HOWARD EL PATO: ATRAPADO EN UN MUNDO..., BUFFY CAZAVAMPIROS (OMNIBUS 1 A 7) y LAS FÁBULAS MECÁNICAS: GUILLERMO DEL TORO

Ahora estamos en una temporada en la que tenemos la suerte de ver adaptaciones al cine de un montón de comics, sobretodo de superhéroes. Pero sean luego mejores o peores (ahi depende de cada cual) el primer personaje de la popular Marvel en dar el salto al cine en una película de gran presupuesto fue Howard el pato, en un film de 1986 que fue un estrepitoso fracaso pese al supuesto amparo de venir avalado por George Lucas (que tenía entonces aún más o menos reciente su primera y mejor trilogia galáctica) Dicha película la ví hace un buen montón de años en un pase televisivo, quedándome el recuerdo de que era una tonteria olvidable, pero lo cito para dejar clara cual era mi experiencia previa en este estrambótico ser antes de leerme este tomo.

Howard el pato: atrapado en un mundo que no es el suyo recopila el origen de este peculiar personaje, nacido en los años setenta como intento de no perder lectores (lo que deja bien a las claras la desesperación de Marvel, ya que cualquiera cosa valía por muy disparatada que fuera) Este pato parlante vió la luz en las páginas de la serie del Hombre-Cosa, durante una especie de jaleo interdimensional que (lo siento, tengo que admitirlo) no me acabó de convencer por ser un popurrí un tanto bizarro de fantasía y del subgénero de magía y brujeria con infulas de pseudo-Conan demasiado deudor de su época y que se me hizo muy pesado. 

En inicio su creador se deshizo pronto de este pato, pero no tardó mucho en recuperarlo (casi se podría decir que por voto popular) dando lugar a lo que se podría considerar un anticipo, en su tono satírico de análisis de la actualidad de aquel momento, a lo que años después sería Los Simpsons, siendo en esos momentos cuando más disfrutas de las peripecias de este peculiar pato en nuestro mundo y conviviendo con lo que para él son "monos sin pelo" (o sea, los humanos) De las muchas andanzas aqui incluidas destacaría cuando se presenta para Presidente de los Estados Unidos, que sirve para hacer una gran sátira sobre los chanchullos que aún hoy en día (más de 40 años después) estan presentes en el mundo de la política. Fumador de puros empedernido (algo que sería dificil de tolerar en nuestra sociedad actual) tambien les da un buen repaso paródico a las por entonces muy famosas películas de kung-fu, el terror gótico o los excesos en el mundo de los superheroes.

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Hace unos meses me leí el primer Omnibus de los comics de la serie Buffy Cazavampiros pero lo que no me esperaba es que entraran todos los demás, por lo que tras hacer una nueva lectura del primero, me he dedicado a dar buena cuenta de todos ellos. Siguiendo en continuidad en el segundo vemos como Buffy y Dawn viven el divorcio de sus padres, como la lian en diversos lugares Spike y Dru, el despertar de un demonio samurái o el intento de abrir la boca del infierno (estos últimos ya dentro del estilo de la serie, mientras que los primeros mas como precuela a la misma) En el tercer tomo hay toda una serie de historias autoconclusivas (a excepción de una dividiva en dos partes) que plantean todo tipo de puntos de partida (no todo van a ser vampiros) y que resultan amenas, estando algunas ambientadas en fiestas como Halloween, Acción de Gracias o Año Nuevo, y que se situarían cronológicamente en la tercera temporada de la serie.

Eso mismo se repite en el cuarto con un arco argumental más extenso donde Buffy y Angel combaten a Selke (personaje visto en el tomo previo) al que le siguen unas historias cortas variadas y más o menos correctas, acabando con un duelo contra una criatura llamada El Vacío y el dia de graduación en Sunnydale (esta última con cierto tono romántico) Por su parte en el quinto nuestra heroina y sus amigos se enfrentarán a fantasmas, extraños insectos, poderes vudú o demonios (incluso teniendo que pactar con ellos para combatir un mal mayor) en unas aventuras donde Angel ya no está y es Spike quien toma más relevancia. En el sexto tras cinco iniciales aventuras cortas (la de Giles con toques de Lovecraft) lo más destacable sería la inclusión de personajes nuevos como Tara (la novia de Willow) y Dawn (la hermana pequeña de Buffy), aunque algunas de las historias son demasiado deudoras de los capítulos de la serie que las generaron, algo que se repite en el séptimo, en el que el nexo de la mayoría de las andanzas incluidas gira en relación a la muerte inicial de Buffy y su posterior resurrección (o sea, finales de la quinta y principios de la sexta temporada de la serie de televisión)

