ASHER, el asesino que antes fue HELLBOY (crítica sin spoilers)

Una de las mejores cintas que pude disfrutar en los noventa fue Leon: El profesional de Luc Besson, con unos notables Jean Reno y Natalie Portman. Sería ese mencionado título lo primero que se le viene a la cabeza a uno al encontrarnos con el Asher de aqui, un personaje que parece estar diseñado por un esquema muy parecido a como lo estaba allí el del protagonista. Pero a diferencia de aquel título, que si logró marcar época a algunos cinéfilos, no se puede decir lo mismo de esta cinta, si bien hay que reconocer que tampoco sería una de esas que ya huelen a bodrio desde el principio, sustentándose toda su estructura en los hombros de su protagonista, un carismático Ron Perlman que realiza aqui un correcto trabajo.

El mencionado actor tiene una carrera impresionante, con todo tipo de productos (películas, series, etc.), pero siempre se ha caracterizado por papeles de reparto, más secundarios, con lo cual la gran mayoría del público lo suele conocer o bien por su personaje en El nombre de la rosa (uno de sus primeros éxitos), la serie de televisión La bella y la bestia (donde coincidía con Linda Hamilton) o en los últimos años por sus trabajos junto a Guillermo del Toro, siendo Perlman quien dió vida a Hellboy en las dos entregas que realizó el responsable de La forma del agua. Con todo esto lo que me vengo a referir es que si no me falla la memoria, estamos ante la primera producción centrada tan solo en él, siendo el único que encabeza el cartel (aunque se rodea aqui de algunos secundarios más o menos solventes)

El principal problema que arrastra Asher es su indefinición, lo que la lleva sin remedio a los terrenos de la intrascendencia. No se le pueden achacar a esta cinta errores garrafales, más allá del hecho de que no consigue emocionar al espectador en ningún momento, siendo tan solo una película más que no molesta si la ves (más o menos sería entretenida, aunque con un aprobado justo), pero que tampoco te aporta nada para recordarla. Se podría criticar su ritmo pausado, pero el mismo se podría considerar asumible si la película se decantara por alguno de los géneros por los que transita, siendo al final un film discreto que se sostiene (y si, ¡ya sé que soy reiterativo!, pero es que es asi) por el carisma de un Ron Perlman que con la edad que ya tiene, y viéndolo como se desenvuelve aqui, bien podría haber estado en alguna de las entregas de la trilogia de Los mercenarios, donde Stallone recopiló a todo tipo de actores recurrentes en el género de acción.

El director de esta película es Michael Caton-Jones, que realiza aqui un trabajo solvente aunque tan discreto como el resto de su carrera, que tan solo despuntó un poco en cuanto a éxito en la década de los años noventa con títulos como Rob Roy con Liam Neeson, el remake de Chacal con Bruce Willis y Richard Gere, o hace unos años con esa Instinto básico 2 de la que muchos ni se acuerdan (yo entre ellos) En una película que se sostiene por y para su protagonista principal, al mismo lo acompañan actores como Famke Janssen, más conocida por el fandom comiquero por haber sido la primera Jean Grey de las películas de los X-Men que ha realizado la Fox, aunque también acompañó al justiciero Liam Neeson en las tres cintas de Venganza. De manera más secundaria también aparecen por esta película actores más clásicos como Richard Dreyfuss o Jacqueline Bisset, por aquello de darle más solera al producto final.

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 5 de abril de 2019
• LO MEJOR: Un bastante acertado Ron Perlman, que sostiene toda una película gestada por y para él, haciendo más o menos visible a Asher en proporción a las simpatias que nos despierte el citado actor.
• LO PEOR: Su indefinición (tiene elementos de drama, comedia, romanticismo o acción que al final no se acaban de concretar en nada) lo que la lleva al terreno de la total intrascendencia.

CEMENTERIO DE ANIMALES, notable adaptación (crítica sin spoilers)

Cuando descubrí en mi adolescencia las obras de Stephen King tengo que admitir que una de las novelas suyas que más me impactó fue Cementerio de animales. Quizás pueda no ser la más terrorífica (o incluso para según quien tampoco será de las más destacadas), pero enseguida conecté con su premisa argumental. Intrigado por como se podría pasar a imágenes ví la primera adaptación que se hizo de esta novela hace ya treinta años, y aunque la puedo tener un poco difusa en el recuerdo (la ví hace ya mucho tiempo), su historia seguía siendo igual de impactante. Inferior sería sin duda su algo más olvidada secuela de 1992, donde lo más destacado sería la presencia de un Edward Furlong que había saltado a la fama de forma reciente (por entonces) gracias a ser John Connor en Terminator 2.

