vez que da alguna palmada, siendo incuestionable TODO lo que venga de él), lo que me llevó a recordar a cierto villano de Marvel: el Hombre Púrpura, que debutó en las páginas de Daredevil y que se vió en la serie televisiva Jessica Jones a cargo del actor David Tennant. La capacidad de este personaje era controlar a la gente con su voz, pero como logicamente algo así no tiene cabida en un film como este, las motivaciones del equipo de Slowik quedarán sin justificación.
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  • FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
  • FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 2 de diciembre de 2022.

jueves, 24 de noviembre de 2022

AMERICA CHAVEZ: HECHO EN AMÉRICA / LUCKY LUKE: CHOCO-BOYS / HAPPY HOUR / THOR DIOSA DEL TRUENO: LA MUERTE DE THOR

AMERICA CHAVEZ: HECHO EN AMÉRICA

Aunque he leido de refilón cosas de America Chavez y la ví en la película Doctor Strange en el multiverso de la locura, no había leído ningún comic específico de ella, por lo que cuando detecté como novedad en el catálogo de las bibliotecas este America Chavez: Hecho en América no dudé en, como mínimo, probarlo. Es cierto que dentro de la nueva hornada de personajes que han surgido en Marvel en estos últimos años hay algunos que me convencen (Miles Morales o Kamala Khan por poner dos ejemplos), pero también otros con los que me ha sido imposible "conectar", y cuyos comics he devuelto a la biblioteca sin leer (como la Chica-Ardilla o la Avispa de Nadia Van Dyne) Afortunadamente America Chavez, con este comic, se situaría entre los primeros, cumpliendo ya desde sus orígenes algo que pensaba que había sido inherente en la película antes citada, pero que es vigente desde su mismo origen: joven latina lesbiana con madres de la misma condición. Pero eso resulta tan solo un mero detalle intrascendente para disfrutar en este tomo de una entretenida reinvención de sus orígenes, tocando temas tan candentes como el de la inmigración.

LUCKY LUKE: CHOCO-BOYS

En los últimos años he leído algunos comics especiales de Lucky Luke donde diferentes autores realizaban una historia como homenaje de tan mítico personaje de Morris, su creador. El primero fue El hombre que mató a Lucky Luke, despues Jolly Jumper ya no puede más y el más reciente fue Se busca Lucky Luke; pero admito que el que esperaba con ganas era Choco-Boys (que ví hace unos meses en una libreria de comics), sobretodo por lo sorpresivo de su autor: Ralf König. El resultado es una obra tan respetuosa con el personaje al que homenajear (que ya representa como un ídolo incluso dentro de esta misma historia, pese a que Lucky Luke no sea ni narrador ni protagonista principal de la misma) como coherente al estilo por el que se ha caracterizado König en sus comics (recordando mucho los vaqueros de Choco-Boys a las andanzas de su emblemática pareja gay formada por Konrad y Paul) De hecho es MUY EVIDENTE el guiño a la película Brokeback mountain, aunque también coherente por el desarrollo de esta historia, en un simpático homenaje donde König hace suya la obra de Morris, con un resultado tan destacable como recomendable.

HAPPY HOUR

Vivimos en una sociedad que parece obligarnos a ser felices, y aquel que no lo es parece no haberlo logrado porque no le ha dado la gana y no se ha esforzado lo suficiente. Esa sensación se acrecienta teniendo en cuenta la falsedad del marketing que nos obliga a un consumo desaforado, siempre con una sonrisa en la boca y sin ningún motivo de queja. Curiosamente eso lleva a que existan ahora mismo multitud de personas claramente infelices por no poder alcanzar dichos objetivos utópicos, y basándose en esa certeza Peter Milligan realiza en la serie limitada de seis números Happy hour recopilada en su integridad en este tomo una parodia satírica de ello, situando la acción en unos distópicos Estados Unidos donde tienes que ser feliz porque te obligan, ya que en caso contrario te inflarán (literalmente) a hostias. Absurdo, salvaje, gamberro y muy grotesco (todo ello en el mejor sentido) el mayor handicap de este comic sería quizás el hecho de que igual no daba para seis números (su planteamiento, aunque divertido y curioso, se antoja bastante exagerado), teniendo que haberse reducido su extensión para lograr ser más mordaz.

