Admito que mi interés principal en esta película radicaba en ver a Nicolas Cage como Drácula, ya que como todo el mundo tiene asumido el tipo de actor que es (excéntrico, histriónico y capaz tanto de lo mejor como de lo peor a la hora de afrontar sus papeles), pensaba que aqui nos ofrecería su versión más exagerada y esperpéntica. Ese era mi primer interés en una película de la que no esperaba demasiado, ya que si el vampirismo en cine se ha tocado desde todos los puntos de vista posibles, el célebre personaje literario creado por Bram Stoker en 1897 también se las ha visto de todos los colores en las pantallas (de hecho mi versión preferida es la que llevó a cabo en 1992 Francis Ford Coppola, del que curiosamente el antes citado Nicolas Cage sería su sobrino en la vida real)
Muchos han sido los actores que han encarnado a Drácula en pantalla, pero sin duda alguna los más emblemáticos se podrían decir que han sido Bela Lugosi y Christopher Lee, siendo los que toma de referencia Nicolas Cage (sobretodo el primero) para ofrecer una de sus habituales muestras de interpretación histriónica con las que se ha granjeado tanto fans como detractores (será luego cuestión de que cada espectador evalúe a que nivel de exceso se situaría en la variada filmografía del citado actor) Pero él no es el protagonista de esta película sino Renfield, un personaje secundario en la novela original de Bram Stoker, que aquí es interpretado por el actor Nicholas Hoult, visto por ejemplo como Hank McCoy en las películas de los X-Men surgidas a partir de Primera Generación, o en la reciente (y muy recomendable) El menú.
El presente film parte de una idea de Robert Kirkman (el responsable de The walking dead, el comic del que partió la franquicia televisiva homónima, con sus spin-offs aún en vigor) y está dirigido por Chris McKay (en cuyo historial figuran títulos como Batman: La Lego película) La historia nos presenta a Renfield en la época actual, asistiendo a un grupo de apoyo mientras pone en antecedentes al espectador, con un simpático guiño al Drácula de Tod Browning de 1931 donde vemos a Cage siguiendo la estela de Bela Lugosi. Eso sirve para mostrar como se ha establecido una malsana relación entre el conde y el protagonista, en la cual este último tiene que estar disponible para cualquier petición que le haga su amo, bajo pena de terribles sufrimientos. Pero Renfield se siente agobiado por esa relación tóxica establecida con una personalidad claramente narcisista (pese a un Cage aún no tan desmadrado como podía haber llegado a estar), siendo ese el motivo por el que acude a ese grupo de ayuda cuya terapia espera que le pueda ser útil, si bien no en el sentido inicial que uno esperaría (Renfield intenta seleccionar víctimas para su amo con cierta justicia moral)
El caracter pusilánime de Renfield hacia su vampírico amo y señor da un relativo vuelco cuando conoce a la honrada agente de policía encarnada por Awkwafina, y con lo de "honrada" me vengo a referir a que pronto queda claro que sus ideales chocan con un departamento en el que la corrupción campa por sus anchas, forzándola a estar siempre al margen de la acción. Dos personajes a priori tan contrarios como ella y el protagonista se verán inmersos, debido a las circunstancias, en una guerra contra la principal familia de narcotraficantes de Nueva Orleans, en la que también meterá baza el propio Drácula cuando descubra que su siervo no está contento con la condición que gracias a él ha mantenido durante décadas. El problema de este film, pese a que en líneas generales funciona tanto por sus pocas pretensiones como por su ajustado metraje (sólo 93 minutos), es estar sustentada en una idea graciosa pero que se alarga demasiado, lo cual funciona en ciertos momentos (en los que admito que sonreí, en ocasiones de puro exceso por un gore desmadrado), pero cuyo esquema básico recuerda a las películas justicieras de Steven Seagal.
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FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
Todo un señor tomaco (son casi 600 páginas) el que me he leido de la biblioteca titulado The Hellblazer, y que como es lógico suponer es una nueva andadura de la susodicha colección (en origen sin el The delante) en la que vivió innumerables andanzas el personaje de John Constantine. Este tomo incluye el primer número de Hellblazer: Renacimiento más los 24 números de la susodicha cabecera The Hellblazer, por lo que lo primero y más evidente que ofrece este sustancioso tomo es una clara variación de autores, ya que varios son los guionistas y (siendo en ese apartado donde se hace más evidente) también son varios los responsables gráficos, si bien es justo admitir que se logra mantener una relativa coherencia y sensación de continuidad. El resultado en su conjunto es correcto, intentando recuperar (con más o menos acierto) aquel espíritu original de este personaje, cuando vivía sus andanzas en el sello Vertigo, antes de que se le mezclara con el resto del universo DC (con una ligera presencia entre estas páginas, pero sin nunca enturbiar al verdadero protagonista de este comic: un John Constantine que sigue siendo el personaje que conocimos)
De mi lectura de mangas me he aficionado al tema yokai, mientras que también he citado por este blog mi afinidad ante la obra de Benjamin Lacombe, estupendo ilustrador francés del que ya he disfrutado de su arte en varias obras. Es por ello que si en su momento ya leí Historia de fantasmas de Japón de Lafcadio Hearn e ilustrado por el citado Lacombe, no lo dudé a la hora de escoger Espíritus y criaturas de Japón, que vendría a ser algo así como una continuación del anterior volumen, también del mismo autor, y de nuevo con la maravillosa labor artística de Lacombe. En este caso se hace una selección de varios relatos y detalles sobre el folclore clásico japones, que gustarán más o menos en función de cada lector, pero pese a tocar ciertos temas sobrenaturales (que no terroríficos) con la inclusión de criaturas míticas como los kappa o los kitsune, la narrativa de Hearn consigue que disfrutemos de ellos cual si fuera una destacable lección de curiosidades autóctonas. En una cuidada edición, las mismas se ven complementadas con el maravilloso trabajo gráfico de Lacombe, transformando el resultado final en una delicia no solo literaria sino también visual.
