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domingo, 6 de agosto de 2023

MEGALODÓN 2: LA FOSA, pastiche desmadrado (crítica sin spoilers)

En 2018 la primera película de Megalodón no me acabó de convencer, debido a que prometía más de lo que al final ofrecía como ya indiqué en su momento. Me recuerdo además de asistir a un pase de prensa donde la película la pusieron en versión original SIN subtítulos, pero aunque mi nivel de inglés es demasiado flojo para lo que debería (mea culpa), se puede decir que tampoco tenía un argumento que fuera muy difícil de seguir, por lo que cuando la revisé en posteriores visionados (cuando la dieron en televisión) confirmé lo que escribí de ella en su día
 
Ante esos antecedentes uno se preguntaría porque me decanté por su secuela, pero es que aparte de esperar que aumentara el disparate y la exageración (y lo escabroso, de lo que la primera andaba algo escasa), tenía curiosidad por su protagonista, el carismático Jason Statham, que con el primer Megalodón consiguió uno de los mayores éxitos en taquilla de su carrera cinematográfica; siendo casi siempre un solvente héroe de acción en el panorama actual. 
 
También me fijé en el cambio de director: del anódino Jon Turteltaub de la primera (que nunca se ha caracterizado por un toque personal en una filmografía bastante discreta, con títulos sencillos a mayor gloria de nombres como los de Nicolas Cage, John Travolta o Sandra Bullock) se pasaba al británico Ben Wheatley, al que como mínimo le podía conceder el beneficio de la duda ante una película de clara serie B, pero con presupuesto de serie A, como es esta secuela.
 
Mirando de reojo la saga jurásica, todo comienza con un prólogo cuando los dinosaurios dominaban la Tierra, en el se ve a un insecto comido por un animal, que a su vez es comido por otro y luego por otro sucesivamente, hasta finalizar con un Tiranosaurio como máximo depredador... que poco después se ve atrapado por un Megalodón como un depredador todavía mayor (en algunos avances previos se ha visto de forma parcial lo que cito, que son apenas unos pocos minutos iniciales) Este contundente prólogo, que bien podría haber sido el de cualquier película de la franquicia jurásica, da paso a un salto a la actualidad, donde vemos al protagonista intentando destapar un vertido ilegal de residuos tóxicos, quedando a partir de ahí de forma clara que la historia no se toma demasiado en serio a si misma, lo que me llevó a recordarme del sarcasmo que tenía el personaje de Jeff Goldblum en El mundo perdido, la primera secuela de Jurassic Park.

No sería el único "parecido razonable", porque además la fosa que da subtítulo a esta secuela me llevó a recordar a Pacific Rim, en donde de una similar surgían todos los monstruosos kaijus que atormentaban a la humanidad allí (y eso sin contar los guiños a la saga Tiburón iniciada por Steven Spielberg o algunos productos derivados a lo largo de las décadas como Deep Blue Sea de Renny Harlin, así como al cine catastrófico, o al de acción en el que se ha especializado Statham, a lo que sumar los evidentes al mercado chino, como ya ocurría en el primer film) Y es que sabiendo que mantener la tensión sería algo inútil cuando su público potencial va a lo que va, en la segunda mitad de este funcional pastiche de géneros y estilos se desata el exceso EN TODOS LOS SENTIDOS en un escenario que sarcásticamente se llama Isla Diversión, en el cual se desencadena la furia de varios seres prehistóricos surgidos de la citada fosa.

Pero para llegar a esa segunda mitad de la película, antes habrá que recorrer una primera, en la que nos muestran como Jonas Taylor (el personaje de Statham) y sus compañeros bajan para investigar en la citada fosa, en una operación que iba a ser rutinaria pero que es saboteada por unos villanos (al frente de los cuales está Sergio Peris-Mancheta, que vuelve a repetir como malvado maniqueo al igual que hizo en la quinta entrega de la saga Rambo) Durante ese tramo se consigue mantener un acotado toque de terror submarino, si bien enseguida se hace previsible cuales serán los que no sobrevivirán, ya que esta secuela vuelve a pecar de apenas esbozar a sus personajes (sean del bando que sean), por lo que las variadas muertes que se suceden a lo largo del metraje no importan nada al espectador, ya que se elimina el lastre dramático de la previa, y se sumerge sin reparos en un disparate de excesos que por pura acumulación, al final funcionan.

En resumidas cuentas se puede decir que Megalodón 2: La fosa tiene una mayor conciencia de lo que se espera de ella, aumentando las criaturas (en el tramo final pensé que sólo quedaba ver por allí a Ctulhu) y restando el cansino elemento dramático, que en títulos como este son mero relleno. Porque esta secuela se podría considerar también heredera de las clásicas películas con monstruos de hace décadas, sólo que el progresivo avance de los efectos visuales ha permitido que ahora los bicharracos puedan lucir más, haciendo cada vez más innecesarias y superfluas las interacciones humanas, que sirven tan solo para que un mínimo guion nos lleve del punto A al punto B. Entretenimiento funcional que nunca aspira a nada más que eso, esta secuela se desmadra más de lo que lo hizo la previa, dejando con las ganas de una hipotética tercera entrega donde no se corten y el espectaculo salvaje y bestial se desate aún más.
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  • FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
  • FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 4 de agosto de 2023.
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viernes, 4 de agosto de 2023

HÁBLAME, la mano para contactar con los muertos (crítica sin spoilers)

Tengo que admitir que me decanté por esta película al llamarme un poco la atención su premisa argumental, aunque tuve ciertas reticencias al ver que la productora era A24, responsable también de películas como Hereditary, Midsommar o Men (entre las que he visto, ya que también son suyas X, Pearl o La bruja, que no he visto aún en el momento de escribir estas líneas), las cuales coinciden todas, al menos para mi, en ser productos que salen de lo normal, siendo difícil el acabar de conectar con ellas, y dejando al espectador un poco en la duda de si lo que acaba de ver merece la pena o no (igual alguien me argumenta que en dicha ambigüedad está su mérito más destacable: no diré lo contrario, porque hay tantos gustos como personas viven en este mundo)

De todas maneras las previsiones de esta película eran muchas, ya que webs como Rotten Tomatoes la habían encumbrado como la película de terror mejor valorada de este 2023, por encima de otros títulos tales como Posesión infernal: El despertar (Evil dead rise), Scream 6 o M3gan, lo cual admito que llamó mi atención y me levantó la curiosidad de si la cosa sería para tanto o no (no en vano tenía en mente el caso de La cabaña en el bosque, film que en su día pasó sin pena ni gloria pero que el tiempo la ha catapultado como el título de culto que es hoy en día) Con esta película se estrenan como directores sus responsables, los hermanos Danny y Michael Philippou, un par de jóvenes youtubers que dan el salto al largometraje con esta propuesta dentro de un género (el terror) que por regla general suele ser rentable.

Háblame se centra en el personaje de Mia, interpretado con solvencia por la actriz Sophie Wilde, una solitaria adolescente que ha sufrido una reciente pérdida familiar de la que aún se está recuperando. Buscando la integración entre sus amigos accede a un reto viral: intentar conectar con los espíritus con la ayuda de una mano embalsamada (el objeto más novedoso de esta propuesta, ya que con esta premisa podría haber sido una previsible ouija) Dicho reto, llevado a cabo con multitud de testigos que lo graban en sus dispositivos móviles, les lleva a un estado alucinatorio que me recordó a los personajes de Línea mortal, film de 1990 protagonizada por Kiefer Sutherland, Kevin Bacon y Julia Roberts (que tuvo un desangelado y olvidable remake con Enganchados a la muerte en 2017); lo que para unos era el éxtasis de situarse en esa frontera entre la vida y la muerte, en este caso es una calculada versión de vivir en tu propio cuerpo una posesión (tienen estipulados un máximo de tiempo para "romper" el nexo de unión con la mano embalsamada) Lógicamente, porque sino no tendríamos película, la experiencia sobrenatural se les escapa de control, y entonces empiezan los problemas.

