VENOM: HABRÁ MATANZA, simbiontes grotescos (crítica sin spoilers)

Ya la primera película de Venom no me entusiasmó en exceso (digamos que entretenida y poco más) pero para sorpresa del que esto escribe triunfó como para generar una secuela: la presente Venom: Habrá Matanza, que logicamente presenta a la clara versión opuesta del protagonista si lo consideramos un antihéroe como planteó la primera película (y que de hecho ya se presentaba en la escena tras los créditos de la mencionada cinta: Cletus Kasady encarnado por el actor Woody Harrelson) Es un tanto irónico que con la gran cantidad de personajes que se mueven en el universo Marvel, y en especial los muchos que tiene el universo Spider-Man, haya sido alguien como Matanza (Carnage en su versión original) el que ya haya salido en una película como esta, mientras que otros muchos de los que se podría aprovechar Sony (los gestores de la franquicia arácnida) continuan esperando alguna oportunidad. 

 

En todo caso resulta una decisión coherente en esta secuela que para mi sorpresa tiene una duración inferior a la de la cinta precedente: apenas 97 minutos cuando la tónica general hoy en día es que casi cualquier cosa, y máxime si está relacionado con los comics, dure dos horas o más allá. Cambia el director ya que el responsable de esta secuela es Andy Serkis, popular actor que se ha hecho famoso al encarnar a varios personajes fantásticos a traves de la técnica de captura de movimiento (como el Gollum de la franquicia de El Señor de los Anillos, el King Kong de Peter Jackson, el Capitán Haddock en Las aventuras de Tintin: El secreto del unicornio o César en las precuelas de El planeta de los simios), que tiene aqui su tercera experiencia como director tras Mowgli: la leyenda de la selva, su oscura versión del clásico literario de Rudyard Kipling, en la que además de su responsabilidad tras las cámaras también encarnó al oso Baloo.

Con estreno previsto en inicio para el pasado 2020, la pandemia del Coronavirus la forzó a varios retrasos hasta ahora, los cuales parece que fueron acertados ya que de nuevo para sorpresa de un servidor, el presente film ha triunfado en la taquilla tras lograr el mejor estreno desde que estalló la citada pandemia: más de 90 millones de dólares. Y me sorprende porque le auguraba unos malos resultados siguiendo la tónica de las Tortugas Ninja de Michael Bay, cuya primera entrega tuvo malas críticas en general (aunque triunfó en taquilla), por lo que entre eso y la decepción de algunos espectadores tras el film de 2014, la segunda en 2016 no recaudó lo suficiente y esa franquicia quedó detenida. Incluso hay un ejemplo paralelo bastante reciente: las malas críticas en general de Escuadrón Suicida en 2016 (que triunfó en taquilla) y el posterior fracaso en las cifras logradas por El Escuadrón Suicida este mismo año.

Uno de los alicientes para el triunfo de esta secuela está sin duda en la escena entre los créditos finales, que ya se había divulgado por internet tras su estreno en Estados Unidos el pasado 1 de octubre, y que vendría a dar esperanzas a los que quieren ver a este Venom frente al personaje del que procede en las viñetas (tengo que confirmar que esa escena provocó un revuelo de exaltación entre el público asistente a la sesión a la que fuí) En cuanto a lo previo hay que valorar el hecho de que esta película vaya "directa al grano" y no pierda el tiempo para presentar lo que todo el mundo está esperando: la confrontación entre Venom y Matanza que se puede disfrutar en su último tercio de su escueto (y justo por ello acertado) metraje. En cuanto al resto habría que destacar de nuevo como lucen los simbiontes protagonistas (aunque también es cierto que la mayoría de escenas donde aparecen son nocturnas) así como algún detalle aislado, como el origen animado de Cletus Kasady, que me recordó en pretensiones a uno similar que hay en la reciente Candyman, ya que el resto se mueve en la misma intrascendencia vista en el film previo.

Probablemente pensando en el éxito de Deadpool (aunque son personajes diametralmente diferentes aunque provengan del mismo universo en comic) se opta de forma no del todo acertada por el humor, haciendo por ejemplo que Eddie Brock (un Tom Hardy que repite excesos) y Venom mantengan fuertes discusiones cual si fueran compañeros de piso ¡¡¡o incluso insinuando relación sentimental!!!, principalmente porque el simbionte quiere cerebros humanos y le fuerzan a que se contente con chocolate y ¡¡¡gallinas!!! Por su parte el Cletus Kasady de Woody Harrelson es un villano muy esquemático y unidimensional, mientras que la Frances Barrison de Naomie Harris me dejó con la duda de si con sus capacidades se la podría considerar mutante como los X-Men. Incluso la propia película tiene serias contradicciones (la escena de Venom en una discoteca sería incoherente teniendo en cuenta lo que le afecta el sonido), aunque también por el tono que adopta se hubiera agradecido mucha más brutalidad (una calificación R en lugar de la PG-13, y que tan sólo sirve para que los chavales flipen con los simbiontes sin que se traumaticen por una violencia desatada)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 15 de octubre de 2021.
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• LO MEJOR: La espectacularidad de los simbiontes en acción, el escueto metraje de la película (lo que la hace ir "directa al grano") y lo que promete su escena entre los créditos finales.
  
• LO PEOR: Sigue la misma tónica intrascendente de su predecesora, abusando de un humor que no siempre funciona y con incoherencias incluso dentro de las reglas que se marca.

RON DA ERROR... pero entretiene y divierte (crítica sin spoilers)

Esta Ron da error se situa en un futuro indeterminado (aunque no demasiado lejano) en el que todos los chavales del planeta están interconectados. Pero como si fuera el más real presente, no todos los niños tienen familia que pueda costear eso, lo que nos lleva al protagonista de esta película, el joven Barney Pudowski. Cuando la empresa Bubble (¿guiño a Apple?) saca a la venta el nuevo B*Bot, todos los niños reciben uno, que pueden personalizar a conciencia: se trata de un robot que mezclaría los rasgos del Baymax de Big Hero 6 con la estructura de la Eva de Wall-E, permitiendo que su usuario lo comparta TODO por las redes sociales, con la (a priori) loable labor de promover la amistad por afinidad de intereses.

El bueno de Barney Pudowski, un joven introvertido y con dificultad para socializar, desea con todas sus ganas que le compren uno; pero su padre (cariñoso pero algo ajeno a los sentimientos de su hijo) se decanta por un regalo más mundano. Ante la decepción de su hijo tanto el padre como la abuela búlgara decidirán ir a la tienda para conseguir uno, pero se encontrarán con problemas de distribución (al ser novedad está agotadísimo y hay cola de espera para conseguir más), lo que les llevará a regatear por uno que se cayó de un camión de reparto y ahora se consideraría defectuoso. Barney se encontrará a la mañana siguiente con la grata sorpresa de que se ha cumplido su deseo, pero al poner en marcha su robot (al que llamará Ron) se dará cuenta de que algo en él no funciona del todo bien...

No se especifica un momento temporal para la película, pero queda bastante claro que sus responsables querían hacer una parodia de esta sociedad actual nuestra en la que casi todos vivimos en un perpetuo estado de conectividad, por lo que no es dificil imaginarse que estos B*Bots que se ven aqui vendrían a ser como el futuro de estos teléfonos móviles actuales, con los cuales es posible realizar un sinfín de cosas y conectarse a tropecientas aplicaciones de todo tipo. Logicamente son las nuevas generaciones las que viven más pendientes de su vida virtual que de la real, por lo que esta cinta vendría a parodiar esa dependencia, que aumenta si eres una persona un tanto insegura (como le ocurre al joven Barney), que tan solo ve posible su integración con los demas si tiene un B*Bot propio como todos sus compañeros de instituto, para probar así de conseguir nuevos amigos (o en su caso al menos alguno) como la publicidad del producto promociona. 

