LA ODISEA, una fastuosa y épica epopeya (crítica sin spoilers)

Admito que con La Odisea tenía sentimientos encontrados: por un lado se presentaba como una superproducción de Hollywood como las de antes, con un reparto estelar (Matt Damon, Anne Hathaway, Robert Pattinson, Tom Holland, Charlize Theron o Zendaya por citar tan solo a unos pocos). Después del éxito de Oppenheimer (tanto en taquilla como en crítica y premios), le dieron carta blanca a su responsable, Christopher Nolan, así como un presupuesto de 250 millones de dólares, sin duda el mayor que ha tenido este director hasta el momento.

 

Pero por contra la mencionada Oppenheimer, esa que consiguió triunfar en la taquilla (pese a competir con la Barbie de Margot Robbie) y se cosechó hasta 7 Oscars, 5 Globos de Oro o 7 premios BAFTA, entre otros galardones que la encumbraron como el mejor título de aquella temporada... se me hizo muy farragosa. La valoro más como material didáctico para aprender sobre lo que narra, que como un film entretenido (que para mí no lo es), y eso que he intentado por dos veces hacerle un revisionado.

 

Nolan es un director capaz de lo mejor (Dunkerque se me hizo uno de los mejores films bélicos que he visto en los últimos años), pero en ocasiones peca de pretencioso (como en Interstellar, aún así entretenida). Admito que me convenció con su enrevesada Tenet, más allá de su loable trilogía de Batman (destacando su segunda entrega) o Origen (Inception), pero en muchas de ellas el metraje se le dispara, y no siempre para bien.

 

En el caso de esta La Odisea lo primero que pensé es que sus casi tres horas de metraje estaban más o menos justificadas, en el sentido de que lo que aquí parecía querer recuperar son aquellas epopeyas clásicas del Hollywood de antaño, en muchos casos con temáticas bíblicas, y en las que se reunía a un reparto de primer nivel. Sirva de ejemplo el Espartaco de Stanley Kubrick, director perfeccionista con el que en ocasiones se ha comparado a Christopher Nolan. 

 

Adaptando un clásico entre los clásicos

 

El poeta griego Homero es a quien se le atribuye la autoría de La Odisea, que según algunos autores se compuso entre los siglos VIII a.C. o VII a.C. Escrita en lenguaje homérico, una variante épica del griego que usó el citado Homero tanto para La Odisea como La Ilíada, en ella se narra el regreso al hogar de Odiseo (en latino más conocido como Ulises), lo cual le llevó diez años, aparte de los otros diez años que estuvo en la guerra de Troya.

 

Si nos atenemos al relato y todo lo que se incluye, estamos ante una película que nos ofrece casi tres horas de pura épica, pero que para el caso bien podría haber sido una serie televisiva. Y es que se nota que hay material de sobra para mucho más, con todo que Nolan hace una adaptación parcial que se toma sus licencias, más allá de la generada por la Helena de Troya a la que encarna Lupita Nyong'o, que se aleja del estereotipo de dicho personaje.

 

A la película como tal es imposible achacarle problemas artísticos (rodada en Imax, si se puede disfrutar en dicho formato tiene que ser impresionante). Y es que Nolan ofrece una cinta que luce espectacular, en la que (frente a otros films que tienen presupuestos millonarios, pero luego no lucen tanto en pantalla), se nota lo muy bien invertido que están sus 250 millones de coste, el presupuesto más alto hasta la fecha con el que ha trabajado este director. 

 

Un reparto estelar para una obra espectacular 

 

En cuanto a su reparto tampoco puedo expresar quejas a tenor de lo bien que cumplen en líneas generales, pese a que, por ejemplo, uno no acabe de imaginar a Matt Damon como Odiseo, aunque en su momento igual no se veía a Charlton Heston como Moisés, más lo interpretó en la película Los Diez Mandamientos de 1956. Son peajes lógicos que tenían que pagar las superproducciones de antes y también las de ahora, como en el presente caso.

 

De hecho en ese sentido lo que más descuadra, si sabes la edad de los interpretes principales, es que se quiera hacer pasar por adolescente al Telemaco de Tom Holland, cuando el actor ya tiene 30 años, y que la Penélope de Anne Hathaway sea su madre cuando la actriz tiene 43, máxime cuando se supone que el periplo de Odiseo le ha llevado a estar ausente de su hogar en Ítaca durante 20 años (por lo que ha vivido su perro Argos, que le ha esperado). 

 

En resumidas cuentas

 

La Odisea de Christopher Nolan no es una adaptación fidedigna, más que nada porque eso la habría llevado a durar aún más de lo que dura, pero creo que puede hacer descubrir esta obra a las nuevas generaciones. Por lo demás estamos ante una superproducción de Hollywood como las de antes, pero hecha con los medios actuales, los cuales se notan y lucen de maravilla. Mérito para Nolan por arriesgarse, dando aquí en el clavo. 

CALIFICACIÓN: Excelente (4,5/5)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB y FilmAffinity.
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 17 de julio de 2026. 
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POSESIÓN INFERNAL: EN LLAMAS (EVIL DEAD BURN), crítica

Con Posesión infernal: En llamas la saga en origen conocida como Evil Dead alcanza su sexta entrega, algo que nadie hubiera previsto a tenor de las películas originales, que vieron la luz entre los años 1981 y 1993, formando una trilogía emblemática en su género. De hecho con ellas su protagonista (el actor Bruce Campbell) convirtió a Ash Williams en un personaje icónico, siendo además un intérprete fetiche para los films posteriores de Sam Raimi, apareciendo en muchos de ellos.

 

Una vez leí, aunque no recuerdo donde, los (aunque parezca mentira) paralelismos entre las dos primeras películas de esta franquicia y las de la saga Terminator. Dicho detalle estaría en que los films iniciales de ambas se hicieron tirando de sus escuetos recursos, y el éxito propició que la primera secuela de ambas se pueda considerar algo así como un remake del film precedente, pero hecho con muchos más medios. Ya a partir de ahí los caminos fueron diferentes. 

 

En 2013 Fede Álvarez llevó a cabo el remake del film inicial, y justo es admitir que estuvo a la altura de las circunstancias, lo que derivó en la serie televisiva Ash vs.Evil Dead que recuperaba al icónico personaje de la trilogía inicial. Pero con el beneplácito de sus responsables originales se decidió ofrecer esta saga a diferentes directores, para que dieran su particular visión, siendo el primero de ellos Lee Cronin en Evil Dead Rise, que llegó una década después del remake de la primera. 

 

Como el resultado de lo que aquí en España se estrenó con el título de Posesión infernal: El despertar logró repetir éxito tanto de crítica como de público, ahora es el momento para el director francés Sébastien Vaniček con Posesión infernal: En llamas (Evil Dead Burn), y para 2028 le tocará el turno a Francis Gallupi con Evil Dead Wrath. En el presente caso, con 20 millones de dólares de presupuesto las cifras de momento garantizan la solvencia de la operación.

