TORRENTE PRESIDENTE, humor chabacano y de brocha gorda (crítica)

Con esta Torrente Presidente me ha pasado como con la nueva entrega de los Minions: no he visto en cines de estreno ninguna de sus cinco entregas previas, sino que lo he hecho cuando las han dado en televisión. Esta sexta película podía haber seguido el mismo camino, pero admito que su premisa argumental me picó la curiosidad, ya que es palpable que en lo que se refiere a la política española, esto parece un circo.

 

Lo casposo es exitoso

La saga de Torrente comenzó hace casi tres décadas (la primera entrega se estrenó en 1998, compitiendo en las pantallas con el Titanic de James Cameron, que por entonces estaba en todo su apogeo). Las sucesivas secuelas han sido un éxito más o menos lo bastante grande como para que haya logrado llegar hasta las seis entregas, si bien esta última llega a las pantallas 12 años tras la previa (2014), que ya daba signos de agotamiento. 

 

La primera entrega recaudó 10,9 millones de euros partiendo de un presupuesto de apenas 1,8 millones. El film era una clara parodia de toda esa generación de ciudadanos que aún añoran el anterior régimen de este país, pero llevado al extremo por un Santiago Segura que quiso demostrar que lo casposo podía ser exitoso. ¡Y vaya si lo fue!

 

Es ya sabido que el título de Torrente, el brazo tonto de la ley es una parodia de un film de los ochenta protagonizado por Sylvester Stallone titulado Cobra, el brazo fuerte de la ley. El triunfo de la película en 1998 llevó a una secuela apenas tres años después (Torrente 2: Misión en Marbella), que con sus 22,1 millones de euros de recaudación fue la más taquillera de la franquicia hasta la llegada del presente film.

 

A esa le seguiría Torrente 3: El protector en 2005 y Torrente 4: Lethal Crisis en 2011, siendo destacable de esta última que se filmó en el, por entonces, omnipresente formato 3D. Por lo demás la tónica se mantuvo fija y las andanzas de su gañán protagonista alcanzaron cotas de surrealismo cada vez más disparatadas. Una tónica que se ha mantenido perenne en sus sucesivas entregas ha sido un aluvión de cameos de todo tipo de personas, personajes y personajillos de este país.

 

Admito que es un tipo de humor muy cafre y garrulo con el que no todo el mundo congenia, y muchas veces sus argumentos son una mera excusa para una sucesión de chistes con mayor o menor gracia (o ninguna) que recuerdan a las películas de parodias que nos llegan desde Estados Unidos (y sirva como ejemplo la reciente Scary Movie, sexta entrega de su franquicia con también un gran éxito de taquilla).

 

El ocaso y el renacimiento 

Tras cuatro entregas que tuvieron un éxito aceptable, en 2014 llegó Torrente 5: Misión Eurovegas, que con sus apenas 10,6 millones de euros recaudados (que muchas otras del cine español soñarían con alcanzar) no cumplió expectativas. El mayor problema estaba en salir anticuada de origen, ya que la Eurovegas de su título hacia mención a un proyecto que al final no se acabó de concretar. El villano de esta quinta entrega estuvo interpretado por el actor Alec Baldwin.

 

La franquicia no daba más de sí, y entonces Santiago Segura derivó hacia el cine infantil, con la saga Padre no hay más que uno (de la que también he visto las entregas que han estrenado en televisión, porque en cines no he visto ninguna). Pero le pedían un retorno a su personaje más popular, y 12 años después de la quinta lo ha hecho con esta Torrente Presidente, en donde repite Alec Baldwin (interpretando a Donald Trump) más otros nombres habituales de la franquicia.

 

Ademas de sumar el cameo final de Kevin Spacey (que actúa como parodia de esos supuestos grupos de poder que según los conspiranoicos dominan el mundo), este sexto film se centra en ser una sátira de la política española (aunque algunos, si lo comparan con la realidad, dirían que más bien es una radiografía), en la que el objetivo sería una parodia del partido que representa por antonomasia a la ultraderecha en este país.

 

He leído ciertos comentarios que dicen que esta película blanquea el fascismo, pero creo que no es así. De hecho todos los exabruptos machistas y racistas de Torrente no dejan de ser los mismos que difunde dicho partido en la realidad. Por eso el perfil del protagonista congenia (en un inicio) con lo que la ultraderecha defiende, hasta que al final la cosa se desmadra (aún más). Lógicamente también queda parodiado el resto del espectro político español actual. 

 

En resumidas cuentas

Aunque como parodia sea más o menos acertada (si bien podría haber sido más mordaz y crítica), su problema sería como película y parte de una franquicia ya extensa. La historia se pierde en un montón de cameos, algunos de los cuales repiten de anteriores entregas y otros que no, que parecen estar metidos a la fuerza sólo para que fulanito o menganito pueda decir que ha estado en esta franquicia, pero sin aportar nada.

 

Al final, si uno congenia con este tipo de humor cafre (sólo en ese caso) esta película es "hablando en plata" una chorrada como las precedentes, pero cómo mínimo le honra intentar hacer sátira sobre el tenso panorama político español (cada vez más parecido a jaurías de monos histéricos tirándose cacas unos a otros), algo que logra en parte, si bien podría haber tenido más mala leche. Su recaudación en cines ha superado los 30 millones de euros.

CALIFICACIÓN: Entretenida (2,5/5)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB y FilmAffinity.
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 13 de marzo de 2026.

CON PERMISO DE LA REINA / YO LE HICE UNA PAJA A FRANCO / LA LISTA DE LOS 7 / DAREDEVIL DE DENNY O'NEIL 1 / EL HELADERO 7

CON PERMISO DE LA REINA: EL HUMOR INGLÉS DE LOS BUFONES A LA SITCOM

Entretenido libro en el que su autor (Jorge San Román, del que me he leído otros ensayos que ha escrito como Había una vez una tele… o La loca historia de Mel Brooks) hace un repaso muy amplio al humor inglés desde sus orígenes hasta más o menos la actualidad (ha habido cosas posteriores a este libro, como por ejemplo una cuarta película de Bridget Jones, que lógicamente por cuando salió editado me imagino que imposibilitó que se cite aquí).

En esta obra tienen cabida, quizás de una forma un tanto caótica, anécdotas y curiosidades de unas cuantas obras literarias, sus adaptaciones cinematográficas, multitud de series (tanto clásicas como más recientes), films de todo tipo (sin estar basados en obras previas), además de citar nombres y personajes emblemáticos, como los Monty Phyton entre otros muchos. En fin, que se podría haber sido un inmejorable libro si no fuera por un detalle...

