FERRARI, sin gasolina en las venas (crítica sin spoilers)

Este pasado 2023 llegaron a la cartelera dos películas de dos veteranos directores octogenarios, que han demostrado su talento en la amplia y variada filmografía de cada uno de ellos. Me imagino que la idea de las respectivas productoras de ambos títulos sería el intentar conseguir el máximo de nominaciones en esa temporada de premios que hay cada final de año, pero digamos que "el tiro les salió por la culata". Las dos películas a las que me refiero son Napoleon de Ridley Scott (que sólo ha logrado nominaciones en los apartados técnicos) y esta Ferrari de Michael Mann (con una suerte similar en cuanto a premios, a lo que añadir el total ninguneo en los próximos Oscars) 

 

La primera en mi caso tengo que admitir que me gustó, si bien seguro que será algo mejor en esa versión extendida de cuatro horas y diez minutos que se estrenará cuando la película llegue a su plataforma de streaming (Apple TV), lo que le ha valido cierta "reprimenda" crítica respecto al hecho de estrenar algo que sería tan sólo la versión parcial de una película más completa. 

 

Por su parte el Ferrari de Michael Mann llega a las pantallas de cine españolas el próximo 9 de febrero, desde su presentación en el pasado Festival de Venecia, y con un elenco actoral encabezado por Adam Driver, Penélope Cruz y Shailene Woodley (entre otros), en lo que sería un proyecto en el que estaba muy interesado su director Michael Mann desde hace bastante años.

Una vez vista cabe preguntarse si su responsable se vio sobrepasado por el trabajo, o si tan solo le interesaba lo que le interesaba (las escenas de coches lucen con más intensidad que todo lo demás), ya que esta adaptación de la obra de Brock Yates titulada Enzo Ferrari: The man, the cars, the race, the machine no toca ni de lejos todos los puntos citados en dicho libro, ya que se centra más en todo lo relacionado con la marca comercial que en el resto, quizás por no ser un biopic como tal sino la narración de un año específico en su vida: 1957. En la citada fecha se sitúa a Enzo Ferrari haciendo frente a varias problemáticas: por un lado la turbulenta relación con su esposa (a cargo de una Penélope Cruz imitando el estilo de las actrices italianas de aquella época), por otro la pérdida de su hijo (drama que tienen aún muy presente), a lo que añadir las presiones de su amante para que legalice a su hijo ilegítimo, que su empresa está al borde de la ruina y la presión para ganar la Mille Miglia para revalorarizar su nombre comercial.

Resulta curioso que siendo esta película sobre quien es, no abunden más las escenas de carreras de coches, si bien cuando alguna toma presencia, ahí si parece notarse el brío y la energía de Michael Mann (pese a la resolución de las dos escenas principales de accidentes que tiene el presente film: una en el tramo inicial, donde resulta muy evidente el maniquí que hace de víctima que salta por los aires, y otra más trágica en el tramo final, mostrada con una minuciosidad analítica que parece ajena al tono de esta película) El resto se mueve entre la superficialidad con la que está mostrado el matrimonio del protagonista (donde las apariencias y el interés comercial fagocitaron el amor), un cierto tono culebronesco en general, que intenta ser épico sin conseguirlo, y un soso desarrollo narrativo, que peca de un total desinterés hacia lo que nos está mostrando. En resumidas cuentas Ferrari parece mentira que haya sido dirigida por Michael Mann, porque salvo en las escenas de coches (que si lucen), el resto es un relato desganado y anódino.

CALIFICACIÓN: Regular (2/5)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 9 de febrero de 2024.
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LA FORTALEZA DE PAPEL / SPIDERMAN INDIA / WHAT IF: MÁS ALLÁ DE LOS LÍMITES / ANTES DE WATCHMEN: RORSCHACH (reseñas)

LA FORTALEZA DE PAPEL

Si Osamu Tezuka es brillante en mangas extensos, eso se repite en historias cortas como las que conforman este tomo titulado La fortaleza de papel, en el que se recopilan siete relatos cortos que pivotan sobre dos ejes principales: lo autobiográfico (bien sea él mismo o algún émulo de fácil identificación) y lo histórico (con pequeños retazos del Japón del final de la Segunda Guerra Mundial, dejando muy claro porque Tezuka siempre fue un firme defensor de la paz) De hecho hay incluso un relato (La historia de Tokiwa-sô), que aunque entraría en lo autobiográfico, se desarrolla desde el punto de vista del edificio donde estuvo Tezuka durante un periodo de tiempo, abarcando desde la edificación del mismo hasta su posterior derrumbe, y los varios artistas que pasaron por él. Pero lo brillante del presente tomo sería ver como fue el camino del autor para convertirse en el Dios del Manga narrado desde su propio punto de vista, logrando que el lector empatice con sus éxitos, se lo pase bien con sus anécdotas (por ejemplo Y llegó una carta) y se compadezca de él cuando nos muestra sus penurias. Sin duda excelente tanto en la narrativa como en el apartado gráfico.

CALIFICACIÓN: Excelente (5/5)

• La fortaleza de papel, ficha editorial por este enlace y ficha de la biblioteca por este otro.