Es curiosa la relación con la saga iniciada por James Cameron, porque el protagonista de esta nueva versión de Cementerio de animales (que aqui si tiene una fidelidad al título original carente en la adaptación del 89) es el actor Jason Clarke, que justo también fue John Connor pero en este caso en Terminator Génesis. El mencionado actor interpreta aqui a Louis Creed, un doctor que se muda con su mujer Rachel (Amy Seimetz) y sus dos hijos a un pequeño pueblo de Maine. La mayor de ellos, Ellie de ocho años (a cargo de la actriz Jeté Laurence) bien pronto descubre una zona cercana en la que los chavales de los alrededores entierran a sus mascotas muertas. Allí conocerá al viudo Jud, personaje a cargo del siempre eficaz John Lithgow, que se convertirá en amigo de la familia bien pronto, pero debido a un giro del destino revelará algo que los cambiará a todos.

El mayor error, del que esta película es totalmente ajena, es una campaña de promoción en la que uno de sus trailers ya te desvela casi toda la esencia de este film, de tal manera que el personaje que "vuelve" y provoca todo el caos subsiguiente ya sabía yo que no era el mismo que en la novela original (y su primera adaptación) Dicha "variación" se podría considerar el cambio más relevante respecto a la obra de King, lo que desemboca en un esquema que quizás no opta por llegar hasta el fondo de lo que la historia planteaba de cara a no herir susceptibilidades. Pese a ello el resultado final no solo sería de lo más solvente sino que incluso me atrevería a definirlo como notable, gracias a un destacado guión a cargo de Jeff Buhler que sabe sacar todo el provecho al dolor, el trauma y esas dudas sobre nuestra mortalidad, siendo evidente en este último caso en el momento en que tienen que informar a Ellie sobre la pérdida de cierto personaje esencial del relato, optando su padre por la clara realidad frente a la opinión de la madre, que prefiere aún conservar la inocencia de su niña.

Parte del acierto de esta nueva adaptación de una obra del prolífico Stephen King radica en un reparto bastante acertado en donde no sólo destacan los personajes principales sino que hasta la Ellie de Jeté Laurence nos descubre a una posible gran actriz (ya veremos como le va en el futuro), y todo ello por que la joven intérprete sabe sacar el máximo provecho a un rol en el que tiene que ir desde el amor filial más sincero hasta su evolución hacia algo más inquietante. Pero es cierto que un gran reparto tampoco puede ayudar si el resto de elementos no acompañan, y ahi tengo que admitir que la dirección de los (hasta ahora desconocidos para mi) Dennis Widmyer y Kevin Kölsch es sin duda un sorprendente y notable trabajo, desarrollando toda la historia con una atmósfera progresivamente más ominosa que finaliza con una escena que tildaría de magistral, sobretodo por lo que insinúa, y que deja al espectador sin un aliento de esperanza. Tras el gran éxito que tuvo It, esta Cementerio de animales se sitúa sin problemas entre las mejores adaptaciones de King, lo cual se agradece.

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• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 5 de abril de 2019
• EL DETALLE: Atención a Church, el gato de la familia, elemento esencial y muy bien aprovechado sobre el que pivota toda la historia. Te quedas con las ganas de tener uno igual en casa...
• LO MEJOR: Bien dirigida, desarrollada e interpretada, sabe sacar toda la esencia de la novela original pese a las diferencias respecto a la misma (siendo la más evidente la del personaje "retornado")
• LO PEOR: Los citados cambios respecto a la obra de King, que pueden molestar a los más puristas, si bien se demuestran como igualmente solventes.