Tengo que admitir que posiblemente estemos ante uno de esos casos donde quizás lo que se dice de ella no sea para tanto (no creo que sea la mejor película de terror de este año), pero eso no es obstáculo para poder afirmar que sin duda es una inesperada y recomendable sorpresa dentro del género, demostrando que sus responsables estaban bastante inspirados cuando la llevaron a cabo. Es verdad que puede manejar elementos algo manidos dentro del género (de hecho la antes citada La cabaña en el bosque podía pecar de antemano por lo mismo), pero sin duda lo que eleva a esta propuesta por encima del resto sería la magnífica atmósfera de fatalidad que le otorgan sus directores, logrando un resultado final que (aunque tenga sus consabidos sustos más o menos acertados, pero todos realmente funcionales) deja con ganas de más, lo cual es algo que ya se imaginaban los hermanos Philippou, porque escribo estas líneas el mismo día que me entero de que ya tienen rodada una precuela. Háblame es una muy recomendable película que marca el notable debut de sus responsables, logrando que incluso se haga corta en sus apenas 95 minutos de metraje.
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  • FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 11 de agosto de 2023.
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jueves, 20 de julio de 2023

BARBIE, la mítica muñeca cobra vida (crítica sin spoilers)

El 20 de julio de 2023 a nivel cinematográfico pasará a la historia por el fenómeno Barbenheimmer, que ha sido una simpática ocurrencia de las redes sociales para promocionar los dos estrenos principales de ese día: dos películas a priori tan opuestas entre si como son Oppenheimer y Barbie. En mi caso pude ver primero el film de Christopher Nolan, cuya valoración teneis por este enlace, y ahora ha llegado el turno del film protagonizado por Margot Robbie y Ryan Gosling, basado en la popular muñeca de Mattel creada en 1959 y que ha acompañado la infancia de multitud de generaciones desde entonces.

Que se lleve a cabo una película como esta no debería de extrañar en los tiempos en que vivimos, en los cuales casi cualquier cosa puede tener su versión cinematográfica (lo tradicional eran obras literarias o teatrales, pero ahora hay cabida también para cómics, videojuegos, atracciones de feria, fenómenos mediáticos o, como en este caso, muñecos) En el caso de estos últimos, la saga más rentable sería sin duda Transformers, que justo este verano de 2023 ha estrenado su séptima entrega, por lo que no parece (más o menos) un disparate hacer una película como esta, que bien se puede considerar orientada en inicio al público femenino, en contraste a la otra franquicia, más orientada hacia el masculino.
 
Más allá de quien pueda disfrutar más o menos con tal o cual franquicia o saga (cada uno tiene sus gustos), la verdad es que todo el material previo de Barbie daba la sensación de que estábamos ante un hortera y ridículo esperpento, que lo más probable es que fuera carne de los premios Razzie a lo peor del año, pero aún así seguía levantando curiosidad. De hecho la misma aumentó cuando la directora del presente film (Greta Gerwig) desveló cuales habían sido las películas que le habían inspirado para crear Barbie, en un listado tan variado como curioso donde entran títulos como Grease, Fiebre del sábado noche, El mago de Oz, 2001 una odisea del espacio, Mujeres al borde de un ataque de nervios o El show de Truman (por poner unos ejemplos)

Justamente esa última, protagonizada por Jim Carrey en 1998 y anticipando todo lo que sería el posterior boom de los reality-shows, me hizo intuir por donde podría ir esta y poco me he equivocado: la Barbie de Margot Robbie vive en la idílica Barbieland, donde todas las Barbies (o sea, las mujeres) han seguido el eslogan de la propia muñeca, conforme tú puedes ser lo que quieras ser, de tal forma que hay Barbies en todos los escalafones sociales y estamentos públicos. ¿Y Ken? Pues los muchos que hay son sólo eso, un simple "amigo" de la Barbie de turno, pero sin importar nada lo que siente o deje de sentir. El problema está en que el Ken encarnado por Ryan Gosling quería algo más con la Barbie de Margot Robbie, y su oportunidad se presenta cuando la acompaña al mundo real después de que ella haya tenido ciertas dudas existenciales que la han desconcertado. El contraste entre ambos mundos es evidente, y mientras que Barbie intenta resolver sus problemas, Ken se dará cuenta de que allí los hombres son muy diferentes...

Al igual que el protagonista de El show de Truman vivía en un idílico lugar sin conocer el mundo real, y lucha todo el film por intentar escapar, algo parecido le ocurre a esta Barbie, que empieza a tener pensamientos no acordes a su utópica vida, que le harán descubrir que hay otra en el mundo real. A partir de dicha premisa la película bascula entre la comedia hortera y la sátira contra el patriarcado, ya que hay una más que evidente crítica contra la cosificación de la mujer, aquí ejemplarizada en la susodicha muñeca. Dicho equilibrio entre objetivos bascula no siempre de forma acertada, pero en líneas generales ofreciendo un buen entretenimiento, en el que hay una suave crítica contra el mercantilismo (los directivos de Mattel, y más exactamente el encarnado por Will Ferrell, son representados como estúpidos capitalistas), pero también un emotivo homenaje a la creadora de la muñeca, con lo que ha significado en sus múltiples variaciones (y salen muchas) para varias generaciones durante los años.

La pareja protagonista es uno de los aciertos de Barbie, ya que por un lado Margot Robbie sabe combinar belleza, emoción y simpatía tal y como le demanda el guion, mientras que Ryan Gosling sabe parodiar con acierto lo que representa ser Ken, y al mismo tiempo el exceso que provoca cuando descubre las ventajas que para los hombres hay en el mundo real, desmelenándose en un personaje dinámico que al final se demuestra que tan solo quería a su Barbie, pero teniendo que aprender que hay una mujer bajo lo que es sólo una muñeca. A destacar también un diseño de producción y vestuario portentosos (con una fastuosa y muy rosa recreación del mundo de Barbie), aunque este film en algunos momentos parece desmadrarse en su talante más hortera, consciente de ello pero restándole méritos a una vena satírica que podría quizás haber dado para más. En resumen lo que parecía que sería una propuesta ridícula acaba por convertirse en una entretenida sátira más o menos acertada, pese algún que otro descontrolado desmadre.
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  • FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 20 de julio de 2023.
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OPPENHEIMER de CHRISTOPHER NOLAN, crítica sin spoilers

En una temporada de verano donde la gran mayoría de estrenos están consiguiendo decepcionantes cifras de taquilla, quizás el problema provenga por un exceso de blockbusters dificiles de digerir por el público mayoritario, que tiene que hacer selección y dejar algo para el futuro (lo que en el fondo no sería una mala opción teniendo en cuenta que la reciente huelga iniciada por los actores hace ver un futuro donde Hollywood se encuentre carente de grandes estrenos) 
 
Pero en el aluvión del verano de 2023 si hay un título realmente esperado por muchos ese sería Oppenheimer, la más reciente película como director de Christopher Nolan, con un reparto realmente IMPRESIONANTE que incluye nombres como los de Cillian Murphy, Emily Blunt, Florence Pugh, Robert Downey Jr., Rami Malek, Kenneth Branagh o Matt Damon (por citar tan solo a unos cuantos) 
 
Su fecha de estreno (20 de julio, un día antes de lo marcado en inicio por el poster) viene marcada por la coincidencia de ser el mismo día que se estrena Barbie, la película sobre la popular muñeca de Mattel, protagonizada por Margot Robbie y Ryan Gosling, lo que propició por redes sociales un "movimiento" llamado Barbenheimmer, que sirviera de forma humorística para promocionar dos films a priori tan opuestos.