 

Otra puerta de entrada para neófitos 

 

La ventaja, tanto de la anterior entrega como de la presente, es que no son secuelas directas, sino que más bien se trata de films independientes, solo que ubicados dentro del mismo universo donde el libro conocido como el Necronomicón ya mostró su mortífera condición en las películas previas. Y si la precedente se podía decir que giraba sobre la maternidad traumática, Posesión infernal: En llamas lo hace sobre la violencia intrafamiliar. 

 

La protagonista, nuestra más que evidente final girl de esta nueva entrega, es Alice (a cargo de la actriz Souheila Yacoub), una francesa que dejó atrás su país por amor a Will (interpretado por el actor George Pullar), pero que ve como la relación se va deteriorando a marchas forzadas por culpa del carácter abusivo y controlador de él. El problema es que Alice no sabe como dejarlo, pese a contar con el apoyo moral de Joseph (el hermano de Will) y su novia Thya.

 

Todo lo anterior queda plasmado de forma concreta y concisa apenas comienza, por lo que cuando acontece el accidente en el que Will muere, Alice se ve con la obligación moral de lidiar con la situación, asistiendo al funeral de Will, pero eso significa también lidiar con su familia política. Los reproches no tardan en hacer acto de presencia, pero los demonios del Necronomicón también, ya que buscan algo oculto en la vieja mansión donde están reunidos.

 

Seamos claros: la escabechina que se lía es impresionante, digna de la franquicia y capaz de transmitir dolor apenas con las imágenes y los sonidos (por ejemplo lo del oído). El problema puede venir en que como es previsible que ahí no quede vivo nadie (incluidas mascotas), no pilla por sorpresa que todos acaben cayendo. A eso no ayuda un escenario tan tópico como una mansión que parece propia de Norman Bates. 

 

En resumidas cuentas

 

Esta Posesión infernal: En llamas es una digna entrega de la franquicia a la que pertenece, si bien baja un tanto el nivel respecto al film precedente. Eso se hace evidente en un tercer acto que, aprovechando la comparación mencionada antes con Terminator, puede recordar en esencia a lo visto allí, lo que la aleja del espíritu clásico de esta saga. Hay una escena entre créditos y otra al final, esta última con cameo sorpresa (que no es Bruce Campbell).

CALIFICACIÓN: Entretenida (3/5)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB y FilmAffinity.
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 17 de julio de 2026. 
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HOLMES Y MORIARTY / WHAT IF? MULTIVERSO OSCURO / BAJO CERO

HOLMES Y MORIARTY

Curioso pastiche de Sherlock Holmes, en el que se plantea un relato a dos voces: por un lado John Watson como narrador de las peripecias de su amigo, el popular Sherlock Holmes, y por otro lado el Coronel Sebastian Moran como narrador de las andanzas de su jefe, el profesor James Moriarty. 

El punto de interés de su planteamiento es una, a priori, difícil colaboración en la que dos enemigos acérrimos (como son los dos personajes titulares) tendrán que unir fuerzas para resolver un misterio de especial trascendencia. Eso no es ningún spoiler porque la misma contraportada de esta novela ya lo dice, pero ello no ocurre hasta más o menos la mitad de la misma, siendo lo anterior los diferentes movimientos de ambos personajes hasta su posterior unificación.

En el caso de Holmes todo comienza con un cliente (actor) que está interviniendo en una obra donde los otros actores tienen una calidad digamos "discutible", pero en donde lo más misterioso es que el público que va a ver la función son cada vez las mismas personas, disfrazadas para parecer diferentes. Es una propuesta que bien podría ser digna del espíritu de las historias originales, pero a partir de ahí la cosa va evolucionando a una conspiración de mayores proporciones.

La novela resulta entretenida, pero tiende quizás a enredar demasiado algo que podría haber sido más sencillo. Asimismo va derivando poco a poco hacia una aventura con toques algo arácnidos, que resultan funcionales pero que, si nos ceñimos a lo citado, le quitan parte del mérito de sus capacidades al hermano de Sherlock (y hasta ahí puedo citar para no revelar spoilers). El tramo final está expuesto con un tono algo cinematográfico, y por momentos espectacular, pero esa unión de Holmes y Moriarty se antoja un tanto forzada en determinados detalles. Aún así un buen entretenimiento.

CALIFICACIÓN: Entretenido (3/5)

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WHAT IF? MULTIVERSO OSCURO

Mi interés por este tomo venía dado por esa historia de la que toma su portada, aunque la misma pueda dar lugar a confusión. Me explico: en el vasto multiverso Marvel, las historias alternativas, con lo que pudo haber sido pero no fue, son de las que se ha nutrido la cabecera What If? en cualquiera de las épocas en que ha estado activa, con resultados dispares.

En general, si ya de por sí las historias de What If? solían centrarse en variantes dramáticas (en especial en sus primeros tiempos), eso es la línea general en las seis que conforman este tomo. La gracia está en que de las mismas se encargan autores clave que hicieron míticos muchos momentos de esos mismos superhéroes: Walter Simonson con Thor, Gerry Conway con Spider-Man, Marv Wolfman con La Tumba de Drácula por citar tres ejemplos.

De las seis historias que se incluyen, la que más me llamaba la atención era la de Gerry Conway con Spider-Man, ya que volvía a un momento básico de su periplo como lo fue la muerte de Gwen Stacy (que a lo largo de los años se ha recordado desde todo tipo de puntos de vistas), para narrar justo lo que la portada indica: ¿y sí ella hubiera sobrevivido pero no Spider-Man? 

Eso da pie a una curiosa historia que deriva en que Gwen Stacy, pero no una alternativa sino la oficial, tome el legado del difunto Spider-Man en un relato que me ha parecido bastante majo. También me ha convencido la de La Cosa de Los Cuatro Fantásticos, en la que se queda con el simbionte de Veneno (a un doloroso coste), o la del Caballero Luna, aunque no sea seguidor del personaje. La de Loki lleva a que (literalmente) se acabe con todo, en la de Matanza incluso él sale perdiendo y la de La Tumba de Drácula se centra en Blade siendo mordido por el susodicho Drácula. 

CALIFICACIÓN: Entretenido (3/5)

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BAJO CERO (la novela que inspiró TURNO DE NOCHE)

Me he leído de la biblioteca la novela Bajo cero de David Koepp, que él mismo se encargó de adaptar en la película Turno de noche que vi hace unos meses gracias a un sorteo en el que participé, y en el que gané merchandising de dicho título más entradas para verlo. Aquí al lado tenéis la portada original con la que salió a la venta en 2019, aunque ya hay la consabida reedición con el póster oficial de la película que será más fácil encontrar en el mercado.