DUMBO, la versión del 2019 del clásico de 1941 (crítica sin spoilers)

En esa línea habitual que ha tomado Disney en los últimos tiempos de realizar remakes en "acción real" (un concepto igual algo "genérico" para según que ejemplos) este año 2019 tendremos tres títulos, este Dumbo que ahora se estrena dirigida por Tim Burton a la que habrá que añadir en verano las nuevas versiones de Aladdin de Guy Ritchie y El Rey León de Jon Favreau (siendo esta a la que me refería antes respecto a lo genérico de encuadrar estas nuevas versiones como de "acción real", ya que está muy claro el CGI tan solo con haber visto el trailer) He de admitir que tenía curiosidad en el presente caso porque estamos hablando de un título original que queda algo más lejano en el tiempo (1941) frente a los otros dos citados que veremos a lo largo de este año, que vieron la luz en versión animada en la década de los años 90, lo que los hace más presentes en el imaginario colectivo.

Pero analizando ya este nuevo Dumbo cabe indicar que estamos ante un film que respeta a su original animado pero que se ve necesitado de rellenar con más cosas que las que narraba la película de 1941, con lo cual podriamos afirmar (al menos desde mi punto de vista) que se vuelve más interesante cuanto más se aleja de esa base conocida por todos. De hecho incluso sería algo previsible teniendo en cuenta que la versión animada apenas superaba la hora de duración (64 minutos) y el presente "remake" (o como cada cual lo quiera denominar) alcanza casi las dos horas de metraje (las cuales, eso si, no se hacen pesadas en ningún momento al mantener un buen ritmo)

Lo más destacado de esta película sería su reparto humano (Danny DeVito, Michael Keaton, Eva Green y Colin Farrell), si bien ninguno de ellos logra eclipsar en ningún momento al elefantito digital, que hay que admitir que está realizado de una manera excelente para los tiempos que corren, aunque desde un punto de vista personal este nuevo Dumbo me pareció un personaje muy majo mientras que el de la película original era más entrañable (lo cual en esencia puede parecer lo mismo, pero tiene diferencias sutiles en la forma de narrarnos cada una su versión, ya que no en vano las separan casi 8 décadas una de la otra) Como decía antes, la película me gustó más cuando en su segunda mitad se aleja de la cinta original, lo cual coincide con la aparición en pantalla del personaje encarnado por Michael Keaton, que aqui repite con Burton de director y DeVito de actor tras coincidir los tres en Batman vuelve en 1992. Su caricaturesco personaje tiene bastante ironía porque todo lo que representa no sería descabellado interpretarlo como una especie de autocrítica por parte de Disney (la cual se hace evidente por ese megalómano parque de atracciones llamado Dreamland que aparece en el segundo tramo del film)

Aunque los personajes humanos están perfilados desde un esquema bastante básico tengo que admitir que además de los cuatro nombres que encabezan el cartel, la que también me sorprendió fue la joven Nico Parker, hija en la vida real de la actriz Thandie Newton y en la ficción de esta película del personaje encarnado por Colin Farrell. Sería ella la que sustenta el mensaje feminista de esta renovada versión de Dumbo, al encarnar a una jovencita que no está dispuesta a aceptar los roles que se le plantean y que desea demostrar lo que vale. El otro mensaje más evidente (y que en la película original era más sutil, no en vano los tiempos han cambiado) es una clara apología a favor de los derechos de los animales, sumado al recurso propio de la filmografía de Burton de los personajes inadaptados como en este caso podría ser el encarnado por el actor Colin Farrell (un tullido de guerra) o, sin ir más lejos, el propio Dumbo. Pese a un diseño de producción bastante en la línea del habitual en su director (entre lo fantástico y lo extravagante), la labor de Burton aqui es más acomodaticia que en otros proyectos más personales, resultando tan solo una aceptable película que nunca llega al nivel del film original.

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• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 29 de marzo de 2019
• LO MEJOR: La segunda mitad de la película, cuando se introduce con Michael Keaton una ¿autocrítica? por parte de Disney hacia esas corporaciones que fagocitan los talentos más individuales y minoritarios (lástima que no se ahonde más por esa vertiente) También destacaría sus adecuados mensajes animalista y feminista.
• LO PEOR: Que viniendo de quien viene (Tim Burton) y contando con quien cuenta (ver el cuarteto que encabeza el cartel) tan solo llegue a ser un buen entretenimiento que nunca alcanza el nivel de su versión animada.