A la espera de ver la película con Margot Robbie, escribo esto pocas horas después de haber asistido al pase de prensa de Oppenheimer, en el que se pidió un embargo absoluto sobre críticas y comentarios, no pudiendo decir ni que se iba a ver la película ni que se había visto hasta casi el momento de su estreno. ¿Tanto misterio para un biopic sobre el por muchos denominado "padre de la bomba atómica"? La verdad es que levantaron bastante mi interés, máxime por el sello de autor que acompaña a su responsable (Christopher Nolan) desde que alcanzó la fama entre el gran público con su trilogía de Batman. También está por ver como funcionará (tanto en taquilla como en premios, porque SIN DUDA es una película muy academicista), al ser Universal la productora después de que Nolan quedase descontento con Warner tras el resultado de su anterior film (Tenet), estrenado en el verano del 2020, cuando estábamos en plena pandemia del Coronavirus.

Porque Oppenheimer es, como muchos podrán suponer, lo más contrario que uno puede imaginar como un blockbuster veraniego, siendo una película de la que sin duda es admirable su atrevimiento aunque le pesa su arrogancia, siendo en exceso grandilocuente y en muchos momentos (más de los que yo hubiera querido) bastante tediosa. Lo mismo que afirmo que sería un film tremendamente didáctico e instructivo con el que debatir sobre la importancia histórica de lo que logró su protagonista, todo ello en una producción cuidada al detalle y con un elenco que en líneas generales está bastante acertado (destacando algunos secundarios como un notable Robert Downey Jr.), también es justo afirmar que estamos ante una película abrumadora, densa y que para muchos puede ser un rollo. Aún así tiene sus momentos remarcables como la IMPRESIONANTE forma en que visualiza el primer ensayo de la posterior bomba atómica, aunque no llegue hasta casi transcurridas dos de las tres horas que dura este ambicioso biopic.

No quiero decir con eso que Oppenheimer sea una opción equivocada, nada más lejos de mi intención ya que en pantalla de cine se puede ver tal y como la recreó su responsable. Pero la arrogancia de Nolan le lleva por un camino similar a la leyenda de Prometeo con la que se empareja el descubrimiento de su protagonista: si a dicho personaje Zeus lo castigó por su osadía de robar el fuego a los dioses para dárselo a los hombres, el citado Oppenheimer creyó vanamente que su descubrimiento podría disuadir de hipotéticos conflictos (cuando en si elevó la probabilidad de los mismos, ya que era demasiado trascendental como para que fuera aparcado) y Nolan quiere competir con los taquillazos veraniegos con una producción ambiciosa y visualmente impecable… pero demasiado academicista para el espectador general, que puede hacérsele en extremo dilatada, farragosa y más o menos tediosa. Digo yo que al final encontrará su valoración más o menos justa en la próxima temporada de premios, el tiempo lo dirá.

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  • FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 20 de julio de 2023.
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martes, 11 de julio de 2023

ELEMENTAL, los elementos tienen sentimientos (crítica sin spoilers)

Había un tiempo en que Pixar era sinónimo de calidad, pero no solo a nivel técnico (lo cual más o menos han logrado mantener siempre en su amplia filmografía), sino también a nivel de historias y personajes. Pero la pandemia del Coronavirus marcó una especie de "antes y después" para la productora del flexo, ya que estrenada pocos días antes del confinamiento, la película Onward no destacó ni en crítica ni en resultados de taquilla. Los tres posteriores estrenos de Pixar (Soul, Luca y Red) fueron directos a la plataforma Disney Plus, sin tampoco levantar grandes entusiasmos. Y cuando ya por fin se pudo volver a los cines, Lightyear fue una inesperada decepción, a la que se añadiría esta Elemental, en cuyo estreno americano (el pasado 16 de junio)  se saldó con una pobre recaudación de taquilla.

Habrá total disparidad de opiniones sobre los más recientes estrenos de Pixar antes citados, pero la brillantez técnica siempre ha estado presente, pese a que en algunos casos a nivel argumental hayan reincidido sobre esquemas previos, sin lograr despertar la sorpresa como sucedía antaño. Eso viene a colación, secuelas aparte, por ejemplo en su reiteración de que ciertas cosas tienen sentimientos, bien sean juguetes (Toy Story), coches (Cars), emociones (Del Revés) o, como sucede aquí, elementos. Algunos marcan ese momento de inflexión de Pixar con El viaje de Arlo, cuyo director (Peter Sohn) que debutaba con aquella película, sería también el responsable de la presente Elemental, su segundo film.

La idea de Sohn para la presente obra era mostrar el choque cultural y racial, ya que es un homenaje hacia su propia familia, en la que ambos progenitores fueron inmigrantes coreanos que se fueron a vivir a Estados Unidos, siendo un loable propósito este detalle por su parte. Dicho contraste queda claro en la esencia de los personajes, ya que aparte de ser opuestos en su propia condición (uno es un chico de agua y la otra una chica de fuego) también lo son en el escalafón social (la familia de agua parece estar mejor posicionada en la sociedad que la de fuego) El problema de esto puede radicar en que es un concepto indudablemente funcional, pero que ya se ha usado hasta el hartazgo, y los responsables de la película tampoco aportan ningún detalle que lo haga destacar más allá de la enésima variación sobre Romeo y Julieta (amores imposibles por diferencias sociales, culturales o lo que se tercie), aunque como mínimo con un final esperanzador y no tan trágico como el de la popular obra de William Shakespeare.

La protagonista es Candela, una chica de fuego temperamental (la muchacha es muy ardiente), cuyo destino parece ser el heredar y continuar con la tradición familiar del negocio que regentan sus progenitores, que hace años emigraron a Ciudad Elemento, un lugar donde conviven Fuego, Agua, Tierra y Aire en una mayor o menor armonía. Por pura casualidad conocerá a Nilo, un chico de agua (se podría hacer el chiste de que es de género fluido...) con tiene cierta facilidad para la lágrima fácil (o más bien chorro), pero cuya sinceridad y carácter divertido poco a poco irán calando en la protagonista, hasta que se establece una historia de amor entre conceptos tan opuestos como lo que son y representan. La parte romántica nunca va más allá de los estereotipos que uno se pueda imaginar para historias de este estilo, y no ayuda mucho la sensación de déjà vu que provoca una Ciudad Elemento que recuerda mucho a Zootrópolis (sólo que allí era con animales), coincidiendo incluso en un chiste común en ambas sobre la lentitud de la burocracia.