 

Por eso en un inicio se decepciona cuando se da cuenta de que el suyo es defectuoso, al no tener la configuración correcta, pero al tener que enseñarle todo lo que lleva implícito la amistad se dará cuenta de todo lo que puede llegar a hacer al no tener ningún filtro predeterminado que se lo impida. El problema (argumental) podría estar en que no se ahonda hasta el fondo en esta vertiente de relación entre humano y máquina, ya que se prioriza que la empresa que ha creado a Ron (Bubble) emprenda una búsqueda exhaustiva a todos los niveles para encontrar al robot defectuoso, una vez se enteren de su existencia, ya que eso les hace perder valor en el mercado bursatil. Uno de los ejecutivos de la citada Bubble, al que podriamos considerar el villano, está obsesionado con mercadear con los datos de los usuarios de los B*Bots, considerando un error la libertad de Ron al no estar conectado en línea, y buscándolo incansablemente para su destrucción.

En mi descripción inicial de Ron he citado la película Wall-E, de la cual podriamos decir que toma el hecho de que un robot tome conciencia propia (o al menos le enseñen a construirse una como sucede aqui), no funcionando como los demás. Eso ha llevado a una meritoria obra por parte de los responsables del film a la hora de que el espectador empatizara con Ron, porque al carecer de la opción de configurarse como el usuario desee, no deja de ser una cápsula blanca (que me recordó a la Eva del citado Wall-E), a la que le añaden dos ojos y una sonrisa muy básicos. Aún asi la labor de expresividad con Ron es muy destacable pese a su sencillez original, a lo que ayuda el doblaje, que en su versión original corre a cargo del actor Zach Galifiniakis (visto en la trilogia de Resacón en Las Vegas) Entretenida en su conjunto, lo más paradójico estaría en un final que viene a defender, aunque sea desde otro punto de vista, lo mismo que en un inicio criticaba.

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 22 de octubre de 2021.
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• LO MEJOR: Ser una entretenida actualización de lo que por ejemplo en los ochenta planteó una película como Cortocircuito, que además sirve para críticar la dependencia tecnológica de la sociedad actual, especialmente patente entre una juventud que vive más en un mundo virtual que en uno real.
  
• LO PEOR: Lo paradójico de su final, donde defiende lo mismo que en un inicio criticaba (aunque sea desde otro punto de vista), ni lo ambiguo de su posición ante la duda básica: ¿amigos reales o virtuales?

LA FAMILIA ADDAMS 2: LA GRAN ESCAPADA, crítica sin spoilers

¿Cómo es que no habiéndome gustado la primera película animada de La Familia Addams he repetido con su secuela? Supongo que influirá algo el hecho de que les tengo aprecio a los personajes, y admito que la anterior entrega acertaba en cuanto a la estética, aunque no tanto en cuanto a la historia. Quizás por ese hecho de que ya peor no podía ser, esta secuela me ha parecido menos mala que la cinta de 2019, lo que no quita que apenas dos o tres aciertos puntuales la salven, siendo todo lo demás una inmensa chorrada. Los errores en este caso son los mismos que en su predecesora, ya que intenta ser un producto apto para todos los públicos cuando esta tenebrosa familia no fue en origen un ejemplo para los más pequeños (pero bueno, también Los Simpson en inicio no eran para niños y ahora son ellos su mayor público potencial)

 

En esta ocasión la historia se centra en Miércoles Addams (lo cual es un acierto) y lo poco que se siente identificada en su nucleo familiar (como le ha ocurrido, valga el ejemplo anterior, a Lisa Simpson en un sinfín de episodios) Justo entonces aparece la posibilidad de que Miércoles no sea hija de los Addams debido a cierto "error" en la maternidad en el momento de su nacimiento (error que cuando se explica es la enésima tontería del estúpido Tío Fétido, que de nuevo está en esta película tan solo para hacer el imbecil) Huyendo del hipotético verdadero padre de su hija, la familia se embarca en un esperpéntico viaje de vacaciones a lo largo de Estados Unidos, pero al final Miércoles (que no tiene ni un pelo de tonta) actuará... a su manera.

En esta ocasión tengo que admitir que la ví en versión original subtitulada (la primera creo recordar que la ví doblada al español), lo cual le hace ganar algo de mérito ya que permite disfrutar de las voces originales de los personajes, siendo los principales Oscar Isaac poniendo voz al patriarca Gómez Addams, Charlize Theron a su esposa Morticia Addams y Chloë Grace Moretz a la hija de ambos (Miércoles), a los que añadir a nivel anecdótico Bette Midler como la abuela Addams, ya que entre el resto de voces los únicos que me suenan son el rapero Snoop Dogg y Wallace Shawn, este último actor al que he visto como John Sturgis en El joven Sheldon, la precuela de la serie The big bang theory. ¿Las voces originales tienen algún mérito? Pues en el caso de los tres principales citados (Gómez, Morticia y Miércoles) diria que si, porque saben captar el tono justo para cada uno de sus personajes, siendo sin duda los que más convencen, ya que el resto cumple (y punto) con la escueta premisa argumental de episodio de sitcom que tiene esta secuela: lo citado de Miércoles y un periplo por Estados Unidos donde la presencia de los Addams perturbará a los que se crucen con ellos.

En uno de los puntos en los que se detendrán, y ahi es donde está uno de los pocos momentos acertados de esta secuela, se hace una evidente parodia de esos concursos de belleza infantil que se estilan en la América profunda amiga de Trump, en el que se ve metida a la fuerza la pobre Miércoles. Más allá de la gracia del planteamiento está la gracia de como se resuelve, con un inesperado guiño a uno de los momentos más míticos de la película Carrie (muy a tono con lo tenebroso de la familia protagonista), que se completa con una clara parodia de como muchos de esos padres están deseando llevar a sus hijos al éxito para poder vivir de ellos. El problema es que es de lo poco acertado (lo otro sería un gag donde Lurch entona el clásico I will survive de Gloria Gaynor en un antro de carretera) en una historia que se decanta demasiado por el splastick más exagerado, cuando estos personajes nacieron del humor negro y la fina ironía. En su tramo final hay un detalle que puede recordar al clásico de la literatura La isla del Doctor Moreau, pero que al final acaba siendo el enésimo mad-doctor con todos los estereotipos de un personaje así (risa siniestra incluida) 

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 8 de octubre de 2021.
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• LO MEJOR: La estética de la familia Addams (destacando en el caso de Gómez, Morticia y Miércoles) y unos pocos momentos bastante acertados o simpáticos.
  
• LO PEOR: Exceso de splastick para una leve excusa argumental que se resolvería en 30 minutos (y para la que tardan 93), plagando el resto del humor infantiloide de su predecesora.

SIN TIEMPO PARA MORIR, y casi sin para aburrir (crítica sin spoilers)

Otra de las muchas películas damnificadas por la pandemia mundial del Coronavirus fue Sin tiempo para morir, el quinto film de la saga Bond con Daniel Craig interpretando al protagonista. Ya de por si en un inicio tenía que haberse estrenado a finales de 2019, cuando su director era Danny Boyle, el cual al final abandonó dejando el camino abierto para Cary Fukunaga, que ha sido al final el responsable del presente film. No había mayor problema y por eso se retrasó hasta primavera del 2020, pero a partir de ahi el problema fue la citada pandemia mundial que retrasó el estreno de esta película hasta en tres ocasiones: finales del 2020, primavera del 2021 y la definitiva en octubre de 2021.

Con esta Sin tiempo para morir el actor Daniel Craig se convierte en el Bond más duradero de las últimas décadas, y el tercero respecto a Roger Moore (que lo encarnó en siete ocasiones) y Sean Connery (que lo hizo en seis ocasiones oficiales, siete si contamos la apócrifa Nunca digas nunca jamás) Los cuatro títulos precedentes a este fueron Casino Royale, Quantum of solace, Skyfall y Spectre, siendo el metraje en todos los casos bastante superior a las dos horas (con la excepción de Quantum of solace, que se podría catalogar desde mi punto de vista como el más flojo de la etapa Craig), pero en este caso con esta cinta marcamos record con 163 minutos de metraje, lo que la convierte en la entrega más extensa de toda la franquicia hasta el momento. Pese a dicha extensión, el resultado final es tan acertado que cuesta imaginar por donde irá en futuras entregas.