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Guillermo del Toro es un director bien conocido por todos pese a que su carrera no ha sido muy extensa, aunque leyendo este libro si que queda claro que ha sido muy intensa, ya que aparte de las obras con su nombre que nos han llegado, en su mente (y en mayor o menor medida de desarrollo) se mueven infinidad de proyectos, algunos realmente interesantes, a la espera de que las circunstancias permitan llevarlos a cabo algún día.

Las fábulas mecánicas vendría a recoger un somero repaso artístico y crítico de los nueve films dirigidos por este director hasta la fecha, con diferentes opiniones sobre los mismos con las cuales el lector puede estar más o menos de acuerdo. Tras un prólogo a cargo de su amiguete Santiago Segura viene una introducción, donde se repasa la historia de Del Toro (con algunos detalles curiosos que desconocía), para dar después paso a las citadas reseñas de su filmografía hasta la fecha (cada una por un crítico diferente, de ahi que se puedan compartir o no las citadas valoraciones) Tras ello el coordinador de esta obra incluye la transcripción de una extensa entrevista de tres horas que mantuvo con Guillermo del Toro, la cual peca quizás de cierta aleatoriedad al no seguir un orden temático específico sino que va saltando de una cosa a otra (me imagino que por ser el compendio de tres entrevistas de una hora realizadas en fechas diferentes tal y como se indica al final de la misma) Se completa la obra con la ficticia biografía del personaje de Jessica Chastain en La cumbre escarlata, lo cual sirve para ver la forma tan rigurosa en la que prepara sus proyectos el famoso director azteca.

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LA BELLA Y LA BESTIA (2017), no era necesaria pero se deja ver bien

Entre finales de los ochenta y principios de los noventa la Disney logró un nuevo renacer con una serie de títulos de animación que no solo gozaron del beneplácito del público sino que también del de la crítica, siendo el más emblemático de ellos el de La bella y la bestia en 1991, que logró incluso ser la única película de animación nominada al Oscar a mejor película (antes de que la animación tuviera su propio galardón en dichos premios) Con el resurgimiento que ha habido de títulos que reinterpretan cuentos clásicos en acción real que se inició con la Alicia en el Pais de las Maravillas de Tim Burton ya se realizó una nueva versión francoalemana de la presente historia que se estrenó en 2014, pero que tan solo hacia añorar el film original de Disney. Ahora son ellos mismos los que llevan a cabo un remake con un llamativo plantel actoral al frente del cual situan a una Emma Watson que encarrila su carrera tras ser la Hermione Granger de la franquicia Harry Potter.

La citada moda de volver a contar las mismas historias tan solo que con pequeños retoques ha tenido resultados dispares, pero la misma le está resultando rentable a la Disney al apoyarse en la nostalgia de su amplio catálogo de clásicos animados, y que el año pasado obtuvo buenos resultados con la nueva versión de El libro de la selva, que incluso logró un merecido Oscar a los mejores efectos visuales. En esta nueva versión de La bella y la bestia hay que reconocer que lo que deslumbra visualmente sería su diseño de producción, siendo en ese aspecto muy similar al de la Cenicienta de Kenneth Branagh.

En mi caso tengo que agradecer el haber asistido al pase del film en versión original subtitulada, ya que ello me permite no solo escuchar las dotes cantoras de Emma Watson (que se decantó por trabajar en esta película frente a la oferta que tuvo para LaLaLand en el papel finalmente interpretado por Emma Stone) sino que he podido disfrutar de las voces originales de Ewan McGregor, Ian McKellen, Stanley Tucci y Emma Thompson, ya que ellos son parte de los objetos que conviven con la Bestia y que conforman los simpáticos secundarios de la historia original que todos recuerdan (no diré cual es cada uno porque la gracia está en descubrirlo, aunque logicamente solo se les verá fisicamente en el tramo final) Eso si, justo es admitir que los nuevos temas musicales no aportan nada de especial relevancia al film, siendo los clásicos los que mejor funcionan... aunque también con matices.