Aunque a esta película se le puede achacar la falta de originalidad que he citado en los conceptos básicos donde se sustenta su esquema (si bien como mínimo el resultado es entretenido y cumplidor), otra cosa muy diferente sería a nivel visual, donde Pixar sigue dejando patente su poderío logrando una gran credibilidad en la textura de los elementos que maneja, especialmente en los dos principales (fuego y agua) Sólo por eso ya merece la pena ver Elemental, que además viene precedida de un simpático corto titulado La cita de Carl, donde volvemos a saber del anciano protagonista de Up y el perro Dug, centrándose la historia en como Carl Fredricksen parece recuperar un poco la ilusión al aceptar una cita con una amiga, aunque se encontrará bastante desconcertado sobre como comportarse, siendo los consejos de Dug más o menos adecuados... si eres un perro como él. Dicho corto sabe equilibrar con acierto los elementos de diversión y nostalgia con los que trabaja, recuperando además a unos personajes entrañables y carismáticos.
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  • FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 14 de julio de 2023.
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miércoles, 5 de julio de 2023

MISIÓN IMPOSIBLE: SENTENCIA MORTAL (PARTE 1), crítica sin spoilers

Las modas van y vienen: ahora todo el mundo dice que vivimos en la de las películas de superhéroes, pero a finales del siglo pasado volvió por ejemplo la de los films de desastres más o menos apocalípticos, aunque en lo que me quiero centrar ahora sería en la década de los noventa, cuando lo que se llevaban eran adaptaciones en películas de antiguas series clásicas de televisión de los años sesenta. Hubo para todos los gustos, pero yo (que había descubierto algunas de dichas series en mi infancia televisiva, cuando ya eran reposiciones) disfruté (en mayor o menor medida) de títulos como El fugitivo con Harrison Ford y Tommy Lee Jones, El Santo con Val Kilmer, Los Vengadores con Ralph Fiennes y Uma Thurman (aunque en este caso lo mejor era Sean Connery haciendo de villano) o la que inició la presente saga: una magnífica Misión Imposible de Brian de Palma, con Tom Cruise de protagonista.
 
Lo que comenzó dentro de la citada "moda" ha conseguido continuar, convertida ya en una franquicia, con Cruise intentando que cada film tuviera diferentes directores para dar diferentes visiones, algo que se mantuvo con John Woo con la segunda (y la más floja de toda esta saga), J.J.Abrams con la tercera, Brad Bird con la cuarta (titulada Protocolo Fantasma) y Christopher McQuarrie con la quinta (titulada Nación Secreta), que debe haber convencido tanto a Cruise que se quedó para la sexta (Fallout) así como esta séptima y la futura octava (que tiene previsto estrenarse para 2024)
 
El resultado de esta nueva aventura del agente Ethan Hunt sigue una línea continuista en esta serie desde que se hizo cargo de ella el mencionado McQuarrie, con unos resultados destacables pese a que en el fondo la historia que se plantea aquí sea bastante sencilla (que no por ello simple), centrándose en la lucha por la posesión de un objeto que será clave para algo que en origen desconocen la mayoría de los personajes: el control sobre una inteligencia artificial que se ha rebelado. Con ese planteamiento uno lo primero que piensa es en la saga Terminator, donde Skynet hace lo propio contra la humanidad, pero en este caso deriva por otros derroteros: la manipulación de las nuevas tecnologías sobre las masas, resultando inquietante porque en el fondo ya es lo que estamos viviendo hoy en día. 
 
Para algunos puede resultar gracioso que en un mundo como el actual, en donde todo parece calcularse con algoritmos, sea justo eso (una inteligencia artificial) el villano principal del presente film, cuando los más críticos pueden señalar que esta misma historia parece generada por una. Pero poco importa cuando el resultado final funciona tan bien como en este caso, logrando mantener el interés del espectador durante sus 156 minutos, en los diferentes escenarios donde transcurren las peripecias de los personajes, destacando para mi de forma principal todo lo que sucede en el aeropuerto de Abu-Dabi, la persecución por las calles de Venecia y todo lo que acontece en el tren (que es donde se inserta el momento de Cruise lanzándose al vacío con una motocicleta que se vio en algunos avances previos)

El reparto, en el que repiten algunos actores ya clásicos de esta franquicia (como por ejemplo Ving Rhames, más o menos presente desde la primera entrega, o Simon Pegg, que se añadió a partir de la cuarta), así como otros de entregas previas (como en el caso de Vanessa Kirby o Rebecca Ferguson, que se han sumado en diversos momentos desde que McQuarrie es director de la franquicia), se completa en esta séptima entrega con nuevos personajes entre los que sin duda creo que destaca el encarnado por una resolutiva Haley Atwell, que saltó a la fama como Peggy Carter en las diferentes andanzas que vivió dicho personaje tanto en cine (desde Capitán América: El primer vengador) como en televisión (la serie Agente Carter) dentro del universo Marvel en acción real que se inició en 2008.

En resumidas cuentas esta Misión Imposible: Sentencia mortal (parte 1) es una bastante notable película del más puro entretenimiento, con un siempre solvente Tom Cruise que se sabe y se maneja muy bien como estrella principal de este espectáculo (pese a que ya supere los 60 años), acompañado de un reparto bastante acertado que le sirve de perfecto complemento para una historia en esencia sencilla, que contrapone lo digital a lo analógico, pero que consigue atrapar al espectador tras un prólogo en el que se hace un primer esbozo. Se le pueden achacar ciertos detalles secundarios que quizás no acaban de funcionar respecto al resto del film, así como un montaje que en algunos momentos resulta algo confuso, pero estamos ante una película vibrante que sabe dejarnos con ansias por cual será su desenlace.
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viernes, 30 de junio de 2023

REPOSO ABSOLUTO, el sufrimiento de una madre (crítica sin spoilers)

El terror es un género barato de realizar y sencillo de amortizar, por lo que nunca habrá problemas para realizar nuevas películas. De hecho ahí están de muestra, dentro de lo que sería el slasher, tantas y tantas populares franquicias que han generado secuelas, reboots, remakes o lo que se tercie. El problema, claro está, radica en de verdad asustar (al menos intentarlo), o solo circular con mayor o menor fortuna por lugares y elementos comunes a este género, pero sin aportar nada de relevancia. Esa sería la mejor definición para esta Reposo absoluto, si bien se le agradece una mínima corrección, que pese a todo no la libra de caer en la mayor de las intrascendencias.

No sería la primera vez que en una película de este estilo todo parece girar alrededor de una protagonista embarazada, pero en este caso aporta la novedad de que la misma ha de guardar el reposo absoluto de su título en las semanas finales de la gestación, si no quiere que haya problemas con el bebé. El espectador morboso ya se imagina que la situación no le permitirá estar tranquila a la sufrida embarazada, y cabe indicar que eso se cumple con aparentes presencias que en un principio la protagonista no entiende, y que luego relaciona con cierto hecho traumático que arrastra de su pasado, lo que deriva en una doble problemática emocional. Dichos "sobresaltos" no devienen nada más que previsibles momentos de tensión para el espectador avezado, aunque alguno si pueda funcionar más o menos bien, más que nada por la escueta corrección con la que se llevan a cabo.
 
En lo que sería la opera prima de su directora (Lori Evans Taylor), que también se encarga de su esquemático guion, se podría decir que en inicio todo parece girar sobre la tópica duda de si lo que dice ver y experimentar la protagonista proviene del hecho traumático que arrastra de su pasado, o está relacionado con la nueva casa a las afueras de la ciudad, donde vive junto con su pareja (interpretado por un soso Guy Burnet) No resulta sorprendente que al final ambas tramas se entrelacen, teniendo que lidiar no solo con los fantasmas que arrastra de su pasado, sino también con los que lleva consigo su nuevo hogar, en un último tercio donde todo desemboca en una resolución a medio camino entre un mero telefilm de sobremesa, la película Ghost y un episodio de la serie Entre fantasmas (aquella donde Jennifer Love-Hewitt veía espíritus a los que ayudaba a cruzar al más allá) Pese a todo durante gran parte de su ajustado metraje, apenas 90 minutos, parece dudar sobre por que derroteros decantarse, lanzando sugerencias que luego descarta (como por ejemplo esa cuidadora de la que se hace dudar al espectador, para luego tirar por otro camino)