THOR DIOSA DEL TRUENO: LA MUERTE DE THOR

Muchas veces he citado como "conecto" más con algunos personajes que con otros (algo que me imagino le sucede a todo el mundo), y como uno de los que menos me llama es Thor, más allá que las películas en las que ha intervenido hasta ahora me hayan hecho más interesante algunos momentos concretos o algunos comics en particular. Aún así el nivel para mi en esos casos ha sido más o menos entretenidos según cada caso, hasta que con el presente tomo han conseguido lo que jamás pensé que admitiría con un comic de Thor: ME HA EMOCIONADO. Si, la muerte del título es la del Thor bajo el que se esconde Jane Foster (aunque llegados a este punto ya no sería algo tan secreto), pero el periplo emocional de este personaje, con un cáncer agresivo que la consume cuando suelta el Mjolnir, ha sido emblemático desde el inicio, llegando aqui a cotas que rozan la excelencia. Teniendo en cuenta que parte de mi interés en esta etapa era porque se iba a reflejar en la película Thor: Love and thunder, pero el reflejo de esta Diosa del Trueno en la pantalla ha sido TAN PARCIAL que RECOMIENDO SIN DUDA esta etapa de Jason Aaron. Y lo escribe alguien que no es fan de Thor ni de su mundo...

miércoles, 23 de noviembre de 2022

MUNDO EXTRAÑO, aventura pulp clásica (crítica sin spoilers)

Cuando se anunció esta película no me quise emocionar mucho pero... me ilusioné por lo que planteaba: un homenaje a los viejos seriales de aventuras y ciencia-ficción que poblaban las pantallas y los comics de hace décadas, así como al espíritu de obras clásicas de autores como Julio Verne, H.G.Wells o Emilio Salgari. Aún así asistí al pase con reticencias, por ser un film de la factoria Disney, con todo lo que ello conlleva (que no digo que sea malo, pero en donde influyen ciertos factores para que el resultado final sea un producto apto para toda la familia, lo que en ocasiones conlleva un tono más infantil y no tan adulto como sería el esperado según que momentos)

No negaré que eso está presente, pero al mismo tiempo es un toque coherente teniendo en cuenta que aquellas aventuras fantásticas de antaño se caracterizaban también por una inocencia que a los ojos del espectador actual puede parecer simpleza. De hecho cuando se nos presenta al intrépido Jaeger Clade se hace con todos los tópicos del personaje aventurero que es, aunque eso parece no haber pasado a la siguiente generación, ya que su hijo Searcher no ha salido con el espíritu de explorador de su progenitor. De hecho ambos se separan cuando en una expedición para salvar Avalonia (que es donde viven) Jaeger decide continuar hasta más allá del horizonte, pasado el límite de unas montañas que no ha superado nadie, mientras Searcher descubre una extraña planta que podría ser el remedio energético que precisan para subsistir.

Todo este primer tramo de la historia se nos plantea en imágenes recuperando el espíritu de aquellos viejos seriales que citaba antes, bien sea con fotogramas en blanco y negro o con páginas de las antiguas revistas pulp que los acogian. Pero aunque ese espíritu está presente en todo momento, lo que aqui hacen Don Hall y Qui Nguyen (los directores de esta película) es desarrollar algo diferente. Como es natural, al tratarse de un producto FAMILIAR Disney, el citado concepto lo pongo en mayúsculas porque se verán inmersos en esta nueva aventura tanto Searcher como su mujer Meridian (de raza negra), el hijo de ambos Ethan (gay discreto, para no ofender a los más susceptibles) y el perro de la familia (de tres patas se supone que por haber nacido así o por haber perdido una por motivos desconocidos), a los que sumar al perdido Jaeger, con el que se reencontrarán en el momento más inesperado. 
 
Con ese abanico rompen estereotipos de raza, discapacidad o condición sexual, aunque siga habiendo evidentes tópicos (patentes en Jaeger), dando cabida a una diversidad ya presente en los últimos estrenos de la factoria (sirva de ejemplo la pareja de dos mujeres vista en la reciente Lightyear) En su aventura en busca de una solución al problema planteado se desarrolla una historia con ecos de Viaje al centro de la Tierra de Julio Verne, aunque llegados a cierto momento ¡SORPRESA! cuando te queda claro el concepto orgánico de lo que se van encontrando a su paso, al beber esta película también de cierto film fantástico de 1966 cuya novelización corrió a cargo de Isaac Asimov. Aparte de vivir todo tipo de peripecias, tambien se verá el choque generacional entre los tres miembros de la familia Clade, aunque resulta un poco raro que el abuelo Jaeger acepte de tan buen grado la condición sexual de su nieto.
 
