MALIGNO de JAMES WAN, la maldad interior (crítica sin spoilers)

Cuando me enteré de que James Wan, el director de este film, pidió que no se revelasen spoilers cuando el público lo viera, me recordé de otro director clásico como Alfred Hitchcock, que ya en Psicosis realizó una jugada similar de cara a que sus giros de guión y sorpresas no se viesen ensombrecidos por el hecho de saber por anticipado que es lo que iba a pasar. Eso ha llevado a que esta cinta no haya tenido pases previos para la prensa, con la idea de que el espectador no acudiese a verla con ideas preconcebidas. Pero también ha servido para que algunos sospecharan de que la suerte en el género del terror de James Wan había acabado, siendo el resultado final algo tan decepcionante que no se atrevían a mostrarlo por anticipado y asi evitaban la mala prensa previa.

Una vez vista Maligno quiero arriesgarme a creer más en la primera opción que en la segunda, si bien cualquier espectador ya curtido en el género del terror con notas de fantástico ya puede sospecharse lo que ocurre con lo que ve se y se dice en el prólogo previo a los títulos de crédito iniciales. El posterior desarrollo tan solo viene a confirmar dichas sospechas, si bien eso en ningún momento es obstáculo para disfrutar de un film donde James Wan practica todos los trucos a los que nos ha acostumbrado en sus producciones, con un ritmo en el que no deja hueco al aburrimiento.

La protagonista de la película es Madison (encarnada con solvencia por la actriz Annabelle Wallis), una mujer embarazada a la que conocemos sufriendo violencia doméstica, motivo por el cual bien pronto logra la empatía del espectador. Pero al mismo tiempo algo parece ocurrirle porque de manera ominosa se ve siendo involuntaria espectadora de varios crímenes atroces, que parecen provenir de un origen del que sabe bien poco, ya que fue adoptada. Ese pasado es el que el director nos "sugiere" en el prólogo antes citado, jugando con el eterno tema de las dualidades, que culmina con un comentario que enseguida me llevó a recordar cierta obra de Stephen King (adaptada al cine en 1993) que jugaba con elementos similares a los que maneja esta película. Eso si, tengo que reconocer que pese a esa "suposición" previa por mi parte, el director consigue que cuando se concreta y materializa sea de manera más o menos impactante, si bien en el tramo final tiene ciertas concesiones más predecibles de cara a hipotéticas secuelas.

 

Y es que si hablamos de la influencia de James Wan en el cine de terror reciente, resulta evidente su importancia a tenor de que ha abierto tres lucrativas franquicias como son Saw, Insidious y Expediente Warren, todas ellas con secuelas e incluso spinoffs. Queda abierta la posibilidad de que se retome la historia de esta película, pero sin duda alguna ya habrá perdido la novedad de esta Maligno, si bien a fin de cuentas tampoco maneja elementos tan extraños porque juega a una mezcla entre terror psicológico, intriga sobrenatural, slasher y thriller (todos ellos ya vistos con mayor o menor acierto en la filmografía de Wan centrada en estos géneros) El resultado es funcional respecto a sus aspiraciones y entretenido en su conjunto, jugando con el espectador para que se haga todo tipo de suposiciones sobre lo que está ocurriendo. Aún asi en su tercio final, cuando ya la historia ha desvelado sus cartas, decide desmadrarse un poco jugando (y abusando) con una serie de detalles que muchos pueden considerar excesivos.

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 3 de septiembre de 2021.
• LO MEJOR: La solvencia de Wan para manejarse entre varios géneros y el ritmo tan entretenido que le insufla a la historia, con poca opción al aburrimiento.
  
• LO PEOR: Maneja con mayor o menor acierto elementos que no son novedosos (algo dificil en este género) y su final está demasiado condicionado a hipotéticas secuelas.
  

IMMACULATE, entre la fe y el fanatismo (crítica sin spoilers)

En ocasiones tenemos en una misma temporada dos films que parten de temáticas similares pero con resultados variados (los dos Robin Hood de 1991: el de Patrick Bergin y el de Kevin Costner, las dos de volcanes en 1997: Un pueblo llamado Dante's Peak y Volcano, las dos en 1998 con meteoritos: Deep Impact y Armageddon), pero tengo que admitir que no recuerdo algo así: ¡¡¡es temporada de monjas!!! Ahora en serio, en menos de 9 meses se han estrenado cuatro películas con monjas de protagonistas: en septiembre del pasado 2023 la secuela de La monja del universo Expediente Warren: The Conjuring, luego en octubre le tocó a Hermana muerte en Netflix, hace pocas semanas La primera profecía (precuela del film La profecía) y ahora esta Immaculate.

Más allá de tener a una monja como protagonista, los resultados de los tres ejemplos citados han sido variados según cada uno, pero admito que tenía curiosidad por este proyecto, auspiciado por su protagonista, la actriz Sidney Sweeney. Se trata de una joven promesa a la que ya había visto en pequeños papeles en series como El cuento de la criada o películas como Érase una vez en Hollywood, pero sin que tampoco me hubiese llamado mucho la atención, hasta que me fijé más en ella en la reciente Madame Web. Con esta Immaculate la actriz se arriesga en el género del terror, con la intención de demostrar su dotes artísticas para no quedar encasillada tan solo por su físico; ayudando a este film una campaña de marketing centrada en las furibundas críticas de los sectores más acérrimos de la religión católica.

 

Con tantos antecedentes recientes relacionados con monjas (y todos en mayor o menor medida ubicados dentro del género del terror) resulta comprensible que haya elementos comunes, lo cual se hace evidente en esta cinta: recordando a los tres ejemplos previos, aquí todo comienza con una novicia llamada Cecilia, que se desplaza a un remoto convento en Italia para tomar los hábitos, con el handicap de no conocer del todo el idioma italiano, por lo que se acogerá sin problemas a la ayuda que le presta el Padre Tedeschi (interpretado por el actor español Álvaro Morte, famoso por la serie de televisión La casa de papel) Aún intentando integrarse, la protagonista se encuentra como pez fuera del agua, levantando ciertas envidias que no acaba de entender, pero de pronto se verá sorprendida (tras ciertos síntomas previos) por el anuncio de que está embarazada. Todos se acogen a que sea un milagro, al conservar ella su virginidad, pero los acontecimientos le llevarán a descubrir que se esconde tras lo suyo, e intentar escapar como pueda de ello.

 

Esta película no entraría dentro del terror sobrenatural (como La monja 2 o Hermana Muerte), sino que lo que se esconde tras las murallas del convento es más bien algo que puede recordar al recurso de La primera profecía, si bien en este caso los objetivos son totalmente lo contrario. Cuando acontece dicho irreverente giro argumental (bastante increíble en su planteamiento, pero el guion de Andrew Lobel consigue hacerlo asumible) se desata un tramo final donde el exceso de penurias que sufrirá la protagonista rozan lo inverosímil, siendo lo bruto de su final (y las connotaciones que refleja) lo que puede haber exacerbado las iras de los colectivos católicos más fanáticos, que la han acusado de blasfema, satánica o sacrílega. El film resulta bastante entretenido, y se sostiene sin duda por una Sidney Sweeney notable, pero aunque abusa más de los sobresaltos que de los sustos, se beneficia de un ajustado metraje de 89 minutos, ofreciendo la suficiente ambigüedad narrativa como para hacer meditar sobre la difusa línea entre fe y fanatismo.

