JUMANJI: BIENVENIDOS A LA JUNGLA, entretenida (crítica sin spoilers)

No resulta extraño en estos últimos tiempos que se estrenen supuestas secuelas, remakes o reboots que llegan a la cartelera muchos años (e incluso en algún caso décadas) más tarde del film inaugural. Ejemplos puede haber muchos, aunque uno de los más recientes que tenemos es el de Blade Runner 2049: una secuela que vió la luz nada menos que 35 años después de la original. Atreverse, cuando ha transcurrido una cantidad de tiempo razonable, con un título considerado más o menos emblemático suele comportar un alto riesgo (y si no que se le digan a los responsables de la versión femenina de Cazafantasmas estrenada el pasado 2016, siendo un título entretenido pero que no se libró de un duro castigo en la taquilla debido justamente a lo emblemático del film original, sobretodo gracias a la química entre su reparto)

En el caso que nos ocupa no estamos ante un reboot o un remake de la película de 1995 que protagonizó Robin Williams, sino que más bien ante algo así como una secuela que aunque deriva del Jumanji inicial, podría considerarse independiente, lo que le permite funcionar no solo de cara a las nuevas generaciones (porque estamos ante una película claramente dirigida al público juvenil) como para los veteranos que en su momento vimos el film previo cuando llegó a las carteleras hace ya 22 años. De hecho en mi caso siempre me extrañó que no se llevara a cabo una secuela cuando Robin Williams aún estaba vivo, porque ya la película original daba pie a ello, pero supongo que fue un proyecto que dió vueltas hasta quedar olvidado en un cajón.

Volviendo al inicio de esta crítica nos encontramos con que en Hollywood nada es intocable, y ahora nos hacen una nueva entrega de Jumanji, sin el que fuera protagonista de la primera (el difunto, que en paz descanse, Robin Williams) y con un dispar cuarteto protagonista, a lo que sumar ciertas licencias sobre el propio Jumanji, que abandona lo de ser un juego de mesa para convertirse en un videojuego. Con semejante panorama lo que yo esperaba era que la relación entre ambos films se quedara tan solo en lo de compartir nombre, siendo por lo demás dos películas del todo diferentes, tan semejantes como un huevo y una castaña (e incluso dejando que la nostalgía me llevará a pensar como se vilipendiaba la cinta original) La sorpresa es mayúscula cuando al verla tengo que admitir que me entretuve bastante más de lo que yo mismo esperaba con una película independiente por ella sola pero muy acertadamente (e incluso emocionalmente) conectada con la anterior en detalles que pueden considerarse secundarios pero que creo que respetan tanto a la película de 1995 como a su máximo valedor, el antes citado Robin Williams.

Para aquellos que tienen en un pedestal al título original, el presente les supondrá más bien un complemento, pero resulta innegable que esta película funciona en sus pretensiones y no acaba siendo el espectáculo bochornoso que podía uno pensar en principio. Mi mayor duda estaba en cambiar la propia esencia de Jumanji, por lo antes citado de pasar de un juego de mesa a videojuego, pero resulta coherente en su planteamiento, lo que le sirve a esta cinta para adoptar hasta las últimas consecuencias la narrativa propia de dichos entretenimientos, lo cual se hace evidente en una historia muy dinámica en la que se van superando hazañas cual si fueran los niveles de un videojuego. O sin ir más lejos, en su cuarteto protagonista, que vendrían a representar (y lo saben) los estereotipos de los personajes propios de dichos juegos para consola. Es justo ahi donde cabe alabar a unos actores con una acertada química para los papeles que tienen que interpretar, que no tienen problema para sacar su vis cómica (y cachondearse de ello), y en donde todos ellos tendrán sus momentos para destacar, siendo quizás Jack Black el que logra un mejor equilibrio al no desmadrarse teniendo en cuenta a quien interpreta.

Tampoco quiero decir que estemos ante una película maravillosa: como es natural tiene altibajos a lo largo de sus casi dos horas de metraje, a lo que sumar detalles (como el villano encarnado por Bobby Cannavale) al que nunca te lo acabas de creer en su pérfido personaje, quedando un poco desaprovechado en el conjunto. Eso si, cabe avisar (que era un temor que tenía viendo lo que ha pasado en recientes films, donde se han "recuperado" digitalmente a actores y sus personajes más allá de la tumba) que se "forzase" de ese modo aunque fuera un breve cameo del Alan Parrish original de Robin Williams, pero tengo que admitir, sin spoilers, que el momento de mayor "conexión" está resuelto de una manera tan sencilla que se puede considerar un hermoso tributo al fallecido actor. En resumidas cuentas el director Jake Kasdan (responsable de films como Bad Teacher) consigue con esta Jumanji: Bienvenidos a la jungla una entretenida y disfrutable película que toma el relevo con dignidad del título precedente, con un acertado cuarteto protagonista que interactuan bien y con algún que otro gag realmente hilarante. No estará entre lo mejor del año pero tampoco es una total pérdida de tiempo como temía.

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 22 de diciembre de 2017
• Galería de posters por este enlace.
• LO MEJOR: Es un digno tributo al Jumanji original, además de una entretenida película en si misma, favorecida por un cuarteto protagonista muy bien compenetrado.
• LO PEOR: Quien vió la de 1995 añorará el carisma de Robin Williams, aparte de un desarrollo con algunos altibajos y un villano claramente desaprovechado.