Resulta curioso que el mencionado film haya pasado bastante desapercibido, ya que los elementos con los que juega bien podrían haber dado de sí un éxito de taquilla, pero intuyo que no se han dado las condiciones para ello. Koepp adapta su novela con bastante literalidad, aunque hay ciertas curiosidades como que el personaje al que encarna Liam Neeson se llame Robert Quinn en la película pero Roberto Diaz en la novela, haciendo dificil imaginar al personaje literario con los rasgos de Neeson.

También hay que decir que la portada original de la novela sugiere más bien un thriller de ciencia-ficción que luego no se corresponde con la realidad, ya que en si también tiene notas de humor para distender su ritmo trepidante.

El libro tiene el aliciente de ahondar en los personajes principales, ya que en la adaptación fílmica muchos detalles son tan solo sugeridos, por el lógico cambio de formato (de literario a audiovisual), que requiere sintetizar información. En eso se incluye el mismo virus fúngico, del que Koepp describe como "piensa" y actúa, lo que en la película queda resumido en la secuencia de la cucaracha. La historia te deja con la duda de hasta donde llegará la desidia de las autoridades con esos patógenos tan virulentos (el Coronavirus llegó apenas un año después de la edición original de esta obra).

CALIFICACIÓN: Entretenido (3/5)

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CLEANER: RESCATE VERTICAL, de Star Wars a Jungla de cristal (crítica)

Recupero Cleaner: Rescate vertical, que se estrenó en cines el pasado 6 de marzo pero que dejé para más adelante. Se trata de una película de Martin Campbell (solvente director de las dos películas del Zorro con Antonio Banderas, o de un par de la franquicia James Bond entre otras). La protagonista es Daisy Ridley, que saltó a la fama en la más reciente trilogía de la franquicia Star Wars, y en el reparto también consta Clive Owen, un actor que no ha sabido encauzar su carrera.

 

Admito que el citado intérprete me gustó bastante cuando lo descubrí en Sin City, pero luego lo más reseñable suyo sería la película de culto Hijos de los hombres o ese espectáculo de acción que era Shoot'em Up (En el punto de mira), ya que en el resto de su carrera no hay ningún título que fuera un sonado éxito, pese a haber compartido pantalla con Julia Roberts o Naomi Watts. En los últimos tiempos se ha dejado ver con Will Smith en Géminis o en la de Valerian y la ciudad de los mil planetas de Luc Besson, además de en este film. 

 

No mucho mejor le ha ido (de momento) a Daisy Ridley, que para muchos ya quedó encasillada en su personaje de Rey de la saga Star Wars, y con sus trabajos al margen de dicha franquicia, ninguno ha logrado cambiarlo (y en eso se incluye el presente film, que estrenado en origen en febrero de 2025 de forma bastante limitada, fue un sonoro fracaso y se quedó en una recaudación de taquilla paupérrima).

 

Habrá alguno que me argumenté que igual recogió lo que se merecía, pero todos sabemos que la calidad de una película y su éxito no son detalles que vayan paralelos: muchas veces triunfan bodrios o fracasan películas destacables. Pero también es cierto que cuando algo triunfa, le salen sucedáneos por todas partes, y en este caso el ejemplo a seguir es Jungla de cristal, de la cual a lo largo de las décadas ha habido ya unos cuantos. 

 

Un sucedáneo funcional 

 

Aparte del citado film dirigido por John McTiernam, con Bruce Willis de protagonista y que dio para una saga extendida por cinco películas, otros actores como Jean-Claude Van Damme, Steven Seagal o Dwayne Johnson (por citar solo unos pocos) han intentado probar suerte en películas cuya estructura es muy fácil de delimitar como deudora de Jungla de cristal (o Die Hard en su título original), por lo que esta Cleaner: Rescate vertical es tan solo otra más.

 

Curiosamente mis expectativas eran más bien bajas (no lo voy a negar), con la posibilidad de que si no me gustaba lo que estaba viendo, descartarlo. Pero aún asumiendo que estamos ante una clara película de serie B donde la originalidad brilla por su ausencia, la destreza con el género de acción que acumula su responsable logra que el resultado final se deje ver sin mayores pretensiones que entretener al espectador en sus apenas 95 minutos. 

 

En este caso la protagonista es una limpiacristales con pasado en el ejército, que tiene una vida un tanto desordenada que tendrá que encauzar para intentar ayudar a su hermano autista (hecho que lleva a ciertos guiños hacia el universo Marvel cinematográfico). En el rascacielos donde trabaja se celebra una gala de una empresa energética que será saboteada por unos activistas medioambientales que quieren hacer pública la mala praxis de dicha compañía.

 

Uno pensaría que dicha premisa es más o menos justa, pero en cierto momento la historia da un inesperado giro que lleva a preguntarse para qué se apuntó el antes citado Clive Owen en este film, con un radical que opina que el peor virus de este planeta son los humanos. Y ya está, el resto es maniqueísmo básico y funcional, que asume sus propias limitaciones y no esconde el déjà vu que provoca una estructura que ya se ha visto en innumerables ocasiones.

CALIFICACIÓN: Entretenida (3/5)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB y FilmAffinity.
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 6 de marzo de 2026. 
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ENOLA HOLMES 3, elementalmente rutinaria (crítica sin spoilers)

Se nota que con Enola Holmes 3 se ha cambiado de director (el Harry Bradbeer de las dos primeras entregas cede el mando a Philip Barantini) ya que estamos ante la más floja entrega de esta franquicia hasta el momento. Aunque con este film ya se completa la trilogía, no sería de extrañar otra nueva aventura de esta hermana de Sherlock Holmes en el futuro, porque para ello tiene material de sobra (aunque las adaptaciones como tal sean tan solo parciales, como por ejemplo aquí).

 

La base literaria de la que parte son las novelas juveniles Las aventuras de Enola Holmes (su título original sería The Enola Holmes Mysteries), escritas por la autora Nancy Springer. De las mismas esta tercera entrega adapta el tercer libro (El caso del enigma de las flores) que ya me leí hace años de la biblioteca, solo que mientras en la novela era Watson el secuestrado, en esta película sería el propio Sherlock, aunque en lo referente al resto, libro y película van por caminos separados. 

 

En este caso se lleva hasta el último nivel la relación que se ha establecido entre la protagonista (de nuevo a cargo de Millie Bobby Brown) y el joven Lord Tewkesbury (Louis Partridge), ya que los avances previos de esta entrega insinuaban una boda entre ambos que no aparece en la saga literaria. 