¿Cómo es que no se molestaron en repasar la edición antes de sacarla a la venta? Así se podrían haber evitado errores en cuanto a fechas incorrectas, errores tipográficos o faltas de ortografía que uno pensaría que son puntuales, pero que a medida que se avanza en la lectura acaba siendo la tónica habitual. Es una lástima porque el contenido resulta atractivo e interesante, pero al fallar algo así no consigue acabar de conectar con el lector.

CALIFICACIÓN: Entretenido (3/5)

• Ficha editorial por este enlace y ficha de la biblioteca por este otro. 

YO LE HICE UNA PAJA A FRANCO 

Un cómic así se lo lee uno porque ya solo su título deja bastante claro que estamos ante una obra que busca provocar, con lo cual decidí ver si lo lograba conmigo. Como pueden imaginar el título es literal a lo que uno de los personajes lleva a cabo en esta brutal sátira sobre los muchos que aún hoy en día echan en falta al anterior régimen. 

Escrita y dibujada por Furillo (seudónimo de Ignacio Murillo), se supone que es una ucronía, así como un spin-off de su premiada obra Nosotros llegamos primero. No lo sabía, pero se puede admitir que no tenía un título tan explícito como este en cuestión; aunque si es tan cafre igual merece mucho la pena. La historia se centra en una delirante conspiración por parte de unos altos cargos franquistas (entre ellos Fraga), durante los últimos tiempos de la dictadura para clonar a Franco, y que de esa manera el régimen continúe.

Ojo porque aunque la premisa parezca un disparate, el resultado es tan divertido como esperpéntico, ya que el autor lleva a cabo una sátira social y política muy aguda. Pero lo gracioso de su historia desemboca en un presente donde se sugiere que tanta añoranza del franquismo igual viene por ser alguno de los muchos hijos del mismo que surgieron del experimento aquí desarrollado, incluido... ¡ahí radica la sorpresa y lo mucho que me reí con ese giro final! 

CALIFICACIÓN: Entretenido (3,5/5)

• Ficha editorial por este enlace y ficha de la biblioteca por este otro. 

LA LISTA DE LOS SIETE

Esta novela de Mark Frost (cocreador de Twin Peaks) sería un pastiche de Sherlock Holmes... sin que aparezca el personaje por ninguna parte. Pero no es difícil irse dando cuenta (las pistas son claras) que la tremenda aventura en la que se verá inmerso un joven Arthur Conan Doyle en el año 1884, y el voluntarioso personaje con el que la vivirá (Jack Sparks) será, de una forma muy clara, la inspiración posterior para su clásico detective de Baker Street.

En esta obra se mezclan personajes ficticios con otros reales, como por ejemplo Bram Stoker (el autor de Drácula) o el doctor William Gull, que según From Hell de Alan Moore fue la identidad de Jack el destripador. La historia gira sobre una hermandad ocultista dirigida por un genio del crimen (clara inspiración para el posterior Moriarty), que pretende traer a nuestro mundo una entidad siniestra, que será el mal reencarnado (algo así como el Anticristo).

Se notan las virtudes como guionista de un joven Mark Frost (porque esta novela vio la luz a principios de los noventa), ya que tiene un ritmo trepidante bastante cinematográfico, pese a ciertos altibajos que no le impiden luego remontar. Con la última frase de su epílogo no cuesta hilar cabos sobre lo que se sugiere, por lo que intentaré leer lo antes que pueda su secuela El sexto mesías, ya que el nivel de esta es realmente destacable.

CALIFICACIÓN: Bueno (4/5)

• Ficha editorial por este enlace y ficha de la biblioteca por este otro. 

DAREDEVIL DE DENNY O'NEIL 1: LA GUERRA DE MICAH SYNN 

Decir Daredevil y Frank Miller es mencionar la época más gloriosa del personaje, por lo que quien lo tuviera que sustituir tenía que hacerse cargo de una buena responsabilidad. Y eso es lo que le tocó a Denny O'Neil, que fue quien se encargó del personaje entre la primera etapa de Miller y su posterior regreso para el aún más mítico arco argumental Born Again. En este primer tomo se recopilan los números 192 al 214 de la cabecera americana, más material de Marvel Fanfare 7 y 15.

Se puede prejuzgar que cualquier intento por debajo de la excelencia que había dejado Miller sería fácil de que se quedara en el olvido, pero en este caso hay que reconocer que O'Neil supo mantener el tipo. Admitiendo que no es tan buena como la previa, aún así no desmerece para nada, y tiene sus virtudes (y sus defectos).

El tomo comienza con unos números entretenidos, en uno de los cuales Daredevil forma equipo con Lobezno. También es acertada la forma en que se resuelve lo de Bullseye, tras que Daredevil lo dejara inválido por la muerte de Elektra. Hay que destacar también a secundarios como Ben Urich y la Viuda Negra, así como un interesante apartado artístico (Harlan Ellison, David Mazzuchelli, Mike Mignola, etc.). Entre lo malo estarían el antiestético bigote que le ponen a Foggy Nelson y el personaje de Micah Synn, que parece una mera variante de Kraven.

CALIFICACIÓN: Entretenido (3,5/5)

• Ficha editorial por este enlace y ficha de la biblioteca por este otro. 

ICE CREAM MAN: EL HELADERO 7

Me leo de la biblioteca el tomo 7 de esta serie, que incluye los números 25 al 28. Al igual que en anteriores ocasiones, digamos que las historias propuestas tienen un poco de todo, pero en cualquier momento te percatas de detalles que más o menos lo relacionan todo. De los cuatro relatos el primero plantea como viven sus últimos momentos los pasajeros de un avión que se va a estrellar, con la particularidad de que parece que todos ellos afrontan su fatídico destino sin problemas salvo un pasajero, lo cual resulta curioso.

El segundo relato se lee girando 90 grados el cómic porque en formato apaisado vemos como un tipo nos cuenta su historia bajando por su árbol genealógico. El tercero, por su parte, sería una curiosa interpretación de La metamorfosis de Kafka pero en sentido inverso. El cuarto se centra en un etimólogo en busca del origen de las palabras.

Esta serie comenzó como una especie de relatos de lo más variado, pero siempre con cierto tono cercano al terror en sus muchas variantes, con el heladero del título como nexo común. Es por eso que no sé si estará relacionado o no (en inicio creo que no) el próximo estreno de la película Dulce sabor a muerte, cuyo título original es justo Ice Cream Man, y que se estrena en España el 4 de septiembre. 

CALIFICACIÓN: Entretenido (3,5/5)

• Ficha editorial (de la serie) por este enlace y ficha de la biblioteca (de la serie) por este otro. 

MINIONS & MONSTERS, homenajes de cine (crítica con referencias)

Que haya ido a ver la película Minions & Monsters puede resultar curioso en mi caso, porque no he visto ninguna de las entregas previas en cine, si no cuando las han emitido en televisión. Estamos hablando de una franquicia que, con esta, llega a su séptima entrega, siendo la presente la tercera de los Minions (las otras cuatro corresponden a Gru: Mi villano favorito). De toda la franquicia la única que tengo pendiente de ver en el momento de escribir esto sería Gru 4: Mi villano favorito. 