WONDER WOMAN: RASTROS, LA MÁQUINA DEL TIEMPO, CONAN REY: LOBOS DE ALLENDE LA FRONTERA y TODOS LOS PISCOLABIS

Tras el primer tomo, que en su momento reseñé por aqui, ya me he leído su continuación en el presente volumen que lleva por título Rastros, en el que se incluyen los números 15 al 24 más el Annual 1, que se publicaron en origen entre diciembre de 1987 y septiembre de 1988.

En este tomo se puede decir que se van afianzando todos los detalles planteados en origen: con el Olimpo destruido se inicia la migración de los dioses al mismo tiempo que por otra parte se valora abrir las puertas de Themyscira para visitantes externos aunque en mi preferencia por argumentos más mundanos lo que más me gustó fue conocer el pasado de Julia Kapatelis y las andanzas de su hija Nessie en el instituto cuando se enteran de su relación con Diana, la cual empieza a demostrar ciertos sentimientos hacia Superman (en los cuales de momento no se profundiza)

Se culmina con este volumen la labor de George Pérez como autor completo del personaje (es decir, guionista y dibujante) aunque quedan abiertas algunas líneas argumentales que supongo que se resolverán en futuras entregas. Pero de momento tanto con este volumen como con el previo me queda claro porque está tan bien valorada esta etapa, ya que sin duda el citado autor consigue mostrarnos a un personaje muy bien perfilado y desarrollado, logrando que incluso sea destacable cuando su presencia es más secundaria, como por ejemplo en el número dedicado a la muerte de la publicista Myndi Mayer, que destaca por su acertada concisión.

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Entre los clásicos de la literatura, uno de los primeros con los que disfruté sobremanera en mi época escolar fue con La máquina del tiempo de H.G.Wells. Aunque hace tiempo que lo leí por última vez, no se me olvida su argumento básico, que a lo largo de varias décadas ha servido para que el concepto del viaje en el tiempo haya sido usado, con desigual suerte, por parte de multitud de historias posteriores a esta. Y no puedo olvidarme de esa también clásica adaptación que tuvo esta obra en 1960, en una soberbia película que se convirtió en todo un título de referencia en mi juventud cinéfila, y que por estas tierras tuvo el título de El tiempo en sus manos.

Es por el gran cariño que le guardo a esta magnífica historia (¡incluso me recuerdo cuando era pequeño de jugar con mis muñecos a que iban al año 802701 para encontrarse con los Eloi y los Morlocks!) que enseguida llamó mi atención entre las novedades de las bibliotecas la de una adaptación en comic de semejante clásico a manos de otro gran artista como es Carlos Giménez. Una vez leido queda confirmado no solo lo que el propio autor afirma en su prólogo (que se trata de uno de sus libros favoritos) sino la plena vigencia de este clásico, pese a que para esta traslación a las viñetas se toma varias licencias respecto a la obra original, la cual tampoco adapta en su integridad. De todas maneras ello no es obstáculo para hacer de esta una muy destacable adaptación de toda una obra maestra que puede servir para darla a conocer a las nuevas generaciones, viéndose aqui realzada por el soberbio apartado gráfico del citado Giménez.

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Admito que la fantasía heroica no me va mucho, pero con el coleccionable que se editó hace un par de años descubrí las aventuras de Conan el Bárbaro y disfruté tanto que dí buena cuenta de todo lo que tenían del personaje por las bibliotecas. Aunque el más reciente lo había leído hace ya más de un año, hace poco revisando por las estanterias encontré uno que no recordaba haber leído, pero la cosa no fue más allá hasta que hace poco (y ahora si que como novedad) le tocó el turno a Conan Rey: Lobos de allende la frontera.

Hay que recordar que aunque este personaje llegó a la fama por los comics, su nacimiento fue literario siendo su creador Robert E.Howard. En esta aventura crepuscular del cimmerio que su creador dejó incompleta, la misma se vió culminada de manera apócrifa por Lyon Sprague de Camp y en su momento ya fue adaptada al formato comic por Roy Thomas y Ernie Chan hacia finales de 1980. En esta nueva versión de Timothy Truman, que se extiende en los 4 números de la serie limitada que componen este comic, nos encontramos con un Conan ya mayor pero no por ello menos fiero, que hace honor a todo su legado (como se puede ver ya justo al inicio donde el hecho de ser el rey de Aquilonia no le impide rememorar con añoranza tiempos pasados) viendose inmerso en varias aventuras donde una corona maldita le llevará a volver a cruzarse con algunos de sus enemigos más clásicos.

Con todos los elementos para convencer a los fans del personaje la única pega que le pondría estaría en su evolución, en algunos momentos algo atropellada, y que quizás hubiera estado mejor desarrollada en cinco o seis números, y no tan solo en los cuatro que se incluyen aqui. Aún así sería un detalle menor, teniendo en cuenta la gran pasión por el personaje que desborda por todas sus páginas, en un comic cuya notable conjunción entre guión y aspecto gráfico lo situarían entre los mejores del popular cimmerio en su etapa como rey.

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Un comic se basa al 50% entre que la historia sea interesante y que el dibujo sea atractivo, un promedio que no siempre funciona de igual manera aunque en ocasiones compensa uno a lo otro. Pero si un lector ajeno ve algo de Mauro Entrialgo lo más facil es que se piense que son los dibujos de aficionado de algún jovenzuelo, y aunque es cierto que su calidad gráfica sería bastante básica, con este autor compensa por lo otro, ya que el tono gamberro de la gran mayoría de sus obras provoca esa sonrisa cómplice cuando vemos que más que gracia (que también) el chiste que nos acaba de contar es realmente INGENIOSO.