HELLBLAZER: ANDY DIGGLE, EL HOMBRE GARABATEADO, MAJARETA, HOLLYWOOD JAN y LA JUVENTUD DE MICKEY (minireseñas)

Fue algo "curioso" cuando empecé a leerme este volumen porque lo que estaba viendo a mi me sonaba bastante de ya haberlo leído. Como todo en esta vida, la explicación era sencilla, en el tomo de Hellblazer titulado Paseo en coche que me leí hace más de dos años ya estaban esos siete primeros números incluidos aqui (en este tomo que recopila toda la etapa de Andy Diggle están incluidos los números 230 al 250 de Hellblazer, por lo que he podido completar las buenas sensaciones que me dejó el comic citado que incluia el inicio de esta etapa)

Si de la primera tanda lo que más me gustó fue el arco argumental De paseo (por lo original de lo que plantea), una vez leida en su conjunto también destacaría El mago sonriente, donde se presenta uno de los oponentes más destacados que le he visto yo a John Constantine: el mago africano Mako, que absorbe el poder de otros magos comiéndose sus cerebros. Unido junto a Lord Calvin Burnham (el "villano" presentado en De paseo), su combate con Constatine será bastante "curioso". En conjunto este tomo recoge una etapa amena y muy entretenida.

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Me he leido El hombre garabateado porque pensaba que sería un comic con algunas dosis de terror, aunque más bien lo que me encontré es un relato de suspense orquestado sobre tres protagonistas femeninas, que se corresponden con tres generaciones de una misma familia. Las dos mujeres más jóvenes tendrán que llevar a cabo una concienzuda investigación para resolver misterios ocultos de su familia tras la irrupción en sus vidas del misterioso personaje de la portada, en un relato donde prima el tono fantástico y mitológico.

Lo más llamativo a medida que uno se sumerge en la lectura de esta obra es sin duda lo bien definidas que están las mujeres de esta historia, que consiguen desarrollarse bastante más y mejor que lo que uno se hubiera imaginado, hasta el punto de que ellas serían sin duda alguna las verdaderas protagonistas, siendo la criatura que da título a esta comic tan solo una mera excusa para que giren la cabeza (metafóricamente hablando) a su pasado familiar para así no olvidarlo. Un entretenido cuento de como los relatos pueden acabar siendo leyendas.

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Hace poco leí un comic sobre el trastorno bipolar que me resultó bastante interesante, por lo que al buscar por temática encontré este otro de Ellen Forney que también trata de lo mismo desde el punto de vista personal de la propia autora, en un destacado ejercicio de autoanálisis mediante el cual la autora nos narra sus vivencias desde el momento en que le diagnosticaron que padecía trastorno bipolar. El mayor miedo de Forney era saber si eso afectaría a su vida artística como historietista, en la que incluso logró nominaciones a los Eisner.

Lo más destacado de este comic sería ante todo su talante (de lo más optimista), pese a que la autora nos describe la crónica de su peor etapa, cuando tuvo que lidiar con todo un montón de medicamentos hasta encontrar los que le fueran bien en su caso. Incluso Forney investigó sobre otros posibles artistas que pudieran haber sido como ella mientras vemos (algo que ella refleja muy bien en viñetas) la montaña rusa que era su psique hasta que alcanzó un relativo equilibrio. Majareta resulta una obra terapéutica para comprender este tipo de problemas.

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Admito que en un inicio no era este el comic de Bastien Vivès con el que quería empezar a conocer a este autor, pero viendo que su espacio en la biblioteca está bien poblado me llamó la atención este Hollywood Jan por sus claras referencias a esa otra gran pasión mía (junto a los comics): el cine. En este caso junto a Michaël Sanlaville, lo que nos presentan ambos autores es al joven Jan, un chaval tímido y acomplejado con una vida social bastante triste, pero que él sobrelleva con su amplia vida interior (que es donde radica lo simpático de esto)

¿Cuantos chavales no hay que hayan tenido algún amigo invisible? Frente a una sociedad en la que resulta bastante dificil aclimatarse, muchos se han abocado a un mundo interior en el que se sentían más completos y libres. Eso es lo que le ocurre al protagonista de este comic con Arnold Schwarzenegger, Sylvester Stallone y Russell Crowe, a los que se imagina con la labor de consejeros para sobrellevar su vida diaria. A medida que Jan se vaya "abriendo" eso cambiará, en una obra tan simpática como optimista.