 

Tengo que admitir que de las películas de Gru, ya desde la primera, tampoco me parecen más allá de meros entretenimientos sin pretensiones, y muy orientados hacia el público infantil, con esa especie de versión paródica de los villanos de la franquicia James Bond. Pero ya desde la primera era evidente que los Minions, esos pintorescos secuaces amarillos, con su particular fisonomía y características, eran sin duda lo más rescatable de dichas cintas, por lo que se ha intentado exprimir su éxito por separado, más allá de su presencia en las progresivas secuelas de Gru: Mi villano favorito, siendo la presente el tercer film que tienen por cuenta propia.

 

Los Minions siempre me han parecido una mezcla entre los Pitufos (por ser todos también de un mismo color: azul en los personajes de Peyo y amarillo en estos) con el carácter más anárquico de Bart Simpson (son gamberros y siempre buscan ser secuaces del villano más malvado) y la flexibilidad de los Looney Tunes (les pasa de todo... pero sobreviven a todo). Justo al igual que estos últimos, creo que su humor quedaría más acertado en cortos que no en largometrajes.

 

Es curioso porque de lo que llevo visto de la franquicia hasta el momento ninguna me ha parecido digna de mucho elogio, más allá de lo bien que funciona el caos que traen asociado los Minions en sus actos, siendo su humor slapstick lo más reseñable de las mismas. Por eso me ha sorprendido que aquí los sitúen justo cuando dicho tipo de humor estaba más en boga: en el Hollywood clásico y su transición del cine mudo al sonoro. 

 

Además de ser una inesperada carta de amor a esa época y su forma de encarar las películas, digamos que también hay un claro homenaje a los monstruos de Lovecraft (evidente en los nombres de las dos criaturas a las que libera Goomi). Incluso este último no deja de ser un Cthulhu pasado por un filtro, cual si fuera el Grogu de la saga Star Wars, para de esa manera ofrecer un monstruo encantador y apto para todos los públicos.

 

Otro homenaje, aunque este acertado a medias, sería el de Dort, un robot con ansias de conquistar el planeta, aunque en origen parece más bien un chalado que luego irá tras una defensora del sufragio femenino, y al que los Minions le siguen la corriente. La referencia ahí está en Gort, el invulnerable robot que acompañaba a Klaatu en el clásico Ultimátum a la Tierra que en 2008 conoció un innecesario remake. 

 

Pero como he citado antes, lo mejor se concentra sin duda en su primer tramo, cuando los Minions se meten en escenas míticas de Tiempos modernos de Charles Chaplin, El hombre mosca con Harold Lloyd, El héroe del río con Buster Keaton, varios cortos de los hermanos Lumière (El regador regado, La llegada de un tren a la estación de La Ciotat y La salida de la fábrica Lumière en Lyon) o el clásico Viaje a la luna de Georges Méliès entre otros.

 

Aún hay más, porque aparte del muy evidente guiño a géneros como el western, el cine negro o al cine de monstruos de la Universal, me asombró incluso que tuviera cabida otro clásico como el Ciudadano Kane de Orson Welles. Todo ello es un popurrí quizás algo caótico, a juego con sus protagonistas, pero admito que logró entretenerme y esbozar varias sonrisas con tanto guiño referencial, así como con las peripecias de los Minions.

 

En su versión original (la vi en pase de prensa) se pueden escuchar las voces originales de actores como Jeff Bridges, Jesse Eisenberg, Christoph Waltz o Trey Parker (este último de la serie South Park) interpretando a varios personajes, junto con el inesperado cameo de George Lucas que se pone voz a si mismo. Se ve que decidió hacer un paréntesis en su jubilación para esta intervención, porque se declara fan de los Minions. 

CALIFICACIÓN: Entretenida (3/5)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB y FilmAffinity.
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 1 de julio de 2026 
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OBSESSION, amor enfermizo y pegajoso (crítica sin spoilers)

En otras circunstancias Obsessión podría haber sido una cinta que igual hubiera dejado pasar en su estreno en cines, pero ha ido acumulando incentivos como para llamar muy fuerte mi atención. Aparte de lograr una larga lista de críticas positivas (lo cual es relativo, ya que en última instancia uno juzga por si mismo) su bastante escueto presupuesto, de apenas 750.000 dólares, se ha multiplicado con creces, acumulando ya más de 330 millones de dólares a nivel global.

 

Las nuevas generaciones vienen pisando fuerte, ya que el director de Obsession (Curry Baker) es un joven de apenas 26 años, siendo este su segundo largometraje (el primero se estrenó directamente en Youtube). Coincide en juventud con Kane Parsons de 20 años, y cuyo Backrooms aún en cartelera, es también un film primerizo y barato (en su caso 10 millones de dólares) con éxito y una recaudación sorprendente (más de 270 millones de dólares a nivel global). 

 

En ambos casos tanto Backrooms como Obsession se englobarían en el género de terror, pero mientras que la de Kane Parsons se decanta por enfocarse al liminal, Curry Baker tira hacia el psicológico. La premisa de su propuesta es muy sencilla, y de hecho su éxito quizás venga por los muchos que se sienten identificados con ella: imagínate que estas enamorado de tu compañera de trabajo, pero sus sentimientos hacia ti son sólo de amistad. ¿Y si pudieras cambiar eso?

 

Teniendo en cuenta la excusa argumental que se utiliza (si fuera Hitchcock se diría que el macguffin) uno podría imaginarse aquí sin problemas una comedia romántica como las que hace años triunfaban en Hollywood, con parejas arquetípicas como Tom Hanks y Meg Ryan. Pero en este caso se decanta por el terror cuando ese supuesto amor idílico (al menos por una de las partes) pasa a ser un amor enfermizo... si bien de todas maneras la degradación del mismo ya daba señales.

 

He leído comentarios de esta película criticando que el protagonista no deja de ser un prototipo de individuo que, bajo una fachada de timidez e indecisión, esconde a un pervertido al que no le importa aprovecharse de la situación cuando esta se muestra favorable. Tengo que disentir, ya que creo que Baker retrata a un tipo de persona muy común, y que no tendría que ser comparable con esos violadores que se valen de la sumisión química para obtener sus propósitos.

 

De hecho cuando (para su sorpresa) parece que el citado macguffin funciona, él se muestra indeciso sobre como afrontar el hecho, y es sólo cuando ve que la cosa va en serio que sí, se aprovecha de ello (¿quién no lo haría si pudiera?) pero ese no era su único objetivo, ya que lo que buscaba era mero amor. Eso creo que lo diferencia de los tipos que, mediante sumisión química, se aprovechan de las mujeres sólo por el sexo, ya que el protagonista en inicio no busca sólo eso. 