Una de las escenas más recordadas del título animado de 1991 es el famoso baile de la pareja protagonista mientras suena el tema "Bella y Bestia son" (en su traducción al castellano) Ese momento también está aqui, pero a diferencia de lo que en el original era más fluido y natural, en esta ocasión se ve como "forzado", lo que me dejó un tanto insatisfecho (pero en compensación pude escuchar en una sala de cine la citada melodía, ya que el título original lo ví por primera vez en video, siendo de esas canciones míticas que siempre enamoran, sea luego mejor o peor el resto del conjunto) Porque lo que nadie puede discutir es lo innecesario de muchos remakes que se llevan a cabo, sobretodo (como ocurre aqui) cuando la película original no es tan antigua (aunque en el caso que nos ocupa sería evidente porque le sirve a la Disney para reverdecer sus éxitos de antaño)

En un momento en que el metraje de las películas se suele inflar de manera más o menos innecesaria, esta nueva versión de La bella y la bestia sería un ejemplo de ello, pero aunque esos citados añadidos funcionan en mayor o menor medida, tampoco aportan nada más allá de detalles secundarios como por ejemplo sobre la madre de la protagonista o los gustos literarios de Bella (que más tópicos no pueden ser: el Romeo y Julieta de Shakespeare) haciendo que lo que en el original nos narraban en 85 minutos aqui se dilate hasta los 130. Entre esos añadidos uno de los más ridículos viene a colación por la supuesta inclusión de un personaje gay en el film (LeFou, el secuaz de Gastón) lo cual parece tan solo un calculado ardid para levantar expectación por el film y aumentar su rentabilidad en taquilla, siendo tan solo un recurso MUY superficial.

La sensación final que me queda de esta nueva versión de La bella y la bestia es que estamos ante un nuevo ejemplo de revisión innecesaria (porque los detalles nuevos poco importante aportan) pero que está resuelta de manera más o menos entretenida aunque sin la notable genialidad de la película original. Apoyada por un llamativo reparto estelar (recomiendo verla en versión original subtitulada) hará sin duda recordar, aunque para nada olvidar y mucho menos superar, la mítica cinta animada de 1991.  

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 17 de marzo de 2017
• LO MEJOR: Tiene un fastuoso diseño de producción y en si es una película entretenida con un reparto actoral muy destacado.
• LO PEOR: Es el enésimo ejemplo de remake que no hacia falta, pero mientras tengan su público seguirán fabricándose más.

KONG: LA ISLA CALAVERA, un entretenido film de serie B de clase A

Hay criaturas míticas que quedarán para siempre asociadas al cine, y sin duda que King Kong es una de ellas: tras ese CLÁSICO de 1933 donde se dió a conocer, sus otras apariciones más llamativas estarian en la versión que tuvo en 1976 o la más reciente de 2005 dirigida por Peter Jackson, sumándose ahora la presente película con un reparto estelar y una estrella (el mencionado simio) de proporciones pantagruélicas. Pero a diferencia de lo visto antes, aqui no asistimos a como el famoso King Kong es llevado a la civilización (y lo que allí ocasiona) sino que esta vez lo veremos en su hábitat natural, que es el que da título a esta película, lo que se agradece porque el film de 1976 fue tan solo una actualización mientras que el de 2005 se podría considerar una especie de remake y/o homenaje al título clásico, pero en ambos casos sin aportar cambios de mucha trascendencia.

Pero cuidado, tampoco quiero decir que estemos ante un film maravilloso, aunque sin duda no puedo negar que es un GRAN entretenimiento con el que disfrutarán todos aquellos que tengan asumido el tipo de película que van a ver, y que vendría a ser una mezcla entre el King Kong más clásico, Jurassic World y Apocalipsis Now (esto último ya evidente incluso en uno de los posters editados para la promoción de la película) Citar la saga de dinosaurios iniciada por Spielberg puede hacer recordar a muchos que ya hubo de ellos en la versión de 2005, pero el problema allí fue que a Jackson se le disparó la grandilocuencia en un título que debería haber tenido unos buenos tijeretazos en la sala de montaje para reducir su excesivo metraje.