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Grata sorpresa la que tuve al pasar por la sección infantil de la biblioteca ya que me encontré con esta La juventud de Mickey, una obra del historietista francés Tébo, al cual reconozco que no conocía aún. Me fié de mi intuición por lo mucho que me gustó hace meses otro comic del famoso ratón emblema de la Disney, y tengo que admitir que estamos no solo frente a una obra perfecta para aficionar a la lectura a las nuevas generaciones, sino que al mismo tiempo es una delicia para los más veteranos que crecimos con este personaje.

Cual si este popular ratón fuese el anciano que por edad sería, en este comic vemos como el abuelo Mickey le cuenta toda una serie de aventuras a su sobrino-nieto Norbert, un jovencito más aficionado (como las generaciones actuales) a jugar a los videojuegos que no ha escuchar las "batallitas" del abuelo. Pasando por un montón de géneros (sea ciencia-ficción, aventuras, bélico, western, etc.) y beneficiada de un apartado gráfico agradable y un ritmo desenfado y jovial, resulta una espléndida elección para convocar a nuevos jóvenes lectores.

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NOSOTROS (US) de JORDAN PEELE, crítica sin spoilers

En su momento cuando se estrenó el film Déjame salir (Get out) la verdad es que no me llamó mucho la atención y no lo ví (de hecho sigo igual en el momento de escribir esta crítica) Me llamó algo la atención cuando fue incluso nominada a varios Oscars, logrando el de mejor guión original, y aunque todos sabemos que los premios de la Academia no son siempre los más justos (ni fiables), debería de tener "algo" para triunfar en una de las categorias (se supone) más importantes. Su responsable, Jordan Peele, ha revalorizado su imagen de una manera similar a como lo logró en su momento M.Night Shayamalan con El sexto sentido e incluso ha conseguido ser el anfitrión de la nueva temporada de The Twilight Zone (La dimensión desconocida) sustituyendo al clásico Rod Serling. Con todos estos antecedentes decidí darle una oportunidad a Nosotros (Us), su segundo film también englobado en el género del terror, ya que su premisa argumental me parecía bastante llamativa.

Esta película nos presenta a una familia afroamericana en un inicio normal y corriente que tendrán que hacer frente a algo muy común en la cultura y la mitología pero quizás no tanto en las pantallas de cine: el Doppelgänger o "reverso tenebroso". Lo más reciente del citado tema que se me vino a la cabeza fue Black Paradox, manga de Junji Ito, aunque otra obra de la que también me acordé fue La mitad oscura de Stephen King, si bien el título más emblemático sería la clásica dualidad entre Jekyll y Hyde.

Siendo esta mi primera aproximación a la obra de Jordan Peele el resultado ha sido bastante entretenido pero no del todo redondo, sobretodo porque la explicación final resulta de dificil credibilidad, a lo que se une una última "sorpresa" (en uno de esos giros de guión propios del antes mencionado Shyamalan), pero que también me resulta bastante forzada. Además para lo que cuenta (y como lo cuenta) el metraje resulta un tanto excesivo: algunas críticas previas que he leído situaban a este film cual si fuera un episodio de la también antes citada The Twilight Zone, y de hecho esta historia, de haber estado más concentrada, bien podría haber sido un digno material para tan mítica serie. El problema viene de que mientras que allí la duración oscila entre los 30 y los 60 minutos, aquí la película alcanza casi las dos horas, cuando con unos 90 minutos habría obtenido un resultado más óptimo.

Pero también es justo reseñar lo bueno, y eso estaría en lo bien que sabe manejar Peele este género, ya que sin tampoco inventar nada nuevo (algo que resulta muy complicado en el terror con lo mucho que se ha abusado de él), logra mantener el interés del espectador en una historia que podriamos decir que funciona en un inicio cual si fuera una nueva variación de Funny Games para luego ir desembocando en algo que recuerda a La invasión de los ultracuerpos. De todas maneras hay cierta información que se da en el inicio que me hizo pensar si esto no bebería también de clásicos como La máquina del tiempo (por lo de los Eloi y los Morlocks), con lo que también me pillaron atento para ver si la explicación me matizaba mi premonición, que también admito que me era de dificil credibilidad (el problema viene cuando esa "aclaración" en lugar de dar coherencia al conjunto tan solo te hace replantear toda la historia desde una perspectiva de dificil verosimilitud)