 

Lo que ha caracterizado al Bond de Daniel Craig ha sido dotarle de un valor humano del que carecía en sus encarnaciones precedentes, el cual se ha ido desarrollando al mismo tiempo que la franquicia ofrecía todos esos detalles tan habituales a la misma que vienen a ser su seña de identidad. Esa evolución ha sido más o menos palpable en cada nueva entrega, pero en esta 25ª película del popular agente y (como ya he dicho más arriba) la 5ª y última de Daniel Craig, se nos ofrece un cierre espectacular cuyas connotaciones resulta innegable que causarán polémica, pero que ha ofrecido una inesperada (y sensata) novedad a un producto de casi seis décadas de antigüedad en la gran pantalla, que nació en una época pretérita ya bastante superada. A partir de aqui se intuye un cierto cambio si se quiere mantener la continuidad planteada en las cinco entregas de Craig (con elementos que las entrelazan), aunque también cabe la posibilidad de algún tipo de reboot, pero quisiera decantarme más por lo primero que por lo segundo ya que haría oficial la teoría esa de que James Bond es un nombre clave que ha ido pasando de generación en generación y de agente en agente.

 

Pero en lo referente a esta Sin tiempo para morir hay que admitir que ofrece todo lo que uno espera del personaje y al mismo tiempo consigue ir más allá, con ciertos detalles que podrán gustar más o menos, pero que sin duda alguna no dejarán indiferente a nadie. Dicho propósito requiere mucho trabajo, y de ahi la extensa duración de 163 minutos, que se notan por el tiempo que representa pero que logran mantener la atención del espectador en (casi) todo momento, habiendo ciertas irregularidades en su ritmo perfectamente achacables a sus ambiciosas pretensiones. Los villanos de esta larga franquicia se han caracterizado primero por la Guerra Fría vigente en el momento en que nació el personaje, para luego evolucionar en megalómanos con ansias de dominación mundial, siendo (más o menos) en esta última categoría donde se podría englobar al encarnado aqui por Rami Malek, al que en inicio parece moverle la venganza, pero que en el tramo final demuestra unas ambiciones más amplias (y genocidas) Quizás no sea el mejor al que se ha enfrentado 007, pero sin duda marcará el hecho trangresor al que lleva al popular personaje casi 60 años después de su primera aventura en cines.

 

Si algo ha caracterizado a esta franquicia han sido detalles que han permanecido a lo largo de los años, siendo uno de ellos el de un prólogo previo a los títulos de crédito iniciales, que en este caso se extiende durante los 30 minutos iniciales, pero que funciona de forma realmente notable. Tras él, y la canción de Billie Eilish carente del gancho de temas precedentes, asistimos a una historia que recoge tanto elementos previos como novedosos, dando la sensación de que evoluciona por tramos que se entrelazan para formar un conjunto (más o menos) homogéneo. Se recuperan ciertos conocidos a esta saga como son Léa Seydoux repitiendo su papel de Madeleine ya visto en Spectre (y haciéndolo más trascendental), Naomie Harris como Moneypenny, Ralph Fiennes como M, Ben Wishaw como Q Jeffrey Wright como Felix Leiter y un cameo de Christoph Waltz como Blofeld. A ellos se añaden dos presencias femeninas contrastadas: por un lado la agente que en inicio consta como relevo de Bond (encarnada por Lashana Lynch) y por otro una Ana de Armas que vuelve a coincidir con Craig tras Puñales por la espalda, y que ofrece una actuación realmente destacable.

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 1 de octubre de 2021.
• Galería de posters por este enlace.
• LO MEJOR: Es un magnífico cierre a la etapa de Daniel Craig como 007 en su sabia conjunción de elementos clásicos de la franquicia con novedades transgresoras pero (desde mi punto de vista) acertadas.
  
• LO PEOR: Su extenso metraje hace que el ritmo tenga ciertos altibajos, por otra parte comprensibles.
  

NO RESPIRES 2, este ciego no está para tonterias (crítica sin spoilers)

Algunas veces se estrenan películas pequeñas un poco de tapadillo, sin mucha publicidad, pero que sorprenden y se convierten en inesperados éxitos de taquilla, que fue lo que sucedió en 2016 con No respires, del director Fede Álvarez. Para aquellos que la hayan visto sabrán que la premisa argumental era simple, los actores implicados unos pocos y el escenario de acción bastante acotado, pero el resultado fue realmente sorprendente, en especial por el personaje al que daba vida el actor Stephen Lang. Ahora nos volvemos a reencontrar con él, que pasa de ser el (relativo) villano de la anterior entrega para convertirse aqui en algo así como el anti-héroe justiciero protagonista de esta secuela, en un giro un tanto forzado logrando que la suspensión de incredulidad del espectador siempre esté al borde del abismo, ya que empatizar con el ciego al que encarna Lang puede costar un poco.

 

De entrada hay que indicar que no existen nexos de unión entre esta película y la anterior, más allá de la presencia del personaje encarnado por Lang, de tal forma que resulta innecesario ver el film anterior más allá de que sirva para "comprender" un poco las motivaciones de su protagonista en el tramo final de este. No respires 2 está dirigida por Rodo Sayagues, amigo del director de la previa (Fede Álvarez) y con el que ya colaboró en el guión de la misma, siendo ahora él quien debuta en la silla de dirección; algo evidente desde su primera escena, claro homenaje a como comenzaba la anterior, pero que aqui se convierte en la primera incongruencia del guión.

 

Y es que cuando luego hay un salto temporal de ocho años, el aspecto de los personajes implicados ¡no ha variado para nada!, siendo ahi donde el espectador atento tuerza un poco el gesto en señal de contrariedad. Pese a ello hay que alabar el funcional ritmo de la película en los dos actos principales de los que consta, siendo el primero el que sirve para hacernos recordar al film precedente al situar a su protagonista en una vieja casa dentro de la cual hay unos asaltantes con unos propósitos nada halagüeños. Pero si en la anterior película de 2016 teniamos que empatizar con los ladrones protagonistas, sobrepasados por un invidente con unas capacidades portentosas; en esta ocasión los ¿buenos? motivos serían los del ciego al que encarna Lang, mientras que los que invaden su hogar el desarrollo de la historia se esfuerza mucho en que causen el desagrado del espectador de una forma bastante maníquea.

 

Eso nos lleva a que destaque el carisma del personaje principal (todo sea porque el resto son malvados y rastreros), que se sustenta sobretodo en el trabajo de Stephen Lang, que sabe mostrar el lado atormentado pero ahora emocionalmente vulnerable de su invidente protagonista. Dicho cambio de talante se debe al nexo de unión que le dan con el personaje de Phoenix, encarnado por la joven actriz Madelyn Grace, que resulta ser la causa de sus desvelos pero también el motivo del asedio inicial (aunque de nuevo con una explicación posterior que resulta otra vez bastante forzada para hacerla creible y coherente) Pese a todo no deja de ser una escueta justificación para el contraataque final del rudo invidente, con un giro irónico entre los dos escenarios en los que se mueve la historia, donde digamos que se vuelve a demostrar que el perro es el mejor amigo del hombre... aunque en principio no lo parezca.

 

Como resulta previsible la venganza será implacable (cuando tiene que ser bruta, esta secuela sin duda alguna que es muy bruta), pero al final toda la verdad saldrá a la luz con resultados dramáticos, siendo ahi cuando se muestran coherentes las motivaciones del ciego para hacer lo que hizo respecto a como nos presentaron a su personaje en la cinta previa. Otra cosa son la banda de villanos contra los que se enfrentará, que en un principio nos hacen creer que son cierto tipo de traficantes pero que luego se desvelan motivos más personales (e incoherentes) hasta que luego al final se hace una mezcla entre ambos conceptos de manera de nuevo forzosa, aunque funcional respecto a las aspiraciones de este film. Y es que no estamos tan lejos de las cintas de acción con la venganza como eje principal, que hace años pulularon por la cartelera de los cines y los videoclubs; por lo que evaluada así digamos que se deja ver sin mayores pretensiones.