SPIDERMAN INDIA

Ha tenido tantas variantes el arácnido de Marvel como para que Universo Spider-Man haya sido no solo una franquicia rentable en viñetas sino que también en su (más o menos) trasvase fílmico. De las muchas variantes que se vieron allí había una india, que en la secuela cinematográfica cobraba una relativa importancia argumental, pero de la que no conocía nada más que lo visto allí... hasta ahora. Se recupera en este tomo una serie limitada de cuatro números que en origen vio la luz a principios de 2005, la cual se podría tomar como una especie de What If donde vemos el origen del personaje y la presentación de algunos de sus villanos más recurrentes (Duende Verde, Octopus y Veneno), todo ello adaptado a la India, mediante poderes ancestrales. De esa manera la esencia del origen de este superhéroe se mantiene, más allá de que aquí Peter Parker se llame Pavitr Prabhakar por poner un ejemplo, si bien en cierto momento hay una disyuntiva con el superhéroe que recuerda a la de la primera película de Sam Raimi (cuando el Duende Verde amenaza a la tía May y Mary Jane, con opción a salvar sólo a una, algo paralelo aquí con la tía Maya y Meera Jain)

CALIFICACIÓN: Entretenido (3/5)

• Spiderman India, ficha editorial por este enlace y ficha de la biblioteca por este otro.

WHAT IF: MÁS ALLÁ DE LOS LÍMITES

Aunque de los tomos que editaban por primera vez en España de forma completa la primera andadura de la cabecera What If me he leído primero el tercero, titulado Imagina (reseña por este enlace) y en segundo lugar el primero, titulado Orígenes (reseña por este enlace), ahora he dado buena cuenta del tercero, que sería el segundo en orden, titulado Más allá de los límites y que incluye los números 13 al 23 de la cabecera titular, quedándome ahora pendiente tan solo el cuarto tomo titulado Destinados, con el que se completa esta edición. En cuanto al presente, y siempre con la ventaja de What If de ser historias autoconclusivas (lo que permite que su orden de lectura pueda ser aleatorio y no literal), digamos que hay un poco de todo, con algunos destacados como el inicial dedicado a Conan, que en su momento ya me leí en el tomo de What If dedicado al bárbaro cimmerio, u otros como el de Spider-Man si hubiese detenido al ladrón que mató a su tío Ben (o Peter Parker siendo Nova, o May siendo arácnida), a lo que añadir la ausencia del 16 centrado en Shang-Chi, debido a problemas legales con el personaje de Fu-Manchú, también presente en dicha historia.

CALIFICACIÓN: Entretenido (3,5/5)

• What If: Más allá de los límites, ficha editorial por este enlace y ficha de la biblioteca por este otro. 

ANTES DE WATCHMEN: RORSCHACH

De las precuelas de Watchmen editadas en su momento había leído yo de la biblioteca las de Buho Nocturno y Doctor Manhattan (la reseña por este enlace), Espectro de Seda y Minutemen (la reseña por aquí) y la de El comediante (reseña por este enlace), sumándose ahora a dicha lista la de Rorschach, mi personaje preferido de la clásica Watchmen, y que ahora he podido leer de la biblioteca en la edición DC pocket de ECC editada en 2022. En el presente caso esta precuela es de lectura entretenida, pero raquítica en novedades dignas de mención sobre el personaje titular, situando a Rorschach en una trama funcional pero algo genérica entre una mafia de trata de blancas y un asesino en serie, todo ello con un guion a cargo de Brian Azzarrello y un apartado gráfico de Lee Bermejo. En resumidas cuentas digamos que esta precuela podía haber optado por ahondar en la parte más psicológica e interesante del personaje y Walter Kovacs (la persona tras la máscara), pero se centra en una trama en exceso sencilla para los precedentes y el mito de la obra original, por lo que no me extraña las reticencias iniciales ante un proyecto como este.

CALIFICACIÓN: Entretenido (3/5)

• Antes de Watchmen: Rorschach, ficha editorial por este enlace y ficha de la biblioteca por este otro.

LOS TRES MOSQUETEROS: MILADY, crítica sin spoilers de esta secuela

Esto de rodar las películas a pares (o de tres en tres) no es algo nuevo: como ejemplos más o menos recientes se podría citar las entregas 2 y 3 de Regreso al futuro o de Matrix (rodadas al unísono y estrenadas con un año de diferencia en el primer caso, y con apenas pocos meses el segundo) o la trilogía de El Señor de los Anillos (rodada de forma integral y luego dividida en tres entregas que se estrenaron en tres años consecutivos) De hecho el propio Peter Jackson intentó "repetir" la jugada con El Hobbit, pero los resultados ya no dejaron satisfechos a todos por igual, al alargarlas innecesariamente. Otro ejemplo (hay más que podría citar) serían las dos Kill Bill de Tarantino, separadas pero que bien podrían haberse unificado.

 

Y luego también está, más allá de que sea coherente o no a la historia, el hecho de dividir adaptaciones literarias en dos entregas con la idea de, si es posible, recaudar el doble en taquilla, siendo el ejemplo más palpable los dos films que adaptaron Harry Potter y las reliquias de la muerte. ¿Es esa la jugada que han pretendido con esta nueva versión dirigida por Martin Bourbolon de Los tres mosqueteros? En abril del 2023 llegó a las salas de cine de este pais la primera entrega, con el subtítulo de D'artagnan, mientras que ahora se estrena en España la secuela, esta con el añadido de Milady. Si sumamos los metrajes (121 minutos aquella, 115 esta) el resultado final de este díptico serían casi cuatro horas, lo cual puede explicar la decisión final de dividirlo en dos cintas para hacerlo comercialmente más viable... ¿o no?