En esta ocasión la película dura lo que tiene que durar (unas justas dos horas) dejando el terreno abierto, aunque su final sea cerrado, en una escena después de los títulos de crédito que recomiendo no perderse por ese futuro combate que da a entender. Antes de eso nos presentan a un variopinto número de personajes que quedan perfilados con unos pocos esbozos básicos para meternos cuanto antes en la aventura, que será basicamente el intentar salir con vida de la isla del título (de ahi mi comparación previa con Jurassic World) Ambientada en el final de la Guerra de Vietnam, el grupo que irá hasta la Isla Calavera estará liderado por el personaje de John Goodman, al que acompañarán un grupo de militares bajo el mando del encarnado por Samuel L.Jackson, aunque los protagonistas más evidentes serían el rastreador y la fotografa a cargo de Tom Hiddleston y Brie Larson respectivamente.

Justamente es esa pareja la que me hizo recordar a la de Chris Pratt y Bryce Dallas-Howard en la Jurassic World antes mencionada, por lo que resulta previsible su destino, mientras que del resto de personajes que pululan por la película hay de todo, aunque recomiendo no encariñarse con ninguno. Aparte de los citados también destacaría el de John C.Reilly que sirve de alivio cómico (sin abusar de ello, que era mi inicial temor, y con algunos momentos de un acertado humor negro) logrando la inmedita empatía del espectador, aunque la película se resiente de algunos que parecen mero relleno (y no me refiero tan solo a las víctimas de los monstruos) aunque a cambio tenemos unas escenas de batallas épicas entre criaturas gigantescas que serán todo un deleite para aquellos que se acerquen a este título buscando justamente eso.

En resumen se puede decir que esta Kong: La Isla Calavera es un entretenimiento muy digno que no aspira a nada más y que hace años podría haber dado de si una muy simpática película de serie B, que sería en el fondo lo que es, lo único que ahora con un plantel actoral y unos costes de serie A (190 millones de dólares de presupuesto que lucen espléndidamente a nivel visual, tanto en el diseño de las criaturas como en los exóticos lugares donde se ha rodado el film: Hawaii, Australia y Vietnam) Con la ventaja del carisma de algunos de los intérpretes de su elenco y de un ritmo que no decae con algunas escenas ESPECTACULARES sin duda alguna dejará satisfechos a los que vayan a verla como la simple película de monstruos que aspira a ser.

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 10 de marzo de 2017
• LO MEJOR: El carisma de su plantel actoral principal (porque las actuaciones se quedan tan solo en lo correcto) y unos efectos visuales realmente portentosos.
• LO PEOR: Su simpleza en el desarrollo de los personajes.

UN GATO CALLEJERO LLAMADO BOB, superación personal felina

Hace unos meses me leí el libro en el que está basada esta película, el cual tengo que admitir que me agradó bastante, por lo que en cuanto pude hice lo mismo con su secuela, también muy satisfactoria. Todo se centra en James Bowen, un joven inglés que tras la separación de sus padres se quedó solo en Londres acompañado de una guitarra con la que se ganaba el sustento diario tocando por las calles, el cual le servía para malvivir y pagarse su adicción a las drogas. Decidido a superar su problema con la heroína, su fuerza de voluntad le hacía flaquear todas las veces en las que se lo proponía, hasta que en su última oportunidad, cuando seguía el tratamiento con metadona para salirse de su vicio, su suerte cambió.

Alojado en un humilde piso proporcionado por su trabajadora social, que mantiene las esperanzas en nuestro protagonista, Bowen entablará allí amistad con una joven chica de espíritu libre de la cual se enamorará, y allí también conocerá a un gato que le cambiará la vida para siempre. Y es que el día en el que ese gato normal y corriente se coló en la casa de nuestro protagonista lo que menos podía imaginar es que entraba en su piso el aliciente o punto de inflexión que necesitaba su propia vida para encarrilarse por el buen camino.