 

Si la misma se celebrará o no (ya que el inicio juega al despiste) es algo que se hace previsible en un guion más rutinario de lo deseado. En lo que se refiere a la protagonista sigue habiendo esas roturas de la cuarta pared ya vistas en las anteriores entregas, lo que unido al carisma de Millie Bobby Brown (cuya Enola duda sobre si casarse o no por el temor a tener que perder su apellido) consigue hacer más llevadera esta película, que también cambia de escenario.

 

Aciertos y desaciertos 

 

Como el citado compromiso, en caso de llevarse a cabo, se celebraría en Malta (donde Lord Tewkesbury vivió parte de su infancia), la película se rodó en escenarios naturales, que sin duda son mostrados con toda su belleza y esplendor. Es una pena que no se pueda decir lo mismo de su guion, con un misterio que más que emocionar suscita una sensación de rutina que incluso se vale (demasiado) de imágenes de las anteriores entregas para dejar ciertas cosas claras.

 

Si algo que tenía que sorprender ya no lo hace, tendría que equilibrar la balanza de alguna manera para lograrlo, pero por más que lo intenta, esta tercera entrega no lo consigue. El elenco hace lo que puede con lo que tiene, pero ninguno logra destacar por encima del mero esbozo con el que están perfilados. Eso se hace evidente en Himesh Patel encarnando al Doctor Watson (que se sumó en la escena de los créditos finales de la anterior entrega).

 

Hay personajes que uno se imagina de determinada forma, y aunque en estos tiempos se pueden permitir licencias de todo tipo (digamos que uno ya está curado de espantos), Henry Cavill no da el pego como Sherlock Holmes. Eso se acrecienta en esta cinta, donde para lo poco que sale su forma de proceder se antoja totalmente contraria al personaje, pero el colmo se lo lleva Moriarty, ya presente en la anterior secuela y que también ronda por esta.

 

También aparece, quizás de forma algo forzada, la matriarca del clan Holmes, una Eudoria a la que Helena Bonham Carter representa con ese toque revolucionario y algo excéntrico que se supone que le traspasó a su hija Enola. En cuanto a la resolución del misterio, la misma trae aparejada una visión desmitificadora del Imperio Británico, que por aquel entonces era quien gobernaba en Malta, pero apenas es un mero detalle que no va más allá. 

 

En resumidas cuentas 

 

Enola Holmes 3 se sustenta por una Millie Bobby Brown que se nota que se siente cómoda encarnando a este personaje, así como una adecuada ambientación y vestuario, además de unas excelente localizaciones en Malta. Pero por contra lo que en anteriores entregas era novedoso aquí resulta rutinario, siendo la misma calificación que se le puede dar a un misterio al que le falta emoción, si bien el film consigue el ritmo suficiente para entretener lo justo.

CALIFICACIÓN: Entretenida (2,5/5)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB y FilmAffinity.
• FECHA DE ESTRENO EN NETFLIX: 1 de julio de 2026. 
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TORRENTE PRESIDENTE, humor chabacano y de brocha gorda (crítica)

Con esta Torrente Presidente me ha pasado como con la nueva entrega de los Minions: no he visto en cines de estreno ninguna de sus cinco entregas previas, sino que lo he hecho cuando las han dado en televisión. Esta sexta película podía haber seguido el mismo camino, pero admito que su premisa argumental me picó la curiosidad, ya que es palpable que en lo que se refiere a la política española, esto parece un circo.

 

Lo casposo es exitoso

La saga de Torrente comenzó hace casi tres décadas (la primera entrega se estrenó en 1998, compitiendo en las pantallas con el Titanic de James Cameron, que por entonces estaba en todo su apogeo). Las sucesivas secuelas han sido un éxito más o menos lo bastante grande como para que haya logrado llegar hasta las seis entregas, si bien esta última llega a las pantallas 12 años tras la previa (2014), que ya daba signos de agotamiento. 

 

La primera entrega recaudó 10,9 millones de euros partiendo de un presupuesto de apenas 1,8 millones. El film era una clara parodia de toda esa generación de ciudadanos que aún añoran el anterior régimen de este país, pero llevado al extremo por un Santiago Segura que quiso demostrar que lo casposo podía ser exitoso. ¡Y vaya si lo fue!

 

Es ya sabido que el título de Torrente, el brazo tonto de la ley es una parodia de un film de los ochenta protagonizado por Sylvester Stallone titulado Cobra, el brazo fuerte de la ley. El triunfo de la película en 1998 llevó a una secuela apenas tres años después (Torrente 2: Misión en Marbella), que con sus 22,1 millones de euros de recaudación fue la más taquillera de la franquicia hasta la llegada del presente film.

 

A esa le seguiría Torrente 3: El protector en 2005 y Torrente 4: Lethal Crisis en 2011, siendo destacable de esta última que se filmó en el, por entonces, omnipresente formato 3D. Por lo demás la tónica se mantuvo fija y las andanzas de su gañán protagonista alcanzaron cotas de surrealismo cada vez más disparatadas. Una tónica que se ha mantenido perenne en sus sucesivas entregas ha sido un aluvión de cameos de todo tipo de personas, personajes y personajillos de este país.

 

Admito que es un tipo de humor muy cafre y garrulo con el que no todo el mundo congenia, y muchas veces sus argumentos son una mera excusa para una sucesión de chistes con mayor o menor gracia (o ninguna) que recuerdan a las películas de parodias que nos llegan desde Estados Unidos (y sirva como ejemplo la reciente Scary Movie, sexta entrega de su franquicia con también un gran éxito de taquilla).

 

El ocaso y el renacimiento 

Tras cuatro entregas que tuvieron un éxito aceptable, en 2014 llegó Torrente 5: Misión Eurovegas, que con sus apenas 10,6 millones de euros recaudados (que muchas otras del cine español soñarían con alcanzar) no cumplió expectativas. El mayor problema estaba en salir anticuada de origen, ya que la Eurovegas de su título hacia mención a un proyecto que al final no se acabó de concretar. El villano de esta quinta entrega estuvo interpretado por el actor Alec Baldwin.

 

La franquicia no daba más de sí, y entonces Santiago Segura derivó hacia el cine infantil, con la saga Padre no hay más que uno (de la que también he visto las entregas que han estrenado en televisión, porque en cines no he visto ninguna). Pero le pedían un retorno a su personaje más popular, y 12 años después de la quinta lo ha hecho con esta Torrente Presidente, en donde repite Alec Baldwin (interpretando a Donald Trump) más otros nombres habituales de la franquicia.

 

Ademas de sumar el cameo final de Kevin Spacey (que actúa como parodia de esos supuestos grupos de poder que según los conspiranoicos dominan el mundo), este sexto film se centra en ser una sátira de la política española (aunque algunos, si lo comparan con la realidad, dirían que más bien es una radiografía), en la que el objetivo sería una parodia del partido que representa por antonomasia a la ultraderecha en este país.