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 24 de septiembre de 2021.
• Galería de posters por este enlace.
• LO MEJOR: Reencontrarnos con el personaje de Stephen Lang, que sustenta sobre su carisma (y sus hombros) todo el peso de esta secuela, que más o menos resulta aceptable en su funcional metraje (98 minutos), aunque careciendo del factor sorpresa de la anterior.
  
• LO PEOR: El guión plantea evidentes incongruencias argumentales, giros algo forzados y villanos en exceso maníqueos, que dejan muchas veces al espectador con la suspensión de incredulidad al borde del abismo.
  

CRY MACHO, una road-movie con gallo peleón (crítica sin spoilers)

Creo que a partir del éxito a finales de la década de los setenta de películas como Star Wars o Tiburón se marcó un antes y  un después en el mundo del cine, quedando como "clásico" todo lo anterior a dicho periodo. Eso supongo que es la causa de que el nonagenario Clint Eastwood esté catalogado como uno de los últimos directores de cine clásico que quedan en activo, ya que su estilo tiene poco de aquello que sirve como referencia a los actuales blockbusters de temporada. 

 

Pero el señor Eastwood ya está muy mayor (91 años cumplió el pasado mes de mayo), y yo mismo tenía ciertas dudas cuando fuí a ver en 2019 Mula de si no sería quizás su último trabajo como director y actor (me alegra haberme equivocado, siendo la prueba esta Cry Macho... que de nuevo deja la duda sobre su futuro, ya que no hay que olvidar la edad de Clint) Aún así reconozco el mérito de haber rodado con su edad esta película en plena pandemia mundial por Coronavirus.

Estrenada en Estados Unidos este pasado fin de semana ha sido un nuevo fracaso para Warner tras los decepcionantes resultados de Reminiscencia y Maligno en la taquilla de aquel pais, lo que algunos achacan a ese estreno "compartido" con HBO Max en Estados Unidos de los films de Warner estrenados desde Wonder Woman 1984. De hecho esa secuela no cosechó una recepción parecida a la de su primera entrega, y en ese género de los superhéroes un ejemplo bien reciente podría ser El escuadrón suicida y sus pésimos resultados en la taquilla americana, en ambos casos siendo títulos de la citada Warner, que ahora mismo tiene cuatro films entre los 15 que peores inicios han tenido en su estreno en más de 3000 cines por territorio norteamericano. Pero como los resultados de taquilla no tienen nada que ver con la calidad de una película, he decidido verla recordando lo que el propio actor decía en su papel de Harry Callahan en La lista negra: Las opiniones son como los culos, todo el mundo tiene una.

Aunque en inicio lo desconocía, este proyecto data de hace casi medio siglo, ya que N.Richard Nash (su autor) escribió en la década de los años setenta un guión titulado Macho que le fue rechazado dos veces por la 20th Century Fox. Ante esa negativa lo transformó en novela, editada en 1975 con el título de Cry Macho, que luego si logró vender a varios estudios. Se intentó en varias ocasiones de llevar esta historia a la gran pantalla con posibles protagonistas como Roy Scheider, Burt Lancaster o Arnold Schwarzenegger (hubiera sido curioso ver el resultado con este último), e incluso se valoró al propio Clint Eastwood como opción, si bien rechazó protagonizarla en 1988, quizás esperando el momento oportuno para poder ejercer la triple labor que tiene aqui como productor, director y protagonista. Respetando el guión de N.Richard Nash también ha colaborado en la escritura del libreto de este film Nick Schenk, que ha sido el responsable de los de Gran Torino y Mula, los dos trabajos actorales previos de Eastwood al del presente film.

Cry Macho puede no convencer a aquellos que esperen una obra maestra por parte del señor Eastwood, ya que es bastante evidente que estamos ante un título menor dentro de su amplia filmografía, pero que pese a todo consigue ser disfrutable aunque no llegue al nivel de clásicos suyos como Sin Perdón o Million Dollar Baby (por los que fue premiado en los Oscars) La mano de Schenk en el guión se nota, al tener elementos coincidentes con los dos films previos del Eastwood actor: al igual que en Gran Torino aqui tenemos a un protagonista veterano que tendrá que lidiar con un niño, en una relación tensa que poco a poco irá mejorando, y al igual que en Mula parte de la historia vendría a seguir el ejemplo de road-movie donde más importante que el viaje que emprenderán los protagonistas es como ese periplo los cambiará emocionalmente, a lo que sumar que la misión le viene encomendada por el personaje encarnado por Dwight Yoakam (su jefe en la ficción) que cree que un anciano no levantará sospechas para lo que tiene que realizar.

 

Situada en origen en 1979 la historia nos presenta a Mike Milo (encarnado por Clint Eastwood), que en sus buenos (y ya pasados) tiempos fue un héroe del rodeo y un afamado criador de caballos, pero que ahora malvive con el recuerdo de sus viejos éxitos. Pese a todo su exjefe Howard Polk le pide a Milo que le haga un último favor (aunque sólo sea como pago por la ayuda económica que le prestó en el pasado): tendría que ir a Ciudad de México a por un hijo suyo llamado Rafael o Rafo, que dejó hace un tiempo, y convencerlo para que vaya con su padre a Estados Unidos. El problema vendrá cuando al llegar descubra que el niño que venía a buscar es ya un adolescente de 13 años (encarnado por Eduardo Minett) que se gana la vida en peleas de gallos con uno que sería su mascota fiel y al que ha llamado Macho. A partir de ahi comienza una ajetreada road-movie donde el anciano, el adolescente y el gallo vivirán toda clase de peripecias, en una historia en el fondo tan sencilla como eficiente, dejando un emotivo cierre a la carrera actoral de Eastwood.

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 24 de septiembre de 2021.
• LO MEJOR: Que con 90 años haya rodado y protagonizado Eastwood una película es digno de mérito, y aunque el resultado final dista de ser excepcional (aunque tampoco tiene ninguna obligación de que todo lo suyo sea siempre magistral), otros muchos quisieran la solvencia que demuestra aqui en un relato sencillo pero funcional, que no tiene nada que ver con el estímulo constante y el efectismo del cine contemporáneo.
  
• LO PEOR: Todo lo relacionado con México peca quizás de estereotipos, anacronismos y maniqueismos, si bien el veterano realizador lo resuelve con una correcta prestancia. En algunos momentos roza una cursileria que se les puede antojar anticuada y rancia a los fans del Eastwood más expeditivo, pero que a mi no me disgustó.
  

GUNPOWDER MILKSHAKE (CÓCTEL EXPLOSIVO), crítica sin spoilers

Todos tenemos películas que son "placeres culpables" para nosotros, cintas que en inicio pueden no ser gran cosa pero que bien sea por un motivo u otro nos gustan y nos llaman la atención. Ese podría ser el caso de esta Gunpowder Milkshake, retitulada por aqui como Cóctel explosivo, que une en su reparto a dos actrices que siempre me han resultado bastante atractivas como son Karen Gillan (la Amy Pond de Doctor Who, la Nebula de las películas Marvel y la Ruby Roundhouse de las últimas entregas de Jumanji) y Lena Headey (a la que conocí por la serie de televisión Las crónicas de Sarah Connor, si bien el éxito le llegó con la popular Juego de Tronos) En este film la primera sería la protagonista mientras que la segunda encarnaría a su madre en la ficción, algo que en inicio podía parecer algo descabellado pues ambas actrices solamente se llevan apenas catorce años (Gillan nació en 1987 y Headey en 1973)

 

No serán las únicas mujeres en un reparto bastante femenino que se completa con nombres como Angela Bassett Michelle Yeoh y Carla Gugino, mientras que en el pabellón masculino Paul Giamatti sería el nombre más conocido (quien ya se había visto en films de acción desenfrenada como este en Shoot'em Up en 2007) El responsable en la dirección de esta película es Navot Papushado, del cual hace unos años ví su película Big Bad Wolves, codirigida por él y que recibió una inesperada promoción cuando Quentin Tarantino dijo que le había parecido de lo mejor que vió en 2013.