Como curiosidad citar de que aparte del loable trabajo de los protagonistas dando vida tanto a sus personajes como a sus "gemelos malvados" me gustaría llamar la atención sobre Elisabeth Moss (famosa por la serie de televisión El cuento de la criada) y que aqui en algunos momentos me hizo recordar lo bien que podría haber sido valorada como Harley Quinn, al saber expresar con una tremenda naturalidad el toque lunático y desquiciado de ese personaje (si bien no pongo pegas a la recreación que hizo Margot Robbie en Escuadrón Suicida, uno de los detalles más salvables de la citada película) Al final, y a la espera de futuros trabajos de su responsable, Nosotros (Us) se posiciona como una película mejor desarrollada que resuelta, en la que quizás hay una sobrecarga de alegorías y metáforas para una historia que maneja con bastante soltura los detalles de un género, el de terror, del que se ha abusado demasiado.

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
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• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 22 de marzo de 2019
• LO MEJOR: Lo bien que maneja el género su director, al lograr que todo esté envuelto en una atmósfera funesta y un suspense bien graduado.
• LO PEOR: Dejarlo todo (o casi todo) explicado, con soluciones de dificil credibilidad y giros algo forzados.

LOS PICAPIEDRA: INTEGRAL, un comic tan sarcástico como divertido

¿Quien no ha oido hablar de Los Picapiedra? Estamos hablando de uno de esos pilares sobre los que se sustentan la infancia animada de varias generaciones. Pero visto desde el punto de vista actual podía perder parte de su encanto, porque la citada serie no dejaba de ser una sátira de la sociedad de hace medio siglo, pero cual si fuesen de la Prehistoria, por lo que hay otras series de animación que le han tomado el relevo en su espíritu como por ejemplo Los Simpson y esos muchos derivados que ha generado (como serían las series Padre de familia o American Dad de Seth MacFarlane) Pero esta prehistórica familia dejó huella desde la década de los sesenta.

¿Como actualizar un clásico como este pero sin que pierda su esencia? Una idea así en un inicio puede parecer atrevida, pero en DC se propusieron hacer reboots de algunas clásicas series de animación de Hanna-Barbera como Johnny Quest, Scooby Doo, Los Autos Locos o la que nos ocupa: Los Picapiedra. Tengo que admitir que supe de esta noticia en su momento pero no le dí mayor importancia porque tenía dudas de que un producto tan específico pudiera convencer al público actual, quedándose tan solo como una mera curiosidad. Pero parece ser que no solo ha sido así sino que incluso hay un título que ha destacado sobre el resto consiguiendo incluso nominaciones a los premios Eisner de comic. Y si, fue efectivamente Los Picapiedra, por lo que apenas tres meses después de salir a la venta en España por parte de ECC, ya ha entrado este tomo en las bibliotecas y ya he podido disfrutar con una obra hacia la que tenía mis reservas, pero que ha demostrado ser tan satírica como la original, analizando ahora detalles más contemporáneos.

Acostumbrado a la estética más cartoon con la que se hizo famosa tanto esta serie como otras muchas de Hanna-Barbera, pensaba yo que un tono más "realista" podría ser un claro obstáculo para aquellos más veteranos. Pero sobreponiéndose a ese detalle (digamos que hay que ser amplio de miras) estamos ante un comic bastante notable (y casi excelente) que sabe ser fiel a los planteamientos de la serie de animación original. Dividido en 12 capítulos, todos ellos incluidos dentro de este integral, los mismos gozan de un muy acertado guión de Mark Russell, que sabe criticar de forma muy sarcástica varios aspectos de nuestra sociedad actual, demostrando que la misma está sujeta por unos endebles pilares... aunque ello no es obstáculo para reirse de algunos temas tan claves para nuestro mundo de hoy como la religión, la política, el consumismo, las guerras, el racismo o la inmigración (por citar solo unos ejemplos)

Insisto en que lo que puede descolocar más al hipotético lector de esta obra es ese dibujo más realista y detallado obra de Steve Pugh, el cual se aleja más del clásico aspecto de dibujo animado para darle un tono que puede recordar a la película de acción real de 1994, cuyo uno de sus mayores aciertos fue encontrar al perfecto actor para ser Pedro Picapiedra: John Goodman. El citado apartado gráfico de Pugh y Rick Leonardi (aunque este tan solo dibuja un capítulo) logra alcanzar un resultado bastante destacable ya que sabe recoger esos detalles del clásico de la animación para hacer que los personajes resulten fieles a los planteamientos originales de Hanna-Barbera, siendo todos ellos perfectamente reconocibles. Al final este integral de Los Picapiedra resulta una inesperada y grata sorpresa que al mismo tiempo que me transporta hasta los recuerdos de mi infancia, realiza una sátira tan mordaz como reflexiva de los tiempos que vivimos cual si fuera de los mejores episodios de Los Simpson.

