EL CAZADOR Y LA REINA DE HIELO, si la anterior ya no era gran cosa...

Esa moda que comenzó en Hollywood tras el éxito de Alicia en el Pais de las Maravillas en 2010 (y que se trata de la reinvención o nueva adaptación de cuentos clásicos de la infancia) ha tenido en taquilla una suerte desigual. Aparte del citado título de Tim Burton, otro film que disfrutó de una buena recaudación fue Blancanieves y la leyenda del cazador que logró casi 400 millones de dólares a nivel mundial (frente a un presupuesto de 170) lo que propició esta secuela estrenada hace un par de meses. En su momento la descarté (hay que hacer selección entre todo lo que llega a los cines) pero sus cuatro protagonistas son actores muy llamativos por lo que decidí darle una oportunidad (no todos los dias se puede disfrutar en una misma película de bellezas como las de Charlize Theron, Emily Blunt y Jessica Chastain)

El mayor mérito que se le puede otorgar a esta entrega es prescindir de la Blancanieves que allí encarnaba la insípida Kristen Stewart, la cual era superada en todo momento por la villana a cargo de Charlize Theron. Por eso resulta un poco ridículo ese título extendido español (Las crónicas de Blancanieves) que incluye a la protagonista previa cuando en esta no pinta nada. Pero aunque la citada heroina no está, y tampoco se la echa de menos, el problema es que el mayor atractivo de la anterior (la malvada Ravenna a cargo de Theron) lo reducen aqui tan solo al inicio y en el tramo final, quedando por tanto el peso de la historia en los hombros de Chris Hemsworth, el Cazador del título.

Otro detalle que habría que matizar es que esto es una precuela, una secuela y un spinoff (todo junto): lo primero sería por un prólogo donde se nos presenta a la villana de esta nueva entrega (Freya, la hermana de Ravenna), lo segundo sería por situar el relato siete años después (tras los sucesos del título anterior) y lo tercero por lo evidente de que estamos ante un producto colateral a otro que ha triunfado, para seguir exprimiendo el filón, aunque sea sin contar con la protagonista del primero. Al continuar la historia sin tener como base ningún cuento previo se nota (y mucho) que la sombra de Frozen es alargada, porque la Reina de Hielo del título (a cargo de Emily Blunt) está muy inspirada en la protagonista de aquel título de animación de Disney que triunfó en 2013.

¿Cual es el mayor problema de esta película? Que una vez que la has visto te des cuenta de todos los elementos que tenía para triunfar, y lo desaprovechados que estan: la tan sobada relación romántica entre Eric y Sara (la cual se supone que nos demuestra por enésima vez que el amor todo lo puede) se mezcla con elementos de El Señor de los Anillos (aparte de los visuales, aqui también hay un grupo de personajes variopintos tras un objeto redondo y dorado, en este caso el espejo de Ravenna) que se completan con esa Freya que podría considerarse el reverso tenebroso de la Elsa de la citada Frozen. A ese popurri se le añaden más parecidos razonables (villana que igual no lo es tanto como en Maléfica o detalles variados que pueden recordar a Terminator 2, Las Crónicas de Narnia o la serie de televisión Juego de Tronos) y queda claro que el pastiche resultante tiene bien poco de original.

Aún así no puedo decir que esta sea una mala película, sino tan solo un film mejorable por lo que resulta decepcionante que pudiendo haber logrado algo como mínimo entretenido, el resultado final decepcione dando la sensación de que su cuarteto protagonista está desaprovechado (lo cual se hace más evidente en las incorporaciones de Emily Blunt y Jessica Chastain, ya que ninguna de las dos se puede decir que tengan personajes memorables) En cuanto al Cazador, ahora protagonista, digamos que Hemsworth lo aborda con sarcasmo e ironia, la cual funciona mejor que esa especie de "alivio cómico" que se supone que tienen que ser los enanos (y que más bien resultan hasta molestos) En cuanto a Charlize Theron, resulta sin duda (de nuevo) lo mejor, pese a lo poco que sale, superando sin problemas al resto cuando coinciden en pantalla.