 

La veneración hacia el responsable de clásicos como Pulp Fiction sigue presente en la obra de Papushado, ya que esta Gunpowder Milkshake destila el aroma que se puso de moda a finales de la década de los noventa con películas de todo tipo que querían emular el estilo de Tarantino (sirva de ejemplo el alumno más aventajado que tenía por aquel entonces: Robert Rodriguez) Pues bien, esta cinta lo mismo: INTENTA ser algo así aunque sólo lo consigue a medias, sobretodo gracias a su destacado elenco femenino y a unas escenas de acción bastante bien desarrolladas, todo ello envuelto en un argumento basado de forma escueta en la dificultad de las relaciones materno-filiales pero que en si es una mera excusa para entrelazar a los diferentes personajes y sus variadas confrontaciones. Los mismos gozan del beneficio que antes he citado respecto a sus intérpretes, porque también se hace evidente que hubieran mejorado en caso de tener un poquito más de desarrollo argumental, ya que otro director que parece tener muy en cuenta Papushado sería el Luc Besson de Nikita y otros derivados, aunque no con los mismos resultados.

 

No voy a negar que acudí al cine por mi placer morboso de ver a las dos actrices citadas al inicio en un vehículo de acción con gotas de humor negro que suelen funcionar bastante bien (si bien en algunos casos rozando lo absurdo) El resultado ha sido un film entretenido, aunque los enemigos a batir (hombres) se presentan como meros extras de videojuego, algunos un tanto ridículos, cuyo único destino es acabar muertos, por lo que teniendo en cuenta que las heroinas son mujeres algún macho cavernario puede tildar a esta película erróneamente de feminazi, si bien hay que recordar que el propio Tarantino (ídolo del responsable de este film) ha puesto a mujeres como heroinas en films como Death Proof o las dos entregas de Kill Bill, por citar dos ejemplos (de hecho el vestuario de Gillan aqui parece querer ser tan emblemático como el chandal amarillo de Uma Thurman en el citado díptico) Con una gran solvencia en su apartado técnico el resultado final luce muy bien visualmente, hasta el punto de que por momentos tiene pinta de adaptación de comic (sin serlo)

La historia se centra en Sam (Karen Gillan), una asesina a sueldo que vive traumatizada por el abandono por parte de su madre Scarlett (a cargo de Lena Headey) 15 años antes, aunque eso no es obstáculo para que siga sus pasos y se dedique a lo mismo que ella (asesina) para una compañía conocida como La Firma, probablemente debido a su relación con Nathan (Paul Giamatti), responsable de esa organización y que se supone que ejerció las funciones paternas tras la marcha de la madre. Despues de que lo que tendría que haber sido una misión rutinaria tome un giro inesperado (y Sam se vea al cargo de una niña de 8 años) la protagonista tendrá que hacer frente a sus antiguos compinches, lo que le llevará a reencontrarse con su madre y obtener la inestimable ayuda de las bibliotecarias. Estas últimas, a cargo de Angela Bassett, Michelle Yeoh y Carla Gugino, son sin duda los otros personajes más llamativos del presente film y de los que uno se queda con las ganas de saber más: un trio de asesinas a sueldo que bajo el discreto aspecto de bibliotecarias esconden en los libros todo tipo de armamento y artilugios para defenderse.

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 10 de septiembre de 2021.
• Galería de posters por este enlace.
• LA CURIOSIDAD: En algunos paises esta película se ha estrenado directamente en Netflix.
  
• LO MEJOR: Su elenco femenino al completo, sus solventes escenas de acción y lo bien que luce visualmente.
  
• LO PEOR: Le hubiera hecho falta más desarrollo argumental en sus personajes y reducir un poco su metraje.
  

DUNE (2021), una grandiosidad matizable (crítica sin spoilers)

Dune es visualmente EXCEPCIONAL. Valga eso de entrada porque en estos tiempos de maldita pandemia en los que convencer a los espectadores para que vayan al cine es una tarea titánica, la cinta de Denis Villeneuve que adapta la obra literaria de Frank Herbert resulta un apoteosis visual que no me extrañaría nada que en la próxima temporada de premios arrasara en casi todo lo referente a su diseño y concepción (fotografía, efectos visuales, dirección artística, vestuario y todo lo referente a sus categorias técnicas) Tengo que admitir que aunque no acabara de conectar con lo que la historia me plantea, su espléndido acabado justifica de sobras el verla, siempre que sea posible, en la gran pantalla de un cine.

En mi caso tengo que admitir que la adaptación previa de Dune ni la he visto ni nunca me ha llamado la atención, aunque conozco los intentos (fallidos) que hubo para sacar adelante este proyecto de la mano de Alejandro Jodorowsky primero y David Lynch después. Aunque el segundo consiguió concretarlo en una película estrenada en 1984 y que seguía la (por aquel entonces) moda imperante de las space-opera tras el éxito de Star Wars (saldándose con un fracaso de crítica y público), tengo que admitir que los elementos que manejó el primero sin poder concretarlo (Mick Jagger, Orson Welles y David Carradine en el reparto y Moebius, H.R.Giger y Pink Floyd en diversos apartados técnicos) te dejan con la duda de que hubiera salido de algo así.

Nada más empezar la película ya queda claro que estamos ante una obra TAN DENSA que se ha tenido que llevar a cabo en forma de díptico (eso dicen), por lo que habrá un Dune parte 2 si la taquilla acompaña a esta primera entrega. No tengo problemas por ese lado ya que la jugada me recordó a la llevada a cabo con la adaptación del It de Stephen King, también dividida en dos películas para intentar encajar lo máximo posible de sus más de 1000 páginas de obra literaria (en este caso la primera novela de Frank Herbert publicada en el año 1965 no llega a ese grosor, pero luego hay que sumarle las posteriores secuelas a cargo del mismo autor) El problema radica en que son obras tan tremendamente intrincadas que para acercarlas al público general tienes que hacer una labor de condensación digna de mérito, que es lo que en todo momento deja patente esta película de Villeneuve... pero que no fue suficiente para ver en esta cinta la joya del séptimo arte que están viendo algunos críticos.

 

No quiero decir para nada que estemos ante una película decepcionante, porque esa fastuosidad visual  que he citado al inicio compensa cualquier valoración a favor o en contra (cada uno tiene sus gustos personales), pero si resulta cierto que estamos ante un film que intenta llegar a cuanto más público mejor (algo que le honra) sintetizando el conjunto a algo inteligible y más o menos fácil de asimilar. El problema de eso (al menos para mi) es que los personajes me resultaron poco atrayentes y quedan meramente perfilados, dependiendo su desarrollo (que supongo más extenso y completo en el libro) del carisma del actor que les esté dando vida, lo que dificulta la empatía con el espectador. Eso conlleva que se "sienta" antes al actor que al personaje, con la relativa excepción del Paul Atreides de Timothée Chalamet, todo sea porque como me resulta más desconocido si me ha sido más fácil imaginarlo en el papel de protagonista que encarna. A eso hay que añadir una adecuada, pero por momentos atronadora, banda sonora obra de Hans Zimmer.

Cuando se estrenó la primera película de El Señor de los Anillos tengo que admitir que la disfruté un montón, pero eso fue en ligero descenso con las progresivas secuelas (mi preferida aún sigue siendo La Comunidad del Anillo), hasta que descubrí la trilogia literaria de Tolkien y me la leí... para tener claro de no leer nada más suyo nunca porque se me hizo tremendamente farragoso (aunque eso me sirvió para apreciar el meritorio nivel de síntesis llevado a cabo por Peter Jackson) Otro ejemplo podría ser El juego de Ender, que dió lugar a una adaptación entretenida pero que se dejaba cosas en el tintero al ser parte de una extensa saga de ciencia-ficción, y que coincidía con Dune en el apenas esbozo inicial de personajes, que luego no se pudo concretar porque sus resultados en taquilla frenaron cualquier atisbo de secuela. Espero que el éxito acompañe a este film porque si es verdad que acudiría al cine sin duda para ver la próxima entrega (todo sea por ver como desarrolla lo aqui esbozado)... pero esta primera parte no ha hecho que espere eso con ansias.