Me gustan los comics de profesiones de todo tipo, ya que lo mismo te puedes encontrar anécdotas de un camarero, que de una farmaceutica, que de una maestrade pueblo. Siguiendo en esa estela ahora le toca a las azafatas de aviones (más exactamente las asistentes de vuelo), que gracias a la web de Azafata Hipóxica se ha ganado el mérito de ver trasladada a las viñetas algunas de sus anécdotas. En la citada página Andrea Enríquez Cousiño concentra las muchas anécdotas y situaciones de lo más variopintas que se dan dentro de su profesión, y en este comic vendría a recurrirse a las que suceden en un viaje de 5 horas que sale desde España con destino a Reikiavik. En esta obra se concentra, como es lógico, la visión más positiva de dicha profesión, que se ve aderezada con todo tipo de situaciones de lo más inesperadas (desde pasajeros enfurruñados hasta perros algo díscolos), pero de las que sabe salir con solvencia, lo cual demuestra el esfuerzo y el tesón de su trabajo, pero al mismo tiempo la ilusión con la que lo lleva a cabo. Cinta Villalobos sería la encargada de plasmar todo esto en las viñetas, labor que desempeña de una forma bastante acertada.
STEAMPUNK: FANTASÍA Y CIENCIA-FICCIÓN RETROFUTURISTA
Admito haberme topado en ocasiones con historias, sea en el formato que sea (cine, serie, comic, etc), que se pueden englobar dentro de la categoría de Steampunk, pero lo que ni de lejos me podía imaginar es todo lo que ha dado de si. Para eso sirve este libro titulado Steampunk: fantasía y ciencia-ficción retrofuturista de Manu González, y que admito que escogí en la biblioteca por una cierta curiosidad por mi parte sobre la temática, y que al abrirlo y hojearlo fuí a parar a El secreto de la pirámide, uno de mis films preferidos. En poco más de 200 páginas el autor define de manera clara y sencilla el steampunk, así como sus antecedentes, para después hacer una selección de trece autores literarios preferentes de dicha temática, y un análisis de más de 40 películas y/o series (entre ellas la antes citada de Sherlock Holmes, así como los dos films del detective de Guy Ritchie o la serie de animación de Miyazaki), más de una docena de comics (por ejemplo La liga de los hombres extraordinarios) y una decena de videojuegos, que se completan con un capítulo final dedicado a lo que de esa temática se puede encontrar aquí en España (clubs, webs, etc.)
Steampunk: Fantasía y ciencia-ficción retrofuturista, ficha editorial por este enlace y ficha de la biblioteca pendiente de activar.
EL MARAVILLOSO VIAJE DE NILS HOLGERSSON A TRAVÉS DE SUECIA
Una de las series de animación de mi infancia que se me quedó marcada en el corazón fue sin duda Nils Holgersson (si bien el título original era El maravilloso viaje de Nils Holgersson) Se trataba de la adaptación japonesa de la obra original de Selma Lagerlöf, y como la misma no me la había leido, la probé de la biblioteca, encontrándome con una narrativa que se me hizo algo espesa para mi gusto, con lo cual la descarté también por un grosor superior al medio millar de páginas. Pero habiendo descubierto hace poco esa preciosa colección de clásicos ilustrados promovida por Benjamin Lacombe, y detectando que esta constaba en la misma (aunque las ilustraciones en este caso son de Yvan Duque), probé suerte con esta versión resumida donde, como en la parte final indican, los profusos 42 capítulos quedan resumidos en 24 según la versión de 1989 de Père Castor Flammarion, en una reformulación que respeta el espíritu original, añadiendo incluso un divertido encuentro entre el personaje y su creadora (Selma Lagerlöf) que en ningún momento desentona.
¿Porque se me hizo espesa mi primera aproximación literaria a esta obra? En esta versión lo he visto de forma clara: más allá del aprecio y el amor hacia la naturaleza (como por ejemplo en la novela de Bambi, si bien allí con un resultado mejor), este libro se escribió en origen para ser una obra didáctica sobre Suecia, abarcando tanto sus mitos como sus leyendas. El protagonista es un niño bastante grosero, sobretodo con los animales, que se ve castigado un día por un duende que lo vuelve de su misma condición y tamaño. A partir de entonces emprenderá un viaje migratorio, recorriendo el país con una bandada de gansos, en donde su carácter mejorará en sucesivas aventuras y encuentros inesperados, entendiéndose que esa es la lección moral que el duende considera que tiene que aprender para volver a su condición humana. Esta adaptación es recomendable para los que, como en mi caso, vieron la serie de animación, aparte de que también sirve para acercarles este relato a las nuevas generaciones (muchos ya tendrán hijos)
El maravilloso viaje de Nils Holgersson a través de Suecia, ficha editorial por este enlace y ficha de la biblioteca por este otro.