CALIFICACIÓN: Entretenida (3,5/5)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 1 de mayo de 2024.
• Galería de posters por este enlace.

Lo mejor y lo peor del fatídico y pandémico 2020

Por culpa de la pandemia del Coronavirus que ataca a la humanidad desde la pasada primavera no ha habido casi estrenos de cine destacables ya que a partir de que se desencadenó esto el pasado mes de marzo vino una continua sucesión de retrasos sobre retrasos dejando el panorama de este año a un nivel paupérrimo, al menos para los que (como es mi caso) disfrutamos del cine en una sala de cine. Eso me ha permitido disfrutar de reestrenos con los que he descubierto desde PARÁSITOS (que estuvo a punto de ser la mejor película de este año si no fuera porque se estrenó en 2019... y porque llegó SOUL casi al final de este 2020) hasta JUDY (que le otorgó un merecido Oscar a su protagonista femenina) pasando por REC (que ya ví en su día pero que volví a verla en el formato sensorial 4DX en el que también pude disfrutar de WONDER WOMAN 1984) 

La citada secuela del personaje de los comics DC fue junto con TENET los únicos grandes estrenos que llegaron a salas de cine enmedio de la pandemia, con la idea de atraer a un público que en ambos casos no respondió como sus responsables esperaban. No hay mal que por bien no venga, porque ante la escasez de estrenos decidieron por fin estrenar LOS NUEVOS MUTANTES, película que estuvo en cola de espera durante años hasta que al final vió la luz. No fue el único título de superhéroes, aparte de la antes citada Wonder Woman 1984, ya que a principios de año llegó AVES DE PRESA (que me convenció) y BLOODSHOT (que no lo hizo tanto)

Ademas de volver a ver la citada REC, también pude disfrutar de dos películas españolas tan dispares como MALASAÑA 32 (que aplicaba el estilo de la franquicia Expediente Warren a un caso español) y EXPLOTA EXPLOTA (que aplicaba el estilo de las dos entregas de Mamma Mia pero con el repertorio de Raffaella Carrà) Luego dentro de esas peliculas que se cuelan entre año y año tendría que citar a JOJO RABBIT (que ví a finales del 2019 en pase de prensa aunque no se estrenó hasta principios del 2020) y PENÍNSULA (la secuela de Tren a Busan que tenía que estrenarse a finales de este año pero que al final lo hará a principios del 2021) También se estrenó SONIC: LA PELÍCULA que al final no fue el horror que muchos se pensaban sino un film ligero y entretenido con el que pasar el rato.

Sin olvidarme de ENOLA HOLMES (que tenía que haberse estrenado en cines pero lo hizo en Netflix), ONWARD (el otro film de Pixar que llegó este año aparte de Soul) o incluso PINOCHO (una bastante fiel adaptación del cuento clásico), viendo ahora este año en perspectiva la más profética sería EL HOMBRE INVISIBLE y no por nada sobre la película como tal SINO SOBRE SU ESLOGAN (Lo que no ves puede hacerte daño) que bien podría considerarse una metáfora predictiva de la pandemia que tendriamos expandida por todo el planeta pocas semanas después. Por eso que con una lista de títulos tan variados, ¿como elegir lo mejor de un año tan paupérrimo, en el que las plataformas de streaming han visto la panacea de un público que no podía ir a las salas de cine pero demandaba estrenos? (en mi caso de ahi sólo añado Enola Holmes y Soul de Netflix y Disney Plus respectivamente) Ha sido el año en que menos he ido al cine desde que existe este blog, por lo que al final el escueto ranking queda tal que así:

1. Soul
2. Parásitos
3. JoJo Rabbit
4. REC
   
5. Wonder Woman 1984
6. Los nuevos mutantes
7. Aves de presa
   
8. Onward
9. Judy
10. Tenet
    
11. El hombre invisible
    

12. Enola Holmes
13. Pinocho
14. Malasana 32
15. Explota explota
16. Península
17. Sonic La película
18. Bloodshot

Nota: Mis críticas de cada una de estas películas se pueden leer en los enlaces que he dejado en los títulos en mayúscula de cada una de ellas en el texto inicial.

GODZILLA Y KONG: EL NUEVO IMPERIO, crítica sin spoilers

El éxito del Universo Cinematográfico Marvel ha levantado las ansias de muchos por abrir sus propios universos. DC lo probó, dentro del mismo género de los superhéroes, pero al final ha tenido que cerrar el chiringuito, y a partir de 2025 veremos que nos da el nuevo que están preparando. Universal lo probó con su galería de monstruos clásicos, en lo que se iba a llamar Dark Universe, pero ya con la primera (La momia), les salió el tiro por la culata. En el mismo género (el terror) mejor suerte ha corrido lo generado por Expediente Warren (The conjuring), que de momento ha dado para nueve películas, con una décima en proyecto para estrenarse en 2025. 

 

Otro que ha funcionado bien ha sido el Monsterverse, del que esta película sería su quinta entrega, tras la Godzilla de 2014, Kong: La isla Calavera, Godzilla: Rey de los monstruos y Godzilla vs.Kong, a lo que añadir un par de series televisivas (La isla Calavera de animación y Monarch: el legado de los monstruos de acción real) De las películas digamos que me gustan más las de Kong que las de Godzilla, mientras que las series se me hizo correcta la de animación y entretenida la de Monarch, pese a que tenía el difícil propósito de hacer a los humanos interesantes, siendo eso lo más simple en historias de este tipo, sacando dicha serie monstruos aunque fueran breves minutos en cada episodio como justificación.

Para esta quinta aventura se nota MUCHO lo que se han gastado en monstruos y los entornos por donde pululan (siendo sin duda lo mejor de esta película), frente a unos humanos en los que no hay ni uno digno de mención, siendo meras figuras esbozadas bajo clichés y tópicos vistos hasta la extenuación (haciéndose especialmente cargante el personaje encarnado por Brian Tyree Henry, que parece el forzado inserto racial de supuesto "alivio cómico") Si en anteriores ocasiones cintas de este estilo hacen evidente que lo que el espectador quiere ver son las criaturas, siendo los humanos una mera presencia residual, eso se hace bien palpable en este film, ya que el nivel baja MUCHO cada vez que la pantalla NO se recrea en las múltiples criaturas que circulan por ella. Porque sí, aparte de los dos bicharracos que encabezan el cartel, hay por la parte de Kong una trama aventurera con primates como él, pero con intenciones más aviesas (cuidadín con el monito que se ha visto en los avances), mientras que Godzilla introduce a más criaturas de su universo.