Fue valorando ese ingenio que conocí a este autor por su trabajo en la ya veterena revista satírica de El Jueves, y a partir de ahi creo que me he leído casi todo lo disponible de él en las bibliotecas, siendo lo más reciente este tomo recopilatorio que lleva por título Todos los piscolabis. En el mismo se dan cita trabajos variados del autor que vieron la luz en los 90, y que ahora son dificiles de encontrar, todos en la tónica habitual de Entrialgo.

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SUPERMAN: LOS HOMBRES DEL MAÑANA, POWER MAN Y PUÑO DE HIERRO: HÉROES DE ALQUILER, FILMISH y DISPAREN AL HUMORISTA

Al conocido John Romita Jr. siempre lo he asociado a Marvel en general y a su famoso arácnido (Spider-Man) en particular, por lo que me sorprendió en su momento saber que dibujaría en la Distinguida Competencia (DC) nada menos que con uno de sus superhéroes más emblemáticos: el también bastante popular Superman. Ante un personaje tan conocido es muy dificil no solo innovar sino que incluso sorprender, porque ha dado tantas vueltas en sus casi 80 años de vida que a estas alturas uno diría que ya no puede dar más de si.

No voy a mentir, este comic no es una obra imprescindible y ni mucho menos una obra maestra, pero si hay que reconocer que ENTRETIENE y mucho, lo cual ya tiene mérito teniendo en cuenta, como he indicado antes, el peso de unas décadas donde el personaje ha vivivo de todo (más allá de reinicios que tan solo sirven para mover algunos detalles y elementos generales pero que en el fondo nada cambian de la esencia del personaje) Muchos han sido los que han metido mano a este superheroe pero no tantos los que han acertado con él; en este caso si lo han hecho.

Para congeniar con el público creo que lo necesario es que Superman muestre su lado más humano, lo que permite al lector sentir una cierta empatía hacia el personaje, sin verlo como esa especie de Dios que es lo que vendría a ser. En este caso el guionista Geoff Johns lo consigue de una manera tan sencilla como acertada: nos presenta a una relativa contrapartida del personaje que, con un origen más o menos paralelo, sirve para lograr hacer más accesible a Superman, en una trama con un ritmo muy bien llevado que mantiene la atención del lector en todo momento, aunque en esencia tampoco sea nada nuevo. Y si la historia es entretenida, ¿qué decir del dibujo? A mi siempre me ha encantado Romita (tanto el padre como ahora el hijo) por lo que su labor me resulta notablemente destacada, siendo algunas páginas de este comic sencillamente impresionantes, sin perder su estilo habitual (lo que a algunos les resulta repetitivo) pero que aqui es muy acertado.

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Las cuatro series originales Marvel en NetFlix (a las que luego se ha añadido la más reciente de Punisher) han servido para darle todo su mérito a personajes como Daredevil y Jessica Jones, así como para actualizar a Luke Cage (alias Power Man) y Iron Fist (Puño de Hierro), estos dos unos superhéroes si acaso más dificiles de imaginar fuera de esa década de los setenta que los vió nacer, como resultado de dos modas imperantes en los cines de aquellos años, las cintas del movimiento blaxpoitation y los films de artes marciales respectivamente.

Admito que ambos por separado nunca me habían llamado mucho la atención más allá de verlos como secundarios si cruzaban sus destinos con alguno de mis personajes preferidos, e incluso de esas series de televisión antes citadas tengo que admitir que las de Luke Cage y Iron Fist creo que fueron tan solo correctas (aunque como mínimo actualizaron sus respectivos atuendos, que resultan dificiles de imaginar en la vida real, fuera de las viñetas de un comic) Aún así estos dos ya tuvieron problemas en su momento, por lo que ante su inminente cancelación se los agrupó.

El resultado se puede ver en este tomazo de 704 páginas, que tengo que admitir que he disfrutado más de lo que yo mismo me imaginaba, supongo que por el hecho de ser unos personajes más bien urbanos (del estilo de Spider-Man y Daredevil) lo que los acerca más a mis preferencias en este género. Si por separado me hubieran llamado la atención tan solo lo justo, unidos en lo denominado como Héroes de alquiler el resultado cambia, ya que la química entre ambos personajes resulta notable por lo que sus aventuras en común funcionan muy bien en la etapa de Mary Jo Duffy como guionista recopilada en esta obra. Por cierto, aqui veo por fin al personaje de Claire Temple en los comics, al que yo he visto a cargo de Rosario Dawson que lo interpreta en las series antes citadas, siendo el nexo común entre todas ellas (también citar lo que me ha parecido un evidente guiño a la serie Doctor Who en el capítulo titulado El día de los Dredlox)

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Este blog ha pasado por muchos vaivenes, pero siempre ha tenido dos temas recurrentes a lo largo de la más de una década que lleva pululando: el cine y los comics. Por eso la existencia de Filmish enseguida me llamó la atención en cuanto lo ví en el catálogo de las bibliotecas porque venía a ser la unión de ambos conceptos: un comic sobre cine.

Algo como esto tan solo podía venir de alguien que adore el cine, y es por eso que los amantes de este arte universal serán los que mejor entiendan a su autor (Edward Ross) en una pasión personal que ha desembocado en la presente obra. En la misma, la cual se encuentra dividida en siete capítulos temáticos, se hace un somero repaso al cine desde sus mismos orígenes a los éxitos más recientes, algo que ya queda patente desde su misma portada, la cual combina elementos clásicos de películas de diferentes décadas, facilmente reconocibles para la mayoría de cinéfilos (y eso tan solo con la portada, ¡imaginar cuando uno se sumerge en su lectura!)