Muchas veces he comentado (y ejemplos como este no hacen más que confirmármelo) que en cuanto a exorcismos en la gran pantalla, TODO lo que ha precedido a la película El exorcista (que justo este 2023 cumple 50 años) ha bebido, en mayor o menor medida, del film de William Friedkin basado en la obra de William Peter Blatty. Curiosamente hace pocos meses descubrí yo la citada novela, lo que me llevó a darle un revisado a la película que generó, por lo que tenía bastante fresco en la mente su esquema básico, que el presente film se limita a reincidir. Ya en fechas recientes había visto y leidoEl exorcismo de mi mejor amiga (una novela discreta que generó una adaptación más bien olvidable), lo que no hacía más que reafirmarme en mi opinión sobre dicho subgénero del terror, pero le dí el beneficio de la duda a esta opción.
Intentando repetir el éxito del universo de películas generado a raiz de Expediente Warren, se nota mucho (y en especial en su tramo final) que la idea de sus responsables es convertir la vida y experiencias del sacerdote Gabriele Amorth (personaje real fallecido en 2016, que ejerció como exorcista en la Diócesis de Roma) en algo así como una versión cinematográfica similar a la del matrimonio Warren, encarnado en aquellas por Patrick Wilson y Vera Farmiga. Para ello se valen de un intérprete solvente como Russell Crowe, cuyo carisma consigue que en su conjunto El exorcista del Papa se deje ver sin problemas, si por ello ser una buena película, ya que carece de innovaciones.
Dirigida por Julius Avery, del que justo el año pasado vi su obra previa Samaritan (donde Stallone encarnaba a un ficticio superhéroe crepúscular), en esta El exorcista del Papa se limita a situar la cámara con mayor o menor acierto en una historia donde tenemos la típica familia americana que arrastra un trauma, donde el más pequeño de la casa será poseido, lo que dará pie a todos los estereotipos relacionados con ello (por ejemplo el omnipresente crucifijo volteado), hasta que al final acuden al padre Amorth, aqui representado como una especie de pragmático antiheroe crepúscular que descubrirá que bajo ello se esconde un peligro relacionado con la antigua Inquisición Española, el cual puede poner en jaque a la Iglesia Católica, siendo a partir de ese momento cuando lo que parecía la enésima película de exorcismos se transforma en algo parecido al universo antes citado generado por Expediente Warren. El éxito del trabajo de su protagonista, el citado Russell Crowe, está en el hecho de ser el único personaje con el que el espectador logra empatizar, ya que el resto del elenco (donde sorprende encontrar a un actor como Franco Nero) tienen a su cargo unos personajes insípidos.
De todas maneras la película se deja ver, sin caer en el desastre, al respetar ciertos detalles como por ejemplo el idioma de cada personaje (ví este film en un pase de prensa en versión original, haciéndose patente el uso del italiano, el inglés y el español, por lo que ignoro como se solventará eso en la versión doblada que llega a los cines), a lo que sumar el antes citado trabajo de un Russell Crowe que sostiene la película sobre sus hombros, si bien se adivina que no hay ni rastro de cualquier detalle cercano al biopic del verdadero padre Amorth, decantándose más bien por una representación perfilada de cara a generar (si la suerte le acompaña) un carismático protagonista de una nueva franquicia de relativo terror (la distribuidora detras de un producto como este es Screen Gems, que conoce el género por franquicias como las de Resident Evil y Underworld) En resumidas cuentas El exorcista del Papa es el enésimo ejemplo de la larga sombra del film de Friedkin de 1973 citado al inicio (los paralelismos son evidentes), al que salvaría su falta de pretensiones más allá de moverse dentro del terror fantástico de serie B, con clara intención de generar un universo propio.
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FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
Super Mario Bros nació como videojuego de plataformas en 1985. Diseñado por Shigeru Miyamoto, el éxito fue tal que a partir de ahí ha habido infinidad de versiones para todo tipo de formatos, logrando ser un icono para Nintendo. Admito que nunca he sido ni seguidor ni jugador acérrimo de videojuegos, pero mentiría si dijera que nunca he jugado alguna partida esporádica con el protagonista de esta franquicia, el fontanero Mario, por lo que se puede decir que más o menos lo conocía cuando fui al cine en 1993 para ver su adaptación en acción real, en su momento una película machacada por la crítica y denostada por el público, que se decantó en aquella temporada veraniega por otro estreno con dinosaurios que generaría su propia franquicia. Jurassic Park.