 

La "trama" (por denominarla de alguna manera) estaría tan hueca como la propia Tierra planteada por los responsables de esta franquicia: un planeta cual si fuera una cáscara de huevo a tenor de lo que tiene dentro, que irá descubriendo a medida que avance la película un Kong que parece embarcarse en una variación simiesca y disparatada del clásico Viaje al centro de la Tierra. Por su parte Godzilla anda suelta por Europa, encontrando un cómodo nido en cierto monumento italiano y dejándose ver, entre otros, por dos localizaciones de la Península Ibérica, hasta que en su último tercio se unirá a un Kong con brazo biomecánico en la lucha contra un antagonista con idéntico nombre al del villano de El rey león. En lo básico este film cumple CON CRECES cada vez que hay bicharracos en pantalla, llegando en algunos momentos a ser incluso abrumador; bajando mucho cuando hay humanos tópicos e incordiosos. Al final esta película sería una reiteración de los defectos y las virtudes del film precedente, sólo que aumentando la espectacularidad.

CALIFICACIÓN: Entretenida (2,5/5)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 27 de marzo de 2024.
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LA ABUELA, la inquietante decadencia de la vejez (crítica sin spoilers)

Cuando se nombra a Jaume Balagueró (que justo hace unos meses estrenó su trabajo más reciente: Way Down) siempre se cita su saga más conocida (la de Rec) pero no todos recuerdan de entrada que él fue sólo el 50% de la misma, ya que codirigió las dos primeras junto a Paco Plaza, que luego se encargó en solitario de llevar a cabo la tercera (y la cuarta corrió a cargo de Balagueró tambien solo, finalizando con ella la franquicia... de momento) Para mi sorpresa el citado Paco Plaza llevó a cabo en 2017 una película como Verónica, que si bien se la podría considerar como un film autóctono al estilo de los de la exitosa franquicia Expediente Warren, logró sorprender a muchos (como yo) y cosechó un gran éxito internacionalmente.

Es por ello que cuando supe que su próxima película sería La abuela, y que también estaría englobado en el mismo género que la antes citada Verónica (un tipo de terror digamos "inquietante"), enseguida estuve atento a cuando se estrenaría. Pero de nuevo por causa de la pandemia mundial del Coronavirus (y quizás por cierta incertidumbre de como vender un producto así teniendo en cuenta el delicado tema del trato a la tercera edad), la película sufrió varios retrasos hasta finalmente llegar a los cines a finales de enero de 2022.

Con un guión de Carlos Vermut basado en una idea original del propio Paco Plaza, la historia se centra en la joven Susana (a cargo de la actriz Almudena Amor), una modelo que trabaja en París y que de forma inesperada recibe una llamada de Madrid en la que le informan de que a su abuela Pilar (interpretada por Vera Valdez) le ha dado un derrame cerebral y tiene que hacerse cargo de ella. La protagonista no lo dudará, ya que fue la mujer que se encargó de ella cuando sus padres murieron en un accidente de coche, pero pronto se dará cuenta de que la atención ha de ser permanente las 24 horas, debido al estado en que se encuentra su abuela Pilar. Intentará conseguir ayuda para encargarse de la anciana, pero ello no será ni fácil ni barato, por lo que Susana tendrá que seguir haciéndose cargo, poniendo en jaque tanto su trabajo como su propia cordura, debido a los delirios de la anciana y ciertos sucesos progresivamente más inquietantes.

Resulta evidente mencionar la exaltación de la belleza que hay hoy en día en nuestra sociedad, que provoca que todo lo viejo o lo antiguo quede apartado, como si no sirviera ya para nada, siendo especialmente llamativo en la efímera belleza femenina, personificada en la imagen de las modelos de pasarela. Eso parece querernos transmitir esta película en el contraste que se establece entre nieta (que trabaja justo de eso) y abuela (que se sugiere que lo fue), si no fuera porque ya en su inicio "plantea" (o más bien "sugiere") cierto detalle argumental que provoca un final aceptable pero no conciso, donde ello puede tener todo tipo de explicaciones. Pero es que no puedo ser más explícito porque con La abuela estamos ante una de esas películas en las que hay que saber lo mínimo posible para que así se pueda disfrutar (o no) mejor, ya que la labor de Plaza como director es provocarnos miedo en los detalles sencillos, en lo más cotidiano, hasta llevar a un climax final donde quizás se excede en efectismos, acabando todo de forma que no dejará a nadie indiferente (tanto para bien como para mal... o en el punto intermedio en el que me quedé yo)

El mayor acierto de esta película radica en las dos actrices principales, que hacen una labor meritoria en sus respectivos roles, y demuestran la solvencia necesaria para llevar sobre sus hombros el peso de la historia sin que la misma se resienta. En un inicio dan imagen también a las muchas personas mayores que se ven incapacitadas y se vuelven dependientes casi para todo, lo cual  también  afecta a sus allegados, que sufren un desgaste moral y anímico que puede revertir en depresiones o algo peor, siendo ahi donde la película está más acertada. El miedo (más que el terror) va asomando poco a poco, a medida que todo se desarrolla, y eso conlleva que a la indefensa anciana que conocimos al inicio progresivamente la veamos con otros ojos, si bien el elemento citado en su inicio quiero creer que es quien lo maneja todo. Eso se debe a que el giro final deviene en cierta crueldad hacia el objeto de la venganza, siendo algo que en mi caso me cuesta de asimilar, dejando con la doble lectura por un lado de que todo lo viejo sería malo, y que al mismo tiempo hay que eternizar la juventud más allá de lo racional, cueste lo que cueste y a costa de quien sea.

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 28 de enero de 2022.
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MORTAL KOMBAT, nueva adaptación del videojuego (crítica sin spoilers)

No soy fan de los videojuegos aunque en si podría decir que nunca lo he sido. Si, en mi época adolescente jugué al Tetris, al Super Mario o al Streetfighter (el más similar a este) ¿He jugado alguna vez al Mortal Kombat? Pues ahora mismo no sabría decir, igual puede que sí pero tampoco me recuerdo mucho, pero quería dejar eso claro de antemano, aunque lo puedan usar como argumento en mi contra por eso de hablar de algo que no conozco. PERO en este caso es un formato diferente y no tendría porque ser raro que aunque no sea fan del producto original, su adaptación si me guste (las recientes Sonic: la película y Pokemon Detective Pikachu me parecieron muy correctas teniendo en cuenta el tipo de producto que eran, con sus lógicas concesiones a los fans) 

 

Tambien es cierto que no se pueden pedir maravillas, y si por algo se han caracterizado las películas que adaptan videojuegos ha sido por ofrecer resultados que EN EL MEJOR DE LOS CASOS podrían pasar como entretenidos pero que mayormente han dejado mucho que desear. Esta película no es de hecho la primera que adapta Mortal Kombat, ya que tuvo una versión en 1995 con Christopher Lambert y dirigida por Paul W.S.Anderson (famoso por otra saga de similar origen, la de Resident Evil), con un resultado mediocre en todos los sentidos. Pero en este caso al constar como productor James Wan (responsable de Aquaman, el mayor éxito hasta la fecha del universo DC en cines, o la franquicia Expediente Warren) decidí arriesgarme y probar, con la experiencia del reciente simple pasatiempo que fue Godzilla vs Kong.