 

Desde que llegó hace menos de un año la primera entrega de esta nueva adaptación de la obra de Dumas, se han estrenado películas como Los asesinos de la luna de 3 horas y media de metraje, o el Napoleón de Ridley Scott de dos horas y media (pero con el anuncio de una versión de cuatro horas que se estrenará cuando llegue a su plataforma de streaming) Incluso Zack Snyder tuvo sus cuatro horas de Liga de la Justicia, y ahora tiene una versión extendida de su Rebel Moon para Netflix que no me extrañaría que fuera de una duración similar (partiendo de que en origen es una película en origen dividida en dos también por su extensión, siendo en abril cuando llegará la secuela a dicha plataforma, por lo que la suma de ambas sin versiones extendidas ya ofrecerá cuatro horas) La única explicación a lo que han hecho con este díptico sería que al ser la película francesa, no hay en Europa una opción similar a la de algunos de los ejemplos que he citado, siendo su destino el que ha tenido, o haberse estrenado como miniserie televisiva.

Y es que cuando acaba esta segunda entrega titulada Milady te das cuenta de que la historia AÚN PUEDE DAR MÁS DE SI, quedando la ilusión de que si se lleva a cabo una tercera entrega (eso depende de la recaudación de estas dos), la misma se concrete en los personajes encarnados por Vincent Cassel y Eva Green, que son los más emblemáticos e interesantes por la relación en la ficción que los une (de hecho ella es enfocada, más que como villana al uso, como mujer que se vale de artimañas femeninas para sobrevivir en un mundo dominado por los hombres) Entonces es cuando uno piensa que quizás el formato más adecuado para esta adaptación tendría que haber sido mejor una miniserie televisiva de lujo, que pudiera haberle rendido el mérito que se merece al clásico de Alejandro Dumas (sin despreciar por ello este díptico, que en el presente caso se decanta por ser totalmente continuista con el film precedente, tanto en sus virtudes técnicas y de puesta en escena, como en el handicap de narrar una historia archiconocida) 

 

El cambio más evidente entre D'artagnan y Milady sería que si la primera se dedicaba a plantear el terreno de juego, en esta comienza la partida, teniendo unas mayores dosis de acción (sirva de ejemplo el asedio a La Rochelle), que de nuevo en ocasiones resulta algo confusa. También puede haber discrepancias en la corrección histórica de un nuevo personaje que aparece aquí llamado Hannibal, pero el mismo tendría justificación histórica adecuada. Por lo demás continúan las intrigas palaciegas planteadas en el film precedente, que llevarán a los mosqueteros a intentar evitar un conflicto entre Francia e Inglaterra, todo ello precedido de un prólogo que sirve para recordar como quedó todo en la primera cinta, que sirve aún más para darle a este díptico la definición de folletín, en el que se englobaría la obra literaria original. Su final abierto deja la esperanza de que esta no sea la última vez que veamos en acción a estos míticos personajes, con la esperanza de que se centre en los dos que he citado unas líneas más arriba.

 

CALIFICACIÓN: Entretenida (3/5)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 26 de enero de 2024.

POBRES CRIATURAS, fascinante extravagancia (crítica sin spoilers)

Admito que así, de entrada, Pobres criaturas no era un film que me llamara la atención. Y es que lo primero que me "sorprendió" (y no precisamente para bien) de esta película fue un primer póster que sencillamente tildaría de horroroso, donde una actriz tan guapa como Emma Stone salía (valga el apelativo) como un adefesio. Pero parece ser que cuando se afea la belleza es cuando se valora más y mejor la labor artística, ya que al igual que le ocurrió a Charlize Theron (que ganó un Oscar a mejor actriz en 2004 por Monster, afeando bastante su aspecto), las previsiones dan posibilidades a que Emma Stone gane un segundo Oscar tras el que logró por La ciudad de las estrellas (La la land) en la ceremonia de 2017.

 

Ya se sabe que el aspecto físico no deja de ser algo tan solo temporal, y los (buenos) interpretes juegan con dicho factor para demostrar su polivalencia artística. Ese parece ser el camino emprendido por Emma Stone, a la que conocí como Gwen Stacy en las dos entregas de The Amazing Spider-Man, aunque antes la había visto en Zombieland y su posterior secuela, pero que probó otros horizontes en títulos como Birdman, La batalla de los sexos o la antes citada La la land. En este caso Pobres criaturas sería su segunda colaboración con el director Yorgos Lanthimos (del que admito no haber visto ninguna película suya en el momento de escribir esta crítica) después de La favorita, film que no he visto aún pero no descarto, en el que Emma Stone está también rodeada de un elenco bastante llamativo.