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 17 de septiembre de 2021.
• Galería de posters por este enlace.
  
• LO MEJOR: Visualmente es ESPECTACULAR y digna de un montón de premios más que justificados en todas o casi todos sus apartados técnicos. Atención a detalles tan logrados como los gusanos de la arena, las naves-libelula o el concepto de escudo, aunque toda ella en general es brillante. Asimismo también es destacable su variado reparto y la labor como director de Villeneuve ante el reto de adaptar una obra tan densa.
  
• LO PEOR: La labor de síntesis (digna de mérito para lograr un resultado asimilable: luego depende de cada cual que le resulta más o menos entretenida), le resta alma a los personajes, teniendo tan solo el carisma que les otorgan sus diferentes intérpretes, pero desinteresando sobre cual sea el destino de cada uno de ellos.
  

MALIGNO de JAMES WAN, la maldad interior (crítica sin spoilers)

Cuando me enteré de que James Wan, el director de este film, pidió que no se revelasen spoilers cuando el público lo viera, me recordé de otro director clásico como Alfred Hitchcock, que ya en Psicosis realizó una jugada similar de cara a que sus giros de guión y sorpresas no se viesen ensombrecidos por el hecho de saber por anticipado que es lo que iba a pasar. Eso ha llevado a que esta cinta no haya tenido pases previos para la prensa, con la idea de que el espectador no acudiese a verla con ideas preconcebidas. Pero también ha servido para que algunos sospecharan de que la suerte en el género del terror de James Wan había acabado, siendo el resultado final algo tan decepcionante que no se atrevían a mostrarlo por anticipado y asi evitaban la mala prensa previa.

Una vez vista Maligno quiero arriesgarme a creer más en la primera opción que en la segunda, si bien cualquier espectador ya curtido en el género del terror con notas de fantástico ya puede sospecharse lo que ocurre con lo que ve se y se dice en el prólogo previo a los títulos de crédito iniciales. El posterior desarrollo tan solo viene a confirmar dichas sospechas, si bien eso en ningún momento es obstáculo para disfrutar de un film donde James Wan practica todos los trucos a los que nos ha acostumbrado en sus producciones, con un ritmo en el que no deja hueco al aburrimiento.

La protagonista de la película es Madison (encarnada con solvencia por la actriz Annabelle Wallis), una mujer embarazada a la que conocemos sufriendo violencia doméstica, motivo por el cual bien pronto logra la empatía del espectador. Pero al mismo tiempo algo parece ocurrirle porque de manera ominosa se ve siendo involuntaria espectadora de varios crímenes atroces, que parecen provenir de un origen del que sabe bien poco, ya que fue adoptada. Ese pasado es el que el director nos "sugiere" en el prólogo antes citado, jugando con el eterno tema de las dualidades, que culmina con un comentario que enseguida me llevó a recordar cierta obra de Stephen King (adaptada al cine en 1993) que jugaba con elementos similares a los que maneja esta película. Eso si, tengo que reconocer que pese a esa "suposición" previa por mi parte, el director consigue que cuando se concreta y materializa sea de manera más o menos impactante, si bien en el tramo final tiene ciertas concesiones más predecibles de cara a hipotéticas secuelas.

 

Y es que si hablamos de la influencia de James Wan en el cine de terror reciente, resulta evidente su importancia a tenor de que ha abierto tres lucrativas franquicias como son Saw, Insidious y Expediente Warren, todas ellas con secuelas e incluso spinoffs. Queda abierta la posibilidad de que se retome la historia de esta película, pero sin duda alguna ya habrá perdido la novedad de esta Maligno, si bien a fin de cuentas tampoco maneja elementos tan extraños porque juega a una mezcla entre terror psicológico, intriga sobrenatural, slasher y thriller (todos ellos ya vistos con mayor o menor acierto en la filmografía de Wan centrada en estos géneros) El resultado es funcional respecto a sus aspiraciones y entretenido en su conjunto, jugando con el espectador para que se haga todo tipo de suposiciones sobre lo que está ocurriendo. Aún asi en su tercio final, cuando ya la historia ha desvelado sus cartas, decide desmadrarse un poco jugando (y abusando) con una serie de detalles que muchos pueden considerar excesivos.

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 3 de septiembre de 2021.
• LO MEJOR: La solvencia de Wan para manejarse entre varios géneros y el ritmo tan entretenido que le insufla a la historia, con poca opción al aburrimiento.
  
• LO PEOR: Maneja con mayor o menor acierto elementos que no son novedosos (algo dificil en este género) y su final está demasiado condicionado a hipotéticas secuelas.
  

SHANG-CHI Y LA LEYENDA DE LOS DIEZ ANILLOS de MARVEL (crítica)

En Marvel siempre han ido de la mano con las modas imperantes, y en la década de los setenta del pasado siglo XX eso significaba el cine de artes marciales en donde se hizo mítico el nombre de Bruce Lee. Fue entonces cuando nacieron en los comics Marvel dos personajes muy relacionados con aquella moda: Puño de Hierro y Shang-Chi. Respecto al primero tuvo una adaptación en serie de la mano de Netflix (junto con Daredevil, Luke Cage y Jessica Jones) que para muchos es la más floja de dicho cuarteto de superhéroes, los cuales después se reunieron en la temporada única que tuvo The Defenders.

Por otro lado Shang-Chi es otro gran desconocido para la mayoría del público (si he leído algo suyo debe de haber sido cruzándose con algún otro personaje de Marvel más popular), y lo único que sabía era que en los comics en inicio el padre de este personaje había sido Fu-Manchú, lo cual cambió con el tiempo al perder Marvel los derechos sobre ese popular villano creado por Sax Rohmer. 

 

En esta película el progenitor del protagonista es el personaje conocido en las viñetas como el Mandarín. Pero... ¿no salió ya en Iron Man 3 encarnado por Ben Kingsley? Si, pero allí era en verdad un actor de segunda llamado Trevor Slattery, contratado para encarnarlo. Eso no fue del agrado de todos, pero se solventa aqui poniendo en el papel de la adaptación del personaje al actor Tony Leung, que se densenvuelve de forma digna con él, aunque ignoro la fidelidad a su homónimo de los comics, ya que aqui se podría considerar más un señor del crimen, al que le otorgan ciertos matices para no hacerlo un villano maníqueo intrascendente. Logicamente hay una ironia bastante acertada sobre el pasado en el universo Marvel cinematográfico del lider de la organización de los Diez Anillos, repitiendo aqui Ben Kingsley el mismo personaje cómico que encarnó allí, con algunos guiños cinéfilos (por ejemplo el de El planeta de los simios) realmente hilarantes.

El "alivio cómico" está también presente en el personaje encarnado por Awkwafina, que encarna a la inicial compañera de trabajo del protagonista encarnado por Simu Liu (con el que mantiene una excelente química desde el mismo momento en que conocemos a sus personajes trabajando de aparcacoches) No dudará en zambullirse con él en una aventura que da comienzo cuando unos esbirros del villano atacan a Shang-Chi, en la espectacular batalla que tiene lugar en un autobús en su tramo inicial. De todas maneras la acción siempre está presente en casi todo su algo dilatado metraje (son 132 minutos que podían haberse reducido ligeramente), con coreografias espectaculares en algunos de sus combates, pero encontré que dicha acción en algunos momentos se hacía algo frenética. Eso se hace especialmente evidente en su tramo final, donde quizás peca de ambicioso para una cinta de orígenes, si bien su conexión con el universo Marvel es muy tangencial (por ejemplo la presencia ya vista en los trailers previos de Abominación es poco más o menos lo que ya se ha visto)

Esta película aparenta ser una operación por parte de Marvel que parece equivalente a la que llevaron a cabo con Black Panther: si allí era el público afroamericano al que iba dirigido de manera principal, en este caso es evidente que serian los espectadores orientales los que estan en el foco de esta nueva producción. Habrá que ver si este personaje, también conocido como Maestro del Kung-Fu, consigue a partir de aqui la repercusión que ha tenido por ejemplo Thanos, villano principal a gran escala en el universo cinematográfico Marvel, ya que ambos son creaciones de un mismo autor: Jim Starlin (que en este caso fue cocreador del citado Shang-Chi junto a Steve Englehart) De momento en esta película se nos presenta como un héroe bastante bonachón y amable con el que resulta muy facil empatizar, que en inicio esconde la familia disfuncional de la que forma parte, algo que en muchos momentos toma una importancia mayor que los Diez Anillos del título (que no dejan de ser tan solo un arma defensiva)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 3 de septiembre de 2021.
• Galeria de posters de la película por este enlace.
  