En una situación normal del mercado no sé si de entrada me hubiera decantado por un título como este, pero la pandemia del Coronavirus que sufrimos desde inicios del 2020 hace que los cinéfilos tengamos ganas de ver películas en salas de cine (aunque ahora mismo se pueden ver en todo tipo de dispositivos), por eso que ante la oportunidad de un producto a priori espectacular visualmente (lo cual siempre se disfruta más en la oscuridad del cine) me arriesgué y el resultado ha sido realmente satisfactorio, algo de lo que me sorprendo incluso yo mismo. Esta película hay que aceptarla como el tipo de producto que es, al igual que las otras recientes adaptaciones de videojuegos en películas que he citado al principio de esta crítica, y como tal funciona muy bien tanto para el neófito de este universo como para el experto (yo he pillado algunas referencias pero los fans del videojuego seguramente fliparán con un montón más que se me pueden haber escapado) 

 

Es cierto que desde buen principio te queda claro que esto tiene una esquemática historia de venganza y del bien contra el mal como simple excusa para ir pasando de pelea en pelea, pero esperar otra cosa de algo así sería absurdo por lo que la única opción es aceptarlo y disfrutar del resultado final (en la medida de lo posible) Se le puede achacar, más allá de un argumento tan esquemático que se resumiría en una servilleta de papel (y sobraría espacio) que sus personajes son meros estereotipos, pero me imagino que nadie pretende algo de profundidad dramática en un film de este estilo, donde lo que más interesa es la espectacularidad. Y la misma se alcanza con creces gracias a unas batallas bastante bien coreografiadas en las que sin duda destaca el personaje del villano Sub-Zero, que desde mi punto de vista desconocedor del amplio universo de esta franquicia se podría resumir como una mezcla entre el Shredder de Las Tortugas Ninja con los poderes del Hombre de Hielo de los mutantes de Marvel. 

 

A diferencia de otros films donde se peca de enemigos que intentan ser temibles pero a lo sumo lo consiguen por los pelos, este villano (en el prólogo presentado como Bi-Han) se convierte sin problemas en el personaje que sin duda más recordará el público de esta película, por encima incluso de los esbirros de los que se rodea o el señor oscuro al que sirve (Shang Tsung del Mundo Exterior) Asimismo otro elemento a destacar, bastante común en el videojuego en el que se basa, es una EXTREMA violencia en las peleas, que por momentos uno calificaría de brutalmente sangrientas rozando el gore más desmelenado (entendiéndose esto como una virtud y una fidelidad a la base de la que parte) En el grupo de los héroes el principal sería Cole Young, interpretado por Lewis Tan, que se trata de un personaje creado para la ocasión que usan para explicar el concepto de la película a los espectadores que no conozcan el universo de Mortal Kombat (como es mi caso) 

 

Más allá de eso el reparto cumple sin más a lo que se les pide (que es pelear, algo en lo que se lucen); quizás destacaría el personaje de Hanzo Hasashi, al que también presentan en el prólogo y que interviene en el climax final, o el de Kano (que por momentos se pasa de "alivio cómico") aunque el actor que interpreta a Jax me sonaba mucho cuando la estaba viendo y al final lo recordé: es Mehcad Brooks, al que he visto como James Olsen en la serie televisiva de Supergirl. Al final esta Mortal Kombat se queda en una película que asume lo que es y se muestra como tal, parece ser que respetando la base de la que surje según las críticas que he leído (aunque eso serán los fans quienes podrán juzgarlo mejor), pero ofreciendo un sencillo pasatiempo con el que entretenerse durante 110 minutos (y como toda buena franquicia en ciernes, dejando las puertas abiertas a una hipotética secuela que sirva para abarcar más de este universo)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 16 de abril de 2021
• Galería de posters por este enlace.
  
• LO MEJOR: Su muy entretenida colección de peleas (bastante bien coreografiadas), así como su muy evidente espectacularidad (que luce sobretodo en el villano Sub-Zero), y una sangrienta violencia parece ser que fiel al mundo del videojuego del que parte.
  
• LO PEOR: Su historia es tremendamente esquemática (el bien contra el mal, una historia de venganza y ya está) y sus personajes resultan en exceso maníqueos (los buenos son buenos, los malos son malos y punto), pero me imagino que es lo lógico en un producto de estas características. 

RUEGA POR NOSOTROS (THE UNHOLY), crítica sin spoilers

Me decanté por ver esta película porque me cae simpático su actor protagonista (Jeffrey Dean Morgan) desde que lo conocí como el Comediante en la película Watchmen de Zack Snyder, aunque es cierto que mucha de su fama posterior se la debe al villano Negan de la serie televisiva The walking dead, la cual llegó un momento (antes de que la abandonara) de que si la veía era tan solo por que salía él. Otro incentivo fue que Sam Raimi fuera el productor, ya que dicho nombre ha dado (para bien o para mal, como director o como productor), títulos llamativos dentro del género fantástico y/o terror. Esas eran mis únicas referencias ya que la novela en la que está basada esta película, escrita por James Herbert, no me la he leído en el momento de escribir esta reseña crítica (aunque si es cierto que me pareció bastante irónico, teniendo en cuenta que toca el tema religioso, que se estrenará en cines justo durante las fiestas de Semana Santa)

Esta película es la opera prima de Evan Spiliotopoulos, discreto guionista griego que da el salto a la silla de director con este film. Y el calificativo de "discreto" viene a tenor de la calidad de algunos de los films de los que se ha encargado de escribir los guiones, en cuya lista encontramos la secuela de Blancanieves (El cazador y la reina de hielo), el remake de La bella y la bestía, la versión de Hércules con Dwayne Johnson de protagonista o la última entrega de Los ángeles de Charlie que aún no he visto.

Semejantes referencias (con guiones en todos los casos a lo sumo correctos pero para nada especialmente destacables) se puede hacer extensible al presente film, del que también se ha hecho cargo del guión, y que vendría a ser una discreta aproximación al género del terror religioso con un punto de partida que si que admito que no es muy usual, pero que a medida que avanza me llevó a pensar en el comic Harrow County (y no quiero ahondar más ya que los conozcan la obra que cito pueden intuir por donde circula esta película) El protagonista del film es Gerry Fenn, encarnado por Jeffrey Dean Morgan, un periodista venido a menos que ve la posibilidad de revivir su carrera con una misteriosa historia en un pueblo perdido de Nueva Inglaterra, donde una joven sordomuda dice hablar con la Virgen María. Pero una cosa son las apariencias y otra son los hechos, por lo que se intuye de que la historia no es tan santa y milagrosa como en inicio podría parecer (aunque sería a partir de ese momento cuando el film opta por senderos más trillados)

Es indudable que en un discreto reparto donde todos cumplen su cometido (tampoco hay que esperar mucho más) el que más destaca sería el personaje de Jeffrey Dean Morgan, en un papel en el que se nota que encaja muy bien (y que me llevó a pensar que si fuera más joven podría haber sido un buen Eddie Brock alias Veneno, personaje de los comics Marvel trazado de forma parecida al que encarna aqui: un periodista venido a menos porque le descubrieron mintiendo) También es verdad que el presente film en algunos momentos opta por sustos fáciles como los vistos en franquicias tales como Expediente Warren o The Ring, siendo por ahi donde más flojea, lo que lleva a un climax final que puede parecer un tanto deslucido (con giros de guión algo forzados de cara a dejarlo todo explicado) Pero en resumidas cuentas digamos que se deja ver si tampoco el espectador se pone demasiado quisquilloso, aunque más allá de la premisa de la que parte no aporte mucho a destacar, si bien me parece muy acertada la cita bíblica con la que finaliza, tremendamente actual.