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SPIDERWOMAN: CIVIL WAR II y TÁCTICAS INTIMIDATORIAS (reseñas)

Hacía ya bastante tiempo que me había leido el último volumen de la Spiderwoman de Dennis Hopeless, pero más o menos ya recordaba tanto como se había quedado la situación así como los personajes principales que rodeaban a Spiderwoman. Este cuarto tomo incluye los números 8 al 12 americanos, en el que los hechos principales son a cuenta del cruce con el evento Civil War II, en el que la protagonista juega un papel un tanto colateral, más que nada por la relación que la une con la Capitana Marvel (lider de uno de los frentes de dicho evento)

Pero dicho cruce, que ocupa los tres números centrales de este tomo,  y que más o menos sería la comprobación que lleva a cabo Jessica Drew (Spiderwoman) de las supuestas premoniciones del inhumano Ulysses por todo el tema de la justicia preventiva en la que estaba centrada Civil War II (lo que la llevará a una agria discusión con la Capitana Marvel) tiene un prólogo así como un epílogo bastante acertados. En el primero vemos a Jessica combinando esa nueva condición suya de madre soltera con su trabajo, centrado en este número en un combate contra Tiburón-Tigre, mientras que en el número final vemos como lo que tendría que ser un agradable día de playa (y descanso) para ella, su niño pequeño y su ayudante Puercoespín se traduce en una inesperada confrontación con el Hombre de Arena que finalmente se resuelve de forma satisfactoria.

El resultado final es un comic tremendamente entretenido que sabe combinar muy bien la acción con la comedia, siendo lo más divertido el contraste de la nueva condición de Jessica como madre soltera y el hecho de que ella sigue ejerciendo su profesión. Con unos personajes bien definidos y bastante bien desarrollados no estariamos ante una obra cumbre pero sin duda si ante uno de esos comics que una vez leidos te dejan con la satisfacción de haber pasado un buen rato con ellos, ya que tiene un correcto equilibrio entre su guión y su apartado gráfico.

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Lo bueno de la situación es que aunque he tardado en leer estos dos tomos de Spiderwoman, he tenido la suerte de poder disfrutarlos seguidos, pero dejándome al final con una sensación agridulce porque si bien me lo he pasado muy bien leyéndolos, en el caso de este que lleva por título Tácticas intimidatorias (y que justo continua al reseñado arriba de Civil War II) estamos ante el último de la serie, lo que me deja con la incógnita de la evolución de Jessica y todo lo que la rodea, sobretodo a raiz de lo que sucede aqui.

Aunque fuera posterior, en mi caso yo conocí antes al Duende que al Duende Verde, por lo que me decanto más hacia el primero en cuanto a aspecto, aunque el segundo bajo la máscara tenga más matices. Por eso que fuera dicho villano el contrincante de esta última entrega me ayudó a sobrellevar esa incógnita antes citada sobre el futuro del personaje, ya que Dennis Hopeless ha conseguido llevarla más allá de lo que su simple función como superheroína requiere, logrando plantearla de una manera humana, creible y tangible para el lector.

Tengo que admitir que en el fondo me sentía muy identificado con el personaje de Roger Gocking, el (en un inicio) villano Puercoespín que luego se reformó, pasando a ayudar a Jessica en la crianza de su bebé. Sus buenas intenciones se hacen patentes en todo lo que sucede en esta última entrega, cuando decide finiquitar su franquicia de villano con el Duende, lo cual no saldrá del todo como él esperaba y llevará a Spiderwoman a tener que meter baza en el asunto. Sin desvelar nada para el que aún no se lo haya leído, tengo que admitir que en este arco argumental disfruté con todo lo que plantean (para lo bueno y para lo malo), cerrando la colección un último número donde una fiesta lleva a Jessica Drew a mostrar ante sus colegas superhéroes que ya es una sensata mujer de familia, alejada de ciertos "estereotipos" que la habian acompañado hasta ese momento.

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