• LO MEJOR: La sobresaliente química entre Simu Liu y Awkwafina, el primero como protagonista y la segunda como "alivio cómico" y compañera de andanzas. También la solvencia del villano al que encarna Tony Leung, las coreografías de algunas escenas de acción y la elección de elementos culturales orientales (en la parte final más fantástica se puede ver a un yokai conocido como Kitsune) en un film en conjunto bastante entretenido.
• LO PEOR: Su tramo final puede pecar de grandilocuente teniendo en cuenta que esta es tan solo una película de orígenes y la acción en ocasiones es demasiado frenética. Además su metraje se dilata en exceso (aunque sin perder el interés del espectador) y las conexiones con el universo Marvel a muchos les parecerán demasiado tangenciales, si bien eso dota de individualidad al resultado final.

CANDYMAN (2021), vuelve el asesino negro en serie (crítica sin spoilers)

Cuando descubrí hace unos años la vertiente literaria de Clive Barker tengo que admitir que disfruté mucho recuperando todo lo que había suyo en las bibliotecas (en la etiqueta de este post con el nombre de dicho autor teneis bajo la presente crítica todas mis reseñas que cito) Lo curioso es que a nivel visual no es que haya tenido muchas adaptaciones de renombre más alla de Hellraiser, Razas de noche y Candyman; y como siempre suele ser la tónica habitual con el género del terror, las mejores adaptaciones suelen ser las iniciales, ya que a partir de ahi las sucesivas secuelas (hasta 10 para Hellraiser e hicieron trilogia con la adaptación previa de esta Candyman) tan solo sirven para ofrecer más de lo mismo (Razas de noche, basada en la obra Cabal, no pasó de la primera)

De Hellraiser la recuperé hace unos años al descubrir la obra de Clive Barker por lo que tengo que admitir que cuando la ví me resultó bastante correcta como adaptación teniendo en cuenta la época en que fue hecha (1987) En cambio de Candyman (la de 1992) si me recordaba de haberla visto en televisión, en un pase del cual recordaba que se me hizo entretenido, y que cuando leí el relato en el que se basa (Lo prohibido dentro del volumen 3 de los Libros de sangre) pude ver que más o menos era coherente con el mismo. 

Si en el género del terror ha habido muchos matarifes que se han hecho populares (Freddy Krueger en Pesadilla en Elm Street, Jason Voorhees en Viernes 13 o Michael Myers en Halloween, por citar unos ejemplos), eso ha provocado que algunos de los actores que los interpretaron se hayan quedado ya en la memoria colectiva encasillados en ese personaje, siendo ejemplo de ello Anthony Perkins por Psicosis (todo un clásico) o Robert Englund por el antes citado Freddy Krueger de Pesadilla en Elm Street. Esto viene a colación porque al actor Tony Todd, también presente en esta nueva versión, le ocurrió algo similar al encarnar a Candyman en las tres películas iniciales, quedando ya intrínsecamente ligado a dicho personaje. Por su parte hay que citar en referencia a esta película que el nombre más conocido de la misma sería el de su productor y coguionista Jordan Peele, del que tengo como referencia su película Nosotros (Us) y su labor en el reciente remake televisivo de La dimensión desconocida, en ambos casos con resultados tan solo correctos.

Eso no va a variar demasiado con esta Candyman, que tiene una función más o menos parecida al reboot de La noche de Halloween de 2018 con Jamie Lee Curtis: actualizar un mítico asesino en serie para las nuevas generaciones. Al igual que aquella, que se consideraba secuela directa del film de 1978 dirigido por John Carpenter, el presente film dirigido por Nia DaCosta funciona como secuela de la película original de 1992 dirigida por Bernard Rose. El personaje que da título a la película parte de una leyenda popular contada de generación en generación, por lo que es evidente que se sabe valorar el trasvase de tradiciones con el paso de los años, en este caso con un equivalente al clásico Hombre del Saco con el que se asusta y previene a los más pequeños (en eso destacaría la muy acertada parte realizada con una animación similar a las sombras chinescas en diferentes momentos de su metraje y en los créditos finales, para narrarnos los orígenes de este mito, y la "relativa" justificación para su venganza) 

Esta película vuelve al escenario donde tuvo lugar la de 1992, un barrio suburbano en el que vive un pintor artístico no muy destacado que busca despuntar en el mundo del arte. Cuando debido a una serie de hechos se entere de la leyenda de Candyman muy pronto empezará a obsesionarse con él, al mismo tiempo que diferentes personajes que se cruzan directa o indirectamente con él empezarán a morir de forma sangrienta. Se nota MUCHO (porque la película lo matiza una y otra vez) que estamos ante la enésima crítica contra el racismo aún inherente en nuestra sociedad, y que en Estados Unidos se hace especialmente patente contra las personas de raza negra. De hecho en cierto momento de su tramo final pensé si lo que querían llevar a cabo es el renacimiento de un oscuro antihéroe social (como muchos que vieron la luz en la década de los noventa, cuando se estrenó el primer film) capaz de defender a los desvalidos y a los desfavorecidos de los verdaderos villanos (entiéndase los blancos, al menos según está planteado)

El problema radica en que eso queda solapado por una serie de personajes más o menos perfilados pero que (al menos en mi caso) no me despertaron ningún interés. Los mismos irán desapareciendo a medida que avance el metraje en escenas tan brillantemente filmadas, jugando con acierto con las perspectivas, como en algunos casos totalmente intrascendentes para el resultado final (siendo el mejor ejemplo de ello la que tiene lugar en un lavabo femenino de un instituto con una serie de adolescentes cuya único objetivo parece ser el garfio de Candyman) De hecho la progresiva degeneración de Anthony, el pintor antes citado que se obsesiona con este mito macabro, me resultó un tanto previsible si bien también es cierto que tiene algunos pocos detalles llamativos, lo que me llevó a recordar (con las consabidas diferencias) la de Jack Torrance en El resplandor. Al final el único mérito estaría en aportarle de nuevo a la comunidad negra un asesino en serie con el que empatizar, en un género mayoritariamente plagado de matarifes de raza blanca.

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 27 de agosto de 2021.
• Galeria de posters de la película por este enlace.
  
• LO MEJOR: La importancia que se le da al trasvase de historias y leyendas de generación en generación, en este caso con una acertada animación similar a las sombras chinescas. También su evidente mensaje en contra de todo tipo de racismo (aunque al final acaba siendo redundante)
• LO PEOR: Momentos tan brillantemente rodados como argumentalmente intrascendentes que no aportan nada más que el consabido toque morboso y sangriento, siendo el mejor ejemplo la escena en el lavabo femenino.

REMINISCENCIA, distopía noir apática y mojada (crítica sin spoilers)

Reminiscencia hace referencia al hecho de recordar algo del pasado, y que duda cabe que eso para la mayoría de nosotros es algo que valoramos bastante. De hecho es muy probable que tengamos unos hermosos recuerdos que perviven en nuestra memoria y en los que ahondamos en algunos momentos en los que nos vienen a la mente con nostalgia. Pero salvo que queden "impresos" de alguna manera (fotos, videos, etc.) la mayoría se suelen ir desdibujando con el paso del tiempo.

En la distopia que nos propone esta película se pueden volver a dichos recuerdos para dejar constancia de ellos, de un modo que puede rememorar a muchos de los espectadores que vean esta cinta a lo visto en Minority Report de Steven Spielberg. No sería la única referencia (o reciclado de ideas), ya que el film con el que Lisa Joy debuta en la dirección parece también fijarse en el tono y estilo de clásicos como Blade Runner entre otros referentes de la ciencia-ficción.