En este caso acompañada en el reparto por Willem Dafoe y Mark Ruffalo como nombres más conocidos, la presente Pobres criaturas se estrena por fin en España tras una carrera de avales que comenzó con el León de Oro a mejor película en el pasado Festival de Venecia, así como una multitud de nominaciones en los más diferentes premios, de los cuales ya ha ganado varios su protagonista principal. ¿En serio es para tanto? Pues tengo que admitir que una vez vista la respuesta sería afirmativa, aunque con matices: un error muy común en el panorama cinematográfico actual es no saber cortar las cosas a tiempo, y este film es una nueva prueba de ello ya que sus 141 minutos podían haberse quedado de forma clara en un metraje más común que rondara las dos horas. Esos excesos se hacen evidentes en momentos en los cuales se recrea ociosamente en secuencias que, siendo prácticos, ya han contado todo lo que tenían que contar (lo cual resulta curioso porque luego tiene momentos visuales realmente bellos que sinceramente se me hicieron incluso cortos)

 

Pobres criaturas vendría a ser algo así como una apología del feminismo (en una época en la que la mujer era poco más que la posesión de su marido o tutor, obediente y sumisa) envuelta en un apartado visual y de ambientación portentoso (estéticamente es bastante transgresora), mostrando una sociedad victoriana alternativa con referentes steampunk, en una historia con detalles que pueden recordar al clásico Frankenstein. La protagonista es Bella Baxter (encarnada por solvencia por Emma Stone), una mujer revivida por un desfigurado doctor (papel para Willem Dafoe), cuya mente infantil desea aprender y ver mundo, lo que en principio se le niega. Cuando ve la oportunidad un abogado bastante sinvergüenza (Mark Ruffalo) se la llevará para mostrarle nuevos horizontes, al mismo tiempo que se aprovecha sexualmente de ella por su inocencia; en un periplo que para Bella será iniciático, siendo especialmente llamativo su desinhibición hacia todo lo relacionado con el sexo (sirva de ejemplo lo que ocurre en Paris)

En resumidas cuentas estamos ante una película bastante destacable (en especial por la labor de su actriz principal, que no se corta ante nada incluso en unas escenas con connotaciones sexuales bastante explícitas), cuyo apartado visual es por momentos tan surrealista (ver las escenas rodadas cual si fuera un ojo de pez) como hermoso (los detalles steampunk son brillantes), mezclando con acierto el clásico blanco y negro (en el tramo inicial) con el color (a partir de que Bella expande sus horizontes) No descarto que algunos detalles puedan resultar ofensivos para ciertos espectadores, pero el resultado final de esta adaptación de la novela homónima de Alasdair Gray es sin duda alguna un espectáculo visual fascinante, a la par que una extravagancia narrativa sorprendente (los conceptos que maneja en un principio puede parecer que cuadran poco entre si), que quizás podía haber llegado a ser mejor de no ser tan autocomplaciente consigo misma, por un metraje claramente dilatado en exceso y que se podía haber reducido en la sala de montaje.

 

CALIFICACIÓN: Buena (4/5)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 26 de enero de 2024.
• Galería de posters por este enlace.

JUNJI ITO ARTWORK: MUNDO GROTESCO / HAY ALGO MATANDO NIÑOS #5 / IBÁÑEZ: EL MAESTRO DE LA HISTORIETA / y más reseñas

JUNJI ITO ARTWORK: MUNDO GROTESCO

Por este blog he realizado reseñas de novelas, libros, cómics, mangas, etc. pero casi me atrevería a decir que esta es la primera vez que referenció un producto como este: un libro de ilustraciones. Aunque no es de un autor cualquiera, sino del aclamado mangaka Junji Ito, del que probablemente me haya leído todo lo que se ha editado de él de las bibliotecas, y del que siempre me quedará el regomello de no poder haber conseguido firma suya cuando vino para el Salón del Manga de 2016. Este libro recopila material de Ito con motivo de su 30 aniversario como autor, el cual se celebró en 2017, siendo una efemérides de la que ya hace casi un año leí un tomo recopilatorio de la biblioteca. En una envidiable edición, este Mundo grotesco recopila más de un centenar de láminas y dibujos realizados por el autor con todo tipo de métodos (acuarela, oleos, acrílico, tinta, etc.) y reunidos en tres grandes grupos: los dos primeros centrados en Tomie y Uzumaki, más un tercero más amplio, que bajo el título de Otras obras recopila una gran variedad de ejemplos de la gran maestría de Junji Ito para recrear todo tipo de escenas, siendo predominantes las del terror más grotesco y perturbador.

CALIFICACIÓN: Bueno (4,5/5)

• Junji Ito Artwork: Mundo grotesco, ficha editorial por este enlace y ficha de la biblioteca por este otro.

HAY ALGO MATANDO NIÑOS #5

Nuevo tomo de esta serie con un título tan llamativo (los previos están reseñados aquí, aquí y aquí) que nos plantea un nuevo caso para su protagonista Erica Slaughter, en una trama que puede dejar con la sensación de que estamos ante un esquema similar al del arco argumental con el que despuntó, si bien tiene detalles interesantes, como el personaje de Gabriella (la rebelde única testigo del ataque del nuevo monstruo, que vendría a ser algo así como un reflejo de la propia protagonista) Pero este nuevo caso para Erica entablará problemas, ya que tras abandonar la Casa Slaughter, la Orden de San Jorge no se lo pondrá fácil, poniendo precio a su cabeza. Será interesante ver como evoluciona esa línea argumental, así como el uso que hagan de un personaje como el de Gabriella, pero mientras tanto este quinto tomo de la serie sigue siendo entretenido (aunque ya menos sorprendente) El funcional guion de James Tynion IV está trasladado a nivel gráfico de nuevo por Werther Dell’Edera, realizando una composición bastante más clara que en anteriores entregas, donde las dobles páginas podían dar lugar a confusión.

CALIFICACIÓN: Entretenido (3/5)

• Hay algo matando niños #5, ficha editorial por este enlace y ficha de la biblioteca (de la serie) por este otro.