¿Tan mala era aquella película? Hace 30 años admito que no me disgustó, pero si que la recuerdo como algo FALLIDO, ya que las similitudes con el videojuego (por aquel entonces) podemos decir que eran tangenciales. De todas maneras creo que la pareja protagonista si era más o menos funcional, ya que tanto Bob Hoskins encarnando a Mario, así como John Leguizamo (actor al que descubrí a raíz del citado film) como su hermano Luigi cumplian con corrección la difícil papeleta. El problema radicaba en TODO LO DEMÁS, siendo difícil encontrar alguna similitud que recordara en algo a lo se había visto y planteado en los videojuegos. Uno de los fallos más evidentes que recuerdo fue poner aspecto humano al villano, interpretado por un histriónico Dennis Hooper, así como la ridícula justificación para el personaje de Daisy (a cargo de una Samantha Mathis entonces conocida por ser la novia del malogrado River Phoenix)
De todas maneras su error era ese tan común en algunas adaptaciones de los noventa y primeros 2000: intentar hacer en acción real algo IMPOSIBLE de trasladar a dicho formato. Hay cosas (comics, series de animación, videojuegos, etc.) cuya idiosincrasia hace que funcionen dentro de sus propios parámetros, pero que no acaban de convencer cuando se les cambia esa esencia propia, al menos hasta estos últimos años en que algunos proyectos si consiguen un acierto parcial. Ejemplos de lo primero hay muchos, que van desde la película de Los Picapiedra en 1994 a las dos películas en acción real de Mortadelo y Filemón de 2003 y 2008; films que pueden gustar más o menos según cada espectador, pero que resulta innegable que no acaban de hacer una traslación acertada de sus parámetros de origen. Sería como si alguien se planteara una adaptación en acción real de ¡¡¡Los Simpsons!!!… son disparates innecesarios.
Si por tanto la mejor manera de adaptar Super Mario Bros era la animación, ¿tanto ha costado realizar una película como esta? Vale que ha habido algunos programas televisivos, alguna serie de animación a lo largo de su historia, así como traslación a las viñetas de los comics, pero todo ello fue previo al estreno del film de 1993 (que incluso generó su variante porno, en dos entregas con Ron Jeremy de protagonista, que fueron compradas por Nintendo para hacerlas “desaparecer” y mantener el buen nombre de la franquicia) Se ha tenido que esperar a que Illumination Entertainment (famosos por Los Minions) y Universal Pictures se pusieran de acuerdo para realizar esta película, que por fin consigue hacerle justicia visual a estos personajes, aunque quizás peca de excesivo fan-service (son tropecientas mil las referencias: yo pillé muchas pero seguro que aún hay más) así como de un ritmo en algunos momentos excesivamente alocado. Pese a todo creo que convencerá al público infantil al que va dirigida, así como también a los nostálgicos que por fin verán en pantalla (en esta ocasión de cine) una acertada traslación visual de este personaje y su universo de plataformas, si bien con la pena de que algo así no hubiera llegado antes.
Pero más allá del fan-service, ¿convence? Su argumento es simple y sencillo (no nos vamos a engañar), por lo que por ahí puede que el resultado flaquee para muchos. También tiene un apartado musical que funciona cuando se centra en si mismo, pero con ciertas elecciones en cuanto a canciones que pueden levantar discrepancias (aunque a mi me resultaron funcionales) Al haberla visto en pase de prensa en versión original subtitulada es justo citar a Chris Pratt como Mario, Seth Rogen como Donkey Kong y Anya Taylor-Joy como la Princesa Peach (que, a tono con los tiempos que corren, ya no es la previsible damisela en apuros), aunque quien sin duda lo borda es Jack Black como el villano Bowser, así como los comentarios morbosos (respecto a como se encuentra) de Lumalee, con una chistosa voz de helio. Siguiendo con esa moda de escenas tras los créditos, en la última se sugiere la presencia de cierto popular aliado del protagonista, en caso de que esta película funcione lo suficiente como para generar una secuela.
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FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
Oso vicioso es el nuevo film como directora de Elizabeth Banks, y tan solo por su jocoso título español (en el original es Cocaine Bear, mientras que en Latinoamerica es Oso intoxicado) me llamó la atención. La premisa argumental sería tan disparatada como el resultado final: se supone que basado (mínimamente) en hechos reales ocurridos en los años ochenta, la historia se centra en un oso que probó cocaína, lanzada desde un avión por un narcotraficante. Y ya está, poco más hay, porque el resto depende del día y del estado de ánimo que tenga cada espectador para decidir si le convence o no, ya que estamos ante un film discreto (lo que antaño hubiera sido una peli de serie B), donde la grotesca mezcla de comedia de terror, y un cierto deleite en los momentos más sangrientos, gustará en proporción a lo que el espectador se implique en ello.
Esta historia (de apenas 95 minutos, lo cual se agradece) comienza con el narcotraficante al que encarna Matthew Rhys, al cual vemos lanzando varios paquetes con droga debido a que el avión donde la transporta va a estrellarse. Con la idea de recuperarlo después, parte del cargamento se dispersa por una espesa zona boscosa de Georgia, pasando lo que nadie se hubiera imaginado: un voluminoso oso negro encuentra parte de la droga y se la come. A partir de ese momento hay varios personajes perfilados cual si esto fuera un slasher, que por diferentes motivos se internarán en el bosque y se cruzaran con el citado oso, el cual está sufriendo los estragos de la cocaína, que lo ha convertido en una adicta bestia ansiosa por más droga... sea como sea y contra quien sea.