 

¿Y de donde surge el terror? Digamos que lo que en inicio parecía bonito empieza a hacerse un tanto pegajoso, enfermizo y obsesivo (de ahí el título de la película). Es cierto que, en la misma situación, uno empezaría a ver las evidentes señales de que algo no está yendo bien y saldría corriendo cuanto más lejos mejor, pero al protagonista le ciegan sus sentimientos y eso es lo que acabará provocando su perdición, lo cual es mostrado de manera excelente.

 

La gran sorpresa de la película la ofrece también la actriz Inde Navarrette, que interpreta a Nikki, el deseo amoroso del protagonista. Cuando el macguffin empieza a hacer su inmediato efecto, algunas veces tiene momentos en los que rechaza como está actuando, siendo la representación que hace la actriz tan destacable como perturbadora. En cuanto a este film en sí, es una inesperada maravilla que sabe sacar partido (con imaginación y pocos recursos) de lo que plantea. 

CALIFICACIÓN: Excelente (5/5)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB y FilmAffinity.
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 26 de junio de 2026 
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SUPERGIRL, solo un mero entretenimiento (crítica sin spoilers)

Esta Supergirl se supone que está inspirada en el cómic Supergirl: La mujer del mañana de Tom King que me leí de la biblioteca hace un par de años. Asimismo marca el siguiente proyecto para cines de ese nuevo universo DC sustentado por James Gunn después de su versión de Superman del pasado verano de 2025, y previa a la secuela (Man of Tomorrow) que en un principio llegará en verano del 2027. 

 

A priori lo tiene difícil la prima de Superman para tener éxito, ya que su anterior película en solitario que tuvo fue la Supergirl de 1984, que tuvo como protagonista a Helen Slater. Fue un film que en su momento quiso aprovechar el éxito de la franquicia de su primo, que por aquel entonces encabezaba Christopher Reeve, pero pese a un presupuesto de 35 millones no logró recaudar ni la mitad de eso. Aún tendría que pasar cierto tiempo para volver, pero en formato televisivo.

 

Mejor suerte corrieron Laura Vandervoort y Melisa Benoist, ya que encarnaron al personaje en Smallville entre 2007 y 2011 (la primera a nivel secundario) y en la homónima serie Supergirl entre 2015 y 2021 (la segunda, como protagonista). El regreso a los cines estaba cercano, y fue con una versión alternativa de ella como se vio en la película de 2023 Flash, la cual estuvo interpretada por Sasha Calle. El fracaso del film, más el posterior cierre de ese universo de DC (con la secuela de Aquaman) acabó con la posibilidad de continuar.

 

Ojo que tampoco lo tiene fácil esta nueva Supergirl, porque el cine de superhéroes parece haber llegado a su cenit (o que al menos el público no lo hace triunfar como antaño, quizás por cierto empacho). Marvel lo ha notado y este año apunta a lo grande en cines con las nuevas de Spider-Man y Los Vengadores (dos pesos pesados), mientras que el nuevo universo DC lo hace con el presente film y Clayface en octubre.

 

No es por ser agorero, pero el Superman de James Gunn del pasado año, aún acabando siendo la película de superhéroes más taquillera del 2025, su total de 618,7 millones de dólares globales no parece mucho para las expectativas que había. Y las previsiones para este film dan para que uno se pregunte con inquietud si este nuevo universo DC llegará tan lejos como planean sus responsables o, al no alcanzar objetivos, se quedará por el camino. 

 

Una vez vista tengo que admitir que aunque creo que es un film entretenido, también es verdad que quizás podía haber dado más de sí, dejando a uno en ciertos momentos con la sensación de lo que podía haber sido en comparación con lo que acaba siendo. Eso sería lo que ocurre con Lobo, al que encarna con solvencia un Jason Momoa que nació para ese papel... pero al mismo tiempo te deja insatisfecho respecto al poco partido que sacan de él. 

 

En cuanto a la protagonista, hay que reconocer que Milly Alcock ha roto con la versión cándida del personaje en la serie de Melisa Benoist, y se acerca algo a la versión más oscura llevada a cabo por Sasha Calle en Flash. La ventaja es que aquí está mejor desarrollada que en el ejemplo citado, demostrando el amargor de la vida que le ha tocado vivir. Eso es algo más comprensible en los flashbacks que nos vienen a servir de orígenes de esta Kara Zor-El.

 

De todas maneras su presencia en el Superman de James Gunn fue poco más que un mero cameo, mientras que por contra su primo (de nuevo a cargo del actor David Corenwest) está demasiado presente en esta cinta, supongo que para recalcar el contraste de caracteres entre ambos personajes. Aún así aquí queda más claro el origen de Krypto, su apego a Kara y porque está moverá cielo y tierra para salvarlo en este film.

 

Por los avances previos muchos citaban si no sería esto la misma fórmula de Guardianes de la galaxia (la mayor aportación de Gunn al universo Marvel), pero aunque igual pueda tener alguna semejanza, lo que recuerda más por momentos es a la saga Mad Max. De esta toma como su más evidente referencia lo relacionado con el contrabando de esclavas para que los villanos puedan procrear, algo similar a lo visto en la película de 2015.

 

La protagonista está celebrando su 23 cumpleaños emborrachándose en un planeta con sol rojo (para que así le afecte lo que toma) cuando conoce a Ruthye, que quiere vengarse del bandolero Krem que asesinó a toda su familia. Otro detalle a destacar es la relación que se establece entre ambas, que se verán juntas con un objetivo común cuando el citado Krem envenene a Krypto. El problema es que el susodicho como villano tampoco es que deje huella. 

 

En resumidas cuentas, cuando se acaba de ver Supergirl (que por cierto no tiene ninguna escena tras los créditos) uno se queda con la sensación de que han querido hacer una historia sobre como superar el dolor por una pérdida, algo bastante presente en Kara y Ruthye, pero que el resultado final no logra subir más allá del mero entretenimiento, poniendo en duda, como he citado más arriba, su recepción y el futuro de este universo DC.

CALIFICACIÓN: Entretenida (3/5)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB y FilmAffinity.
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 26 de junio de 2026 
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TOY STORY 5, jugando a lo fácil en el ocaso (crítica sin spoilers)

Con Toy Story 5 lo que intentan desde Pixar es la búsqueda, quizás un tanto desesperada, de un éxito como los que tenían antaño, ya que en los últimos años (con la excepción de Del revés 2) los títulos que han estrenado han pasado sin pena ni gloria, aunque también es verdad que no toda la culpa es de ellos (a mi Soul me gustó mucho). De todas maneras aún están recientes los fracasos de Lightyear y Elio (en este caso el mayor descalabro de la productora).