El alter-ego dibujado del propio autor se dedica a presentar en cada capítulo un tema en particular de lo que entenderiamos como lenguaje cinematográfico (formado de elementos como por ejemplo los decorados, el lenguaje, el cuerpo, etc.) y nos lo analiza con ejemplos de todas las épocas, que van desde clásicos como Ciudadano Kane hasta taquillazos más modernos como Jungla de Cristal, o algunos ya del presente siglo como Avatar u Origen (Inception) El repaso es exhaustivo, por lo que no hay nada que escape al análisis del autor, demostrando todo lo que se esconde tras algo que igual consideramos tan solo un mero entretenimiento, pero que a lo largo de las décadas ha evolucionado como la misma sociedad a la que, con un mayor o menor acierto, va orientado siendo claro ejemplo de sus defectos, tendencias, características, etc.

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Yo creo que el humor es algo personal, que en cada individuo se refleja de forma diferente: lo que a ti, apreciado lector, te puede hacer bastante gracia quizás a mi me dejé indiferente (o viceversa) Además el humor como tal es algo muy amplio que abarca muchos elementos (de ahi que en ocasiones haya intervenido incluso la censura para aquellos chistes que rebasaban el límite) Pero... ¿tiene límite el humor?

En Disparen al humorista su autor, Mario Adanti, hace un pormenorizado análisis, mucho más extenso de lo que pensaba teniendo en cuenta lo sencillo que puede parecer este asunto en su base, de como podriamos considerar el humor en los tiempos que corren, o cuales deberían ser sus límites (e incluso más allá, especulando sobre si los mismos existen) Es triste que aún hoy en día se tengan que justificar según que tipo de humor, pero hechos recientes son una prueba palpable de que el mismo no solo es sano, sino que además es muy necesario como bandera de la libertad y en contra de la represión o el pensamiento único.

La risa es libre, y el humor también: al final lo que nos queda es que si algo te hace gracia, disfruta con ello y en caso de que no te la haga, pasa a otro tema y deja que otra persona encuentre ahi ese humor que tú no has podido encontrar. No es una crítica contra nada ni contra nadie en particular, tan solo que si no lo aplicamos corremos el riesgo de que la censura de unos pocos pueda coartar la libertad de muchos. Y eso ya no hace tanta gracia, ¿verdad?

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EL GRAN DESMADRE (MALAS MADRES 2), más de lo mismo para ellas

Cuando el año pasado se estrenó la cinta previa (Malas madres) la misma triunfó más en su pais de origen (Estados Unidos) que en el resto del mundo, donde tuvo una trayectoria más discreta (de hecho en España tuvo una repercusión más bien mínima) Pero animados por el éxito en taquilla (aunque fuera más bien local) y sin que importe la calidad, se han animado con esta secuela que se estrena justo al año siguiente. La misma lleva por título El gran desmadre (Malas madres 2), y decidí probar suerte con ella ya que la cinta previa, sin tampoco ser ninguna maravilla, me resultó lo justo de entretenida como para concederle la misma oportunidad a su presente continuación.

Y es que es justo esa palabra ("continuación") la que mejor define una secuela tan solo realizada para recaudar más dinero proponiendo un punto de partida más o menos similar pero situándolo en un periodo temporal muy determinado (la Navidad) con todas las costumbres y tópicos que ello conlleva. En unas fiestas tan señaladas se supone que toda buena madre ha de procurar darles a sus hijos todos los detalles que hacen ciertamente empalagosas esas fechas, pero nuestras tres protagonistas vuelven a desmelenarse (aunque sea tan solo lo justo) mientras tienen que lidiar con un nuevo problema, la relación con sus respectivas madres, que vienen de visita.

De nuevo estamos ante una película que dejará mucho más contento al público femenino que al masculino, este último reducido a la más escueta expresión, aunque es justo admitir que en el caso del personaje encarnado por Justin Hartley (del que me sonaba su cara: luego comprobé que fue Oliver Queen en la serie Smallville) resulta bastante simpático (pese a estar reducido a lo más básico de "hombre-objeto") gracias a la irónica relación que se establece entre él y el personaje de Carla (a cargo de nuevo por Kathryn Hahn) cuando el primero tiene que acudir a la segunda para depilarse POR COMPLETO ya que será concursante en una competición de Santa Claus sexys donde (¡como no!) acabarán nuestras tres protagonistas.  El diálogo que hay entre ambos personajes mientras una rasura las partes íntimas del otro es probablemente la escena humorística que mejor funciona en esta secuela, primordialmente porque Hahn consigue ser de nuevo el vértice más simpático del trio femenino principal.

Otro rostro conocido aqui es el de Christine Baranski, que los que sigan la serie The big bang theory la recordarán como la intransigente madre de Leonard Hofstadter, y que en el presente título realiza un papel bastante similar (por no decir que casi idéntico) como progenitora del personaje de Mila Kunis. De entre el trio de madres de las "malas madres" vistas en esta secuela es probablemente la que mejor funciona, pese a que sin duda la que tiene mejores referencias sería Susan Sarandon, pero como progenitora del personaje de Hahn realiza tan solo un mero trabajo alimenticio que cae en todos los tópicos del "vagabundo errante de buen corazón". Por lo demás nada nuevo que contar, basándose casi la totalidad del film en las relaciones entre las madres y sus respectivas madres, que pese a las evidentes discrepancias de caracter en el caso de cada una con sus respectivas hijas, resulta previsible (sobretodo desde la escena en la iglesia) de que todas lograrán la reconciliación familiar.