El problema más evidente que tiene esta película, si uno se pone meticuloso, es que transitando por terrenos de supuesta comedia, así como de terror sangriento, no consigue llegar a ser ni del todo divertida (aunque hay que reconocer que tiene sus aciertos, como por ejemplo el tramo de la ambulancia), ni especialmente gore (aunque también se deleita en los más brutos) Difusa sería la barrera entre este film y cualquier otro con bichos metamorfoseados de tropecientas maneras que se dedican a repartir caos y muerte: esas películas deliberadamente cutres, que uno ve con la total conciencia de que son lo que son, y tampoco dan para más. Es por eso que asumiendo el disparate que plantea su historia (en el suceso real del que parte este film el oso murió por sobredosis tras zamparse 3 o 4 gramos de cocaína, mientras que este la come cual si fuera Pac-Man), esta Oso vicioso tiene momentos que podrían haber dado más de si, con un enfoque más transgresor o siendo una comedia más disparatada, pero todo ello se resuelve con el ingenio mínimo.
Aunque habrá quien critique la visión "benévola" que se da en este film de las drogas, ya que se decanta por un evidente tono marcadamente caricaturesco (lo del oso en algunos momentos es puro disparate), se le nota también ciertos visos de una mínima calidad en el resultado final, que la alejarían de esos productos infames de serie Z con los que de una forma más fácil se la puede comparar. En cuanto a su reparto no hay ninguno que haga una labor digna de recordar, aunque es justo citar la presencia de ciertos nombres como Keri Russell (vista en Misión imposible 3), Alden Ehrenreich (el joven Han Solo de la precuela de ese personaje estrenada hace unos años) y Ray Liotta, en una de sus últimas intervenciones antes de su fallecimiento en mayo del 2022, y a cuya memoria está dedicado el presente film. Oso vicioso resulta al final una película sincera consigo misma y con el espectador, sin esconder nunca su condición de mero entretenimiento sin pretensiones, si bien no llega a ser tan divertida como ella misma pretende.
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FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
Por este blog he comentado en ocasiones mis preferencias hacia Benjamin Lacombe, ilustrador sobre todo de obras y cuentos infantiles. En busca de algo más que relatos que se pueden leer en pocos minutos, me encontré con la edición ilustrada por él del clásico El mago de Oz según la adaptación de Sébastien Perez. Pese a que para muchos prevalezca la versión cinematográfica de 1939, en los anexos de esta obra ya citan que su autor L.Frank Braum le salió rentable el mundo de Oz, con hasta 13 secuelas, intentando sacar adelante una adaptación en película que él ya no pudo ver (murió en 1919) Admito que la premisa original de la historia es archiconocida por todos: Dorothy, el Espantapájaros, el Hombre de hojalata y el León son un cuarteto de personajes que van en busca del poderoso Mago de Oz, con la intención de que les proporcione algo de lo que carecen (poder volver a casa, cerebro, corazón y valor) Esta adaptación deja la historia principal en apenas poco más de 100 páginas, ofreciendo un resultado muy accesible para todo tipo de lector, con el añadido de las PRECIOSAS ilustraciones de Lacombe, que embellecen aún más una edición bastante cuidada.
Otro mangaka al que descubrí en la biblioteca fue Naoki Urasawa, por lo que no dudé ante dos obras suyas que no había leído y que (afortunadamente) son autoconclusivas: ¡Achís! y El signo de los sueños. En el primer caso se trata de una antología de relatos cortos del autor, recogiendo ocho de ellos de los cuales me convencieron la mayoría (si bien no conecté tanto con los relacionados con la música como temática, como por ejemplo Los maduritos o Musica Nostra, aunque el de It's a beatiful day si me gustó) Por su parte también es divertido el de Henry y Charles, un claro homenaje a los Looney Tunes, así como los dos primeros, donde el autor se mueve en sus conocidos terrenos del thriller como género (en especial en ¡Lanza apuntando a la Luna!), pero el que me encantó fue Reino de kaijû, que puede ser el mejor y más emotivo homenaje que he visto en mucho tiempo a ese subgénero que surgió tras el éxito de Godzilla, con multitud de monstruos mastodónticos atacando el archipiélago japones.
Por su parte Mujirushi: El signo de los sueños es una carta de amor a Francia como país, a Paris como ciudad y al Museo del Louvre como lugar emblemático de la citada capital gala. Dicha elección es obvia, ya que fue la fundación que gestiona el Louvre quienes le solicitaron al autor un manga que transcurriese en el citado museo, siendo el resultado final una obra que se mueve dentro de las temáticas propias de Urasawa, incluyendo hasta una evidente crítica contra Donald Trump en la figura de Beverly Duncan, algo así como su reflejo en femenino. Los protagonistas son Kamoda y Kasumi, padre e hija donde el primero sería un arruinado perdedor nato, mientras que la pequeña parece tener más sentido común del que tiene su progenitor. Ambos se verán inmersos en una trama en la que acabarán en la famosa pinacoteca gala para restituir lo que da título a la presente obra, en una historia con un apartado gráfico notable, una fluida narrativa y unos personajes muy bien caracterizados pese a su condición autoconclusiva.