 

Ya en su momento cuando estrenaron unas cuantas secuelas seguidas de diferentes éxitos (Buscando a Dory, Cars 3, Los Increíbles 2 y Toy Story 4) se decía que Pixar había perdido la originalidad de antaño, pero es que hasta cierto punto puede ser comprensible que cuando las nuevas propuestas no acaban de funcionar, lo mejor es regresar por terrenos conocidos (de ahí que, aparte de esta secuela, también se preparen nuevas entregas de Los Increíbles y Coco).

 

De todas maneras hay secuelas que se justifican algo (por ejemplo Los Increíbles es una franquicia de superhéroes, lo cual puede dar mucho juego), pero hay otras que cuesta más verlas, como me pasó con Toy Story, la saga fundacional de Pixar que comenzó hace 31 años y de la que he visto de estreno en cines todas sus entregas. La tercera cerró de forma estupenda, por lo que en su momento una cuarta me parecía innecesario, aunque al final el resultado cumplió.

 

Esa sensación de ser algo superflua que sobrevolaba a la cuarta entrega se hace aquí de nuevo patente, y el resultado final no logra que una vez acabada no deje a uno con la idea de que aunque no sea mala entrega, sea entretenida, parta de un problema ya presente en nuestra sociedad (la adicción a las pantallas de todo tipo)... los buenos tiempos para esta saga quedan ya en el pasado, y aquí se han limitado a jugar (valga la ironía) a lo fácil.

 

Asumiendo que las líneas argumentales de Woody y Buzz Lightyear ya no dan más de sí (el final de la cuarta, emprendiendo ambos personajes sus respectivos caminos, ya lo dejaba claro), su presencia en esta quinta entrega es tan solo testimonial, cual si fueran dos secundarios de lujo que vienen a hacer sus chistes (los cuales harán mayor o menor gracia), pero siempre en un segundo plano. Y es que en este caso la protagonista es Jessie.

 

La vaquera que empezó su andadura en esta franquicia en su segunda entrega había pasado desde entonces de forma más secundaria, por lo que su protagonismo aquí no desentona y resulta coherente. Asimismo si las tres primeras películas se puede decir que eran la trilogía de Andy (el niño que tenía esos juguetes), tanto la cuarta película como esta quinta le dan una importancia a Bonnie (la nueva dueña de esos juguetes) que quizás su antecesor nunca tuvo.

 

En este caso la citada niña sigue jugando como la niña que es, pero su timidez le hace difícil congeniar con otros niños, los cuales conectados a pantallas de todo tipo y condición, consideran que ya son mayores para jugar con simples juguetes. Ante esa situación los padres de Bonnie le regalan una tablet Lilypad, pero lo único que consiguen es que sea la propia niña la que deje a sus juguetes tradicionales a un lado, al poder estar ahora conectada. 

 

Eso lleva a un dilema perenne en esta franquicia desde sus orígenes: la problemática de que el juguete veterano se sienta desplazado ante la presencia del juguete novedoso. Eso lo vivirá Jessie por tercera vez (hay ciertas referencias a Emily, su primera dueña, previa a que fuera a manos de Andy), a lo que no ayudará que, por diversas circunstancias, vaya a parar a la que fue su casa, en una innecesaria reiteración dramática. 

 

Dirigida por Andrew Stanton (guionista de todas las entregas previas, que aquí asume el mando) se supone que aunque se muestre la adicción que provocan las pantallas, así como por ejemplo el cyberbullyng que traen asociadas (el cual también presente en este film), la solución no está en la erradicación de las mismas sino en intentar integrarlas en nuestro modo de vida. Loable mensaje que no sé si es tan sencillo llevar a la práctica. 

 

En resumen digamos que Toy Story 5 no aporta nada nuevo en su esquema básico, más allá de la (quizás algo tardía) crítica contra la adicción a las pantallas, que soluciona con mejores intenciones que resultados. Los nuevos personajes (juguetes) resultan indiferentes, e incluso desaprovecha la oportunidad de tener un ejército de Buzz Lightyear. No sería de extrañar una sexta entrega, pero esta quinta marca un ocaso que no te deja con ganas de ella.

CALIFICACIÓN: Entretenida (3/5)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB y FilmAffinity.
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 17 de junio de 2026 
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MICHAEL, insulso biopic de un cantante mítico (crítica sin spoilers)

He recuperado el film Michael un par de meses, más o menos, desde su estreno (que fue el pasado 22 de abril), ya que aunque no fui a verla en su momento, tenía curiosidad pese a que tampoco me puedo catalogar como un apasionado fan de Michael Jackson, aunque me guste su música. De hecho también tenía curiosidad por ver como iba esta "moda" que hay desde el triunfo de Bohemian Rhapsody, tras la cual ha habido gran cantidad de biopics musicales de todo tipo.

 

Solo por citar unos ejemplos, tras el éxito del film sobre Freddie Mercury en 2018 (hay que recordar que Bohemian Rhapsody logró ganar, entre otros galardones, 4 Oscars a mejor montaje, sonido, edición de sonido y actor para Rami Malek por encarnar al lider de la banda Queen) habría que citar que ha habido biopics para Elton John (Rocketman), Elvis Presley (Elvis), Robbie Williams (Better Man), Bob Dylan (A Complete Unknown), Whitney Houston (I Wanna Dance with Somebody) o Bruce Springsteen (Springsteen: Deliver Me From Nowhere) sólo por citar unos cuantos.

 

El triunfo de Bohemian Rhapsody no solo en cuanto a premios, sino también en cuanto a resultados de taquilla (logró 911 millones de dólares a nivel global) ha hecho que algunos de los citados títulos del párrafo anterior tuviesen aspiraciones de alcanzar un éxito semejante, pero ninguno lo logró a ese nivel hasta la llegada de esta Michael que hace bien poco lo ha superado, con opción de que pueda llegar a los 1.000 millones de dólares.

 

¿Se corresponde ese éxito con una película que merezca la pena? Pues una vez vista sin duda alguna tengo que admitir que la respuesta sería más bien negativa. Realmente sorprendido me he quedado cuando estaba viendo los muy extensos 127 minutos de metraje que tiene este biopic (parcial) y me daba cuenta de como se ha pulido una y otra vez su tópico guion para que no quedase ninguna arista que pudiese manchar el legado del mito. 

 

No es que uno busque el morbo de forma expresa, pero es cierto que hay que diferenciar la persona del personaje, con lo cual cuando se lleva a cabo un biopic de este estilo uno espera al menos una biografía más o menos certera, pese a que se puedan omitir los detalles más escabrosos. Vamos, que si cuenta su vida cuente más o menos la real, no una versión tan edulcorada como esta, casi para santificar a su protagonista cual si fuera un mártir bíblico.