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 7 de diciembre de 2017
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• LO MEJOR: Quien quedara más o menos satisfecho con la primera entrega se encontrará con más de lo mismo.
• LO PEOR: Es una evidente repetición de esquemas (y errores) con el telón de fondo navideño.

COCO, crítica sin spoilers de este DÍA DE LOS MUERTOS según PIXAR

A principios del 2015 se estrenó una película de animación titulada El libro de la vida que tuvo un nivel de éxito más bien escueto (recaudó a nivel mundial más o menos el doble de su presupuesto), aunque fue bien recibida entre cierto sector de la crítica (en el cual me incluyo) Producida por Guillermo del Toro, el citado film nos acercaba a una festividad tan tradicional como es el Día de los Muertos en Mexico desde un punto de vista optimista en una historia tan vibrante como brillante que en su momento llegué a premiar como la mayor sorpresa de aquel 2015. Por eso tengo que admitir que esta 19ª producción de la factoria Pixar venía con las evidentes expectativas comparativas con la antes mencionada El libro de la vida (¿sería "más de lo mismo" o tendría algún toque original?) a lo que añadir la tendencia actual en la compañia del flexo para sacar réditos (o sea, ingresos) de fórmulas conocidas que no arriesgarse con nuevas propuestas (claro ejemplo de lo cual es la serie de secuelas de algunos de sus títulos más populares en los que están ahora enfrascados)

Dando una de cal y otra de arena, si hace unos pocos meses Pixar nos presentó Cars 3, un título tan solo correcto que entraría dentro de ese "uso" de una marca comercial, más allá de un resultado que lucía más en su apartado visual que en el argumental, con esta Coco es todo lo contrario, ya que estamos ante una película que no solo es soberbia a nivel visual sino que resulta tierna y emotiva en lo que nos cuenta (y como lo hace) Con una historia ambientada en esa celebración del Día de los Muertos tengo que admitir que la misma sería toda su semejanza con la antes mencionada El libro de la vida (a lo que sumar el evidente hecho de que ambas sean películas de animación), por lo que aunque no podamos decir de Coco que sea una obra maestra, son tan comprensibles sus pequeños defectos que uno no puede menos que recomendarla para todo tipo de público, ya que tras un inicio realmente prometedor se le puede achacar cierta bajada de ritmo en su tramo medio (lo que no es obstáculo para que el desarrollo funcione de manera muy conveniente) para luego en su tramo final resurgir y cumplir (casi) todas las expectativas que uno podía tener en ella.

No es la primera vez que el cine de animación se acerca al tema de la vida más allá de la muerte, por lo que se puede decir que el mundo de los difuntos en esta película está lleno de luz y colorido como pasaba en La novia cadaver de Tim Burton (aunque también sería tan solo esa semejanza) Y es que pocas veces se ha tratado un tema tan espinoso como el más allá en títulos de animación que, por su misma condición, tienen a su mayoría de público potencial entre los más jóvenes, por lo que también resulta digno de valorar el riesgo a la hora de enfrentarse a un reto así, que los directores de esta película (Lee Unkrich y Adrián Molina) solventan de manera muy notable. Visto desde el punto de vista del adulto que tiene que ir al cine a verla con chavales, la encuentro muy recomendable a la hora de hacerles entender a los más pequeños lo que es y significa la pérdida de un ser querido pero el emotivo hecho de que siempre guardemos su recuerdo. Eso mismo, sumado al de la importancia de la familia, serían los mensajes más claros que nos quiere transmitir esta Coco, y aunque a algunos les pueda parecer tan solo "más de lo mismo", aqui se demuestra que cuando Pixar se esmera puede tocarnos nuestro corazón y nuestra alma, siempre desde el mayor de los respetos, en este caso, a México con su cultura y tradiciones.

La calidad visual es maravillosa (muy mal tendrían que estar las cosas para que en ese apartado fallaran) pero si es verdad que en su historia pueden pecar en su tramo medio de detalles que parecen recordarnos a uno de esos extensos culebrones de sobremesa (aunque igual es una semejanza buscada adrede, no en vano México es un pais creador y exportador de gran cantidad de telenovelas) Asimismo se produce un giro argumental que en mi caso me hizo recordar la película Up, también de Pixar, curiosamente un título donde se tocaba el tema de la muerte, aunque fuera de manera más secundaria en su más que notable prólogo. Pero son pequeños tropiezos que uno le perdona a este film aunque solo sea por su acertado tono tan humano que llegado al final desborda los sentimientos sobretodo hacia el personaje que da título a este film, si bien el que sería su protagonista (el joven Miguel de 12 años) también resulta entrañable en su búsqueda de sus orígenes movido por su fuerte afición a la música, lo que le llevará a conocerse mejor tanto a si mismo como a su familia, todo ello con la fiesta del Día de los Muertos como telón de fondo. Poblada de múltiples referencias hacia su pais de origen (que van desde la de un Ernesto de la Cruz que recuerda a Jorge Negrete hasta las referencias hacia Frida Kahlo) no me extraña que Coco ya sea la más taquillera en la historia de México porque es la mejor carta de presentación que dicho pais podría tener.