Bautizado como Bob por esa amiga citada de nuestro protagonista, no tiene a priori nada que lo haga destacar por encima de otros felinos de su especie, pero pronto se estableció una relación de camaradería entre él y Bowen que iba más allá de la simple relación entre dueño y mascota, hasta el punto de que le dió al citado Bowen esa suficiente motivación para enderezar su desastrosa vida, ya que cuidando y protegiendo a Bob empezó a cuidarse un poco más a si mismo, recuperándose de su adicción con las drogas (aparte de la fama que se fue granjeando en sus paseos por Londres, primero tocando la guitarra y luego vendiendo una revista para fines sociales, porque siempre iba acompañado por Bob encaramado a sus hombros, lo que llamaba la atención de la gente) El progresivo éxito llevó al libro, el cual derivó en este film, por lo que como resulta evidente de suponer, tanto uno como otro ya no viven en las calles como vagabundos.

Cabe señalar que esta película toma detalles tanto del primer libro (que acaba cuando le proponen la realización del mismo) como del segundo (donde vemos como el protagonista superó la fase final de su rehabilitación de las drogas) pero también es cierto que Bowen pasó por muchos malos momentos que en este film están un tanto reducidos, por lo que para algunos puede ser tan solo la enésima historia de superación personal. Aún así resultan ingeniosos los momentos "a vista de gato" además de que sea el propio Bob quien se interprete a si mismo en este film (con alguna que otra ayuda, como se lee en los créditos finales) por lo que quien disfrute con Un gato callejero llamado Bob le animo a descubrir su origen literario: claro, conciso, nítido y sincero. Los que tengan o haya tenido mascotas saben de la especial relación que uno establece con ellas, por lo que serán los que más comprendan (y disfruten) esta historia.

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: sin determinar
• LO MEJOR: La buena labor de Luke Treadaway como James Bowen, y el carisma del gato Bob interpretándose a si mismo (lo cual en algunos momentos resulta curioso ya que son ellos dos los únicos que hay en pantalla)
• LO PEOR: La historia del protagonista tiene momentos poco agradables, un tanto suavizados en el film.

SPIDER-GWEN: UN GRAN PODER y FROST: PERRITO DE AVENTURAS

Tengo que reconocer que me lo pasé muy bien con el crossover Spiderverse (traducido aqui en España como Universo Spiderman) porque presentó multitud de variantes del famoso arácnido de Marvel. Aunque había para todos los gustos (algunos eran mero relleno y clara carnaza para los parientes de Morlun, villanos de aquella saga) hubo una que me encandiló, así como a gran cantidad de fans: Spider-Gwen. No es la primera vez que hay un personaje femenino arácnido en los comics de Marvel (de hecho ha habido varias versiones de Spiderwoman, e incluso hubo una Spidergirl paralela bajo cuya máscara estaba la hipotética hija que hubieran tenido Peter Parker y Mary Jane Watson) pero resulta extraño que nadie hasta ahora hubiera pensado en esta combinación, porque para los fans de Spider-Man significa unir en un mismo concepto el superhéroe que todos quisieramos ser junto con la novia que todos quisieramos tener, a lo que ayuda en gran medida una personalidad propia en su uniforme, lejos de esa simple "Spider-Man con tetas" como calificaron algunos en su momento a la antes citada Spidergirl.

Si el Universo Marvel tradicional es el 616, las andanzas de esta SpiderGwen son del 65, en el cual (y tal cual si fuera un muy ingenioso What If) no solo ha sido diferente el destino de la hija del Capitán Stacy, sino que también nos cruzaremos con versiones alternativas de Ben Grimm y Frank Castle (aqui ambos policias), Matt Murdock (en este mundo al servicio de Kingpin) así como diferentes variantes tanto para el Capitán América como para el Halcón. Aún así el drama siempre acompaña a Peter Parker y Gwen Stacy, porque si en el Universo Marvel tradicional la muerte de ella fue un revulsivo, en esta Tierra-65 ha sido a la inversa, ya que intentando recrear los poderes de su ¿amiga? (¿podrían haber sido algo más?), Peter Parker acabó muriendo tras su transformación en el Lagarto (encima con la mala fortuna de que las circunstancias hacen parecer culpable a SpiderGwen de dicho fallecimiento)