Con un reparto intrascendente, donde los personajes secundarios nunca acaban de tener una importancia determinante, cabe indicar que la que más destaca sería su protagonista, encarnada por una Melissa Barrera que ha alcanzado la fama por las recientes entregas de la saga Scream. Debido al trauma que arrastra, y a la difícil situación que se le plantea en su nuevo hogar, cabe indicar que la actriz cumple con corrección, siendo solvente la gestual forma en la que plasma el drama de su sufrida protagonista, emocionalmente dañada por lo que le pasó, y temerosa por como acabará su actual situación a tenor de como está y lo que le está sucediendo, por lo que quizás se podría considerar que todo gira aquí sobre el sufrimiento de una madre. La lastima radicaría en que dicha intención queda en parte desvirtuada por la absoluta falta de originalidad con la que circula por todos los tópicos comunes de este tipo de propuestas, si bien al menos la aceptable labor de Melissa Barrera logra que el resultado final no sea desdeñable, quedándose tan solo en una mera película que se deja ver sin mayores pretensiones, pero que rápidamente pasará al olvido.
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  • FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 7 de julio de 2023.
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lunes, 26 de junio de 2023

INDIANA JONES Y EL DIAL DEL DESTINO, crítica sin spoilers

Viendo la que con toda probabilidad será la última aventura del personaje con Harrison Ford al frente, uno piensa la suerte que habría corrido el personaje de Indiana Jones si se hubiera desarrollado como la longeva franquicia de James Bond, con seis actores hasta la fecha que han encarnado al personaje en sus seis décadas de vida en cines. Esto viene a colación porque el director Steven Spielberg quiso POR DOS VECES dirigir una película de James Bond (en la época en que dicho personaje tenía los rasgos de Roger Moore), aunque se lo denegaron en ambas. La frustración se la quitó su amigo George Lucas con el personaje de Indiana Jones y, volviendo al inicio de mi crítica, hubiera estado curioso como se hubiera desarrollado en caso de seguir el esquema de James Bond.

Enfocada esta saga como homenaje a los seriales de aventuras de las décadas de los años 30 y 40 del pasado siglo, tuvo una meritoria trilogía durante la década de los ochenta. Pero siendo una popular saga que podía haber continuado sin problemas, incluso con relevo de actor protagonista, la cuestión es que la cuarta aventura llego en 2008, casi dos décadas después de la precedente. No acabando de convencer en general al público (no fue mi caso) su triunfo en taquilla lleva hasta la presente, que también ha tardado en ver la luz 15 años desde la anterior, siendo la ¿última? con Harrison Ford.

Volviendo al símil con James Bond hay que citar que por muchos sustitutos que tuviera el personaje, su primer actor marcó tendencia, con lo cual para muchos Sean Connery sigue siendo el que mejor lo encarnó. Eso le serviría de consuelo a Spielberg cuando le hizo encarnar al padre de Indiana Jones en la tercera entrega, cerrando un círculo que para muchos tenía que haberse quedado allí, pero en un revival nostálgico el famoso arqueólogo volvió en el 2008 de la mano de sus responsables... y las expectativas del público (que igual esperaba el Segundo Advenimiento de Cristo, cuando tan solo se trataba de una película, como dijo el productor George Lucas) provocaron esa general insatisfacción. Pero como "poderoso caballero es don dinero", su recaudación fue la mayor de la franquicia hasta aquel momento, por lo que se puso en marcha una quinta donde Spielberg ha delegado sus funciones como director en James Mangold (responsable de la notable Logan, con otro héroe crepuscular como Lobezno de protagonista), aunque si repite de nuevo por quinta vez un mítico Harrison Ford dando vida (a sus 80 años) a un Indiana Jones al que encarnó por primera vez hace cuatro décadas.

Cabe indicar que el actor resulta convincente volviendo a enfundarse los míticos látigo y sombrero que uno asocia con este personaje, e incluso me atrevería a decir que la media hora inicial de esta película es aún más Indiana Jones de lo que fue toda la cuarta entrega (pese a que yo soy de los que salió más o menos satisfecho, aún admitiendo que es inferior a la trilogía que la precede) En ese tramo inicial se concentra toda la esencia del arqueólogo más famoso de la historia del cine, aunque lo que más se vaya a comentar sea el rejuvenecimiento digital que le aplican al protagonista, logrando que Ford luzca como lo hacía en las entregas estrenadas en la década de los ochenta. Quizás por lo mucho que se habló de eso antes de su llegada a la cartelera ha sido uno de los detalles más comentados, y por lo tanto sabían que el público lo miraría con detenimiento. Pues bien, en mi caso tengo que decir que, aún sabiendo dicho retoque digital, la sensación final que ofrece es BASTANTE CREÍBLE sin ser perfecta, de ahí mis interrogantes en el segundo párrafo de esta crítica sobre si sería la última... porque con este método caben todas las que se quieran inventar.

De hecho se podría decir que esta quinta aventura supera a la cuarta en sus dos tercios iniciales, ya que aquí si se ofrece todo lo que un fan de Indiana Jones espera en una película de Indiana Jones, incluyendo ese enemigo vital que ha estado presente en todas las entregas impares de la franquicia: los nazis. Algunos tildarán esta película de mero fan-service para contentar a aquellos que quedaron descontentos con la cuarta, ya que está plagada de detalles más o menos evidentes que nos recuerdan a los episodios precedentes, funcionando unos mejor que otros (incluyendo una explicación coherente a la ausencia del hijo del protagonista que encarnó Shia LaBeouf en la cuarta, que se perfilaba quizás como sustituto de su progenitor, pero que aquí no aparece) Y aunque la labor de Mangold es meritoria, es justo admitir que con media hora menos (su duración son unos extensos 154 minutos) hubiera podido lograr un resultado final, sino mejor, si al menos equivalente al de la trilogía inicial, siendo en su último tercio donde se decanta por cierto recurso fantástico que me dió la sensación de que se aprovecha de forma algo desigual, a tenor de sus posibilidades.
 
Creo que no seré el único que, cuando queda claro lo que hace el famoso dial de su título, uno esperaba que eso les sirviera a los nazis para reafirmar su reino del terror. En cambio se dan cuenta de que no es lo pensado justo cuando están metidos en el meollo de la cuestión, llevando la acción a otro destino que resulta aceptable... pero provocando un evidente bajón en el interés (al menos a mi) Una vez allí aún hay tiempo para que uno tema que sus responsables se decanten por cierto giro argumental emotivo (en esencia, por lo que representa para Jones) pero gratuito (en planteamiento, ¿a esas alturas te vas hacia lo melodramático?) Finalmente es ese último tercio el que funciona de una manera correcta pero perdiendo la trascendencia lograda por lo previo, así como respecto a su brillante tramo inicial, aunque en conjunto El dial del destino es un digno colofón al personaje (si lo respetan) con un reparto funcional donde algunos destacan (como Mads Mikkelsen, Boyd Holbrook o Toby Jones), otros cumplen bien (como Phoebe Waller-Bridge o Antonio Banderas) y otros no tanto (como Ethan Isidore, en un papel que hace recordar al de Ke Huy Quan de El templo maldito)
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  • FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 28 de junio de 2023.
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miércoles, 21 de junio de 2023

SIN MALOS ROLLOS, desvírgate como puedas (crítica sin spoilers)

¿Es una película como Sin malos rollos un ejemplo de film previsible? Eso era lo que yo me preguntaba en origen cuando al final me decidí por darle una oportunidad, más a tenor de su premisa argumental que de su desarrollo, en el cual pensaba que, tras el tono provocador inicial, se decantaría por los buenos sentimientos. Digamos que no me equivoqué mucho... pero el resultado final ofrece ciertos matices para contentar incluso a los que más o menos ya se imaginan por donde irán los tiros. Y es que el problema de las comedias hoy en día para triunfar está en ese difícil equilibrio que intentan lograr entre lo más almibarado y lo más gamberro, siendo en esa indefinición donde se sitúa este film.
 