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 8 de abril de 2016
• LO MEJOR: Pese a que aqui más que protagonista podriamos decir que es secundaria, Charlize Theron es sin duda lo mejor, ya que sabe el tipo de personaje con el que tiene que lidiar y lo asume en consecuencia. Al igual que en el film precedente también destacan los efectos visuales y de ambientación.
• LO PEOR: Que con el reparto que tiene se quede uno con la sensación de lo mal aprovechado que está, aparte de un guión sin entidad propia que mete en el mismo saco un montón de referencias de manera más o menos sutil (y más o menos acertada)

SUMMER CAMP, frenéticos infectados transitorios

Voy a ser sincero nada más comenzar: fuí a ver Summer Camp con las expectativas MUY bajo mínimos porque pensaba que sería la enésima película de adolescentes en un sitio recóndito que van cayendo como moscas por una amenaza externa. Que el productor de este film fuera Jaume Balagueró me hizo pensar que esto sería una extensión de su famosa saga Rec (con infectados muy violentos) por lo que original que digamos... pues como que no. Incluso dentro del slasher tenía reciente mi decepción con Green Room por lo que no esperaba gran cosa de la presente propuesta. El único punto que podría resultar más llamativo era ver el debut como director de Alberto Marini, hasta ahora más conocido por su trabajo con guiones tan notables como los de Mientras duermes y El desconocido.

Pues bien, al final mis recelos estaban injustificados: no voy a tildar a esta película de obra maestra, y tampoco se puede decir que invente nada nuevo, pero jugando con elementos de género que uno ha visto hasta la extenuación se consigue algo muy dificil actualmente, que es mantener la atención del espectador durante su muy ajustado metraje (83 minutos que se pasan en un soplo sin apenas darte cuenta) Y eso pese a que la voz en off inicial me hizo recordar a El proyecto de la bruja de Blair, por lo que el destino de los personajes queda sellado casi desde el comienzo (tranquilos, no es spoiler, otra voz en off en los títulos de crédito finales planta la semilla de por donde podría ir una hipotética secuela y/o precuela)

La película comienza presentando, o más bien tan solo esbozando, los cuatro protagonistas sobre los que girará toda esta historia: se trata de unos jóvenes americanos que van a trabajar como monitores en un campamento de verano infantil, y que viajan al mismo unos dias antes para comprobar que todo esté en orden. Sus problemas darán comienzo cuando una desconocida infección se ceba en ellos, provocándoles una furia asesina extrema. A partir de aqui (y aunque la sombra de Balagueró es alargada, porque los infectados recuerdan a los de Rec) la película juega con el espectador, porque el citado brote es temporal, de tal manera que quien comienza como agresor puede acabar como víctima, y viceversa (siendo algo que nunca sabes cuando ocurrirá)

¿Cual es el origen de esa infección? El director sabe jugar muy bien sus cartas, esbozando a lo largo del metraje diferentes opciones para que el espectador pueda realizar sus cábalas sobre el tema (todo es posible, y no hay nada concreto) En su recta final ya se explica lo que ha motivado todo, pero si en ese momento la película podía caer en el giro final previsible (tras lo de la caravana yo pensaba que se acababa ahi, coherente con lo citado al inicio del film) tenemos otra vuelta de tuerca realmente sorprendente, así como material suficiente para atreverse con una secuela (que supongo que dependerá de como funcione esta en el mercado internacional) Eso si, lo mejor es verla sabiendo lo mínimo de ella para disfrutarla mucho más (es dificil escribir la crítica de una película así diciendo tan solo lo más básico para no estropear sorpresas)

En resumidas cuentas, esta Summer Camp es una muy entretenida película de terror con elementos vistos en otros muchos films de este mismo género, pero que el director combina de manera acertada para atrapar la atención del espectador casi desde su mismo inicio, jugando quizás las mismas cartas que convirtieron a Rec en todo un éxito: un ritmo frenético y una incógnita inicial sobre el origen de la amenaza. Con ayuda de unos actores solventes para papeles principalmente físicos el resultado final es una película de terror autóctona tan disfrutable como recomendable dentro de los parámetros por los que se mueve (meritorio teniendo en cuenta lo previsible que se ha vuelto el terror en su vertiente de zombis y/o infectados)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 10 de junio de 2016
• LO MEJOR: Una historia que, aunque maneje estereotipos, sabe jugar al despiste con el espectador manteniendo su atención sin que ello derive en tomarle el pelo con giros gratuitos.
• LO PEOR: Los evidentes lugares comunes por los que circula, obvios para el espectador veterano.

GREEN ROOM, ... ¿y esto es un slasher novedoso y rompedor?

En el cine de terror actual la sorpresa brilla por su ausencia, y si nos centramos en el género del "slasher" (asesino en serie con máscara que va degollando jovencitos) ya no digamos, porque las enésimas entregas de matarifes tales como Freddy Krueger, Michael Myers, o el Jason de Viernes 13 dan fé de que se les ha exprimido todo el jugo posible. Admito que lo previsible de esas películas para el espectador actual va en detrimento de las mismas, pero resulta dificil a estas alturas innovar en un género que se mueve por parámetros preestablecidos que dan poco pie a la novedad.