IBÁÑEZ: EL MAESTRO DE LA HISTORIETA

Que duda cabe varias generaciones de españoles se han criado con los cómics de Francisco Ibáñez, de forma especial con la serie que le dio fama infinita: Mortadelo y Filemón. Pero Ibáñez era mucho más que eso, porque suyas son también otras cabeceras como Pepe Gotera y Otilio, El botones Sacarino, Rompetechos (la preferida del autor) o 13 Rue del Percebe. Ante semejante legado no dudé de que en cuanto este libro estuviera en la biblioteca iría a por él, como ya he hecho. En esta obra de Jordi Canyissà se analiza la obra del maestro Ibáñez (por más que él, humildemente, nunca se viera como tal) dividida en cuatro apartados: El dibujo, el humor, las historietas y los homenajes. En los mismos se repasa el estilo gráfico y la evolución del autor en el primer capítulo, su forma de representar el humor (tan característica de él) en el segundo, para ya en el tercero mostrar su diseño de las historias, bastante más profundo de lo que uno en inicio pudiera pensar. El cuarto es un recopilatorio con los testimonios de varias figuras de la cultura popular, algunas de ellas representando personajes de Ibáñez trasladados al particular estilo de cada uno, dando a luz en conjunto una obra que lamentablemente es póstuma, pero sin lugar a dudas muy didáctica e instructiva.

CALIFICACIÓN: Bueno (4,5/5)

• Ibáñez: El maestro de la historieta, ficha editorial por este enlace y ficha de la biblioteca por este otro.

Y ADEMÁS

• La industria de los sueños 3: ¡Secuela maestra!.
• La Bella y la Bestia (manga)

TED, la precuela en serie del oso chistoso (crítica sin spoilers)

Aunque ahora con la inteligencia artificial pueda parecer que todo está calculado para que según que tipo de proyectos realizados bajo según que parámetros destaquen y/o triunfen, siempre hay margen para la sorpresa y en ocasiones hay determinados productos que se convierten en inesperados éxitos. Eso en cine es usual, y en 2012 una de esas sorpresas fue la película Ted, una comedia dirigida por Seth McFarlane (responsable de series de animación para adultos como Padre de familia o American Dad), que con un presupuesto de apenas 50 millones de dólares logró alcanzar una recaudación mundial de casi 550.

Hay que reconocer que el citado film partía de una premisa ingeniosa: un chaval había pedido de pequeño el deseo de que su oso de peluche fuera real, y el deseo le fue concedido. El problema radicaba en que ese chaval había crecido y se había hecho un hombre (encarnado en la película por el actor Mark Wahlberg), pero su peluche también había madurado, planteándose a partir de ahí unos divertidos problemas de convivencia y evolución antes las responsabilidades que conlleva ser un adulto. Es justo indicar que el film en su momento lo vi con su doblaje español, con detalles autóctonos que descolocaban un tanto.

 

El éxito llevó a su secuela en 2015, tres años después: Ted 2 amplió su presupuesto a 68 millones de dólares, pero su recaudación menguó hasta un cómputo global de casi 216, y salvo por un remake indio en 2021 la franquicia se estancó hasta ahora.

Lógicamente era absurdo continuar con algo que claramente no daba más de si, ya que tras la novedad inicial, la secuela simplemente ofrecía más de lo mismo, pero con un error bastante común en las comedias de Seth McFarlane: alargar demasiado historias y planteamientos que daban para un metraje de entre 90 a 100 minutos, lo cual quedaba más o menos contenido en el caso de la primera película (106 minutos), pero que se hacía palpable y evidente en la segunda (cercana a las dos horas) Cabe indicar que el problema persiste en esta precuela en formato serie, con una temporada de 7 episodios siendo el más breve de 33 minutos, alargando justo el modelo de sitcom que parodia (que suele oscilar entre los 20 y 25 minutos) con resultados entretenidos en conjunto, pero demasiado irregulares en su desarrollo, aunque eso la he llevado a un éxito (donde se ha estrenado) que me atrevería a afirmar que no descarta más futuros episodios.

Pese a todo esta temporada funciona en parte por el elemento nostálgico, ya que ambientada cuando el protagonista era un chaval de 16 años eso nos sitúa en 1993, por lo que en algunas características se puede considerar paralela a El joven Sheldon, precuela de The big bang theory y ambientada más o menos por la misma época. El John Bennett encarnado por Mark Wahlberg en las películas tiene aquí los rasgos de un correcto Max Burkholder, que sabe gestionar bien la papeleta, o como mínimo mejor que sus padres en la ficción, encarnados por Scott Grimes y Alanna Ubach. Si el joven John Bennett representa el típico adolescente más o menos panoli visto en una infinidad de ejemplos (predecible pero asumible, ya con retazos de la personalidad vista en las películas), los progenitores resultan por momentos hasta irritantes porque Matty, el padre, sin duda es un MACHISTA CAFRE y Susan, la madre, una PÁNFILA BEATA.