No sé si he visto Bambi, el clásico animado de Disney, porque no tengo recuerdo claro de haberlo hecho, pero basta indicar las diferencias de estilo entre esta obra y el film resultante como para que me quede sin dudarlo CON ESTA OBRA MAESTRA (sin por ello desmerecer a la de animación, pero muy grande ha sido la sorpresa que me he llevado leyendo la obra original del austriaco Felix Salten) Y es que Bambi: Una vida en el bosque no es una novela infantil, por lo que carece del toque con el que Disney ha recreado gran parte de sus clásicos animados, pero a cambio nos ofrece una maravillosa alegoría sobre la humanidad y sus sentimientos más básicos, en lo que sería el periplo por la vida de su protagonista. Bambi es un cervatillo que desde joven aprenderá que vive en un mundo hostil, en el que resulta dura la subsistencia, siempre con la amenaza del ser humano, un peligro constante del que hay que huir apenas se note su presencia. Una historia fascinante y genial para todas las edades, que se beneficia (en esta edición de Edelvives) de unas ilustraciones de Benjamin Lacombe que son una auténtica maravilla, aumentando el placer de la lectura.
Cierro este post de reseñas compuesto por cuentos clásicos y obras suyas con el 4º volumen de ¡Asadora!, manga de Naoki Urasawa del que me leí las tres primeras entregas hace ya unos meses. La historia continua en este cuarto tomo, con nuevos avistamientos de algo que no se puede acabar de concretar, y con la necesidad de que Asa (quien también tiene sus propios problemas) ayude para evitar males mayores. Dejando con la intriga final de si la protagonista y Keichi están viendo de verdad a ese kaiju (y conocer algo más del mismo), resulta interesante ver en esta entrega como el bueno de Kasuga sigue intentando proteger a Asa sin que ella lo sepa; aunque eso le implique meterse en problemas como a los que tiene que hacer frente aquí. Por su parte el antes citado Keichi gana importancia en esta entrega, siendo el que quizás sepa algo (o más bien solo intuya) lo de ese monstruo que amenaza los Juegos Olímpicos. Y todo eso sin olvidar al resto de personajes, en un desarrollo narrativo realmente destacable por parte de Urasawa, donde todo parece encajar como si fuera un puzzle, pero donde continua el misterio de hacia donde se dirige el autor.
Después de haber disfrutado hace unos meses del libro Viajes en el tiempo de Doc Pastor le ha llegado el turno a su secuela, que lleva por título Aventuras en el tiempo, continuando en el esa recopilación de títulos emblemáticos que han tocado el tema de los viajes en el tiempo en sus MUCHAS variantes (que no son pocas) Y lo de muchas lo remarco en mayúsculas, porque en ocasiones no es tanto que se produzca un "viaje" en el sentido que todo el mundo piensa, sino que también hay espacio para las paradojas temporales, de las que Doc Pastor da una concisa explicación, planteando el tema de forma básica para todo tipo de lector, con cuatro de ellas (aunque como él mismo indica, el tema da para mucho, si se quiere ahondar)
Pero no adelantemos hechos: ¿que ofrece este libro que pueda interesar? Pues la verdad es que bastante, y si uno además ha leído la anterior entrega enseguida se da cuenta que el esquema básico de Aventuras en el tiempo es claramente continuista, con una selección de títulos que abarca películas de todo tipo y condición. Pero lo gracioso (o meritorio, según como se mire) es que Doc Pastor se convierte en todo un experto "arqueólogo engarzador" de la cultura popular, ya que te puede desglosar una película para (acto seguido) encadenarla con todo tipo de datos que la complementan, y que en algunos casos desconocía.
En la selección de la presente obra hay desde films recientes hasta otros que admito que no conocía (que en algunos casos el propio autor admite que descubrió en su búsqueda infatigable de todo tipo de material relacionado con esta temática), y en todos ellos Doc Pastor logra transmitir al lector el entusiasmo con el que descubrió cada título, abriendo los horizontes a detalles que probablemente no conocerías (¿cuantos sabéis, por poner un ejemplo, que hay un "remake" italiano de la película Atrapado en el tiempo? Yo admito que no lo sabía: pues curiosidades como esa hay en este libro muchas más) En algunos casos no existe el "periplo" como tal de una fecha a otra, sino que es el propio tiempo quien genera de forma caprichosa situaciones de lo más variopintas, como por ejemplo en la antes citada Atrapado en el tiempo o en la reciente Tiempo del director M.Night Shyamalan, por citar apenas dos (que hay más)
Poco puedo añadir que no dijera ya en su momento del libro precedente: el tema da sin duda para mucho, con lo cual estas dos obras son sólo un acercamiento inicial, siendo luego el lector quien puede profundizar por sus propios medios. Pero quien disfrutó con Viajes en el tiempo seguro que lo hará con estas Aventuras en el tiempo, donde se respetan detalles del original como ese pequeño relato previo, obra del propio autor, relacionado con cada título seleccionado, y que sirve de preludio para el posterior desglose. Es justo mencionar que Doc Pastor me ofreció a mi el honor de ser quien se encargara del epílogo de este libro, trabajo con el que he cumplido según mis humildes posibilidades, por lo que no os extrañéis de ese Oscar Ferrer que allí consta como crítico cinematográfico y divulgador de comics, porque simplemente se hace eco de la labor que llevo realizando en esta bitácora desde que la abrí en 2005.