Entonces es cuando surge un título del que no habias oido hablar antes (como es el caso), que recibe críticas entusiastas y que, como toda película de terror, te venden como "lo más" hasta el punto de haber espectadores que no pudieron soportarla y tuvieron que salir de la sala (aunque esto último creo que se viene usando desde la época de El Exorcista, por lo que tampoco sería un recurso muy novedoso que digamos) Cuidado, porque en ocasiones ese tipo de promoción previa SI esconde una GRAN película, como pasó con la muy reivindicable La cabaña del bosque, pero ese no es el caso de la que nos ocupa.

Admito que los tópicos serial-killers pueden pecar de previsibles, y que sus víctimas son mera carnaza que está buscando morir, pero en su origen la cosa no era así, aunque luego se tiró de esquema y se repitió hasta la saciedad. Por eso que si Green Room quería inquietar (al menos a mi) me tenía que haber presentado a los personajes, y no dejarlo todo en un "buenos contra malos" donde al final me resultó indiferente quien vivia y quien moría (incluso a nivel sangriento la cosa no es que ofrezca mucha novedad, porque lo de un perro desgarrando la garganta de una víctima, que sería lo más llamativo, es una escena oscura con poca precisión hacia el detalle)

Otro tópico previsible es que los actores más conocidos del reparto llegarán vivos hasta el final, e incluso me atrevo a decir que estando cada uno en un bando, la confrontación final los enfrentará (que es lo que ocurre con los personajes a cargo de Anton Yelchin y Patrick Stewart) Y ya por no hablar de lo PREVISIBLE de que la banda protagonista se vaya a tocar a un inmundo garito perdido de la mano de Dios donde resulta PREVISIBLE que seguro que pasará algo (y en donde, hablando sarcásticamente, ¡efectivamente pasa algo!) A su favor se puede admitir que puede tener momentos de angustia para el espectador poco dado a este género, pero sin empatia no hay simpatia, por lo que en mi caso tanto me daba quien mataba a quien, cuando, donde y como, haciéndoseme muy rutinario el conjunto.

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 10 de junio de 2016
• LA ENSEÑANZA: Hace ya más de 40 años que la película La matanza de Texas nos dejó bien claro que si te vas a un sitio recóndito puede que acabes rebanado a pedacitos. Esta película tan solo sirve para demostrar que no necesitas a un psicópata para ello (que quizás no es tan real) sino que te basta con un neonazi (que esos si son más reales lamentablemente)
• LO MEJOR: Cuando un perro desgarra la garganta de una víctima, aunque tampoco se recree tanto en el momento como daban a entender las críticas previas (al menos a mi modo de ver)
• LO PEOR: Se supone que es innovadora pero recurre a muchos esquemas ya bastante gastados de este género, aparte de que la mayoría de personajes importan más bien poco (tirando a nada) por lo que su destino te trae absolutamente sin cuidado.

ALICIA A TRAVÉS DEL ESPEJO, una secuela que te deja indiferente

Los de la Disney no son tontos (¡ojo, que en un caso así yo tampoco lo sería!) y como la actual moda de versionar en acción real sus clásicos animados está dando buenos beneficios, decidieron hacer secuela del que (podriamos decir) abrió la veda en 2010: Alicia en el Pais de las Maravillas de Tim Burton (que de momento es el único de toda esta moda que ha superado los 1000 millones de dólares de recaudación en la taquilla mundial) Es curioso que pese al gran éxito de taquilla de la predecesora (aunque fue más bien vapuleada por la crítica) se hayan tardado seis años en desarrollar esta secuela, donde Burton se queda como productor dejando el trabajo de director en las manos de James Bobin.

¿Alguien se recuerda de Batman forever? Fue el primero de la saga del Caballero Oscuro de DC que ya no dirigió Burton, responsable de las entregas de 1989 y 1992 (en el citado film tan solo ejerció tareas de productor, dejando la realización en manos de Joel Schumacher) El resultado final fueron retazos del estilo que había imprimido Burton en las dos primeras películas pero con un cierto exceso que llegó a sus más altas cotas con la posterior (y peor) Batman y Robin. Pues en el caso que nos ocupa digamos que ocurre algo parecido: sigue estando presente el estilo visual que le dió Tim Burton al primer film pero en este caso se opta por una historia en la que James Bobin (a quien le han cedido el testigo como responsable tras las cámaras) se limita a una labor totalmente impersonal y que para el caso podría estar firmada por cualquiera, demostrando que se ha plegado sin problemas a las órdenes recibidas de la Disney, que quería una secuela de tan lucrativo título, aunque no tuviese más que una relación colateral con el título precedente.