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 1 de diciembre de 2017
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• LO MEJOR: Es una apuesta arriesgada teniendo en cuenta su público potencial (no olvidemos que aparte de Pixar también es Disney, con lo que eso conlleva) pero que cumple con creces tanto a nivel visual, donde resulta magnífica, como a nivel argumental, donde pese a pequeños baches resulta emotiva y respetuosa.
• LO PEOR: Pequeños detalles en su tramo medio, donde quizás puede hacerse demasiado densa, si bien pronto remonta para cumplir (casi) todas las expectativas planteadas en su origen.

SHERLOCK HOLMES Y EL LEGADO DE MORIARTY, LUCY Y ANDY NEANDERTAL, HARROW COUNTY: DOCTOR SERPIENTE y DORORO

Hace unos pocos años disfruté con el comic Sherlock Holmes y la conspiración de Barcelona que guardo con cariño en casa con la dedicatoria que sus mismos creadores me pusieron en el Salón del Comic del 2012 (las dos cosas, reseña más la dedicatoria citada las teneis por este enlace) Ambos responsables (Sergio Colomino al guión y Jordi Palomé en el apartado gráfico) repiten en este nuevo comic, precuela del anterior que ha entrado como novedad hace poco en una de mis bibliotecas habituales.

Si el anterior trabajo de estos dos autores ya certificaba que era un proyecto muy mimado (en el buen sentido) en el que se había hecho un notable trabajo de documentación, otro tanto se puede decir de la presente obra, en la que además el famoso detective de Baker Street vuelve a cruzar su destino con el de La Mujer (así, en mayúsculas), una Irene Adler cuya presencia en esta obra tan solo puedo tildar de acertadísima, culminándose ese "hecho" con el que los fans de Holmes hemos soñado entre él y la mujer más importante de su vida.

La historia que nos relatan en este comic está ambientada en el famoso Gran Hiato, ese periodo de tiempo en el cual se dió por muerto a Sherlock Holmes tras su disputa con el Profesor Moriarty en las cataratas de Reichenbach. Con todo el mundo llorando su fingido fallecimiento, el famoso detective vivirá aqui una intensa aventura que le llevará a la decadente Rusia zarista, en la que no solo volverá a cruzar su destino con la mujer más importante de su vida sino que también hay un acertado homenaje por parte del autor a otro clásico de la literatura: Julio Verne. Y si la historia resulta muy atractiva, mucho de ello es gracias al impecable trabajo de Jordi Palomé, que recrea de forma soberbia todos los escenarios por los que se mueve Holmes en esta aventura (aunque yo me quedo con su Irene Adler, en cuyas manos queda espléndida)

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Uno de los autores a los que sigo con interés leyendo todo lo que la biblioteca me ofrece de ellos es Jeffrey Brown, del que creo que me he leído todas sus novelas gráficas que estaban disponibles. De todas maneras en los últimos tiempos hay que buscar en la sección infantil para encontrar cosas suyas, como por ejemplo los comics que ha hecho de Star Wars (como Dath Vader e hijo, Darth Vader y su princesita y Darth Vader y amigos) o este mismo que descubrí el otro día por casualidad echando un vistazo por las estanterias.

Orientado de forma muy acertada para levantar la curiosidad entre los jóvenes lectores, en este Lucy y Andy Neandertal se hace una aproximación a dicho periodo histórico. Uniendo divulgación y entretenimiento, el autor nos lleva a través de las andanzas de los dos niños que dan título a la obra, y como es su vida tradicional en dicho momento de la Prehistoria, lo que se complementa con lo que una pareja de paleontólogos actuales nos aclaran sobre lo que sabemos de las costumbres de los habitantes de aquella etapa de la humanidad.

Con una clara vocación didáctica este comic sería uno de esos con los que te entretienes y aprendes, ya que el autor tuvo que repasar sus conocimientos sobre este tema, si bien resulta evidente que se ha tomado algunas licencias, siempre teniendo en cuenta cual será el público potencial de esta obra (de hecho el propio Brown señala al final algunas de ellas) De cara a los nostálgicos, en la breve historia sobre cavernícolas en libros y películas que hay al final incluye dos clásicos de mi infancia como Los Picapiedra y el Capitán Cavernícola.

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Al ser reciente novedad le ha tocado el turno de lectura al tercer tomo de Harrow County, cuyo título es Doctor Serpiente (los dos primeros los teneis reseñados aqui y aqui respectivamente), continuando de nuevo con la calidad y el entretenimiento del que ya daban fé las dos volúmenes anteriores, que en este caso incluye cuatro números de la serie original.

En la primera de las cuatro historias incluidas en esta entrega vemos a un misterioso individuo que llega a la ciudad y atrae la atención del niño sin piel con propósitos inciertos. En la segunda la amiga negra de Emmy (Berenice) se ve inmersa en una historia en la que también estará la señora Lovey (otra mujer con fama de bruja) y en la que asistiremos al signíficado oculto que tienen las serpientes, porque son mangostas los familiares de esa bruja (si es que se la puede calificar como tal) así como la trascendencia que tiene dentro de todo lo que sucede en Harrow County. Tras la tercera, continuación de lo antes citado, en la cuarta (autoconclusiva) vemos a Emmy en una trama que puede recordar al clásico Poltergeist.