En la década de los noventa triunfaron mucho las comedias románticas, hasta el punto de convertirse en un género por si mismas. En aquel entonces nombres como los de Sandra Bullock, Julia Roberts o Meg Ryan (por citar unos ejemplos) eran suficiente atractivo para que los espectadores vieran sus películas, pero el género llegó a la saturación y no hubo una nueva generación que tomara el relevo. Ahora Jennifer Lawrence prueba suerte como la protagonista y el rostro más conocido de esta comedia (el otro sería Matthew Broderick como el padre del chaval protagonista), en un film que no es que sea innovador, pero que maneja con acierto sus recursos para ofrecer un simpático entretenimiento que, pese a moverse dentro de lo más o menos previsible, consigue momentos simpáticos y llamativos (lo de la playa por ejemplo), convenciendo por la mínima

¿De que va la historia? La protagonista es Maddie (Jennifer Lawrence), una joven treintañera con problemas económicos para lograr mantener la casa de su infancia, que un buen día parece encontrar la solución a sus males en un anuncio donde unos padres, tan ricos como sobreprotectores, buscan a una candidata para que espabile un poco a su hijo (a punto de entrar en la universidad), a cambio de una generosa remuneración. A partir de ahí se suceden todo tipo de situaciones a medio camino de las propias de las comedias screwball y de esas otras más gamberras (y escatalógicas) de la década de los noventa, centradas en principio en las evidentes insinuaciones sexuales que le hace la desinhibida Maddie al timorato Percy (interpretado por Andrew Barth Feldman), y como este, ajeno en principio a lo planeado por sus progenitores, responde a las mismas. Pero como no todo puede centrarse en eso, a medida que avanza la película se decanta por un tono más emotivo, en el que se intenta que el espectador se encariñe con ambos personajes, perdiendo ese tono cómico más mordaz en detrimento de una resolución que ya se ve venir hacia donde va a tirar. 

Llegados a dicho "giro" argumental algunos se pueden sentir decepcionados, ya que de esa manera el resultado final se queda algo ambiguo, pero me imagino que ese es el peaje a pagar para ofrecer una historia que se abra a un mayor público potencial: una mezcla no del todo acertada para suficientemente funcional que convenza tanto al espectador juvenil que quiere ver una comedia más alocada, como al de mediana edad que prefiere un tono entre romántico y familiar. Quizás no ahondar en ninguna de esas vertientes es lo que le resta trascendencia, pero a cambio ofrece un irónico vehículo para el lucimiento de su protagonista principal (también productora), que se demuestra cómoda en este tipo de comedias que juegan de forma tan clara con los dobles sentidos, no tiene reparos en mostrarse TAL CUAL ES (sorprendido me dejó la escena de la playa), y en donde incluso no se priva de ironizar sobre su propia edad, en ese Hollywood donde las actrices mayores progresivamente van siendo relegadas. También sería destacable la buena química que se establece entre la pareja protagonista, funcionando tanto en los momentos más surrealistas como en los más íntimos.
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  • FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 23 de junio de 2023.

jueves, 8 de junio de 2023

FLASH, el tomate indefinido de DC (crítica sin spoilers)

Hablar de los problemas previos que tuvo esta película hasta que al final acabó concretándose en esto daría para un artículo bastante extenso. En origen el propio Ezra Miller (que encarna a Barry Allen y su alter-ego Flash) fue el mayor interesado en sacar adelante este film, desde que se presentó en la versión de Liga de la Justicia estrenada en el 2017, aunque luego los posteriores problemas delictivos del actor llevaron incluso a temer por que este proyecto viera la luz.
 
Ya por aquel entonces indiqué que el mencionado Ezra Miller no me parecía el más adecuado para encarnar a Barry Allen y Flash, ya que en aquel momento aún era seguidor de la serie de televisión del citado personaje, y con el actor Grant Gustin de protagonista, que tomó el relevo con solvencia de la serie homónima de principios de los noventa con John Wesley Shipp de protagonista, interprete también presente en la citada y reciente producción televisiva.

Tras un periplo en líneas generales insatisfactorio (al menos comparado con el éxito de taquilla de la gran mayoría de las películas de Marvel), se le dio a James Gunn la potestad para construir un universo cinematográfico de DC más coherente, y se comentó que esta película sería la que pondría el primer eslabón en dicho reinicio.

La decepción (para algunos) será ver que aún no queda claro por donde se irá a partir de ahora en los próximos proyectos de DC, ya que cuando uno ha acabado de ver la película no queda muy claro quien tiene posibilidades de continuar en este universo (a tenor de lo que sugieren, uno sería el cameo en la escena postcréditos, al menos de momento), y quien será reemplazado (evidente en el gran ausente, aunque lo que es y representa tiene un homenaje bastante más acertado en pretensiones que en resultados visuales en un momento del tramo final, donde tienen cabida desde los que fueron hasta el podría haber sido, con el real cameo irónico final más inesperado) Pero no hay ningún tipo de adelanto sobre futuros proyectos, lo cual es lógico estando todo ello ahora mismo en una fase muy preliminar, por lo que igual esta sea la última película donde veamos a (casi) toda la alineación de esta Liga de la Justicia en ciertos momentos puntuales, a la espera de como evoluciona lo que esta historia ha provocado en el multiverso de DC, y si ello se ve reflejado de alguna manera en los proyectos sobre los que se está trabajando.

Como ya se sabía de antemano, el presente film adapta el arco argumental Flashpoint, que a tenor de lo que presenta la película sería muy fácil de resumir: Barry Allen asume el drama de haber perdido a su madre (una solvente Maribel Verdú, las cosas como son), asesinato por el que fue condenado su padre. Al tener los poderes de Flash decide viajar en el tiempo para evitarlo, siendo todo modificado por una cosa tan simple como una lata de tomate, lo cual me llevó a acordarme de la película Vengadores: Endgame, donde era una rata la que iniciaba la acción. El problema viene cuando su drama personal parece que ha sido corregido... pero más cosas se han modificado con sus actos, ya que no todo es como él lo dejó, en una difícil pero funcional mixtura en la que se mezclan los universos temáticos del Batman de Tim Burton (de ahí la presencia de Michael Keaton) y del Superman de Zack Snyder (de ahí la presencia de Michael Shannon que vuelve a encarnar al General Zod), situando en ese punto intermedio a la otra mayor novedad del reparto: la Supergirl a la que encarna la actriz Sasha Calle como ¿sustituta? de su popular primo.