 

He leído ciertos comentarios que dicen que esta película blanquea el fascismo, pero creo que no es así. De hecho todos los exabruptos machistas y racistas de Torrente no dejan de ser los mismos que difunde dicho partido en la realidad. Por eso el perfil del protagonista congenia (en un inicio) con lo que la ultraderecha defiende, hasta que al final la cosa se desmadra (aún más). Lógicamente también queda parodiado el resto del espectro político español actual. 

 

En resumidas cuentas

Aunque como parodia sea más o menos acertada (si bien podría haber sido más mordaz y crítica), su problema sería como película y parte de una franquicia ya extensa. La historia se pierde en un montón de cameos, algunos de los cuales repiten de anteriores entregas y otros que no, que parecen estar metidos a la fuerza sólo para que fulanito o menganito pueda decir que ha estado en esta franquicia, pero sin aportar nada.

 

Al final, si uno congenia con este tipo de humor cafre (sólo en ese caso) esta película es "hablando en plata" una chorrada como las precedentes, pero cómo mínimo le honra intentar hacer sátira sobre el tenso panorama político español (cada vez más parecido a jaurías de monos histéricos tirándose cacas unos a otros), algo que logra en parte, si bien podría haber tenido más mala leche. Su recaudación en cines ha superado los 30 millones de euros.

CALIFICACIÓN: Entretenida (2,5/5)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB y FilmAffinity.
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 13 de marzo de 2026.

CON PERMISO DE LA REINA / YO LE HICE UNA PAJA A FRANCO / LA LISTA DE LOS 7 / DAREDEVIL DE DENNY O'NEIL 1 / EL HELADERO 7

CON PERMISO DE LA REINA: EL HUMOR INGLÉS DE LOS BUFONES A LA SITCOM

Entretenido libro en el que su autor (Jorge San Román, del que me he leído otros ensayos que ha escrito como Había una vez una tele… o La loca historia de Mel Brooks) hace un repaso muy amplio al humor inglés desde sus orígenes hasta más o menos la actualidad (ha habido cosas posteriores a este libro, como por ejemplo una cuarta película de Bridget Jones, que lógicamente por cuando salió editado me imagino que imposibilitó que se cite aquí).

En esta obra tienen cabida, quizás de una forma un tanto caótica, anécdotas y curiosidades de unas cuantas obras literarias, sus adaptaciones cinematográficas, multitud de series (tanto clásicas como más recientes), films de todo tipo (sin estar basados en obras previas), además de citar nombres y personajes emblemáticos, como los Monty Phyton entre otros muchos. En fin, que se podría haber sido un inmejorable libro si no fuera por un detalle...

¿Cómo es que no se molestaron en repasar la edición antes de sacarla a la venta? Así se podrían haber evitado errores en cuanto a fechas incorrectas, errores tipográficos o faltas de ortografía que uno pensaría que son puntuales, pero que a medida que se avanza en la lectura acaba siendo la tónica habitual. Es una lástima porque el contenido resulta atractivo e interesante, pero al fallar algo así no consigue acabar de conectar con el lector.

CALIFICACIÓN: Entretenido (3/5)

• Ficha editorial por este enlace y ficha de la biblioteca por este otro. 

YO LE HICE UNA PAJA A FRANCO 

Un cómic así se lo lee uno porque ya solo su título deja bastante claro que estamos ante una obra que busca provocar, con lo cual decidí ver si lo lograba conmigo. Como pueden imaginar el título es literal a lo que uno de los personajes lleva a cabo en esta brutal sátira sobre los muchos que aún hoy en día echan en falta al anterior régimen. 

Escrita y dibujada por Furillo (seudónimo de Ignacio Murillo), se supone que es una ucronía, así como un spin-off de su premiada obra Nosotros llegamos primero. No lo sabía, pero se puede admitir que no tenía un título tan explícito como este en cuestión; aunque si es tan cafre igual merece mucho la pena. La historia se centra en una delirante conspiración por parte de unos altos cargos franquistas (entre ellos Fraga), durante los últimos tiempos de la dictadura para clonar a Franco, y que de esa manera el régimen continúe.

Ojo porque aunque la premisa parezca un disparate, el resultado es tan divertido como esperpéntico, ya que el autor lleva a cabo una sátira social y política muy aguda. Pero lo gracioso de su historia desemboca en un presente donde se sugiere que tanta añoranza del franquismo igual viene por ser alguno de los muchos hijos del mismo que surgieron del experimento aquí desarrollado, incluido... ¡ahí radica la sorpresa y lo mucho que me reí con ese giro final! 

CALIFICACIÓN: Entretenido (3,5/5)

• Ficha editorial por este enlace y ficha de la biblioteca por este otro. 

LA LISTA DE LOS SIETE

Esta novela de Mark Frost (cocreador de Twin Peaks) sería un pastiche de Sherlock Holmes... sin que aparezca el personaje por ninguna parte. Pero no es difícil irse dando cuenta (las pistas son claras) que la tremenda aventura en la que se verá inmerso un joven Arthur Conan Doyle en el año 1884, y el voluntarioso personaje con el que la vivirá (Jack Sparks) será, de una forma muy clara, la inspiración posterior para su clásico detective de Baker Street.

En esta obra se mezclan personajes ficticios con otros reales, como por ejemplo Bram Stoker (el autor de Drácula) o el doctor William Gull, que según From Hell de Alan Moore fue la identidad de Jack el destripador. La historia gira sobre una hermandad ocultista dirigida por un genio del crimen (clara inspiración para el posterior Moriarty), que pretende traer a nuestro mundo una entidad siniestra, que será el mal reencarnado (algo así como el Anticristo).

Se notan las virtudes como guionista de un joven Mark Frost (porque esta novela vio la luz a principios de los noventa), ya que tiene un ritmo trepidante bastante cinematográfico, pese a ciertos altibajos que no le impiden luego remontar. Con la última frase de su epílogo no cuesta hilar cabos sobre lo que se sugiere, por lo que intentaré leer lo antes que pueda su secuela El sexto mesías, ya que el nivel de esta es realmente destacable.

CALIFICACIÓN: Bueno (4/5)

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DAREDEVIL DE DENNY O'NEIL 1: LA GUERRA DE MICAH SYNN 

Decir Daredevil y Frank Miller es mencionar la época más gloriosa del personaje, por lo que quien lo tuviera que sustituir tenía que hacerse cargo de una buena responsabilidad. Y eso es lo que le tocó a Denny O'Neil, que fue quien se encargó del personaje entre la primera etapa de Miller y su posterior regreso para el aún más mítico arco argumental Born Again. En este primer tomo se recopilan los números 192 al 214 de la cabecera americana, más material de Marvel Fanfare 7 y 15.