Dicha decisión la supongo basada en el hecho de que esto tenía que ser una película apta para todos los públicos, y no era plan de mostrar un abuelo intransigente o de mentalidad retrógrada... aunque sea tristemente algo de lo más común hoy en día (si bien siempre puede haber excepciones) Para divertir a los más pequeños se usa el "alivio cómico" del perro antes citado de tres patas (que reconozco que se hace entrañable), así como de una criatura tentacular azul sin posibilidad de vocalizar, pero bastante habil en lo de gesticular. Todos ellos se verán inmersos en una aventura atractiva, donde sorprende todo lo que se encuentran a su paso y al mismo tiempo resulta coherente cuando se comprende lo que es, en una clara moraleja para que aprendamos a vivir en nuestro entorno, sin la actitud actual del ser humano que está llevando al abismo el único planeta que tenemos para vivir, con un cambio climático temible.
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martes, 22 de noviembre de 2022

PUÑALES POR LA ESPALDA: EL MISTERIO DE GLASS ONION, crítica sin spoilers de este nuevo misterio encebollado para BENOIT BLANC

Aunque me aficioné al género detectivesco por el Sherlock Holmes de Miyazaki de finales de los años ochenta (tras lo cual pronto descubrí a Agatha Christie y personajes míticos suyos como Hércules Poirot o Miss Marple) tengo que admitir que hasta que no se estrenó a finales de 2019 la película Puñales por la espalda no supe que aquello que yo calificaba como un estilo a lo “Agatha Christie” (es decir: un misterio, un detective particular y varios sospechosos) se llamaba whodunit. El término proviene de la contracción del inglés Who has done it? o Who's done it? que se traduciría por ¿Quien lo hizo?
 
El éxito en taquilla de la película de Rian Johnson antes mencionada (Puñales por la espalda) ha llevado a que Netflix moviera ficha y se asegurara el tener las dos secuelas iniciales, de la cual esta El misterio de Glass Onion sería la primera. Con estreno limitado en cines el 23 de noviembre (aunque tan solo durante una semana), la plataforma la estrenará el 23 de diciembre, tratándose de una secuela escrita, producida y dirigida por Rian Johnson, donde Daniel Craig repite su personaje de Benoit Blanc en otra nueva historia de intriga y misterio que comienza en momentos de pandemia (un simpático guiño a nuestra más reciente actualidad), situada en un nuevo escenario (en este caso la mansión de un millonario al que encarna Edward Norton, que se encuentra en una paradisíaca isla) y con nuevos personajes implicados (y algún que otro sorprendente cameo: atención a con quien comparte piso el personaje de Daniel Craig...)
 
Si se tiene que definir de alguna manera esta secuela sería continuista, ya que el esquema de esta película no deja de ser un whodunit básico como el que se planteaba en Puñales por la espalda (no inventa tampoco nada nuevo), si bien se establecen algunos cambios más allá del escenario y los implicados. En este caso Blanc se ve inmerso en la historia cuando en si aún no se ha cometido ningún crimen (aunque algo se está maquinando...), si bien por lo demás no deja de seguir el mismo esquema cuando lo previsible (algo que desmonta bien pronto el personaje encarnado por Daniel Craig) da paso a lo imprevisible (lo planteado como un sencillo pasatiempo se convierte en algo mucho más peligroso), jugando las mismas irónicas cartas que hicieron triunfar al film precedente, aunque sin ningún tipo de innecesaria conexión (más allá de su protagonista), haciendo de Glass Onion tanto una secuela modélica como un film totalmente independiente.
 
En el caso de esta película su propio título se tiene que tomar como una metáfora de la historia que se nos plantea: Glass Onion se traduce como cebolla de cristal, y tal cual uno pueda imaginar dicho concepto, lo que nos ofrece Rian Johnson es algo que puede parecer tan claro como el citado cristal (de hecho en un principio pensé que todo sería una maquinación con visos de realidad, tal cual descubre el propio Blanc al poco tiempo), pero que realmente esconde una verdad escondida bajo capas y capas de pistas y certezas parciales, que el Benoit Blanc de Craig irá haciendo encajar para desentrañar el misterio... pero sin olvidarse de los espectadores (ya que llegados a cierto momento se ofrece un extenso flashback que aclara cualquier tipo de duda sobre lo que sucede)
 
¿Cual es entonces el problema de esta Glass Onion? No me quejaré de su muy intrincado guion, que hace que al final todo cuadre, pero el metraje se dispara más allá de las dos horas, lo que causa que el ritmo sea en algunos momentos algo irregular, recreándose en exceso en su (por otra parte) fascinante ambientación de algunas de sus secuencias. Digamos que el sarcasmo y la ironía serían las columnas sobre las que se sustenta esta cinta (repitiendo lo que ya funcionaba en el título precedente), haciendo más llevadero dicho exceso de metraje. Asimismo Glass Onion es todo un recital actoral para sus integrantes, donde sin duda sobresale un sarcástico Daniel Craig que nos deja con las ganas de volverlo a ver resolviendo misterios cual si fuese un clásico detective de las novelas de Agatha Christie.
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  • FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
  • FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 23 de noviembre de 2022 en cines (sólo por una semana) y 23 de diciembre en Netflix.
  • Galería de posters por este enlace.