La labor de Andy Muschietti como director resulta solvente, por lo que se posiciona para futuros proyectos en la misma casa (se le rumorea como posible candidato para encargarse de The brave and the bold), y en líneas generales esta película se sitúa sin problemas entre lo mejor (que NO lo mejor) que ha generado el universo DC en cines, pero tiene que lidiar principalmente con dos problemas: su protagonista y sus efectos visuales. En cuanto al primero si ya en la versión de 2017 estrenada en cines de Liga de la Justicia venía a ser el "alivio cómico", eso aquí se lleva a una dicotomía digna de Jekyll y Hyde, por lo que si de por si cuesta empatizar con el Barry inicial, luego sería sólo el "mal menor" ya que el posterior, tras los cambios que provoca, puede resultar en algunos momentos realmente cargante. En cuanto a los efectos visuales digamos que cumplen con solvencia sin destacar (no en vano los efectos de un velocista no sería algo muy novedoso en pantalla), pero pecan de hacerse DEMASIADO evidentes sobretodo en el rescate inicial con los niños, y en ese "homenaje" final que cité antes hacia cierto emblemático personaje.
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  • FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 16 de junio de 2023.
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miércoles, 7 de junio de 2023

TRANSFORMERS: EL DESPERTAR DE LAS BESTIAS, crítica sin spoilers

La saga cinematográfica de Transformers no es que sea muy destacable, pero si que ha resultado muy rentable. Quizás el mayor problema estaba en un omnipresente Michael Bay que se encargó de las cinco primeras películas, haciéndose palpable con la última que la cosa ya no daba para más. Pero mira tú por donde que se sacan de la manga un spin-off para Bumblebee, donde afortunadamente Bay ya no es el director, sino un tal Travis Knight... y consigue la que bien podría ser la mejor película de la franquicia (hasta aquel momento) ¿Puede ser que lo que necesitaban los Transformers era a otros directores que no fueran sólo Michael Bay
 
Como sin duda siguen siendo muy rentables estos robots para la juguetera Hasbro, se decidió darles un margen de descanso (tampoco no mucho: cinco años desde la más reciente) y ahora se estrena la que sería séptima entrega de la franquicia en cines, bajo la batuta de Steven Caple Jr. (en cuyo historial como director ya consta otra secuela de una extensa saga: Creed 2) En el reparto de esta película no constan nombres conocidos (más allá de que alguno pueda apuntar a quizás tener un futuro en el mundo del cine, como pasó con Shia LaBeouf y Megan Fox en las primeras)... pero seamos claros: lo que más le interesa al público de un film como este son los robots, lo que deja a los humanos en un evidente segundo plano.

Pese a todo, aunque en un nivel secundario, si reconocí a la actriz Luna Lauren Velez, a la que conocí cuando interpretó a la teniente Maria LaGuerta en la serie de televisión Dexter, y que también le puso voz en la versión original a la madre de Miles Morales en la reciente Spider-Man: Cruzando el multiverso. El resto estaría en los actores que dan voz a algunos de los robots que aparecen durante la película, siempre en su versión original, en la que Ron Perlman interpreta a Optimus Primal (el robot con pinta de gorila), Peter Dinklage a Scourge (el robot villano) o Michelle Yeoh como Airazor (el robot con pinta de águila) Como curiosidad cabe también citar que esta película se podría tildar como secuela de Bumblebee, al hacerse una mención indirecta que recuerda lo acontecido en aquel film; así como un guiño simpático hacia Marky Mark (la película está ambientada en 1994), que era el nombre comercial que tenía Mark Wahlberg en sus inicios (recordemos que el citado actor fue protagonista en la cuarta y la quinta entrega de esta franquicia, tituladas respectivamente La era de la extinción y El último caballero)

A nivel básico se supone que los robots protagonistas de Transformers serían los Autobots (los buenos) liderados por Optimus Prime y los Decepticons (los malos) liderados por Megatron. De estos últimos no hay en esta película (si es que pretenden darle una línea argumental coherente a toda la franquicia hasta el momento), por lo que los villanos aquí serían los Terrorcons (que con ese nombre ya queda evidente lo que reparten por donde pasan) y los Predacons. Por su parte en el lado de los buenos se añaden los Maximals, que sería el nombre de los Transformers con formas de animales, y que resultan la novedad visual más destacable. Por el lado de los Autobots cabe destacar también las prestaciones de Mirage, que como bien indica su nombre original en inglés (la traducción sería Espejismo), puede realizar copias de si mismo o de lo que quiera, pese a que la personalidad que le dan resulta en algunos momentos un tanto insufrible. El otro aspecto más reseñable de la película, en especial para los fans, sería el detalle que da la última escena, en la que se sugiere algo así como un futuro crossover con otra popular franquicia juguetera de Hasbro que ya probó suerte en los cines.

Pero en si, ¿merece la pena esta película? Pues depende: a los fans de esta franquicia probablemente les guste, y como mínimo hay que reconocer que la multitud de robots que aparecen por pantalla son aquí más reconocibles que en algunas de las perpetradas por Michael Bay, donde en algunos momentos no te quedaba claro cual era cada uno (de hecho los Maximals se queda uno con las ganas de que les hubieran dado más cancha, porque son los que más lucen) Por lo demás todo se mueve por un argumento tan simple como el funcionamiento de un chupete: hay un misterioso objeto de vital importancia que buscan los Autobots por un lado y los Terrorcons por otro, con el cual se puede convocar a un tal Unicron, que sería el equivalente en este universo a lo que es Galactus en los comics de Marvel. Entremedio de la lucha de ambas facciones se meterán dos humanos, Noah y Elena, que vendrían a simbolizar al ciudadano medio de Brooklyn, pero que en esencia serían dos personajes esquemáticos que había que rellenar con alguien. En resumidas cuentas: una secuela simplona y poco memorable, que sin su parafernalia visual resultaría un tanto mediocre.
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  • FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 9 de junio de 2023.
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miércoles, 31 de mayo de 2023

SPIDER-MAN: CRUZANDO EL MULTIVERSO, crítica sin spoilers

Nunca he sido bueno con las previsiones, y cuando el Ultimate Spider-Man de Peter Parker fue sustituido por el de Miles Morales, pensé que era una mera jugada para meter un sucedáneo del clásico, y que duraría nada y menos. Me equivoqué, lo cual me imagino que fue uno de los detalles que me llevaron a no disfrutar en toda su esencia (aún admitiendo que es bastante entretenida) la película animada Spider-Man: Un nuevo universo de 2018, que incluso ganó el Oscar de aquella temporada al mejor título de animación. Y es que por aquel entonces yo aún no había leído nada de Miles Morales, pero poco después pude disfrutar del origen de este nuevo arácnido, a lo que se sumó posteriormente otras aventuras suyas tanto en el universo que le vió nacer como en el clásico de Marvel, al que saltó tras las Secret Wars de 2015. 
 
De esa manera ya me convence más un personaje que veo que funciona debido a seguir un esquema muy paralelo a su homónimo precedente, lo que hace que Miles Morales sea tan interesante como Peter Parker, pero cubriendo (por su juventud) el hueco que dejó vacante el Spider-Man clásico, anclado en esa algo indefinida edad entre los veintimuchos y los treintaypocos. No sería de extrañar que en algún futuro indeterminado diera el salto a los films de Marvel en acción real, pero de momento ha sido el protagonista de la película animada de Sony de 2018, de la que surge esta secuela, así como la futura Spiderman: Beyond the Spider-Verse que tiene previsto estrenarse el próximo año 2024. Como es lógico se continúa con todo lo que da de si ese multiverso arácnido que ya se ha visto en cómics, y se aumenta su metraje de los 117 minutos del primer film a los 136 de este (o sea, 2 horas y 16 minutos)

De la anterior entrega a esta hay cosas que continúan, como ese tono frenético en cuanto a referencias y guiños de todo tipo a lo que representa el personaje (son demasiados como para atreverme a citar aunque sean unos pocos), si bien hay que admitir que siendo previsor de que algo así podía volver, en este caso el espectador ya lo asume y lo asimila mejor, pese a que en algunos casos la psicodelia visual pueda ser un tanto mareante. Aún así resulta un film que, debido a su extensa duración, puede resultar quizás algo pesado para los espectadores ajenos al personaje o más pequeños, siendo los adolescentes (aparte, lógicamente, de los fans del arácnido de Marvel) los que más lo pueden disfrutar por un motivo muy claro: los personajes han evolucionado de la anterior película a esta. Eso se hace palpable en Spider-Gwen, mucho mejor planteada y desarrollada en esta entrega respecto a la precedente, pero también en el propio Miles Morales, que ya empieza a ser un adolescente con ganas de vivir su propia vida y salir del núcleo familiar en el que se crió (sin que ello signifique tener que renunciar al mismo), representando ambos la adolescencia en su esencia más básica.