 

La implicación de la familia del cantante parece ser la culpable de que cualquier detalle inadecuado haya sido eliminado de esta película, de tal forma que la única satisfacción está en ver ciertos números musicales que logran, por un breve momento, el magnetismo de sus primeros años de carrera. A eso ayuda el mimetismo con el que Jaafar Jackson encarna en esta película a su tío, en el que sería su debut en pantalla.

 

El presente film tiene una estructura parecida a Bohemian Rhapsody (no en vano comparten el mismo productor, Graham King) de empezar en determinado momento para luego retroceder y narrar todo lo que hubo hasta entonces. En este caso sería, como se revela al final, durante un concierto de 1988 de su gira Bad World, para retroceder hasta 1966 cuando Joseph Jackson (su padre) fundó el grupo musical Jackson Five con el pequeño Michael y sus cuatro hermanos. 

 

El gran enemigo a batir de esta primera película (porque se rumorea secuela que abarque el resto de su vida, lo cual no me extrañaría a tenor de su increíble éxito) sería justo su tiránico padre, el citado Joseph Jackson, que no tenía problemas en zurrarle cada vez que no obedecía sus órdenes. La interpretación que hace de él Colmin Domingo (visto en la reciente El día de la revelación de Spielberg) me parece también digna de mención.  

CALIFICACIÓN: Regular (2/5)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB y FilmAffinity.
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 22 de abril de 2026 
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MORTAL KOMBAT II, un mero pasatiempo (crítica sin spoilers)

He recuperado Mortal Kombat II apenas unas semanas después de su estreno (que fue el pasado 8 de mayo) ya que tenía una cierta curiosidad porque la anterior entrega, aún teniendo en cuenta el momento en que se estrenó (con el mundo en medio de la pandemia por Coronavirus), admito que sació mis ganas de disfrutar, teniendo en cuenta la situación, de un sencillo y mero entretenimiento espectacular en cines.

 

De todas maneras esta secuela se estrenó algo más tarde de lo previsto, ya que su llegada a los cines tenía que haber sido el pasado mes de octubre, pero ante la respuesta entusiasta de los fans por el tráiler, pasó del inicial 24 de octubre de 2025 al 8 de mayo de 2026. Tanto Warner Bros. como New Line Cinema pensaron que la película tendría mejores resultados abriendo la temporada de estrenos veraniegos.

 

La primera entrega estrenada en 2021 contó con 55 millones de dólares de presupuesto, y recaudó a nivel global 84,4. Para su secuela se aumentó la inversión hasta los 68 millones, logrando recaudar 128,6 millones a nivel global en el apenas poco más de un mes que ha estado en salas de cine. Supongo que ahora le irá bien en las plataformas de streaming, por lo que no sería de extrañar una tercera entrega en los próximos años.

 

Como he dicho cada vez que me toca escribir sobre una adaptación al cine de un videojuego, mis conocimientos son muy escasos, y en el caso presente se limitaban a lo realmente brutas que eran las peleas en el film precedente, siendo un incentivo más allá de la mera acción (y algo también aquí presente). Ese detalle recibe el nombre de Fatality, siendo algo propio de esta franquicia, con características específicas y una extrema brutalidad.

 

El director de esta secuela vuelve a ser Simon McQuoid, que ya ejerció las mismas funciones en el título precedente, del que también repiten frente a las cámaras Jessica McNamee, Josh Lawson, Ludi Lin, Mehcad Brooks, Lewis Tan, Max Huang, Damon Herriman (que en la previa fue la voz de Kabal, al que ponía cuerpo Daniel Nelson, y aquí es el villano Quan Chi), Chin Han, Tadanobu Asano, Joe Taslim y Hiroyuki Sanada.

 

Las novedades en el reparto de esta serían Adeline Rudolph, Martyn Ford y Tati Gabrielle, pero sin duda el más conocido sería el actor Karl Urban, que interpreta a Johnny Cage. Su personaje es un cínico actor de artes marciales, cuyos días de gloria ya pertenecen al pasado (algo que queda claro nada más aparece en pantalla), que es incorporado por el Dios del Trueno Raiden y Sonya Blade para un combate contra los guerreros del Mundo Exterior.

 

Los expertos tanto en videojuegos en general como en esta saga en particular probablemente disfrutarán con las múltiples referencias a los mismos (incluido el muy marchoso Techno Syndrome de sus títulos de crédito finales), pero para mí todo se quedaba en una historia del bien contra el mal a nivel muy básico, que tengo que admitir que me funciona bien en sus escuetas pretensiones. El villano a batir es el tiránico emperador Shao Kahn y sus esbirros.

 

Johnny Cage, presentado como el carismático novato, es un personaje de forma muy clara orientado para que el público empatice con él. En cuanto al resto digamos que algunos personajes muestran que la muerte no es el final (Kano), aunque otros podían haber dado más de sí (como el dentudo Baraka). Las escenas de acción resultan entretenidas, y pese a tener toques de humor, no se abusa de él tanto como en la reciente He-Man y los Masters del Universo.

CALIFICACIÓN: Entretenida (3/5)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB y FilmAffinity.
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 8 de mayo de 2026 
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EL DÍA DE LA REVELACIÓN, el Expediente X de Spielberg (sin spoilers)

Steven Spielberg estrena El día de la revelación, la película 37 de su amplia filmografía que abarca más de medio siglo, en la cual nos ha maravillado y nos ha asombrado con muchos de los títulos más apreciados por el público en las últimas décadas. Después de los fracasos en taquilla de West Side Story y Los Fabelman, ahora intenta recuperar su éxito habitual de antaño con la que sería su cuarta película relacionada con los extraterrestres.

 

Las dos primeras obras que llevó a cabo sobre aliens fueron casi en los inicios de su carrera, siendo ambos dos títulos emblemáticos: Encuentros en la tercera fase de 1977 y E.T., el extraterrestre de 1982. La primera se benefició del auge sobre el fenómeno OVNI que había por entonces, mientras que la segunda es un clásico que a un servidor le llevaron a ver de estreno con ocho años al cine Palacio Balañà de Barcelona.

 

Si había una coincidencia entre ambos films fue sin duda su visión positiva de los extraterrestres, por lo que sorprendió cuando en el 2005 se atrevió con una nueva adaptación del clásico La guerra de los mundos de H.G.Wells ambientada en la actualidad, y con Tom Cruise como protagonista (que repetía con el director tras la notable Minority Report). El resultado, aunque muy digno, no fue tan brillante como en las obras previas de dicha temática.

 

Ahora, siendo un director de casi 80 años (los cumplirá el próximo 18 de diciembre) se aproxima de nuevo a este tema que le ha fascinado durante toda su vida, en una película que parte de una idea propia, guionizada junto con David Koepp (en la que sería la quinta colaboración entre ambos). Repite también con Janusz Kaminski como director de fotografía (que lo acompaña desde La lista de Schindler de 1993) y John Williams (habitual en casi todos sus films) en la banda sonora.