 

Justo en el caso de la madre puede recordar a la también beata madre de El joven Sheldon, si bien allí la actriz Zoe Perry consigue que empaticemos con su personaje y no aparente ser tan rematadamente panoli como el aquí encarna Alanna Ubach. Otro tanto se puede decir al comparar al progenitor masculino de ambas series, siendo allí comprensible el George Cooper de Lance Barber frente, en este caso, al Matty Bennett de Scott Grimes, que vendría a ser todo un ejemplo de machismo tóxico (que igual era la intención, de cara a mostrar lo ridículo que es, pero al final lo hacen tremendamente irritante de puro exceso) Para compensar se une a la familia Blaire Bennett (Giorgia Whigham), una prima de John algo mayor que él, pero que sabe poner un necesario sentido común cuando el mismo escasea en la vida del joven protagonista teniendo en cuenta los padres que tiene, y que su único amigo es un peluche parlanchín.

¿Y la estrella de la función, el oso Ted? Lo conocemos con un carácter perfilado bastante similar al visto en las películas, pero aquí aplicado en inicio al ámbito de un instituto americano cuando le fuerzan a que vaya al colegio con John. En los siete episodios de esta temporada vemos el origen por la afición por Flash Gordon y la maría del protagonista humano y su oso, así como sus desatadas conversaciones sobre los temas más absurdos (llevados hasta límites aún más absurdos), junto con un ligero toque de crítica al bullying en las aulas, así como el sempiterno tema adolescente de no ser el último a la hora de perder la virginidad, unidos a otros temas relacionados con el núcleo familiar. Porque en si esto no deja de ser una parodia de las sitcom de la década de los noventa, si bien fallando al extender demasiado algunas situaciones que llevan a que si te reiteran la misma gracia varias veces, al final no sea tan graciosa.

 

CALIFICACIÓN: Entretenida (3/5)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN PEACOCK: 11 de enero de 2024.

VENDIMOS NUESTRAS ALMAS / EL VIAJE DE SHUNA / SPIDERMAN 2099: LA COLECCIÓN COMPLETA VOL.1 / EL HOMBRE Y EL GATO (5 a 7)

VENDIMOS NUESTRAS ALMAS / ENS HEM VENUT L'ÀNIMA

Resulta curioso que Grady Hendrix haya tenido dos novelas entre las recientes novedades, que en ambos casos ya he podido leer de la biblioteca: si hace poco reseñaba Como vender una casa encantada, ahora le toca el turno a Vendimos nuestras almas, con la curiosidad de que esta última SÓLO estaba en el catálogo de las bibliotecas EN CATALÁN (Ens hem venut l'ànima), lo cual me parece curioso teniendo en cuenta que de otras obras de otros autores te puedes encontrar las versiones castellana y catalana, que conviven sin ningún problema. Más allá del citado detalle idiomático tengo que admitir que el autor consigue de nuevo entretenerme con una historia que, por sus muchas referencias musicales, sea igual más del agrado de los aficionados al heavy metal. Pese a ello, y a cierta previsibilidad que el mismo título ya desvela, admito que supo mantener mi interés hasta un final que intenta reivindicar la epicidad de esos multitudinarios conciertos de este estilo, aplicado a la vertiente terrorífica escogida por el autor.

CALIFICACIÓN: Entretenido (3/5)

• Vendimos nuestras almas, ficha editorial por este enlace y ficha de la biblioteca (sólo en catalán) por este otro.

EL VIAJE DE SHUNA

Esta obra se edita por fin en España tras 40 años (que se dice pronto) ya que Hayao Miyazaki (nombre del que poco hay que añadir, porque su nombre y su legado ya es historia del Arte con mayúsculas) estaba interesado por aquel entonces en adaptar la leyenda tibetana El príncipe se convirtió en perro, pero ante la imposibilidad de concretarlo en imágenes, se decantó por esta versión en "manga". Y lo de manga lo pongo entre comillas porque en los anexos de la obra se califica a la misma como emogatari, que viene a significar que es una historia ilustrada, ya que la gran mayoría del relato sería una narración con texto explicativo (y en ocasiones hasta sin él), usándose los bocadillos de diálogo tan solo para momentos puntuales. Es por ello que esta adaptación de la ancestral leyenda sobre como llegó el cultivo de cebada al Tíbet destaca sobretodo a nivel visual, siendo una maravilla disfrutar del estilo gráfico con acuarelas de Miyazaki, que ya dejaba intuir mucha de esa grandeza que luego transmitió a su obra cinematográfica.

CALIFICACIÓN: Buena (4/5)

• El viaje de Shuna, ficha editorial por este enlace y ficha de la biblioteca por este otro.

SPIDERMAN 2099: LA COLECCIÓN COMPLETA VOL.1

El famoso superhéroe arácnido de Marvel ha dado para TANTÍSIMO que cuando me aficioné a él bien pronto asumí que abarcarlo todo era una tarea titánica. Aún así cuando aparecen ciertas oportunidades de recuperar algo que tenía colgado las aprovecho, y es lo que he hecho al coger de la biblioteca el primer volumen de la colección completa de Spiderman 2099. La línea editorial 2099 nació en 1993, y una nueva versión del arácnido nació de las manos de Peter David, pero intentando desde inicio que Miguel O'Hara (el nuevo superhéroe bajo una nueva máscara con connotaciones étnicas) se distanciara lo máximo posible de Peter Parker, tomando incluso derroteros técnicos (como telarañas orgánicos en lugar de mecánicos) que inspiraron para el primer Spiderman de Sam Raimi. El futuro donde vive este personaje me recordó al de los cómics del Juez Dredd, dejando dudas en el aire sobre que fue lo que llevó hasta él, y es justo citar un guiño de humor negrísimo a cuenta de la Tía May que se permite el autor por boca de Lyla, la inteligencia artificial del apartamento donde vive el protagonista. En resumen una entretenida variante del original, que sabe mantener su esencia aún innovando, y que pese a que al final acabó cancelándose, siempre ha estado más o menos presente en el universo Marvel.