Con un guión firmado por la misma directora, cocreadora junto a su marido Jonathan Nolan de la serie Westworld (versión televisiva de la película homónima de 1973 escrita y dirigida por Michael Crichton y titulada por estas tierras como Almas de metal), hay que admitir que para su debut Lisa Joy se ha beneficiado de poder contar con un destacable elenco en el que el protagonista encarnado por Hugh Jackman se ve secundado (entre otros) por dos actrices vistas en la franquicia Misión Imposible: por un lado Thandie Newton (también presente en la antes citada serie de Westworld), que estuvo en Misión Imposible 2; y por otro Rebecca Ferguson, a la que se ha visto en las entregas 5 y 6; y que también estuvo en Doctor Sueño, la secuela de El resplandor (en donde ella coincidió con Cliff Curtis, también presente en esta Reminiscencia y visto por ejemplo en la serie televisiva Fear the walking dead, el primer spinoff de The walking dead)

Nada más comenzar la película ya vemos el escenario por donde se moverá, y hay que decir que resulta tan atractivo como poco aprovechado: debido al cambio climático el nivel del mar ascendió en todo el planeta, anegando ciudades (lo que enseguida te lleva a recordar Waterworld), por lo que la acción se situa en una ciudad de Miami parcialmente cubierta por el agua. En dicho escenario se nos presenta a Nick Bannister (a cargo del actor Hugh Jackman), que se dedica junto a su socia (papel para Thandie Newton) a dejar constancia física de los recuerdos de la gente a cambio de un precio. Un día se presenta una misteriosa mujer que responde al nombre de Mae (Rebecca Ferguson) porque quiere recordar donde se dejó las llaves, pero a partir de ahi comienza una trama donde el protagonista quedará ensimismado por esa mujer, hasta el punto de obsesionarse con encontrarla cuando desaparezca misteriosamente.

Pese a ser una distopía más o menos futurista, el tono de este film se nota muy deudor del género noir más clásico, con un personaje principal que en otro tiempo podría haber estado interpretado por el mismísimo Humphrey Bogart, y con una femme fatale para la actriz Rebecca Fergusson que podría haber sido sin problemas alguien como Rita Hayworth o Lana Turner (por poner dos ejemplos) ¿Cual es entonces el fallo de esta película? Un argumento pretencioso y progresivamente embarullado con el que la directora y guionista Lisa Joy parece querer emular al hermano de su esposo, pero sin la solvencia mostrada por Christopher Nolan en films suyos como Origen (Inception), que es otro título que le puede venir a la mente al espectador, sólo que aqui trasteando con los recuerdos mientras que allí era con los sueños. 

Ni siquiera se aprovecha la lógica lucha de clases que se podría establecer con un planteamiento como el que tiene (y que queda muy soterrada en los excesivos recovecos de una historia desarrollada con un ritmo bastante apático), siendo tan solo el carisma de su trio principal (Jackman, Newton y Fergusson) el que salva en parte a esta película del olvido, pese a sus papeles más bien esquemáticos, ya que el citado Cliff Curtis tiene un personaje que parece un mero estereotipo de villano. Al final lo que queda de Reminiscencia es un llamativo cúmulo de elementos interesantes que una vez mezclados ofrecen un resultado insípido e insatisfactorio, dejando con la sensación de ser tiempo perdido. Cabe citar que la película ha obtenido el peor estreno en taquilla de la historia para un film lanzado en más de 3000 cines en Estados Unidos, con lo que ya se la puede tildar de fiasco de los gordos.

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 27 de agosto de 2021.
• Galeria de posters de la película por este enlace.
  
• LO MEJOR: El carisma de su trio principal y algunos de los elementos y géneros que maneja...
• LO PEOR: ... que luego desaprovecha en una historia pretenciosa, apática y enrevesada.

D'ARTACÁN Y LOS TRES MOSQUEPERROS (2021), crítica sin spoilers

Los que, como en mi caso, vivieron su infancia en la década de los años ochenta, tienen en su memoria unas cuantas series de animación clásicas como La vuelta al mundo de Willy Fog o D'artacán y los tres mosqueperros que les dejaron un grato recuerdo. Es justo esta última la que se ha recuperado en esta película en la que se aplica la ahora omnipresente animación digital para recuperar todo un clásico de la infancia de muchas generaciones de españoles. Esta cinta tiene la dificil tarea no solo de ser fiel a la serie de la que parte sino tambien mantener el espíritu de la obra original en la que se basa (en ese caso el clásico literario de Alejandro Dumas de 1844), algo que consigue con mayor o menor acierto.

Entre los aspectos que pueden levantar más discrepancias en esta (por otra parte) entretenida película está el estilo de animación, en si muy correcto de cara a guardar la mayor fidelidad visual posible, pero que en mi caso se me hizo algo carente de fluidez. Eso no tendría que ser un problema, pero los gustos de la sociedad han cambiado y ahora es más común un estilo más raudo, por lo que no sé como eso será valorado tanto por los nostálgicos que acudan para recuperar parte de su infancia asi como por las nuevas generaciones (en muchos casos hijos de esos nostálgicos), que tienen aqui un ejemplo de lo que sus padres veían cuando tenian su misma edad. A eso hay que sumarle un tono más inocente, propio de antaño, pero que igual les puede parecer demasiado infantil a según que chavales de hoy en día.

El argumento básico de la mítica serie se respeta, por lo que veremos como el joven D'artacán decide ir a Paris con la doble intención de llegar a ser Mosqueperro del Rey y al mismo tiempo limpiar el honor de su padre, acusado falsamente de traidor. A su llegada a la capital francesa diferentes incidentes le llevarán a conocer a los que serán sus futuros amigos de aventuras, los Mosqueperros Pontos, Dogos y Amis, con los cuales (una vez quedan superadas las diferencias iniciales) tendrá que intentar desmontar una conspiración orquestada por el Cardenal Richelieu junto a su aliada Milady de Winter, con la idea de provocar una guerra entre Francia e Inglaterra. Junto a D'artacán también estará el pequeño Pom, al que en inicio le puede más la codicia pero que al final sabrá valorar lo que es la auténtica amistad (es justo este personaje el que actúa como evidente "alivio cómico", haciéndose muchas veces excesivamente cansino por el abuso de un humor un tanto tontorrón que al final satura al espectador)

Esta película dirigida por Toni García, con el beneplácito del responsable de la serie original (Claudio Biern Boyd), tiene apenas 84 minutos para condensar la esencia de una producción que en origen tuvo 26 episodios (sin contar posteriores secuelas televisivas), por lo que en ese forzado "resumen" se pierde el ahondar en el caracter de los tres Mosqueperros protagonistas, perfilados de forma más o menos acertada según cada uno de ellos, pero quizás algo simple en conjunto. Eso se podría hacer extensible a otros secundarios clásicos de esta famosa serie, como podría ser el caso de esa Juliette que actúa como simple interés romántico del protagonista. Pero siendo comprensivos con la evidente labor de síntesis que ha supuesto esta película, es indudable que se respeta tanto la obra clásica como la popular serie televisiva, defendiendo unos valores clásicos (como la amistad, el honor o la fidelidad frente a la traición, las ansias de poder y la ruindad) que hoy en día están algo solapados por una mayor importancia mercantilista que al producto en si.

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 18 de agosto de 2021.
• Galería de posters por este enlace.
• LA CURIOSIDAD: Algunos flashbacks rememoran el pasado en animación clásica, lo que aumenta la nostalgia hacia los que ya tenemos una edad.
• LA BANDA SONORA: Esta serie tenía una canción emblemática, de la que se recuperan los acordes principales de forma destacable en formato orquestal y con coro.
  
• LO MEJOR: El respeto y la fidelidad tanto hacia la esencia de la serie que encandiló a varias generaciones como a la obra literaria de la que toma su argumento.
• LO PEOR: Su animación es destacable pero puede resultar poco fluida para los gustos actuales, y la necesaria condensación argumental merma el desarrollo de algunos personajes.