 

No miento si admito que Spielberg es sin duda alguna todo un veterano, y que acompañado por los nombres que he citado antes (Williams, Kaminski y en menor medida Koepp) el resultado es interesante y entretenido. Visualmente está resuelta con solvencia (la secuencia del tren es espectacular) y su banda sonora es impecable, con ecos de muchas otras que han formado la carrera del maestro Williams. Pero aún así uno esperaba más. 

 

¿Qué es lo que no me convence de este film? Su manida base argumental, ya que lo que propone no deja de ser algo que series como Expediente X (y los muchos sucedáneos que generó) exploraron por activa y por pasiva entre finales del pasado siglo e inicios de este. Los agentes Mulder y Scully (en inicio más él que ella) defendieron aquello de que "la verdad está ahí fuera" y esta nueva película de Spielberg viene a sustentarse sobre esos mismos ejes.

 

Lo sugerido de que ciertas agencias gubernamentales esconden información sobre avistamientos y contactos con criaturas extraterrestres, ya se vio igualmente en la citada serie de Chris Carter (de la que ahora mismo prepara una nueva versión Ryan Coogler), y el toque (quizás demasiado utópico) de Spielberg lo da aquí con la posibilidad de que no vengan como una amenaza, sino que para demostrarnos que como humanos debemos tener una mayor empatía.

 

Para darle más semejanzas con nuestro actual panorama geopolítico, en la ficción de El día de la revelación la situación mundial también está bastante tensa. Pero dudo mucho que si se revelara algo así toda la humanidad diera un vuelco a la esperanza (como se sugiere), aunque me pareció curioso la explicación a lo del aspecto de los animales, porque hace que cuadre el no acabar de verlos reales, pese al aceptable CGI para mostrarlos. 

 

En resumidas cuentas esta película es un solvente entretenimiento, con un apartado actoral donde destacan Emily Blunt y Colin Firth, en un elenco donde también están Josh O'Connor, Colman Domingo o Wyatt Russell entre otros. Con ecos de la filmografía de su responsable, se agradece además de que el final quede abierto a lo que cada uno quiera interpretar, con lo que se pretende que el espectador reflexione, en lugar de dejarlo todo claro y cristalino.

CALIFICACIÓN: Entretenida (3/5)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB y FilmAffinity.
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 12 de junio de 2026 
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MULTIVERSO WHAT IF VOL.2 / BATMAN: LA ERA OSCURA / PATRULLA-X: LA MALDICIÓN DE LOS MUTANTES / y más reseñas

MULTIVERSO WHAT IF VOL.2

Me leo el tomo Multiverso What If vol.2 al poco de acabar con el primero (del cual tenéis la reseña por aquí). En este caso incluye los números 13 al 15 y 17 al 27 del volumen 2 americano de dicha cabecera. Se salta el número 16, un encuentro entre el cimmerio Conan y Lobezno, porque dicho cómic se incluyó en un recopilatorio temático del mencionado Conan el bárbaro que me leí hace unos años. 

En cuanto al contenido de este, los 14 números que incluye empiezan con una gran distopia en la que el profesor Xavier se convirtió en Juggernaut, para continuar con lo que hubiera sucedido si el Capitán Marvel no hubiera muerto (lo que deriva en una premonitoria pandemia). Le sigue el juicio de Galactus, pero en esta realidad alternativa Reed Richards es ejecutado.

El siguiente relato me suena que lo había leído con anterioridad, aunque sin duda lo he vuelto a disfrutar: se trata de una variante en la que en La última cacería de Kraven el susodicho sí mató a Spider-Man, con resultados trágicos en una historia notable. Después vienen dos gags algo tontos y simples, centrados en situaciones hipotéticas del Registrador y Daredevil.

El recopilatorio continúa con la interesante respuesta a que hubiera pasado en caso de que Los Cuatro Fantásticos se hubieran enfrentado al Doctor Muerte antes de conseguir sus poderes, tras la cual le siguen esos absurdos chistes con la premisa de realidades alternativas, ahora con El amo de las marionetas y el Castigador. Siguen las dos variantes de cuando Visión quiso conquistar el mundo (algo que al final no se concretó): que lo hiciera como una utopía o bien una distopia, siendo curiosas ambas opciones.

Los dos siguientes números de esta cabecera incluidos se supone que cuentan una misma historia, primero planteando que hubiera pasado si Peter Parker y Mary Jane no se hubieran casado, y derivado de esta viene lo que hubiera sucedido en caso de que Spider-Man se hubiera casado con la Gata Negra. Lo curioso es que aplicando aquello de "Ni contigo ni sin ti" al final será una tercera en discordia quien se lleve al arácnido. 

Entremedio hay varios gags, destacando (por su inocencia) el del hijo de Spider-Man (teniendo en cuenta que esto vio la luz en 1990, muchos años antes de la multitud de arácnidos alternativos que surgieron después), y el de Namor como actor, especialmente porque sería de doble de Leonard Nimoy, el Spock de Star Trek, con el que resulta innegable que tiene un gran parecido. Los de Daredevil y el Motorista Fantasma son meras chorradas. 

La siguiente historia viene a sugerir, al igual que con la que acaba este tomo, un cambio de alineación en las filas de Los Cuatro Fantásticos, haciendo que sean Los Cinco Fantásticos. En la primera sería añadiendo a Estela Plateada cuando el Heraldo de Galactus estaba preso en la Tierra, y la última es sumando a Namor. Le sigue la posibilidad alternativa de que la nueva alineación de los X-Men que se estrenó en el Giant Size X-Men 1 de 1975 no hubiera hecho falta. 

El siguiente relato parte de cuando los mutantes se enfrentaron al mítico Drácula, y lo que hubiera pasado en caso de que Lobezno fuera transformado en vampiro, retara al citado Drácula y lo venciera, tomando el mando de la situación. El relacionado con la llegada de Set remite al evento Atlantis ataca que tuvo lugar en 1989, mientras que de los gags el más disparatado sería el del Castigador como Heraldo de Galactus.

Tan solo me queda por citar la historia donde se nos narra la realidad alternativa en la que el Castigador mató de forma no premeditada a Daredevil, lo que inició una serie de sucesos trágicos (algo que suele ser tónica general en estos relatos de lo que pudo haber sido). En resumidas cuentas tanto esta como la anterior entrega son una manera amena de conjeturas sobre los destinos de los personajes más populares de Marvel. 

CALIFICACIÓN: Entretenido (3,5/5)

• Ficha editorial por este enlace y ficha de la biblioteca por este otro.