Se puede prejuzgar que cualquier intento por debajo de la excelencia que había dejado Miller sería fácil de que se quedara en el olvido, pero en este caso hay que reconocer que O'Neil supo mantener el tipo. Admitiendo que no es tan buena como la previa, aún así no desmerece para nada, y tiene sus virtudes (y sus defectos).

El tomo comienza con unos números entretenidos, en uno de los cuales Daredevil forma equipo con Lobezno. También es acertada la forma en que se resuelve lo de Bullseye, tras que Daredevil lo dejara inválido por la muerte de Elektra. Hay que destacar también a secundarios como Ben Urich y la Viuda Negra, así como un interesante apartado artístico (Harlan Ellison, David Mazzuchelli, Mike Mignola, etc.). Entre lo malo estarían el antiestético bigote que le ponen a Foggy Nelson y el personaje de Micah Synn, que parece una mera variante de Kraven.

CALIFICACIÓN: Entretenido (3,5/5)

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ICE CREAM MAN: EL HELADERO 7

Me leo de la biblioteca el tomo 7 de esta serie, que incluye los números 25 al 28. Al igual que en anteriores ocasiones, digamos que las historias propuestas tienen un poco de todo, pero en cualquier momento te percatas de detalles que más o menos lo relacionan todo. De los cuatro relatos el primero plantea como viven sus últimos momentos los pasajeros de un avión que se va a estrellar, con la particularidad de que parece que todos ellos afrontan su fatídico destino sin problemas salvo un pasajero, lo cual resulta curioso.

El segundo relato se lee girando 90 grados el cómic porque en formato apaisado vemos como un tipo nos cuenta su historia bajando por su árbol genealógico. El tercero, por su parte, sería una curiosa interpretación de La metamorfosis de Kafka pero en sentido inverso. El cuarto se centra en un etimólogo en busca del origen de las palabras.

Esta serie comenzó como una especie de relatos de lo más variado, pero siempre con cierto tono cercano al terror en sus muchas variantes, con el heladero del título como nexo común. Es por eso que no sé si estará relacionado o no (en inicio creo que no) el próximo estreno de la película Dulce sabor a muerte, cuyo título original es justo Ice Cream Man, y que se estrena en España el 4 de septiembre. 

CALIFICACIÓN: Entretenido (3,5/5)

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MINIONS & MONSTERS, homenajes de cine (crítica con referencias)

Que haya ido a ver la película Minions & Monsters puede resultar curioso en mi caso, porque no he visto ninguna de las entregas previas en cine, si no cuando las han emitido en televisión. Estamos hablando de una franquicia que, con esta, llega a su séptima entrega, siendo la presente la tercera de los Minions (las otras cuatro corresponden a Gru: Mi villano favorito). De toda la franquicia la única que tengo pendiente de ver en el momento de escribir esto sería Gru 4: Mi villano favorito. 

 

Tengo que admitir que de las películas de Gru, ya desde la primera, tampoco me parecen más allá de meros entretenimientos sin pretensiones, y muy orientados hacia el público infantil, con esa especie de versión paródica de los villanos de la franquicia James Bond. Pero ya desde la primera era evidente que los Minions, esos pintorescos secuaces amarillos, con su particular fisonomía y características, eran sin duda lo más rescatable de dichas cintas, por lo que se ha intentado exprimir su éxito por separado, más allá de su presencia en las progresivas secuelas de Gru: Mi villano favorito, siendo la presente el tercer film que tienen por cuenta propia.

 

Los Minions siempre me han parecido una mezcla entre los Pitufos (por ser todos también de un mismo color: azul en los personajes de Peyo y amarillo en estos) con el carácter más anárquico de Bart Simpson (son gamberros y siempre buscan ser secuaces del villano más malvado) y la flexibilidad de los Looney Tunes (les pasa de todo... pero sobreviven a todo). Justo al igual que estos últimos, creo que su humor quedaría más acertado en cortos que no en largometrajes.

 

Es curioso porque de lo que llevo visto de la franquicia hasta el momento ninguna me ha parecido digna de mucho elogio, más allá de lo bien que funciona el caos que traen asociado los Minions en sus actos, siendo su humor slapstick lo más reseñable de las mismas. Por eso me ha sorprendido que aquí los sitúen justo cuando dicho tipo de humor estaba más en boga: en el Hollywood clásico y su transición del cine mudo al sonoro. 

 

Además de ser una inesperada carta de amor a esa época y su forma de encarar las películas, digamos que también hay un claro homenaje a los monstruos de Lovecraft (evidente en los nombres de las dos criaturas a las que libera Goomi). Incluso este último no deja de ser un Cthulhu pasado por un filtro, cual si fuera el Grogu de la saga Star Wars, para de esa manera ofrecer un monstruo encantador y apto para todos los públicos.

 

Otro homenaje, aunque este acertado a medias, sería el de Dort, un robot con ansias de conquistar el planeta, aunque en origen parece más bien un chalado que luego irá tras una defensora del sufragio femenino, y al que los Minions le siguen la corriente. La referencia ahí está en Gort, el invulnerable robot que acompañaba a Klaatu en el clásico Ultimátum a la Tierra que en 2008 conoció un innecesario remake. 

 

Pero como he citado antes, lo mejor se concentra sin duda en su primer tramo, cuando los Minions se meten en escenas míticas de Tiempos modernos de Charles Chaplin, El hombre mosca con Harold Lloyd, El héroe del río con Buster Keaton, varios cortos de los hermanos Lumière (El regador regado, La llegada de un tren a la estación de La Ciotat y La salida de la fábrica Lumière en Lyon) o el clásico Viaje a la luna de Georges Méliès entre otros.

 

Aún hay más, porque aparte del muy evidente guiño a géneros como el western, el cine negro o al cine de monstruos de la Universal, me asombró incluso que tuviera cabida otro clásico como el Ciudadano Kane de Orson Welles. Todo ello es un popurrí quizás algo caótico, a juego con sus protagonistas, pero admito que logró entretenerme y esbozar varias sonrisas con tanto guiño referencial, así como con las peripecias de los Minions.

 

En su versión original (la vi en pase de prensa) se pueden escuchar las voces originales de actores como Jeff Bridges, Jesse Eisenberg, Christoph Waltz o Trey Parker (este último de la serie South Park) interpretando a varios personajes, junto con el inesperado cameo de George Lucas que se pone voz a si mismo. Se ve que decidió hacer un paréntesis en su jubilación para esta intervención, porque se declara fan de los Minions. 