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN CINES: 31 de marzo de 2021.
• LO MEJOR: Su premisa argumental y su acertado protagonista.
  
• LO PEOR: Es discreta tanto en pretensiones como en resolución.
  

EL PASAJERO, cuarto film de JAUME COLLET-SERRA y LIAM NEESON

Desde que triunfó hace una década con Venganza (Taken) la carrera de Liam Neeson le ha llevado a ser cabeza de cartel en multitud de títulos donde ejercía de maduro héroe de acción, de entre los cuales llama la atención su amigable relación con el director catalán Jaume Collet-Serra, que los ha llevado a que ambos hayan coincidido en Sin identidad, Non-Stop (sin escalas) y Una noche para sobrevivir, a la que se suma ahora esta El pasajero (The commuter) como su cuarta colaboración en común. Quien esté al tanto de la citada trayectoria de Neeson, que aqui vuelve a coincidir con el director con el que más ha trabajado en estos últimos años, no les causará asombro el hecho de encontrar en este caso un producto solvente orquestado para que se luzca su protagonista, que vendría a ser casi como uno de los trabajos previos de estos dos (Non-Stop) pero cambiando del escenario aéreo de un avión al de un tren suburbano.

En esta faceta como héroe de acción de Neeson sus personajes se han caracterizado por ser personas más o menos normales y corrientes que se ven inmersos en situaciones extraordinarias, que les llevan a tener que tomar medidas extraordinarias. Uno de los alicientes más manidos para que se establezca la acción es secuestrar a alguien de la familia del héroe al que interpreta, obligándolo a realizar lo que le digan bajo la amenaza de acabar con ellos, si bien los recursos extraordinarios de su esquemático héroe de acción le servirán para resolver la situación y salir indemne de la misma. Por ese mismo camino circulamos aqui.

En esta El pasajero el héroe de Neeson se llama Michael MacCauley, aunque para el caso podría haber sido sin problemas cualquiera de los personajes previos a los que ha interpretado en esta última década. Nos lo presentan como un agente de seguros y cabeza de familia responsable y respetable, al que le queda poco para la jubilación (el propio personaje admite tener 60 años, cinco menos de los que tiene ahora mismo el actor) El film comienza mostrando su rutinaria vida, uno de cuyos detalles es su acostumbrado uso del tren de cercanias para ir a su trabajo, hecho que se repite una y otra vez hasta cierto día en que, tras ser sospechosamente despedido, en su viaje ferroviario se cruza con el misterioso personaje al que interpreta Vera Farmiga, la cual le propondrá un trato a priori bien sencillo y generosamente remunerado. Lo que en inicio tenía pinta de ser una mera anécdota curiosa pronto se convierte en algo mucho más peligroso, un ultimatum en el cual se verá inmerso de manera forzosa, y del que no hay opción a la negativa o el error, o su familia pagará las consecuencias.

Esta película no engaña a nadie, y de hecho vendría a entroncar con ese estilo clásico en el género de acción que popularizó hace unas décadas la saga Jungla de Cristal, siendo una fórmula que ha tenido multitud de variantes que han girado en su mayoría por ejes conocidos. Aunque la mayor parte de la película transcurra dentro del tren, hay que reconocer que Collet-Serra consigue que en ningún momento se sienta uno aburrido, ya que logra sacar el máximo partido de ese escenario tan reducido hasta el punto de mostrarnos siempre que sea necesario hasta el menor recoveco del citado tren, incluyendo una escena que, comenzando en el billete marcado de un pasajero, lo recorre en toda su extensión. Por su parte Neeson aporta toda la solvencia que ha demostrado en otros trabajos similares, si bien la historia peca de la previsible esquematización de sus personajes, que resultan demasiado maniqueos, lo que se hace evidente entre los pasajeros del tren que se verán inmersos en la acción, si bien cumplen con corrección a lo que uno espera en un producto así.

Cabe citar que aunque esta sea la cuarta unión entre Jaume Collet-Serra y Liam Neeson, no es la única que hay, ya que el citado director repite aqui con Vera Farmiga (vista en la serie Bates Motel, y con la que trabajó en La huérfana) la cual a su vez también vuelve a coincidir con Patrick Wilson, que ha sido su marido en la ficción en la saga de terror Expediente Warren (The conjuring) Pero esos dos actores, al igual que ocurre con el también aqui presente Sam Neill, resultan tan solo meros secundarios (quizás demasiado) de una historia que vendría a ser otra vuelta de tuerca sobre un estilo que ya ha tenido multitud de variantes, siendo esta solvente y entretenida, si bien carente de detalles que la hagan resaltar por encima de propuestas similares, ofreciendo un trabajo en el fondo previsible aunque funcional. Como curiosidad el toque patrio, aparte de en la silla del director, lo tenemos en la presencia secundaria de la actriz española Clara Lago (famosa a raiz del éxito de las comedias Ocho apellidos vascos y Ocho apellidos catalanes) como una de las pasajeras del tren.

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 26 de enero de 2018
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• LO MEJOR: Esta otra muestra más del carisma logrado en estos últimos años por el actor Liam Neeson como maduro héroe de acción, en una entretenida historia centrada por y para él.
• LO PEOR: Su esquema básico no aporta nada novedoso al estilo en que se engloba, del que se han visto multitud de variantes en las últimas décadas.

SPIRAL: SAW, aunque la mona se vista de seda... (crítica sin spoilers)

El terror es uno de los géneros de los que más se ha abusado en las últimas décadas, ya que ante lo barato de realizar una película de esa temática más o menos original, el negocio está en repetir la fórmula en cuantas secuelas haga falta, hasta el total desgaste de la misma. Y eso es evidente en gran multitud de franquicias (Halloween, Viernes 13, Pesadilla en Elm Street, etc.) donde las sucesivas continuaciones se han limitado a la básica fórmula de "más de lo mismo", sin nunca llegar a los resultados originales. El progresivo desgaste ha llevado a la nueva vertiente de reboots, remakes o lo que se tercie, con resultados dispares debido al hecho de intentar "colarnos" como algo nuevo lo que ya no lo es, siendo ese el caso de películas como esta.