BATMAN:LA ERA OSCURA

Si a finales de 2024 me leí de la biblioteca el tomo Superman: La era espacial sobre todo por venir ilustrado por el matrimonio Allred, en cuanto vi este que lleva por título Batman: La era oscura tampoco dudé ni un momento. El responsable del guion es en ambos casos también la misma persona (Mike Russell), y en este caso lleva a cabo dos variantes esenciales: primero que todo transcurre en tiempo real (no en vano empieza con un Bruce Wayne anciano en 2030 que tiene que recordar su pasado), y segundo que aquí el joven Bruce Wayne no estuvo presente en el momento en que asesinaron a sus padres.

A partir de esos cambios Russell hace una muy evidente crítica social, que abarca hasta el evento Crisis en Tierras Infinitas (cómo ocurría en el cómic de Superman que he citado antes), al mismo tiempo que construye todo el universo que rodea a este personaje, tanto en su amplia galería de villanos como entre sus muchos secundarios. La misma tiene cambios, en algunos casos bastante interesantes (como lo de Ra's Al Ghul, que instruye a un descarriado Bruce durante la Guerra de Vietnam), pero logrando hacer a todos estos personajes perfectamente reconocibles. Entre los villanos introduce (ignoro si ya habían salido con antelación, pero para mí es la primera vez que leo de ellos) la Sociedad de la Cara Falsa, que tienen un mayor peso en la historia que otros personajes más habituales. El trabajo gráfico de los Allred es magnífico.

CALIFICACIÓN: Entretenido (3/5)

• Ficha editorial por este enlace y ficha de la biblioteca por este otro.

PATRULLA-X: LA MALDICIÓN DE LOS MUTANTES

Son tantas las colecciones que ha habido y hay de los X-Men de Marvel (aquí en España también conocidos como la Patrulla-X), que resulta difícil leer algo suyo sin perderte, por carecer de las muchas referencias previas al no haber leído todo lo necesario para comprenderlo mejor (y se supone que disfrutarlo más). Justo eso, y mi preferencia hacia otro tipo de personajes, en especial héroes más o menos solitarios, me ha llevado a ser bastante selectivo con el material mutante que al final acabo leyendo de la biblioteca.

Pero este Patrulla-X: La maldición de los mutantes es un cómic que me resultó atractivo por su premisa argumental: si ya estos personajes de Marvel, dentro de su universo básico, han sido marginados y despreciados, ¿cómo sería poner frente a ellos a los vampiros, también una raza de criaturas marginadas y despreciadas? Xarus, el hijo de Drácula, pretende un acercamiento a los mutantes por considerarlos "hermanados" con su raza, pero estos no aceptan que para ello se domine a la humanidad, empezando por ahí una serie de disputas con aliados muy ligados al tema como Blade. Junto a él hay nombres populares de los X-Men (Lobezno, Cíclope, Emma Frost, Coloso,...) pero resulta curioso que el eslabón por el que los vampiros esperan infiltrarse en los mutantes sea Júbilo, un personaje no tan notorio en sus filas. Como me imaginaba, el resultado final es un cómic entretenido y que cumple bastante bien.

CALIFICACIÓN: Entretenido (3/5)

• Ficha editorial por este enlace y ficha de la biblioteca por este otro. 

Y MÁS RESEÑAS

• ¡Es Jeff!: Las mascotas del infinito. 
• Martinez, el facha: Tiempos modernos.

CAPE FEAR, primeras impresiones de sus dos episodios iniciales

He visto los dos primeros episodios de los diez que tendrá la miniserie Cape Fear, los cuales se han emitido el viernes 5 de junio de 2026, siendo a partir de aquí su emisión de un nuevo episodio semanal, finalizando el próximo 31 de julio. Es una serie de Nick Antosca, entre cuyos créditos está Chucky, la serie televisiva que extendió a la pequeña pantalla la saga de películas iniciada por Muñeco diabólico.

De todas formas los nombres más llamativos son sin duda los de sus productores ejecutivos Steven Spielberg (bajo el sello de su mítica Amblin) y Martin Scorsese (director de la versión que se estrenó en cines en 1991 de la misma historia, protagonizada por Nick Nolte, Jessica Lange, Robert de Niro y Juliette Lewis). En este caso en el reparto constan Javier Bardem, Amy Adams y Patrick Wilson como nombres principales.

Todo proviene de la novela The executioners, escrita en 1957 por John D.MacDonald, que fue adaptada en película en 1962 con el título de Cape Fear, que aquí en España pasó a ser El cabo del terror, teniendo de protagonistas a Robert Mitchum como Max Cady y Gregory Peck como Sam Bowden, sumando en papeles secundarios a Martin Balsam o Telly Savalas. J.Lee Thompson, responsable de varios films con Charles Bronson o de la saga clásica de El planeta de los simios, la dirigió. 

La citada película la vi en un ya lejano pase televisivo, por la curiosidad derivada de su siguiente adaptación, que aunque no vi en su momento de estreno en cines, si recuperé en video VHS un tiempo después. Y es que en 1991 no solo fue cuando se estrenó El silencio de los corderos (y un fantástico Anthony Hopkins como Hannibal Lecter) ya que también llegó un nuevo Max Cady en El cabo del miedo, titulo español de la que en origen siguió llamándose Cape Fear. 

Lógicamente las versiones eran diferentes, ya que la sociedad de 1962, cuando se estrenó el primer film, no era la de 1991, cuando llegó la nueva versión. Pero la película original sigue siendo una curiosidad a descubrir por los más cinéfilos, que tuvo homenaje en el film de 1991 al contar en su reparto con los actores originales (Robert Mitchum y Gregory Peck) en dos papeles secundarios, que servían como de relevo generacional.

La película El cabo del miedo es uno de los títulos más destacables de Martin Scorsese, que se benefició de un reparto excepcional: Robert de Niro como Max Cady (en un papel que por estas tierras fue parodiado de forma simpática por el dúo Cruz y Raya), Nick Nolte como Sam Bowden, Jessica Lange como su esposa Leigh Bowden y una joven Juliette Lewis como la hija de ambos Danielle Bowden, a la que Cady intentará pervertir. 

Si aún siendo un remake la película de 1991 logró ser una de esas nuevas versiones que sí sabe mejorar aún más el título original, ¿qué puede aportar otra adaptación 35 años después, y encima en formato de serie televisiva? De momento está por ver, ya que sólo he visto los dos primeros episodios en el momento de escribir esto, pero en cuanto a intensidad no parece (insisto, no parece de momento) que vaya a igualar y/o superar al film de Scorsese.

Pero al igual que pasó con el film de 1991, se ha reunido para esta serie un trío llamativo, formado por un muy destacable Javier Bardem encarnando a este nuevo Max Cady (siendo, de momento, lo mejor de esta Cape Fear que ya ni se han molestado en traducir aquí en España), a lo que sumar el matrimonio Bowden, encarnados en este caso por Patrick Wilson y Amy Adams, intérpretes de solvencia contrastada y extensa filmografía. 

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