CALIFICACIÓN: Entretenida (3/5)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB y FilmAffinity.
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 1 de julio de 2026 
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OBSESSION, amor enfermizo y pegajoso (crítica sin spoilers)

En otras circunstancias Obsessión podría haber sido una cinta que igual hubiera dejado pasar en su estreno en cines, pero ha ido acumulando incentivos como para llamar muy fuerte mi atención. Aparte de lograr una larga lista de críticas positivas (lo cual es relativo, ya que en última instancia uno juzga por si mismo) su bastante escueto presupuesto, de apenas 750.000 dólares, se ha multiplicado con creces, acumulando ya más de 330 millones de dólares a nivel global.

 

Las nuevas generaciones vienen pisando fuerte, ya que el director de Obsession (Curry Baker) es un joven de apenas 26 años, siendo este su segundo largometraje (el primero se estrenó directamente en Youtube). Coincide en juventud con Kane Parsons de 20 años, y cuyo Backrooms aún en cartelera, es también un film primerizo y barato (en su caso 10 millones de dólares) con éxito y una recaudación sorprendente (más de 270 millones de dólares a nivel global). 

 

En ambos casos tanto Backrooms como Obsession se englobarían en el género de terror, pero mientras que la de Kane Parsons se decanta por enfocarse al liminal, Curry Baker tira hacia el psicológico. La premisa de su propuesta es muy sencilla, y de hecho su éxito quizás venga por los muchos que se sienten identificados con ella: imagínate que estas enamorado de tu compañera de trabajo, pero sus sentimientos hacia ti son sólo de amistad. ¿Y si pudieras cambiar eso?

 

Teniendo en cuenta la excusa argumental que se utiliza (si fuera Hitchcock se diría que el macguffin) uno podría imaginarse aquí sin problemas una comedia romántica como las que hace años triunfaban en Hollywood, con parejas arquetípicas como Tom Hanks y Meg Ryan. Pero en este caso se decanta por el terror cuando ese supuesto amor idílico (al menos por una de las partes) pasa a ser un amor enfermizo... si bien de todas maneras la degradación del mismo ya daba señales.

 

He leído comentarios de esta película criticando que el protagonista no deja de ser un prototipo de individuo que, bajo una fachada de timidez e indecisión, esconde a un pervertido al que no le importa aprovecharse de la situación cuando esta se muestra favorable. Tengo que disentir, ya que creo que Baker retrata a un tipo de persona muy común, y que no tendría que ser comparable con esos violadores que se valen de la sumisión química para obtener sus propósitos.

 

De hecho cuando (para su sorpresa) parece que el citado macguffin funciona, él se muestra indeciso sobre como afrontar el hecho, y es sólo cuando ve que la cosa va en serio que sí, se aprovecha de ello (¿quién no lo haría si pudiera?) pero ese no era su único objetivo, ya que lo que buscaba era mero amor. Eso creo que lo diferencia de los tipos que, mediante sumisión química, se aprovechan de las mujeres sólo por el sexo, ya que el protagonista en inicio no busca sólo eso. 

 

¿Y de donde surge el terror? Digamos que lo que en inicio parecía bonito empieza a hacerse un tanto pegajoso, enfermizo y obsesivo (de ahí el título de la película). Es cierto que, en la misma situación, uno empezaría a ver las evidentes señales de que algo no está yendo bien y saldría corriendo cuanto más lejos mejor, pero al protagonista le ciegan sus sentimientos y eso es lo que acabará provocando su perdición, lo cual es mostrado de manera excelente.

 

La gran sorpresa de la película la ofrece también la actriz Inde Navarrette, que interpreta a Nikki, el deseo amoroso del protagonista. Cuando el macguffin empieza a hacer su inmediato efecto, algunas veces tiene momentos en los que rechaza como está actuando, siendo la representación que hace la actriz tan destacable como perturbadora. En cuanto a este film en sí, es una inesperada maravilla que sabe sacar partido (con imaginación y pocos recursos) de lo que plantea. 

CALIFICACIÓN: Excelente (5/5)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB y FilmAffinity.
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 26 de junio de 2026 
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SUPERGIRL, solo un mero entretenimiento (crítica sin spoilers)

Esta Supergirl se supone que está inspirada en el cómic Supergirl: La mujer del mañana de Tom King que me leí de la biblioteca hace un par de años. Asimismo marca el siguiente proyecto para cines de ese nuevo universo DC sustentado por James Gunn después de su versión de Superman del pasado verano de 2025, y previa a la secuela (Man of Tomorrow) que en un principio llegará en verano del 2027. 

 

A priori lo tiene difícil la prima de Superman para tener éxito, ya que su anterior película en solitario que tuvo fue la Supergirl de 1984, que tuvo como protagonista a Helen Slater. Fue un film que en su momento quiso aprovechar el éxito de la franquicia de su primo, que por aquel entonces encabezaba Christopher Reeve, pero pese a un presupuesto de 35 millones no logró recaudar ni la mitad de eso. Aún tendría que pasar cierto tiempo para volver, pero en formato televisivo.

 

Mejor suerte corrieron Laura Vandervoort y Melisa Benoist, ya que encarnaron al personaje en Smallville entre 2007 y 2011 (la primera a nivel secundario) y en la homónima serie Supergirl entre 2015 y 2021 (la segunda, como protagonista). El regreso a los cines estaba cercano, y fue con una versión alternativa de ella como se vio en la película de 2023 Flash, la cual estuvo interpretada por Sasha Calle. El fracaso del film, más el posterior cierre de ese universo de DC (con la secuela de Aquaman) acabó con la posibilidad de continuar.

 

Ojo que tampoco lo tiene fácil esta nueva Supergirl, porque el cine de superhéroes parece haber llegado a su cenit (o que al menos el público no lo hace triunfar como antaño, quizás por cierto empacho). Marvel lo ha notado y este año apunta a lo grande en cines con las nuevas de Spider-Man y Los Vengadores (dos pesos pesados), mientras que el nuevo universo DC lo hace con el presente film y Clayface en octubre.

 

No es por ser agorero, pero el Superman de James Gunn del pasado año, aún acabando siendo la película de superhéroes más taquillera del 2025, su total de 618,7 millones de dólares globales no parece mucho para las expectativas que había. Y las previsiones para este film dan para que uno se pregunte con inquietud si este nuevo universo DC llegará tan lejos como planean sus responsables o, al no alcanzar objetivos, se quedará por el camino. 

 

Una vez vista tengo que admitir que aunque creo que es un film entretenido, también es verdad que quizás podía haber dado más de sí, dejando a uno en ciertos momentos con la sensación de lo que podía haber sido en comparación con lo que acaba siendo. Eso sería lo que ocurre con Lobo, al que encarna con solvencia un Jason Momoa que nació para ese papel... pero al mismo tiempo te deja insatisfecho respecto al poco partido que sacan de él. 