Con un muy acertado guión a cargo de Jason Latour (que nos envuelve en una historia tremendamente entretenida), se le ajusta realmente muy bien el dibujo de Robbi Rodriguez, a cargo de 5 de los 6 números que conforman el arco argumental recogido en este tomo (y el cambio se nota cuando comparas con el no tan acertado arte de Chris Visions en el número 5 que es el que está a su cargo) Tambien es cierto que el tono de la historia puede parecer demasiado juvenil, pero se nota muy claro que está orientado hacia un sector que quizas Marvel tenía un poco olvidado (las adolescentes) en el que podría también entrar la Ms. Marvel encarnada por Kamala Khan (cuyos 4 primeros tomos he tenido la suerte de poder leer de la biblioteca) Un comic muy disfrutable que se completa con una galería de portadas alternativas que en algunos casos son dignas de ser enmarcadas por la calidad artística que desprenden (y es que no se puede negar que SpiderGwen MOLA por su elegante indumentaria)

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El lector habitual de este blog creo que está situado entre los que superan con holgura los veinte hasta los que ya son cuarentones (aunque como es evidente puede haber tanto más jóvenes que eso como más mayores) A algunos he tenido el honor de conoceros en persona cuando se ha celebrado algún salón del comic o en algún pase de prensa a los que acudo, y sé que teneis pareja e incluso niños pequeños a los cuales (en la medida de lo posible) les intentais traspasar vuestras aficiones, o como vulgarmente se diría "frikadas"

Pues bien, este Frost: perrito de aventuras es ideal para vuestros nenes y nenas (o para los de algunos que conozcais por ser familiares y/o amigos) porque es el más bonito legado de amor que uno le puede dedicar a su mascota. Porque si, ese nombre no está elegido al azar sino que corresponde a una mascota del autor, una a la que tuve la alegría de conocer en vida y de la que me apené en su muerte. Pero cuando otro se hubiera quedado tan solo con el recuerdo (en pasado) el autor decide ofrecerlo al futuro, a las nuevas generaciones, en un libro muy entretenido para los más pequeños y con algún que otro guiño a los mayores si son (como yo) habituales lectores de comics o cinéfilos. Sinceramente un hermoso legado en el que además podeis disfrutar de la colaboración de unos cuantos (y buenos) artistas en una obra que donará el 50% del beneficio a la protectora de animales El Arca de Noé de Sevilla, por lo que si estais interesados aprovechar porque la tirada inicial es de tan solo 200 ejemplares (podeis pedir el vuestro o por su comunidad en Facebook o al email doc@docpastor.com)

ESCAPAR: HISTORIA DE UN REHÉN, ODA A KIRIHITO, CÉSAR (INTEGRAL), CABALLERO LUNA: APAGÓN y RANCIO NO, LO SIGUIENTE (reseñas)

De Guy Delisle me he leido todo lo disponible en las bibliotecas, por lo que no podía perder su obra más reciente, cuyo título es Escapar: historia de un rehén. Despues de una serie de comics que le han granjeado su prestigio actual, y centrados en sus andanzas personales a lo largo de su vida profesional, aqui el citado autor se vuelca en la vida de otra persona, en este caso la de Christophé André, miembro de una ONG médica que tuvo la mala suerte de sufrir un secuestro en su primera misión humanitaria, a finales de los años 90.

Delisle nos traslada al infierno que vivió André durante los 111 días que duró su cautiverio, en los que sus únicos y más fieles compañeros eran sus pensamientos acerca de la situación que estaba viviendo (demostrando tener una gran entereza frente a las condiciones en las que estaba preso) Durante ese tiempo cualquier otro se hubiera vuelto loco, pero Delisle logra que tengamos una empatía sincera hacia nuestro protagonista cuando vemos como intenta pasar la monotonía de las horas y los días sin desfallecer ni perder la esperanza en que más pronto que tarde se solucionará su situación (por más que la misma se dilató mucho más de lo que él se pensaba) La notable labor del autor consigue que el lector se ponga en la piel de André y sufra por su destino, gracias a una destacable aplicación del más básico arte secuencial para dotar a la narración de esa sensación de opresión que tiene que transmitir.