Admito que la primera Saw la ví en un pase televisivo y creo que es correcta (y poco más) al nutrirse de "elementos" ya presentes en el género por entonces (un asesino maquiavélico cual Hannibal Lecter, una estética visual al estilo de Seven de David Fincher, etc.) pero presentándolos de forma más o menos novedosa en aquel ya lejano 2004. Pienso que parte de su acierto estaría en la labor como director de James Wan, quien luego reincidió en el género pero mejorando en parte los resultados (con Insidious y sobretodo Expediente Warren, la cual ya ha generado tanto secuelas como varios spin-off), siendo lo más destacado de la Saw inicial los retorcidos "juegos" macabros que hacía padecer el asesino a sus víctimas. Esa "porno-tortura" tiene su público, lo que llevó a que se sumaran hasta siete secuelas más a la primera película, donde lo más morboso para satisfacer a sus muchos fans radicaba en cuales serían los sádicos y crueles "juegos" mortales, que cada vez se volvían más sangrientos y escabrosos, pero sin llegar a conseguir el (moderado) acierto de la primera película, al faltar la novedad y ser tan solo una repetición de un esquema que ya se había probado como eficaz, retorciendo su planteamiento para estirar la saga cuanto más mejor. 

 

Pero tras una Saw 8 (cuyo título original era Jigsaw) que parecía que evidenciaba el desgaste de la fórmula, el actor Chris Rock (especialista de comedias con más bien poca gracia, al menos para un servidor) se interesó por contribuir a tan extensa franquicia con esta película dirigida por Darren Lynn Bousman, responsable de varias secuelas de la saga original (la 2, la 3 y la 4) en la que coincide con otro famoso actor como Samuel L.Jackson, siendo todo eso lo que me llamó la atención. Nadie duda de que aún funcionando tan solo de forma correcta ya dará para hacer más secuelas (o no, porque su presupuesto es de 40 millones de dólares cuando la media en esta franquicia han sido unos 20, facilmente recuperables con recaudaciones que superaban los 100), pero a favor de esta Spiral: Saw tengo que admitir que ante la duda de quien será el responsable de los atroces crímenes, la historia consigue mantener una mínima dosis de interés ya que en un principio uno piensa que no puede ser tan evidente como parece y que en verdad se decantará por otros derroteros, aunque llegado a cierto punto ese deseo queda descartado.

 

No revelaré quien es el nuevo asesino que imita a Jigsaw porque sería un spoiler innecesario, pero si es justo matizar que cuando se nos aclara quien es y se dan las explicaciones oportunas (que mayormente es algo tan viejo como el sentimiento de venganza), la sensación que me quedó es de total incredulidad porque teniendo en cuenta algunas de las (bastante) rebuscadas trampas que prepara para sus objetivos, no resulta nada coherente poder llevarlas a cabo sin ningún tipo de interrupción inesperada, máxime teniendo en cuenta los escenarios de algunas de ellas. Eso si, se sigue con la tónica habitual en origen de que todas las víctimas habian hecho algo mal y escapar de su suplicio será su redención (si es que lo consiguen...), ofreciendo en esos momentos la película las oportunas dosis de "porno-tortura" para dejar satisfechos a los fans más acérrimos, siempre con esa justificación moral de que lo que sufren sería la expiación por sus pecados. 

 

En cuanto a Chris Rock, máximo responsable de la existencia de este film, digamos que su papel más tópico no puede ser (el policia íntegro y honrado que lucha contra la corrupción dentro del cuerpo en el que trabaja) pero resulta tolerable y no se hace tan irritante como suele ser habitual en él. Su padre en esta película está interpretado por Samuel L.Jackson que mayormente hace de si mismo, lo cual convence en el sentido de que ofrece lo que uno se espera de él (estuve un poco suspicaz en algunos momentos pero al final todo se decanta por los derroteros más previsibles) De todas maneras esta película se engloba dentro de la franquicia en la que consta más que nada por los detalles que se citan (hay incluso un evidente guiño al primer film), ya que si no fuera por eso podriamos estar hablando del enésimo thriller procedimental tras la pista de un asesino en serie que no ofrece ninguna novedad digna de mención. Y ese es su mayor problema: en el fondo no hay nada nuevo que contar, aunque quieran aparentar lo contrario.

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 21 de mayo de 2021.
• Galería de posters por este enlace.
  
• LO MEJOR: Se deja ver y supongo que dejará satisfechos a los seguidores de esta franquicia.
• LO PEOR: En esencia es más de lo mismo, por más que quieran aparentar otra cosa.

M3GAN, ¿la muñeca más deseada por las niñas? (crítica sin spoilers)

Uno de los primeros estrenos de 2023 es M3gan, un film basado en una historia de James Wan, que (para bien o para mal, eso depende de cada espectador) ha revolucionado en el género del terror de estas últimas décadas. De hecho entre los muchos títulos en los que ha intervenido de una manera u otra, ya tiene una muñeca diabólica: la Annabelle de la saga iniciada por Expediente Warren, que fue su primer spinoff y que ya ha logrado ser trilogia (cuya mejor entrega hasta la fecha, al menos para un servidor, ha sido la más reciente) Pero esta M3gan pertenece a otro estilo de terror, que la acerca más al remake de Muñeco diabólico que se estrenó hace unos años, donde las maldiciones y posesiones del juguete protagonista se cambiaron por defectos de fábrica que son los que justifican su posterior funcionamiento pernicioso.

 

Pero no sería este el único "parecido razonable" que hay en esta M3gan, ya que cuando se anunció su proyecto me lo imaginé como una versión algo más "oscura" de lo mismo que planteó Spielberg en su película de 2001 A.I.: Inteligencia artificial (proyecto que a su vez "heredó" del difunto Stanley Kubrick) De hecho en ambos casos ese "niño-robot" es creado para suplir una carencia emocional: en aquel título la ausencia del niño de los protagonistas por estar en animación suspendida hasta que se encontrara un remedio a su enfermedad, y en el presente film la ausencia de los padres de la joven Cady de ocho años, que murieron en un accidente de tráfico, quedándose a cargo de su tía Gemma, la cual se ve algo sobrepasada por dicha responsabilidad.

 

Sería ahi donde entra Model 3 Generative ANdroid, o en su modo breve M3gan, una niña robótica hiperrealista cuya base de datos se vincula con el niño humano que sea, para que de esa manera le sirva tanto de protector como de profesor, así como amiga y compañera de juegos. El robot escucha, observa, aprende... y ahi es cuando toma conciencia de si misma y actúa según "su" criterio, lo que nos lleva a inteligencias artificiales amenazantes, como por ejemplo el Skynet de la franquicia Terminator. Esta M3gan en principio no es tan radical, ya que lo único que pretende es proteger a Cady hasta las últimas consecuencias, solo que sin importarle cuales sean, lo que la llevará a deshacerse de ciertos personajes de la forma que sea (resultando más o menos evidente que serán los más antipáticos o pusilánimes), aunque casi siempre sin recrearse (se sugiere más de lo que se muestra) por lo que los que esperen que corra la sangre pueden quedarse algo insatisfechos, si bien hay que reconocer sus méritos en momentos como el del bosque.