Y es que si nos vamos al origen literario del personaje, en la Alicia en el Pais de las Maravillas de 2010 ya se tomaron detalles no solo de la obra original de Lewis Carroll sino también de su secuela, por lo que en este caso solventan la papeleta con un guión que parece estar inspirado en las paradojas temporales de Regreso al futuro 2, tomando del original tan solo el título y la aparición de cuantos más personajes mejor de los vistos en el film anterior, siendo más o menos correcto en los casos, por ejemplo, de Anne Hathaway y Helena Bonham Carter (de las que se nos descubre su pasado en el viaje de Alicia al susodicho) y el Sombrerero Loco de Johnny Depp (cuya depresión en la justificación para todo lo que nos narra esta secuela) pero totalmente intrascendente para todos los demás, incluido la oruga azul a la que da voz en la versión original un Alan Rickman a quien está dedicada esta película a nivel póstumo.

La nueva incorporación al reparto de este título sería la de Sacha Baron Cohen en el papel de Tiempo, un supuesto villano que resulta tan histriónico como el Sombrerero de Depp (del que, pese a todo, no se abusa tanto en esta película) y que se pasa casi toda la película persiguiendo a la protagonista por el artefacto que esta le ha cogido "prestado" para los viajes temporales que acontecen durante el relato. Por su parte una Alicia ya del todo adulta, y no niña como en su base literaria, está ahora mejor interpretada por Mia Wasikowska, que dota a su heroina de más decisión y arrojo (por más que el tramo inicial con ella de capitana de barco parece una escena que bien podría ser de la próxima entrega de Piratas del Caribe)

Al igual que el film de Tim Burton no era ni el mejor de su carrera ni la mejor adaptación de la obra de Carroll, la presente Alicia a través del espejo es tan solo una secuela alimenticia realizada para estirar más el éxito de la anterior película, careciendo de las ¿virtudes? que le otorgó Burton a su predecesora (no hay que olvidar que él también tuvo que plegarse a los mandatos de la Disney, quienes le dejaron poco margen de maniobra) y en donde actores e historia quedan fagocitados por un recital de efectos visuales que en algunos momentos resultan excesivos, unido a la sensación (con el tema de los viajes temporales) que algo se tenían que inventar para seguir exprimiendo el filón. Igual a los más pequeños les gusta su fastuoso aspecto visual (lo más llamativo) pero es una lástima que bajo él no quede nada para el recuerdo.

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 27 de mayo de 2016
• LA PREGUNTA: ¿Porque es TAN descarado que el director no se ha calentado la cabeza, que los actores han repetido por el sustancioso cheque y que la guionista ha echado mano del primer recurso (viajes en el tiempo) que se le ocurrió, viniese a cuento o no?
• LO MEJOR: Continua la orgia visual de su predecesora (no en vano su mayor acierto), incluso ampliándola...
• LO PEOR: ... pero fagocitando el resto de elementos de la historia (¿al final esto que es? ¿Regreso al futuro en el Pais de las Maravillas?) 

DOS BUENOS TIPOS, una muy simpática "buddy-movie" setentera

Viendo (y disfrutando) Dos buenos tipos lo primero que se le viene a la mente al espectador serían las "buddy movies" que triunfaron en los ochenta y noventa, con la saga de Arma Letal a la cabeza. De hecho el guionista de la citada saga (Shane Black) es el director de este film, donde de nuevo el mayor acierto radica en el contraste que hay entre su duo protagonista, en este caso unos notables Russell Crowe y Ryan Gosling, cuya evidente química en la pantalla ayuda a que el resultado final sea más simpático de lo esperado (admito que no había prestado mucha atención al material promocional previo por lo que asistí al cine sin ideas preconcebidas y con ánimo de, como mínimo, entretenerme, llevándome a cambio una grata sorpresa mejor de lo esperada)