 

En cuanto a la protagonista, hay que reconocer que Milly Alcock ha roto con la versión cándida del personaje en la serie de Melisa Benoist, y se acerca algo a la versión más oscura llevada a cabo por Sasha Calle en Flash. La ventaja es que aquí está mejor desarrollada que en el ejemplo citado, demostrando el amargor de la vida que le ha tocado vivir. Eso es algo más comprensible en los flashbacks que nos vienen a servir de orígenes de esta Kara Zor-El.

 

De todas maneras su presencia en el Superman de James Gunn fue poco más que un mero cameo, mientras que por contra su primo (de nuevo a cargo del actor David Corenwest) está demasiado presente en esta cinta, supongo que para recalcar el contraste de caracteres entre ambos personajes. Aún así aquí queda más claro el origen de Krypto, su apego a Kara y porque está moverá cielo y tierra para salvarlo en este film.

 

Por los avances previos muchos citaban si no sería esto la misma fórmula de Guardianes de la galaxia (la mayor aportación de Gunn al universo Marvel), pero aunque igual pueda tener alguna semejanza, lo que recuerda más por momentos es a la saga Mad Max. De esta toma como su más evidente referencia lo relacionado con el contrabando de esclavas para que los villanos puedan procrear, algo similar a lo visto en la película de 2015.

 

La protagonista está celebrando su 23 cumpleaños emborrachándose en un planeta con sol rojo (para que así le afecte lo que toma) cuando conoce a Ruthye, que quiere vengarse del bandolero Krem que asesinó a toda su familia. Otro detalle a destacar es la relación que se establece entre ambas, que se verán juntas con un objetivo común cuando el citado Krem envenene a Krypto. El problema es que el susodicho como villano tampoco es que deje huella. 

 

En resumidas cuentas, cuando se acaba de ver Supergirl (que por cierto no tiene ninguna escena tras los créditos) uno se queda con la sensación de que han querido hacer una historia sobre como superar el dolor por una pérdida, algo bastante presente en Kara y Ruthye, pero que el resultado final no logra subir más allá del mero entretenimiento, poniendo en duda, como he citado más arriba, su recepción y el futuro de este universo DC.

CALIFICACIÓN: Entretenida (3/5)

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• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 26 de junio de 2026 
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TOY STORY 5, jugando a lo fácil en el ocaso (crítica sin spoilers)

Con Toy Story 5 lo que intentan desde Pixar es la búsqueda, quizás un tanto desesperada, de un éxito como los que tenían antaño, ya que en los últimos años (con la excepción de Del revés 2) los títulos que han estrenado han pasado sin pena ni gloria, aunque también es verdad que no toda la culpa es de ellos (a mi Soul me gustó mucho). De todas maneras aún están recientes los fracasos de Lightyear y Elio (en este caso el mayor descalabro de la productora).

 

Ya en su momento cuando estrenaron unas cuantas secuelas seguidas de diferentes éxitos (Buscando a Dory, Cars 3, Los Increíbles 2 y Toy Story 4) se decía que Pixar había perdido la originalidad de antaño, pero es que hasta cierto punto puede ser comprensible que cuando las nuevas propuestas no acaban de funcionar, lo mejor es regresar por terrenos conocidos (de ahí que, aparte de esta secuela, también se preparen nuevas entregas de Los Increíbles y Coco).

 

De todas maneras hay secuelas que se justifican algo (por ejemplo Los Increíbles es una franquicia de superhéroes, lo cual puede dar mucho juego), pero hay otras que cuesta más verlas, como me pasó con Toy Story, la saga fundacional de Pixar que comenzó hace 31 años y de la que he visto de estreno en cines todas sus entregas. La tercera cerró de forma estupenda, por lo que en su momento una cuarta me parecía innecesario, aunque al final el resultado cumplió.

 

Esa sensación de ser algo superflua que sobrevolaba a la cuarta entrega se hace aquí de nuevo patente, y el resultado final no logra que una vez acabada no deje a uno con la idea de que aunque no sea mala entrega, sea entretenida, parta de un problema ya presente en nuestra sociedad (la adicción a las pantallas de todo tipo)... los buenos tiempos para esta saga quedan ya en el pasado, y aquí se han limitado a jugar (valga la ironía) a lo fácil.

 

Asumiendo que las líneas argumentales de Woody y Buzz Lightyear ya no dan más de sí (el final de la cuarta, emprendiendo ambos personajes sus respectivos caminos, ya lo dejaba claro), su presencia en esta quinta entrega es tan solo testimonial, cual si fueran dos secundarios de lujo que vienen a hacer sus chistes (los cuales harán mayor o menor gracia), pero siempre en un segundo plano. Y es que en este caso la protagonista es Jessie.

 

La vaquera que empezó su andadura en esta franquicia en su segunda entrega había pasado desde entonces de forma más secundaria, por lo que su protagonismo aquí no desentona y resulta coherente. Asimismo si las tres primeras películas se puede decir que eran la trilogía de Andy (el niño que tenía esos juguetes), tanto la cuarta película como esta quinta le dan una importancia a Bonnie (la nueva dueña de esos juguetes) que quizás su antecesor nunca tuvo.

 

En este caso la citada niña sigue jugando como la niña que es, pero su timidez le hace difícil congeniar con otros niños, los cuales conectados a pantallas de todo tipo y condición, consideran que ya son mayores para jugar con simples juguetes. Ante esa situación los padres de Bonnie le regalan una tablet Lilypad, pero lo único que consiguen es que sea la propia niña la que deje a sus juguetes tradicionales a un lado, al poder estar ahora conectada. 

 

Eso lleva a un dilema perenne en esta franquicia desde sus orígenes: la problemática de que el juguete veterano se sienta desplazado ante la presencia del juguete novedoso. Eso lo vivirá Jessie por tercera vez (hay ciertas referencias a Emily, su primera dueña, previa a que fuera a manos de Andy), a lo que no ayudará que, por diversas circunstancias, vaya a parar a la que fue su casa, en una innecesaria reiteración dramática. 

 

Dirigida por Andrew Stanton (guionista de todas las entregas previas, que aquí asume el mando) se supone que aunque se muestre la adicción que provocan las pantallas, así como por ejemplo el cyberbullyng que traen asociadas (el cual también presente en este film), la solución no está en la erradicación de las mismas sino en intentar integrarlas en nuestro modo de vida. Loable mensaje que no sé si es tan sencillo llevar a la práctica. 

 

En resumen digamos que Toy Story 5 no aporta nada nuevo en su esquema básico, más allá de la (quizás algo tardía) crítica contra la adicción a las pantallas, que soluciona con mejores intenciones que resultados. Los nuevos personajes (juguetes) resultan indiferentes, e incluso desaprovecha la oportunidad de tener un ejército de Buzz Lightyear. No sería de extrañar una sexta entrega, pero esta quinta marca un ocaso que no te deja con ganas de ella.

CALIFICACIÓN: Entretenida (3/5)

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• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 17 de junio de 2026 
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