CALIFICACIÓN: Entretenido (3,5/5)

• Spiderman 2099: La colección completa vol.1, ficha editorial por este enlace y ficha de la biblioteca por este otro.

EL HOMBRE Y EL GATO (5 a 7)

Más de un año después de haberme leído de la biblioteca las cuatro primeras entregas, he podido dar buena cuenta de los tomos 5 al 7 de El hombre y el gato, una serie manga de Umi Sakurai que es toda una delicia emotiva para aquellos que tenga o hayan tenido mascota, máxime si la misma ha sido un gato. Centrada en el antiguo pianista Fuyuki Kanda y su gato Fukumaru, el quinto tomo relata de forma principal como viven cada uno de ellos el hecho de que el felino se pierda debido a cierto incidente, mientras que una vez solventada de manera muy emotiva dicha problemática, en el sexto un amigo del protagonista humano le pide que le cuide a su gato mientras se ausenta, que coincide ser la hermana del propio Fukumaru. En el tomo 7 el hijo de otro pianista obsesionado con Kanda, gracias a unos gatitos abandonados, aprenderá a ser una mejor persona; y es que de hecho toda este manga está orientado en mostrar como los que tienen mascotas de forma responsable, eso les ayuda a ser unos mejores seres humanos.

CALIFICACIÓN: Entretenido (3/5)

• El hombre y el gato, ficha editorial (de la serie) por este enlace y ficha de la biblioteca (también de la serie) por este otro.

ECHO, el ¿preámbulo? a DAREDEVIL: BORN AGAIN (crítica sin spoilers)

Desde que comenzó la moda de los superhéroes de Marvel en cine era tan solo cuestión de tiempo que aterrizaran en otros medios. Ese fue la televisión, primero con las series que llevó a cabo Netflix (Daredevil, Jessica Jones, Luke Cage, Iron Fist, Punisher y The Defenders), y luego ya con las de Disney Plus (donde desde que se inauguró con Wandavision ha habido una gran variedad tanto de ofertas como de resultados) No han sido las únicas, pero digamos que las mencionadas son las que han tenido una mayor repercusión, hasta el punto de que muchos enarbolan con toda la razón que el tono a seguir en algunos de esos casos tenía que haber sido el de (sobretodo) la primera temporada de Daredevil en Netflix, por su forma descarnada de plasmar la violencia.

Quizás como relativo preámbulo a esa Daredevil: Born again que realizará Disney para su plataforma de streaming, con parte del reparto original del Daredevil de Netflix (Charlie Cox como Matthew Murdock/Daredevil y Vincent D'Onofrio como Wilson Fisk/Kingpin) se ha estrenado esta Echo bajo el (nuevo) sello Marvel Spotlight, con el que se "justifica" sobretodo una visión más descarnada de la violencia, al igual de la que hacía gala la serie de Netflix. En cuanto a intenciones les honra, de cara a buscar nuevos objetivos de público, pero en resultados Echo resulta algo discreta.

El problema más grave arrastrado por esta serie es el mismo del que también se resienta otras futuras como esa Agatha: Darkhold diaries (antes conocida como Coven of chaos), que parten de personajes secundarios de series previas que han resultado más o menos llamativos, y a los que se les concede una serie sin mayor justificación de si son una propuesta atractiva para ello, o simplemente se sacan ideas hasta debajo de las piedras. En el caso citado el personaje encarnado por Kathryn Hahn en Wandavision ha dado pie a ello, y en el presente la (relativa) villana de la serie Ojo de Halcón es la que recibe esta serie de apenas 5 episodios, que se estrenaron todos a la vez el pasado 10 de enero (cuando la tónica habitual hasta el momento era el estreno semanal de un nuevo episodio hasta completar la media de 6 episodios por temporada que han tenido hasta el momento la mayoría de ellas)

 

El personaje protagonista es Maya López, una nativa americana sordomuda (al menos en los cómics) y que tiene una pierna protésica (esto añadido en la serie por ser la condición de su actriz protagonista Alaqua Cox), a la que Wilson Fisk acogió bajo su manto cuando era pequeña, y que ha acabado siendo uno de los agentes más expeditivos de Kingpin a la hora de implantar sus órdenes en el mundo del crimen. Eso cambió desde lo que se vio en la serie Ojo de Halcón, por lo que como continuidad a aquella, digamos que esta se centra en el plan de la protagonista de pasar lo más desapercibida posible volviendo a sus orígenes, sin saber que Kingpin no ha "desaparecido" del todo como ella se pensaba. Lógicamente ambos personajes tendrán confrontaciones para dirimir sus diferencias (lo que dará pie a una violencia más descarnada de la vista hasta ahora en estas series), en las que se verán metidos familiares y amigos de Maya.