La portada de este comic ya describe gran parte de la situación que veremos en él, porque André se pasó mucho tiempo esposado a un radiador y sobre un colchón tirado en el suelo, por lo que al leer este comic uno no puede menos que admirar la entereza de este ser humano, que pese a todo no perdió sus convicciones y al poco tiempo siguió colaborando en causas humanitarias (tranquilos, NO es spoiler, porque ya la misma contraportada explica que varios encuentros entre André y Delisle son los que han dado como resultado esta obra)

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Hablar de Osamu Tezuka son palabras mayores, porque fue sin duda un genio en casi todo lo que hizo (que fue mucho, por lo que también podemos dar gracias por ello) Con una labor tan prolífica lo que ocurre es que tiene obras más conocidas y otras que no lo son tanto, siendo esta Oda a Kirihito (editada en dos tomos) una de las segundas, lo cual no es obstáculo para gozar y descubrir en ella otra nueva maravilla del maestro Tezuka.

Lo que nos plantea aqui es la odisea de un médico (el Kirihito del título) cuando emprenda una cruzada en pos del origen de una extraña enfermedad que transforma a los que la contraen, dándoles un aspecto perruno. Intentando conseguir una cura cuanto antes, el destino le traerá un funesto resultado que le llevará a vivir varias andanzas por distintos paises, cruzándose con varios personajes, tanto amistosos como hostiles.

Dentro de una trama con tintes médicos, y siendo eso mismo el protagonista principal (aunque insisto en la gran pléyade de personajes relacionados que pueblan esta historia, todos desarrollados de manera realmente notable) enseguida sentí una inmediata empatía hacia Kirihito, en el que encontré multitud de detalles y características de tantos y tantos héroes de todo tipo y condición que nos han presentado a lo largo de los años en diferentes medios, los cuales se enfrentan con perseverancia hacia todos los obstáculos que se encuentran en su camino, aunque a priori lo tengan todo en contra.

Aún así esta obra (publicada en origen entre 1970 y 1971) es previa a algunas a las que me ha recordado (caso del manga Monster o de la película Darkman, no así de la serie de televisión El fugitivo) lo que le da mayor mérito porque seguro que ha sido fuente de inspiración para obras posteriores. Además Tezuka me vuelve a sorprender con la sutilidad con la que resuelve las escenas con connotaciones sexuales (como ya le había visto en otros obras suyas), aparte de ese posterior contraste entre el "bestialismo" aparente de los enfermos frente al real de ciertos seres humanos (en este caso en referencia a lo de la serpiente y el bebé, que reconozco que me impactó aunque se resuelva fuera de plano)

En resumidas cuentas es un manga no solo destacable sino que muy recomendable, una auténtica maravilla a descubrir que sirve de perfecto puerto de entrada para aquellos que aún no han probado el comic oriental por prejuicios derivados (como todo en esta vida) por los productos más mediáticos del mismo. En este manga no hay pie al aburrimiento, ya que Tezuka mantiene un excelente ritmo narrativo que te atrapa desde sus primeras páginas, en la que resulta evidente la importante documentación llevada a cabo por el autor para que sobretodo los aspectos médicos fueran coherentes y creibles.

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Otro nuevo personaje del comic europeo clásico que he podido descubrir ha sido el César de Maurice Tillieux del que he tenido la suerte de poder disfrutar en su integridad en un tomo que lo recopila todo (aunque también admito que he de dar gracias nuevamente de que mis lecturas de biblioteca me salgan gratis porque este volumen es uno de una edición limitada a 1000 ejemplares al precio de 56 euros cada uno, lo cual puede no estar al alcance de todos los bolsillos)

El César protagonista de estas páginas se podría considerar alter-ego de su propio autor, ya que se trata de un dibujante de comics que se ve siempre involucrado en las gamberradas de los hijos de su vecino, primero Ernesto pero luego la omnipresente Ernestina, una pequeña cuya mayor afición es meter al protagonista en cuantos más follones mejor (a lo que habría que sumar su padre Petitcarné, vecino de César y agente de policia, que aprovecha la más mínima para multar a nuestro sufrido héroe, sea con motivo o sin él)