Se podría achacar que vendan en formato tomo un comic de apenas cuatro números, ya que el resto se complementa con 33 páginas de bocetos, notas, explicaciones, curiosidades, etc. relacionadas con la serie, que si bien nadie les resta valor e importancia, serían unos complementos que en su mayor parte tan solo tienen la función de rellenar espacio, ya que en mi caso hubiera agradecido más el incluir más material original, si bien supongo que se ha hecho así para no trocear ese hipotético arco argumental con el que continue la historia (el final de la tercera historia incluida aqui da pie a pensar eso)

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Si dijera que Osamu Tezuka es muy bueno, lo más seguro es que me quedara corto con dicha apreciación, porque estamos ante un genio muy prolífico que nos ha dejado una gran cantidad de obras, de las que hasta ahora me he leído yo todas las posibles, siendo incluso en aquellos (pocos) mangas donde me ha convencido menos que nadie les niega que sean, como mínimo, unos trabajos notables.

En esta ocasión le ha tocado el turno a Dororo, que sin duda se puede englobar dentro de los más acertados trabajos de su autor. La trama se centra en las variadas andanzas del ronin Hyakimmaru y un joven ladrón huérfano llamado Dororo en su periplo para que el primero se vea resarcido de una deuda de nacimiento, ya que su terrible progenitor ofreció a su nonato hijo a 48 demonios, para a cambio lograr conquistar el pais. Por ello nuestro héroe y su amigo de aventuras tendrán que vencer a otros tantos 48 demonios para que Hyakimmaru recupere las 48 partes de su cuerpo que le faltan.

Con este planteamiento la mayor duda radica en la propia coherencia de la historia (no en vano estamos hablando de que al personaje principal le faltan 48 partes de su cuerpo) pero es que cual si fuera un émulo de Moises, nuestro protagonista es abandonado a su suerte en un rio, llegando a manos de un curandero y alquimista que recogerá al, por entonces, bebé y lo criará como hijo propio, dotándolo de las prótesis necesarias por sus carencias fundamentales. Lo que empieza como una historia de superación personal extrema (tal y como nació lo más lógico era morirse) pronto se convierte en un viaje épico en busca de su destino, donde Hyakimmaru y Dororo vivirán innumerables aventuras. Cuidado, porque aunque el dibujo de la presente obra pueda parecer infantil, que nadie se lleve a engaños porque la trama está plagada de violencia extrema y muertes, por lo que podriamos decir que es "infantil" en apariencia pero no en esencia.

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VOCES EN LA OSCURIDAD, VENECIA, BASIL Y VICTORIA, HELLBOY EN EL INFIERNO (2), LA FAMILIA ADDAMS Y OTRAS VIÑETAS DE HUMOR NEGRO

Anteriormente ya he reseñado por este blog todas las lecturas de biblioteca que tengo disponibles de Junji Ito y de Jiro Taniguchi, dos magnificos autores de manga con dos estilos muy diferentes pero bastante destacables, que en el caso del primero ha propiciado que sea toda una celebridad para aquellos a los que nos gusta el terror (hasta límites realmente desasosegantes) mientras que hablar de la obra del segundo es hablar de todo un maestro que supo encontrar siempre el lado más hermoso de lo cotidiano, hasta llevarnos a la tranquilidad y el reposo que destilan muchas de sus obras.

Entre mis más recientes lecturas de biblioteca he podido leer del primero los dos tomos de Voces en la oscuridad y del segundo el titulado Venecia. Siendo en ambos casos mangas, los resultados son diametralmente opuestos pero en todo caso siempre recomendables, incluso de forma especial para aquellos que quieran tener una primera aproximación hacia estos autores. En el caso de Voces en la oscuridad se trata de un recopilatorio de relatos cortos (a razón de siete por cada uno de sus dos tomos) en el que nos cuenta un total de 14 historias independientes y autoconclusivas (con la excepción de tres que comparten personajes: El misterio de la casa encantada del primero con las dos iniciales del segundo)

Como ocurre siempre en los recopilatorios de historias breves, hay algunas que pueden convencer más y otras que pueden no convencer tanto, aunque la tónica general se consigue mantener en unos relatos que oscilan entre lo muy inquietante y lo bastante perturbador, siempre con el trazo tan especial de Junji Ito para mostrar todo tipo de elementos desagradables. Con algo de humor un tanto macabro en algunas de las historias, que funciona bastante bien, destacaría tambien la muy notable edición española, tanto en su maquetación como (sobretodo) en su precio competitivo, que sirve como aliciente para todos aquellos que quieran probar algo de este autor sin tampoco gastarse mucho dinero.

En un sentido totalmente opuesto tenemos Venecia, una delicia visual con la que el recientemente fallecido Jiro Taniguchi nos invita a acompañarlo recorriendo los lugares más bellos, hermosos y variopintos de la citada ciudad, que él recrea en un catálogo de imágenes maravillosas, que te invitan a relajar la vista y dejarte llevar, deleitándote con el excelente estilo visual de este autor. La marca de lujo Louis Vuitton le encargó la realización de esta obra, por lo que Taniguchi realizó uno de sus últimos viajes a esta ciudad, siendo el resultado realmente espectacular, ya que tras gozar de esta obra maestra no solo te entran ganas de viajar a Venecia sino que incluso lamentas que sea parte de su legado póstumo, por lo que ahora tan solo nos queda disfrutar de todo lo que nos ofreció este magnífico autor.

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• Ficha editorial de Venecia por este enlace, ficha de la biblioteca por este otro.