En la serie Daredevil de Netflix, una de sus escenas más alabadas era la de la pelea que transcurría en un pasillo, vista en su primera temporada, y a la que parece rendir un homenaje la que transcurre en un almacén en el primer episodio de Echo, siendo además ahí donde realiza su cameo el Daredevil a cargo del actor Charlie Cox, que tendrá una pelea con la protagonista. El problema radica en que todo lo que se nos narra en estos cinco episodios resulta tan superficial y tan intrascendente que nunca acaba de repercutir en el ánimo del espectador, por más que la presencia secundaria de Kingpin vuelva a confirmar el gran acierto que fue conseguir a Vincent D'Onofrio para encarnar a dicho personaje (que además en la escena entre créditos finales de esta serie ya sugiere pistas de como lo podemos encontrar cuando se materialice la antes citada Daredevil: Born again, en una trama ya vista en los cómics hace pocos años)

Como curiosidad me gustaría destacar un detalle que se repite en esta serie, y que se vio por primera vez hace pocas semanas en un episodio de la temporada 2 de What If: si en el sexto de aquella se presentaba a Kahhori, un nuevo personaje que era nativa americana (mohawk en aquel caso) y que lograba unos poderes ancestrales, se da la curiosidad de que aquí Maya López también es una nativa americana (chocktaw en este caso) que logra unos poderes ancestrales. En resumidas cuentas si ese sello de Marvel Spotlight sirve para enfocar desde un punto de vista más adulto y violento algunas historias y personajes (por ejemplo Daredevil, al que le viene la mar de bien), pues entonces de acuerdo, pero si Echo era el preámbulo a ello, el resultado final es un muy discreto entretenimiento en el que no sé yo la confianza que tenían sus propios responsables cuando se han estrenado todos los episodios a la vez.

CALIFICACIÓN: Entretenida (3/5)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN DISNEY PLUS: 10 de enero de 2024.
• Galería de posters por este enlace.

SUPERMAN: JUEGOS DE GUERRA y BATMAN: EL CABALLERO MÁS OSCURO (Carrefour) / COMO VENDER UNA CASA ENCANTADA

SUPERMAN: JUEGOS DE GUERRA

Se edita por parte de ECC este cómic titulado Superman: Juegos de guerra en los supermercados Carrefour a un muy ventajoso precio de apenas 7,99 euros por un tomo en tapa dura de 192 páginas, con lo cual aprovecho para comprarlo con acierto por mi parte, ya que el material incluido (los números 16, 19 y del 22 al 27 de la cabecera Superman Adventures) serían casi el primer tomo de Grandes autores de Superman: Mark Millar que me leí de la biblioteca hace pocos años. De hecho tan solo faltarían los números 28 al 30 para coincidir con el contenido de aquel, si bien se trata de aventuras muy independientes y autoconclusivas (salvo la que le da título al tomo, dividida en dos partes) que pueden servir como un buen punto de entrada para nuevos lectores, a lo que ayuda mucho también su acertado estilo cartoon (heredado de la serie de animación televisiva de la década de los noventa) y lo bien que captan la esencia de este personaje.

CALIFICACIÓN: Bueno (4/5)

• Superman: Juegos de guerra, ficha editorial por este enlace.

BATMAN: EL CABALLERO MÁS OSCURO

Junto con el de Superman que cito sobre estas líneas también había uno de la Liga de la Justicia titulado Origen que no me compré (no soy muy seguidor de ese grupo que se diga), pero si me decanté por el tercero de los editados por ECC en esta promoción en los centros Carrefour, que lleva por título Batman: El caballero más oscuro, y que al hojearlo me cautivó enseguida al ver que continuaba el estilo gráfico de la mítica serie animada que tuvo este superhéroe en la década de los noventa. En este caso también es una reedición en formato tomo de una serie editada en grapa titulada Batman: Las aventuras continúan que vio la luz hace unos pocos años, recogiendo este volumen los ocho primeros números de la misma. En resultado global resulta un cómic realmente entretenido y destacable a dicho precio (7,99 euros), y su tono no es lo infantil que muchos ajenos al mundo del cómic prejuzgarían por su estética, pero un lector novel que nunca se haya acercado al universo de este personaje puede quizás no acabar de cuadrar todo lo que se ofrece en estas historias, aunque los veteranos lo agradecerán.

CALIFICACIÓN: Entretenido (3/5)

• Batman: El caballero más oscuro, ficha editorial por este enlace. 

COMO VENDER UNA CASA ENCANTADA

Grady Hendrix, autor de terror bastante recomendable desde que lo descubrí, vuelve con esta obra titulada Como vender una casa encantada a la temática que su propio título indica, y que ya tocó en la novela Horrorstör, sólo que allí haciendo que la casa encantada fuera una tienda bastante parecida a las de Ikea. En esta ocasión si se podría decir que cumple en inicio los parámetros habituales en este tipo de relatos, que incluso llevan a dudar sobre la salud mental de los afectados. Pero llegado a cierto punto se concreta el problema en cierto objeto que no puedo desvelar por ser spoiler, y que entraría dentro de otra fructífera rama del terror relacionada con ellos, permitiéndose en uno de los momentos más álgidos de la pesadilla un guiño hacia la saga Evil Dead. Pero el mal no descansa y contraataca valiéndose del eslabón familiar más débil, hasta finiquitar en verdades desgarradoras heredadas que ponen en jaque el futuro de los personajes, llevando a un final bastante trepidante. En resumen: una novela de terror de lectura tan ágil como recomendable.

CALIFICACIÓN: Entretenido (3,5/5)

• Como vender una casa encantada, ficha editorial por este enlace y ficha de la biblioteca por este otro.