Cuando en 1993 la película Jurassic Park de Steven Spielberg se convirtió en el impresionante éxito que fue, abrió la veda para que hubiera dinosaurios hasta en la sopa (lo cual ya cité en mi reseña del libro Cuando los dinosaurios dominaban la Tierra que me leí hace unos meses de la biblioteca), por lo que no es de extrañar un producto como esta 65,película sencilla tanto en sus pretensiones como en sus resultados; que hace varias décadas hubiera entrado sin problema en la serie B si no fuera porque hoy en día, con los presupuestos que se trabajan, casi todo es ya serie A.
Estamos ante una película que partía con el aliciente de estar escrita y dirigida por Scott Beck y Bryan Woods, que fueron los responsables del guión de Un lugar tranquilo. Pero en el momento de su estreno ha cosechado una repercusión mínima, tanto por parte de la crítica como del público, por lo que fuí a verla con las expectativas más bien bajas. Y la verdad es que el resultado final me ha parecido tan concreto (apenas dura 93 minutos) como simple y correcto, siendo coherente con sus "medianas" aspiraciones.
Como es lógico una película así no hay que mirarla desde el punto de vista experto, ya que si de por si incluso la popular franquicia iniciada por Steven Spielberg con Jurassic Park ha tenido multitud de licencias de cara a mostrar dinosaurios (por ejemplo haciendo cohabitar a especies que nunca llegaron a coincidir), ignoro yo la fiabilidad de lo que se nos muestra en esta película que, producida por Sam Raimi, ha logrado estrenarse en cines en una época en donde la mayoría de este tipo de producciones digamos "intermedias" (a tenor de un presupuesto, en este caso, de apenas 40 millones de dólares) suelen acabar en plataformas de pago.
Si de por si las películas donde los bichos son las estrellas suelen pecar de personajes simples, para que así quien destaque sea la criatura en cuestión que toque, nadie tiene que sorprenderse de hallar algo así en esta 65, ya que incluso la famosa saga jurásica es innegable que está repleta de personajes intrascendentes que le importan poco al espectador, ansioso por ver aparecer a los dinosaurios cuanto antes (y cuantos más) mejor. De hecho esta película seguiría el similar esquema de poner a sus personajes en un territorio repleto de dinosaurios, e intentar que sobrevivan de la mejor manera posible, en una carrera contrareloj para la supervivencia (porque se aproxima algo GORDO... y no digo más que sería spoiler) Es por ello que 65 usa a los dinosaurios como la saga jurásica, aunque desde otra premisa a priori atractiva, pero que no deja de seguir esquemas ya conocidos por la mayoría de espectadores.
¿Cuantas veces no hemos visto a un más o menos heroico protagonista que tiene que tomar bajo su tutela a un personaje más o menos desvalido pero relativamente trascendental, embarcándose ambos en una aventura con un final incierto? De ejemplos bien recientes podría decir que eso está patente en The last of us, y eso es a lo que se apunta este film con unos resultados que probablemente hubieran mejorado si las aspiraciones de esta película fueran mayores, pero que se antoja suficiente teniendo en cuenta que su protagonista (encarnado con corrección por el actor Adam Driver) no deja de ser una estrella emergente en el actual panorama del cine, pero al que de momento sus mayores éxitos de taquilla (que en última instancia es lo único que les importa a los productores) los tiene en la última trilogía de la franquicia Star Wars, en la que dio vida al aspirante a villano Kylo Ren, emparentado con el clásico Darth Vader.
La escueta historia que desarrolla 65 nos deja bien claro que, antes de la misma existencia de la especie humana, ya había otras inteligentes que pululaban por la galaxia. El protagonista, del que se incluye una escueta subtrama personal para que así tome a la niña coprotagonista como si fuera hija propia, está criogenizado en una nave junto con más tripulantes, que al chocar contra un campo de asteroides se ve obligado a un aterrizaje forzoso en un planeta desconocido (para él, porque al espectador le dejan bien claro que es la Tierra en el momento en que aún vivían en ella dinosaurios) Él y una niña serán los únicos supervivientes, teniendo que emprender un duro periplo por un territorio inhóspito, para llegar hasta donde ha caído la nave de salvamento, que les puede permitir escapar de un planeta que pronto descubren bastante salvaje. Al final 65 es un mero entretenimiento discreto, que tampoco es que aspire a mucho más.
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FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
Como había pasado demasiado tiempo desde que leí el primer tomo de Hay algo matando niños hasta que leí el segundo (como ya indiqué en la reseña de este último) he decidido ponerme al día y ya me he leído los tomos 3 y 4 (que son hasta donde están disponibles en la biblioteca en el momento de escribir esta reseña) Cabe indicar que son bastante diferentes, por lo que sin revelar spoilers intentaré describir que ofrecen. Por un lado el tercer tomo finaliza todo el arco argumental planteado desde su primera entrega, y cabe decir que lo finiquita tan bien que uno puede llegar a pensar que había llegado el final de esta serie, si no fuera por ese "continuará" final que te indica que esto aún no ha acabado (¿llegará hasta aquí la primera temporada de la serie que preparan? Resulta algo probable leyendo esto...)