Se supone que el citado agente de la ley fue creado a imagen y semejanza de un vecino real de Tillieux, por lo que es de suponer que con el mismo no tendría una relación muy cordial que digamos, ya que se antoja un personaje un tanto plano y sobretodo caradura por el evidente abuso de poder que hace de su autoridad con el pobre César (a veces motivado por la antigualla que conduce el protagonista, casi otro personaje más) Más adelante al mundo de nuestro sufrido héroe se uniría un nuevo personaje, una asistenta del hogar llamada Hortensia poco aficionada a lo que tendría que ser su labor de quitar el polvo. Pero pese a todos ellos nuestro protagonista aguantará estoico todo lo que le echen, y de ahi muchos de los gags resultantes.

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Al leer de la biblioteca no siempre dispone uno de la continuidad de los comics como le gustaría (sobretodo las cabeceras serializadas), por lo que después de haberme leido el anterior tomo hace ya bastante tiempo, el otro día descubrí por casualidad en el catálogo este segundo tomo, que recopila los números 7 al 12 de Caballero Luna, ese personaje de Marvel cuyo alter-ego (Marc Spector) sería el equivalente de lo que en la Distinguida Competencia es Bruce Wayne. De hecho se podría admitir que este superhéroe sería lo más cercano al Batman de DC, aunque nunca ha obtenido el éxito del Caballero Oscuro de Gotham.

Tengo que admitir que el recuerdo que tengo de la anterior entrega (De entre los muertos) es un comic muy entretenido a cargo de Warren Ellis, un autor que parece tener la costumbre de comenzar las series para luego dejarlas y que sea otro quien tome el relevo para continuar lo que él ha planteado (como comentan en el mismo prólogo) Cuando sucede algo así uno siempre se pone en lo peor, ya que son muchas las ocasiones en que grandes ideas han sido resueltas mal, pero una vez leído este Apagón creo que resulta tan ameno como recordaba yo la entrega previa. El tomo comienza con nuestro héroe evitando que un mercenario acabe con un dirigente de una pequeña nación africana, pero lo que podría haber sido tan solo un simple intento más de magnicidio se irá complicando en una trama donde Marc Spector tendrá que demostrar hasta donde es capaz de llegar.

Hay que admirar el acierto en el arco argumental recogido en este tomo de Brian Wood (el sustituto de Warren Ellis) ya que consigue no solo mantener el entretenimiento sino que encima su historia toca de forma colateral varios temas muy actuales tales como la colonización africana y los abusos de poder que la acompañan. Con un buen apartado gráfico a cargo de Greg Smallwood la historia se hace llamativa en capítulos como el segundo del presente tomo, que recuerda a la moda cinematográfica del "metraje encontrado", haciendo al final que este Apagón sea un comic entretenido de un personaje poco conocido del universo Marvel.

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¿Os recordais que ya reseñé tanto el primer Ranciofacts como su segunda entrega, cuyo título era Mi puto cuñado? Pues como no podía haber dos sin tres, ahora le ha llegado el turno a Rancio no, lo siguiente, en donde el autor sigue dando un repaso tan exhaustivo como jocoso a tantos y tantos detalles rancios que rodean nuestra común existencia, los cuales están tan unidos al ser humano que sería dificil creer que alguien no hubiera caido en alguno.

En esta tercera entrega se permite desde temas que cubren tan solo una página a otros que gozan de un monográfico, destacando entre estos el que dedica a Telecinco, con un somero repaso (con motivo de cuando el citado canal de televisión celebró sus 25 años) a algunos de los detalles que han sido, y en algunos casos siguen siendo, señas de identidad claramente asociadas a perpetuidad con esa cadena. Ello nos viene a demostrar por enésima vez que lo rancio resulta tan repulsivo como atractivo, de ahi la clara identificación que hace el lector con todos los temas que repasa aqui Pedro Vera, de una variedad tan amplia que seguro que algo se habrá quedado en el tintero para futuras entregas. Y por mi parte encantado si puedo disfrutar de más Ranciofacts en el futuro, porque hacía mucho tiempo que no me reía tanto como lo he hecho con este repaso a lo cutre que todo ser humano tiene dentro de si, y que con esta entrega completa su trilogia.

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