Porque esta película tampoco inventa nada nuevo, ya que los antecedentes de científicos que logran crear vida y luego se arrepienten de ello nos llevaría hasta el mismo Frankenstein. Pero vivimos en una época tecnológica donde la inteligencia artificial será con la que acabemos conviviendo paulatínamente, y cual si fuera un episodio de Black Mirror, esta película viene a demostrar que dicha convivencia igual puede no ser tan complaciente como pensamos, algo que comprobará por las malas Gemma, el personaje encarnado por Allison Williams (que por lógica se supone que tendría que responder por los actos de "su" creación, si bien eso no se aclara) Resulta realmente simpático el humor negro que destila la historia en detalles como que la empresa juguetera para la que trabaja la protagonista se llame Funki (lo que me llevó a recordar a los populares Funko), y que comercialice algo así como una variante de los Furbys (que podría considerarse el ejemplo más evidente de antecedente en la búsqueda del juguete interactivo definitivo)

A nivel actoral el resultado es el esperable para un film de estas características (correcto en líneas generales, rozando en algunos casos el histrionismo), pero más allá de los adultos me sorprendió el trabajo de las jóvenes actrices Violet McGraw como Cady y Amie Donald como M3gan, siendo reseñable en el caso de esta última (siempre con la ayuda de los efectos especiales) como logra recrear a su inquietante personaje. Al final la película demuestra que sin innovar en nada se puede realizar una historia entretenida manejando bien sus previsibles recursos, aunque con sus lógicas semejanzas con Chucky, el protagonista de la franquicia Muñeco diabólico iniciada en 1988 (que ahora disfruta de una serie de televisión de la que de momento ha tenido dos temporadas), se le preguntó a su responsable Don Mancini si vería viable un crossover entre ambos personajes, estando abierto a dicha posibilidad (de hecho él mismo durante mucho tiempo deseó un crossover entre su Chucky y Freddy Krueger, el popular asesino de la saga de Pesadilla en Elm Street)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 4 de enero de 2023.
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MUÑECO DIABÓLICO (2019), un correcto remake (crítica sin spoilers)

La decada de los ochenta fue propicia para el género de los asesinos en serie, ya que los hubo de todo tipo y condición, marcando nombres propios de matarifes que han pasado al imaginario colectivo, y de los que se han aprovechado en franquicias de una peligrosa longevidad y de una paulatina disminución de calidad. Ello ha provocado que unos cuantos ya hayan protagonizado sus respectivos remakes, reboots o nuevas versiones (según como lo quiera denominar cada cual), cuyos resultados no han estado a la altura de los films inaugurales, lo que los ha dejado tan solo como meros entretenimientos en el mejor de los casos. En esta época en la que hay remakes o reboots hasta llegar al empacho, era lógico que si se intentó dar nueva vida a asesinos tan míticos como Jason Voorhees, Michael Myers o Freddy Krueger no tuviera nueva vida Chucky, el muñeco diabólico de la saga homónima que logró llegar a las siete entregas en sus tres décadas de vida.

Creado por Don Mancini, que ha reconocido su absoluto rechazo hacia este reboot, el destino de su emblemático personaje parecía estar en la televisión, pero ignoro si el proyecto seguirá en marcha debido a la existencia de esta nueva versión. La misma marca diferencias claras y evidentes no solo en el muñeco protagonista sino que también en su origen, ya que la justificación del original (vudú) se sustituye aqui por una más tecnológica, acorde con los tiempos que corren en los que la mayoría de la humanidad con acceso a internet vive más pendiente y enganchada al mundo digital que al real.

Lo que resulta bastante gracioso es que dentro del mensaje antes citado se cuela un muy evidente toque a las producciones Amblin de aquella época (la decada de los ochenta), donde quizás el guiño más simpático pueda ser esa capacidad de este nuevo Chucky de conectarse a otros utensilios tecnológicos mediante su dedo iluminado, que me recordó poderosamente al famoso E.T. de Spielberg. No acaban ahi las referencias a clásicos de la cultura pop de las últimas décadas, porque el nombre que se le pone al muñeco protagonista viene determinado por cierto guiño a un determinado personaje de la saga Star Wars cuya pronunciación puede ser similar... ¡o para el caso sirve perfectamente como excusa para solucionar dicho detalle específico! Y es que el guión de esta nueva versión deja bien claro su mensaje contra la hiperconectividad en la que vivimos (que parece digno de la serie de televisión Black Mirror), si bien para ello utiliza en su muy escueta historia unos personajes que resultan meros esbozos, lo que provoca que esta película funcione bastante mejor como comedia negra que como slasher, aunque el resultado final cumple con unas mínimas dosis de entretenimiento.

En líneas generales se puede afirmar que no había ninguna necesidad de realizar esta nueva versión, cuando en lo esencial nos está contando lo mismo, pero sería en su adaptación a las nuevas tecnologías donde tiene los apuntes más simpáticos e irónicos, ya que debido a las condiciones en que es "creado" este nuevo Chucky en muchos momentos parece que esto sea más una versión low-cost de Terminator que un nuevo episodio de la extensa franquicia de la que ya sería su octava entrega. Eso se revela una lástima en su tercio final, cuando su escueto presupuesto de 10 millones de dólares solo da para "sugerir" una invasión de nuevos modelos del protagonista pero tan corrompidos como él, cuando ahi si podía haber echado mano de una mayor truculencia (aunque para el recuerdo queda la niña frente a la que se descubre el cabezudo-anuncio en su tramo final, digno de provocar un buen trauma infantil) También destacaría el detalle de que como este muñeco no es que sea "malo" en si, sino debido a las "circunstancias", haya una evidente crítica más o menos acertada a la facilidad que tienen los menores para acceder a todo tipo de contenidos para adultos.

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 28 de junio de 2019
• Galería de posters por este enlace.
• LO MEJOR: Como remake es correcto y entretenido, pero lo mejor ha estado en su campaña de marketing con posters con referencias a Toy Story 4, también con juguetes y un protagonista llamado Andy, o Annabelle vuelve a casa, con la muñeca embrujada de la saga iniciada por Expediente Warren, tal y como se puede ver por este enlace.
• LO PEOR: A estas alturas este tipo de films se disfrutan más como "placeres culpables" que no por el hecho de ser obras realmente meritorias o que den miedo, si bien esta funciona de manera adecuada como comedia de humor negro con crítica a la hiperconectividad tecnológica actual.

LA BRUJA ESCARLATA: LA SENDA DE LAS BRUJAS, BATMAN: INFECTADO, LO QUE EL VIENTO TRAE, SANGRE DE BARRIO y GASTÓN ELGAFE (EDICIÓN INTEGRAL 2)

Incluso un personaje como la Bruja Escarlata merece probar fortuna en una cabecera propia, que es lo que ha hecho Marvel y de la cual aqui Panini recopila los cinco primeros números de la misma. Admito que en cuanto ví este volumen entre las estanterias de la biblioteca lo que me provocó en inicio fue extrañeza, ya que este personaje siempre ha funcionado más bien como secundario a remolque de otros como Magneto (su padre), Mercurio (su hermano) o Visión (su marido) por lo que no acababa de ver que podía aportarme de forma individual.

De los cinco números incluidos en este tomo cada uno de ellos el dibujo corre a cargo de varios autores, lo que lastra a la hora de darle algo de homogeneidad al conjunto ya que (como suele pasar en estos casos) son estilos en algunos casos muy diferentes que pueden gustar en mayor o menor grado al lector, pero que al menos en mi caso me rompian el ritmo a la hora de leerlos todos seguidos, si bien las historias son en si más o menos autoconclusivas y aceptables.