Dentro de ese grupo de lecturas de toda índole que a veces veo por la biblioteca pero que guardo para futuras ocasiones, estaba este volumen de Basil y Victoria que había visto el pasado verano, por lo que decidí no darle más vueltas y probar suerte, ya que a priori tenía muchos incentivos como para gustarme, siendo el principal el hecho de estar situado en la misma época victoriana que la de mi estimado Sherlock Holmes.

Los protagonistas de las cinco historias que se recogen en este tomo integral, que vieron la luz en origen entre 1990 y 2007, son los dos niños que dan título a esta obra, lo cual también fue un "guiño" que me conquistó pues aparte de la evidencia del nombre de ella con la reina que por aquel entonces marcó toda una época, que él se llame Basil me hizo recordar de uno de los más populares intérpretes que han dado vida a Sherlock Holmes (un evidente ejemplo de aquellos años): Basil Rathbone.

Los cinco álbumes que se recogen aqui fueron publicados en Francia por sus autores, Yann y Edith, recogiendo en ellos de forma muy acertada la realidad que se vivía por aquel entonces. La misma muchas veces se esquematiza con las obras del mítico Charles Dickens (y sobretodo si los protagonistas de la historia son dos chavales, como en este caso), pero aunque los relatos pueden transcurrir por lugares comunes a dicho género para el público en general, que nadie se espere que esto sea un comic infantil porque se encontrará con una historia que refleja la dureza en la que se vivía por aquel entonces y en la que no faltarán prostitución, violencia, suciedad, injusticia, abuso infantil, etc. En estas cinco historias autoconclusivas y más o menos independientes entre si tendran fugaces apariciones personajes como Jack el Destripador o el doctor John H.Watson, compañero de fatigas del popular Sherlock Holmes.

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Hace ya dos años y medio que me leí el primer tomo de Hellboy en el infierno, por lo que no es extraño si admito que no tenía muy en mente como se habian quedado las cosas, más allá de lo básico (que en este caso es que este famoso personaje ha muerto y esta serie vendría a narrarnos su periplo por los inframundos del infierno, cual si de La Divina Comedia se tratara)

Esta segunda entrega nos ofrece más de lo mismo, en un comic que se podría tildar de triste y melancólico, en el que además prima la oscuridad sobre el entretenimiento. Porque hay que ser muy fan del Hellboy original (el creado por Mike Mignola, también responsable de esta serie) y aún así se te pueden escapar (porque me ha pasado) las múltiples referencias a todo el pasado de Hellboy que hay en esta serie. ¿Recuperamos la esencia del personaje? En parte asi es, no en vano es su propio creador quien toma aqui las riendas, pero sin duda este es un tebeo solo recomendable para los lectores habituales (y casi diría que muy asiduos) porque uno que lo lea como primera aproximación al personaje puede quedarse decepcionado y/o perdido.

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De mi más tierna infancia recuerdo haber visto (ya entonces como reposición) una serie clásica de televisión como la de La Familia Monster, por lo que cuando conocí a su homóloga (la de los Addams) la ví más como una variación sobre el mismo concepto, aunque admito haber visionado y disfrutado mucho con las dos películas que tuvieron bajo la batuta de Barry Sonnenfeld (en el año 1991 la original y en 1993 su secuela), donde los integrantes de esta peculiar familia fueron adaptados con gran acierto. Y es que esos films gozaron de un casting espectacular donde fueron brillantes todos los actores principales, por lo que fue una lástima el fallecimiento de Raúl Juliá en 1994, que hizo imposible que pudiera retornar en su papel del patriarca de la familia (Gómez Addams) en una hipotética tercera entrega.

Como es evidente, la fama no les vino por casualidad, y aunque ya suponía que estos personajes habían sido explotados en varias ocasiones (si bien nunca con el éxito de las películas que antes he citado), tengo que admitir que nunca había tenido la ocasión de disfrutar de estos peculiares seres tal y como vieron la luz. Por ello cuando ví que estaban disponibles en comic recopilatorio en las bibliotecas no dudé en solicitarlo, y ya he podido disfrutar tanto de La Familia Addams como de otros trabajos realizados por Charles Addams (su autor, que dotó de su mismo apellido a sus creaciones más famosas) en una muy acertada edición de bolsillo que bajo el título de La Familia Addams y otras viñetas de humor negro ha sido llevado a cabo inspirado en el álbum recopilatorio de 1991 que lleva por nombre The world of Charles Addams.

Más antiguos de lo que yo pensaba (vieron la luz por primera vez en 1937, décadas antes de La Familia Monster que antes he citado) este particular clan fueron tan solo unos personajes más dentro de la ingente labor de su creador, nada menos que unas mil trescientas viñetas de humor que vieron la luz en el periódico The New Yorker desde el antes ya citado 1937 hasta 1988 (fecha del fallecimiento de Charles Addams) En su obra, aparte de por sus personajes más populares, lo que se descubre es a todo un genio del "one-liner" (una viñeta acompañada de una sola línea de texto), ya que consiguió alcanzar méritos con un formato que no era novedoso por aquel entonces pero que nunca se había aprovechado como lo hizo él (no en vano hablamos de un tipo de humor muy condensado, y que ha de funcionar milimétricamente para lograr provocar la hilaridad del lector), en donde el autor demostró con bastante acierto, una evidente tendencia hacia el humor más negro, macabro y morboso, algo de lo que ya dan fé la mencionada Familia Addams.

• Ficha editorial por este enlace, ficha de la biblioteca (de la edición de bolsillo que me he leído yo así como de la previa) por este otro.