Una de las características del anterior film era que cada Spider-Man era visualizado con tipos de animación diferente, algo que se repite aquí con resultados destacables sobretodo en cuanto a Spider-Punk, que además se demuestra fiel a lo que representa, con ciertas frases que dejan muy clara cual es la filosofía de dicho personaje. Aunque en este infinito universo arácnido han tenido cabida todo tipo de Spider-Man habidos y por haber (en algunos momentos desbordan la pantalla, con guiños esporádicos que llevan a primer plano a alguno en cuestión), serían Miguel O'Hara, Spider-Woman y Peter Parker los otros que tendrían una mayor presencia. En el caso del primero queda palpable su preocupación de cara a que los hechos canónicos no varíen y sean respetados (girando en esencia sobre ello esta secuela), mientras que la segunda sería una evidente traslación de cuando dicho personaje estuvo en manos de Dennis Hopeless en las viñetas (estado y uniforme incluidos), si bien hay cierto cambio racial que me llevó a pensar en lo de "inclusión forzada", aunque es justo admitir que ello no es obstáculo para que dicho personaje funcione de forma correcta.
 
En cuanto al tercero sería la versión ya vista en la película anterior, que aquí se demuestra quizás un padre algo temerario en cuanto a la seguridad de los suyos (representando a mi gusto una acertada traslación de como habría tenido que ser su evolución en los cómics, si no fuera por la necesidad de que nunca pierda su condición básica) De forma más secundaria también tiene cierta presencia el Spider-Man indio, si bien su función (y su universo) se introducen para dejar bien claros los motivos de respetar los hechos canónicos, a partir de lo cual los personajes justifican sus posteriores movimientos. Por su parte si en la película anterior era Kingpin el villano principal, en esta el más notorio, aunque hay varios cameos de otros, es el (en inicio inocuo) Mancha, AUNQUE en algunos momentos me llevó a pensar A MI si no evolucionará de cara a la próxima en otro villano cromático del arácnido (aunque igual me equivoco) Esta película finaliza con un cliffhanger impactante tras un giro similar al visto en Regreso al futuro 2, dejándome con la intriga de como se resolverá tras haber disfrutado 136 intensos minutos con una secuela frenética, desbordante y visualmente espectacular.
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  • FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 2 de junio de 2023.
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martes, 23 de mayo de 2023

LA SIRENITA (2023), otro remake más de DISNEY (crítica sin spoilers)

A Disney algunas veces se la ha llamado La fábrica de los sueños, pero desde que vieron que los remakes en versión real de su amplio catálogo de películas animadas tenían éxito, el título antes citado se tendría que variar por el de La fábrica de sueños reciclados. Ojo que no seré yo quien critique un tipo de hacer cine que es el que cierto tipo de espectadores piden, cuando los resultados económicos les animan a continuar por la misma senda. Me imagino que en todo ello juega una importante baza el factor nostálgico, que permite que muchos padres y madres puedan llevar a sus retoños al cine a ver la versión "realista" de esa película que les encandiló cuando eran pequeños. Pero el encanto de lo clásico no lo puede sustituir aún la animación CGI.

Otro detalle peliagudo sería que bastantes de esas películas tenían una duración estándar ajustada, que hacía que funcionaran bastante bien, pero sus remakes se dilatan añadiendo detalles que en la mayoría de las ocasiones no solo no aportan nada, sino que además merman el mérito de lo que si funcionaba en la película original, aquí tan solo parasitado. Eso es lo que pasa por ejemplo en esta versión que alcanza los 135 minutos, cuando la original de 1989 apenas llegaba a la hora y media de duración (y el cuento original de Hans Cristian Andersen, que leí hace poco por primera vez, tampoco es que sea una obra muy extensa, sino más bien lo contrario, pese a lo curioso de tener implícitas entre las líneas de sus menos de un centenar de páginas un mensaje LGTBI que desconocía, por la condición sexual de su autor)

Otra polémica que ha arrastrado esta película antes de su estreno ha sido el cambio racial de la protagonista Ariel: una aberración para muchos, si bien ahí tengo que romper una lanza por sus responsables, ya que aparte de que pueden hacer lo que les venga en gana (si bien si "vendes" que eres fiel, ¿porque no serlo al 100%?), el cuento original da pie a todas las interpretaciones que quieras sacar de ello, por lo que no hay ningún problema si es de raza blanca y pelirroja (como en el film animado de 1989) o como Halle Bailey (la actriz afroamericana que la interpreta aquí) De hecho la mayor sorpresa me la he llevado con ella, ya que derrocha carisma en todo momento, además de tener una voz prodigiosa (como queda patente cuando entona el mítico tema Part of your world), por lo que hace un papel lo suficientemente solvente para convencer, más allá de los problemas raciales de cierto sector más extremista. Contrariando a su padre, la inicial y rebelde búsqueda de conocimientos por parte de esta Ariel, más allá de que luego eso derive en una más tópica defensa del amor, dota a la protagonista de unos matices más sutiles, que le permiten conectar con el espectador.

Vamos, que si fuera por ella, Bailey consigue el encanto suficiente para sobrellevar la película. Pero los problemas vienen, como he citado más arriba, porque lo que funcionaba en la película animada sigue funcionando aquí, pero la parasitación de aquello, como en si hacen todas estas nuevas versiones respecto a sus antecesoras, deviene en un problema parecido al que tuvo el remake de El rey león: la animación permite una libertad que choca contra la realidad de las cosas, por lo que no puedes pedirle expresividad a algo que quieras que se parezca a un animal REAL, porque los animales no la tienen. Si ello se hacía bien patente en aquella, aquí también salta a la vista con Sebastian, Flounder y Scuttle, tres animales que quieren aparentar ser reales pero con los recursos de sus homónimos animados, lo que provoca la perenne sensación de irrealidad cada vez que cualquiera de ellos aparece, siendo sostenibles tan solo por los intérpretes que les ponen voz. Dicha irrealidad se hace extensible a todo el impostado mundo submarino que se muestra, ya que no se puede aparentar una colorida realidad, y desarrollarla con los fantasiosos recursos de la animación clásica.
 
Resulta bastante curioso que, como he indicado antes, se dilate el metraje respecto a la película original, pero luego haya personajes como las seis hermanas de Ariel, que apenas aparecen fugazmente, sin ahondar luego en ninguna de ellas. Se ve que el Rey Tritón (al que encarna con corrección Javier Bardem) gobierna los siete mares y ha tenido una hija en cada uno de ellos. En cuanto al resto del reparto, el príncipe Eric al que encarna Jonah Hauer-King no aporta ningún detalle digno de mención (aunque no desentona), mientras que la villana a la que da vida Melissa MacCarthy da la sensación de estar algo contenida, supongo que por los evidentes límites de la realidad respecto a la animación que he citado antes, pese a que la propia actriz ha triunfado sobretodo en el género de la comedia algo desmadrada. En resumidas cuentas este remake de La Sirenita no es ni mejor ni peor que la mayoría de los que la han precedido (y ya veremos de los que están por llegar), siendo una operación de marketing entretenida pero globalmente lejos del emblemático film del que parte, más allá de aciertos puntuales resueltos con mayor o menor solvencia.
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  • FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 26 de mayo de 2023.
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