La excusa argumental para la serie es la búsqueda por parte de Wanda Maximoff, alias la Bruja Escarlata, de redimir la mala fama asociada a su nombre de superheroina, ya que no en vano todos sabemos que ese apelativo de bruja ha sido utilizado para muchas cosas y generalmente nunca buenas. En su periplo ira acompañada del espíritu de Agata Harkness, su mentora, en cinco números en los que si hay algo en común (las minimalistas portadas de David Aja) destacando a mi gusto el quinto y último de este tomo, donde la Bruja Escarlata exorcizará un convento en Logroño lo que llevará a una acertada crítica contra la Inquisición Española.

• Ficha editorial por este enlace, ficha de la biblioteca por este otro.

Aunque no es que sea precisamente un tebeo reciente (en cuanto a su publicación, que data del 2002 a cargo de la editorial Norma) me he leído el comic Infectado dentro de esa cabecera de Batman: Leyendas del Señor de la Noche que en este caso se centra en como el popular Caballero Oscuro tiene que lidiar con unas armas biológicas que siembran el terror y amenazan con emponzoñar a toda la ciudad de Gotham.

A partir de una historia de Warren Ellis (que además fue su debut en DC comics) el desarrollo de la misma es correcto y entretenido, aunque bastante breve, por lo que se lee en un suspiro. Sin mayor aliciente relevante sería un comic más de Batman que no decepciona pero tampoco apasiona.

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Desde que lo descubrí en Jamás tendré 20 años tenía pendiente de darle un repaso a la obra de Jaime Martin, algo que he intentado subsanar empezando por Lo que el viento trae. Para situarse de manera correcta habría que leerse antes las notas finales, donde el propio autor cita su afición por la revista Creepy y su idea de que el presente relato fuera algo que pudiera haber sido digno de salir en aquella mítica cabecera. Y una vez leido sin duda se puede admitir que habría sido de los mejores, porque el autor desarrolla muy bien una historia situada en la Rusia pre-revolucionaria de 1916, aunque la misma podría ser adaptada a otros entornos inhóspitos y poco explorados donde la evolución del ser humano choca y tiene que lidiar con las tradiciones ancestrales.

La calidad gráfica de Jaime Martín es sin duda destacable ya en esta obra que data de 2008 aunque la única pega sería que si uno se atreve con ella puede pensarse en inicio que es una especie de drama histórico, pese a que la situación temporal y política es tan solo un detalle colateral, cuando más bien se puede definir como un relato de suspense con monstruo que sin duda bien podría haber sido la inspiración de algún capítulo de la mítica Expediente X (aún así es un comic tan entretenido como recomendable)

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Siguiendo con el mismo autor he quedado muy sorprendido por la que fue la primera obra de Jaime Martín y que he descubierto ahora: Sangre de barrio. Estamos hablando de un comic que está recopilado de forma integral en este volumen que me he leído, y es un tebeo que le valió a su autor el premio al mejor Autor Revelación en el 8º Salón del Comic de Barcelona, por lo que se puede decir que aqui plantó las semillas que luego germinaron en posteriores obras suyas como la de Jamás tendré 20 años (por la que de nuevo fue premiado)

Resulta destacado ver como en el ya lejano 1989 cuando vió la luz esta obra por primera vez las capacidades de Jaime Martín ya dejaban claro que ahi se estaba cociendo un auténtico profesional. Esta obra está ambientada en los ochenta (una década que provoca ahora mucha añoranza) en un municipio que conozco bien por ser donde vivo: Hospitalet de Llobregat. En la misma seguimos los pasos del joven Vicen y su progresiva caida de gamberro a criminal, pudiendo disfrutar aqui de una obra que el autor tardó en completar 16 años. 

De todas maneras, y siempre como obra primeriza, me convence más la historia en su planteamiento inicial (la primera de las tres partes aqui incluidas) que una posterior evolución en la que en el tercer volumen ya aparecen giros argumentales más trillados (podriamos decir que destila más realismo en su inicio, acabando quizás de forma más "peliculera", si bien no por ello desdeñable) Eso si, plagado de referencias a la música de aquel entonces que en algunos casos apenas me suenan de refilón, supongo que ese detalle convencerá a los más aficionados a lo que se "cocia" en el panorama musical de aquel entonces.

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Tras haber leído hace unos meses el primer volumen de la edición integral de Gastón ElGafe, ahora por fin he podido disfrutar con el segundo tomo. En la presente entrega se recopilan las historietas de este personaje que van entre los años 1964 y 1967, siendo la novedad más relevante el paso de media página a página completa (lo que da una idea del tremendo tirón que iba granjeándose esta popular creación de Franquin)

Ya en el presente tomo se nota cierta amplitud de miras, la cual se hace evidente no solo en la gran variedad de escenarios donde pueden producirse los gags (en inicio eran de forma perenne en la oficina) sino que también en la evidente inclusión de nuevos secundarios. Sin olvidar su eterna mala pata ante las situaciones que le ordenan (lo que producirá las iras de Fantasio), Gastón deviene muy aficionado a la mecánica y a inventar todo tipo de cosas (y siempre con resultados poco satisfactorios pero muy hilarantes) así como para hacerse aún más evidente cierta rebeldía con su pasotismo, mal entendido como vagancia.

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Pressbook completo de EL ORIGEN DEL PLANETA DE LOS SIMIOS (estreno en USA y en España el 5 de agosto)

EL ORIGEN DEL PLANETA DE LOS SIMIOS

EL ORIGEN DEL PLANETA DE LOS SIMIOS es la primera película con actores reales cuyo protagonista es un reflexivo animal, consciente de sí mismo y de sus sentimientos –un chimpancé llamado César– que, a través de la mágica e innovadora tecnología desarrollada para el filme ‘Avatar’, ofrece una inaudita interpretación llena de emoción e inteligencia. Dicha tecnología permite al público conectar emocionalmente con César y su heroica aventura, narrándose gran parte de la misma desde su punto de vista.

Este trabajo se ve complementado con las excepcionales y extraordinarias dotes del actor Andy Serkis, el artista en técnica de captura de movimientos más famoso del mundo, que llena a César de matices, alma, sabiduría y sentimiento.

Además de presentar estas imágenes fotorrealistas de simios con los que conectas emocionalmente, el contexto de la película resulta inmediatamente familiar e identificable. EL ORIGEN DEL PLANETA DE LOS SIMIOS es una historia de orígenes en el sentido más estricto del término. Situada la acción en San Francisco, en la época actual, la película es una moraleja basada en la realidad, una fehaciente combinación de ciencia y ciencia-ficción, donde los experimentos de ingeniería genética que el hombre lleva a cabo, producen el desarrollo de inteligencia en los monos y el comienzo de una guerra por la supremacía.

“Es una visión contemporánea de la mitología de ‘El planeta de los simios’”, dice el productor Dylan Clark. “Es una película de gran espectacularidad, pero que se sustenta en la calidad del relato, las emociones y la profundidad de sus personajes. En el fondo, se trata de una obra basada en los personajes”.