En dicho tercer volumen vemos como Erica Slaughter se enfrenta a la situación planteada en el pueblo de Archer's Peak, y que parecía haberse desmadrado del todo tras lo sucedido en la anterior entrega, lo que nos permite conocer más sobre lo que está pasando y quienes son esos misteriosos individuos que parecen querer solucionarlo, aunque sea drásticamente. El ritmo del relato se sostiene de forma acertada, por lo que me intrigaba que me ofrecería el cuarto tomo y es... ¡una precuela! El personaje de Erica es tan atractivo que se opta por explicar sus orígenes, en un tomo con una destacable narrativa donde ya queda más claro quien es ella, que la llevó adonde está y como es (a grandes rasgos) esa misteriosa asociación para la que realiza sus funciones. Sin duda dos tomos amenos y recomendables.
A estas alturas poco se puede añadir de la saga galáctica por antonomasia que surgió de la mente de George Lucas, y que ahora en manos de Disney es una franquicia de la cual exprimirán todo lo que puedan. Para muchos lo mejor fue la trilogia clásica (1977-1983), y dentro de la misma la segunda entrega, la emblemática El Imperio contraataca. Aunque no soy de los que desprecia todo lo que vino después en esta saga (primero las precuelas y ahora todo lo orquestado por la antes citada Disney), si que sigo teniendo al también conocido como Episodio V como una de las mejores (sino la mejor) entrega de esta extensa franquicia, por lo que cuando vi su disponibilidad en la biblioteca en formato manga no lo dudé a la hora de pedirlo y leerlo. Editado en origen con motivo del 40 aniversario de la película, la edición española tiene la curiosidad de estar editada en sentido de lectura occidental, y no oriental como es tónica habitual en la mayoría de mangas, supongo que por ser lo que es. Obra de Toshiki Kudo, la obra respeta todos los detalles conocidos del citado film, solo que adaptándolos al estilo manga con corrección, ofreciendo una lectura curiosa y entretenida.
No soy seguidor de los comics de Archie, aunque alguno he leído y reseñado por este blog, pero tengo que admitir que mi primer interés hacia este Betty & Veronica era porque el autor es Adam Hughes, famoso (aparte de por méritos propios) por dibujar mujeres de una belleza exuberante. Curiosamente la sencillez (y la candidez) que rodea el mundo de Riverdale, el pueblecito donde acontecen desde hace décadas las aventuras de Archie y sus amigos, la toma como abanderada el autor haciendo que sus dos protagonistas sean GUAPAS pero al mismo tiempo ADOLESCENTES, sin excesos de exuberancia pectoral que no hubieran acabado de cuadrar. Eso se hace extensible al resto de personajes, que saben combinar muy bien la inocencia que siempre ha caracterizado a este tipo de comics con los suficientes guiños modernos para que la historia no parezca antigua (aunque en esencia más tradicionalista y conservadora no puede ser, lo cual en este caso no es malo, sino coherente al espíritu de Archie) Con un apartado gráfico destacable, estamos ante un sencillo entretenimiento, muy bien complementado con una galería de portadas alternativas realizadas por muchos otros artistas.
GUILLERMO DEL TORO: EL LABERINTO FÍLMICO DE UN DIRECTOR PRODIGIOSO
Las portadas suelen ser importantes a la hora de que me decante por un libro, comic, novela, manga o lo que se tercie, y está claro que este libro dedicado a Guillermo del Toro tiene una portada que enseguida te llama la atención, ya que nos recuerda uno de sus títulos más emblemáticos: El laberinto del fauno. Pero más allá de eso tengo que admitir que este libro, obra de Ian Nathan, es el más completo que he leído hasta la fecha dedicado al popular director mexicano, ya que en él se ofrece un amplio y completo desglose pormenorizado, pero muy atractivo, ilustrativo y entretenido, de todas las películas que conforman la filmografía de Guillermo del Toro, desde su inicial Cronos hasta las dos más recientes: El callejón de las almas perdidas y Pinocho (si bien este libro se escribió en 2021, antes del estreno de las mismas, por lo que están desglosadas con la información que se tenía en aquel momento) Ello permite hacerse una idea de la progresión de este director, con sus vivencias y anécdotas en cada momento de cada film, así como una aproximación a su polivalente persona, siempre con la mente pensando en futuros proyectos.
Guillermo del Toro: El laberinto fílmico de un director prodigioso, ficha editorial por este enlace y ficha de la biblioteca por este otro.
ASUNCIÓN EL TELEVISOR
Siempre he citado mis preferencias hacia las tiras cómicas, por lo que sabiendo que ese era el formato de este comic no lo dudé, sobretodo ante lo esperpéntico de su punto de partida: un joven alquila un piso y se encuentra en él a un televisor que habla llamado Asunción. Para no sentirse solo se compra una oveja como animal de compañía, y a los pocos días se les une el abuelo del protagonista. Con ese cuarteto de personajes tan dispares, el autor (Fum, pseudónimo de Joan Bufill) realiza con un estilo gráfico del todo minimalista, y con un uso básico del color, toda una serie de situaciones que van de lo en principio cotidiano para derivar a lo absurdo o surrealista, pero en donde pese a todo logra que empaticemos con esos cuatro personajes principales. Logrando en muchos casos un meritorio tono crítico y sarcástico, el autor logra que en ese piso donde conviven dicho cuarteto no haya límites y pueda pasar de todo (incluso la visita de Dios o de Satanás) Aunque los referentes del autor son varios, el más evidente sería el de Mauro Entrialgo, dibujante de la revista satírica El Jueves también tan minimalista como certero, por lo que resulta coherente que sea quien le escribe el prólogo.