Cual si fueran los clásicos Starsky y Hutch (y no es dificil ver el guiño hacia los mismos) la historia nos situa en 1977, y nos cuenta como el más bien inepto detective privado al que da vida Gosling tendrá que aliarse con el matón a sueldo a cargo de Crowe para lograr solventar una trama que comienza con la búsqueda de una chica desaparecida y que luego se complica con una película porno que parece esconder una crítica contra el capitalismo promovido por las más altas instancias de la ciudad (como dicen en un momento dado: ¿estamos buscando una película porno donde lo que importa es el argumento?, una ironia que se puede admitir tan viable entonces como ahora)

Hay que destacar la muy acertada ambientación de este film, que nos situa sin problemas en esa época en la que la industria porno emergía, en la que estaba reciente lo del Watergate de Nixon (que sirve además para una de las multiples guasas que abundan en sus casi dos horas de metraje) y en que el capitalismo empezaba a dominar a la sociedad de consumo (ya estaban a la vuelta de la esquina los años 80 y todo lo que trajeron con ellos) Dicho viaje al pasado se desarrolla con evidente nostalgia por parte de su director y mucho cinismo por parte de sus dos protagonistas, que se ven como los últimos reductos de un estilo de vida pasado de moda (lo que resulta irónico por lo retro que se ve ahora ese tono de hace cuatro décadas visto desde el momento actual)

De todas maneras se denota humanidad en este duo de personajes, sobretodo a través de la retoña del detective a cargo de Gosling, siendo la relación que comparten de padre e hija la que ofrece algunos de los momentos más acertados, ya que una muy apropiada Angourie Rice consigue estar a la altura de los dos veteranos actores que encabezan el presente título, estableciendose en ocasiones (dentro de la trama detectivesca) una simbiosis paternofilial parecida a la que había entre la sobrina del Inspector Gadget y el citado policia. Eso deja claro que ambos personajes no son héroes 100% íntegros (tienen sus vicios y sus errores), pero aún así consiguen transmitir una inmediata empatía al espectador, que enseguida congenia con ellos (al verlos humanos y no meros estereotipos)

Destilando sarcasmo en sus ingeniosos monólogos, uno podría imaginar a este duo en algún título de Tarantino (¡ojo a la escena onírica con un insecto!) a lo que ayuda bastante la alegre autoironia con la que Crowe y Gosling se enfrentan a sus personajes, en un guión repleto de hilarantes diálogos que logran elevar por encima de la media de este tipo de películas a un film que busca en todo momento caer simpático, hecho que lograron conmigo totalmente (no en vano estamos ante una película que creo que conectará muy bien con aquellos que vivimos nuestra infancia más o menos en el momento en que se ambienta la acción de la misma, por su claro efecto nostálgico)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 10 de junio de 2016
• LAS CURIOSIDADES: Casi dos décadas después de L.A.Confidencial se vuelven a reunir en este film dos de sus actores principales: Russell Crowe y Kim Basinger (esta última en un papel secundario) Además (¡y que gratos recuerdos de mi infancia!) es una escena se ve el mítico videojuego Pong, famoso en aquellos años gracias a Atari (y que con los actuales juegos se ve totalmente prehistórico)
• LO MEJOR: La notable química que se establece entre los dos actores protagonistas, haciéndose evidente en la simpática autoironia con la que enfocan sus respectivos personajes (sin olvidar a la joven hija en la ficción de Gosling, una actriz adolescente que ya apunta maneras), en una buddy movie que mira al pasado con nostalgia pero sin perder el humor más cínico y sarcástico.
• LO PEOR: Lo evidente en que te hueles "algo raro" con el personaje de Kim Basinger (y no digo más por ser spoiler)

X-MEN: APOCALIPSIS, irregular cuarta película mutante de BRYAN SINGER

¡Que curioso es el destino! De lo que ha sido a lo que es... En 2000 se estrenó X-Men de Bryan Singer, un film en el que (en origen) el estudio no confiaba, de ahi que tuviera un presupuesto más bien discreto. Pero mira tú por donde que tuvo éxito y sirvió para dar comienzo a una de las franquicias de superhéroes más extensa de las últimas décadas, a lo que sumar que sirvió como trampolin al éxito para Hugh Jackman, que en el personaje de Lobezno ha aparecido en todos los títulos de la serie (incluido este) aparte de tener su propia trilogia, que se completará con una tercera entrega ahora mismo en fase de rodaje y que llegará a las pantallas a principios del próximo 2017.

De la trilogia original son destacables los dos títulos iniciales (dirigidos por Bryan Singer) mientras que el tercero bajó el listón (lo cual fue una lástima al adaptar uno de los mejores arcos argumentales de los X-Men, La saga de Fenix Oscura) Tras iniciarse de manera también irregular la trilogia de Lobezno en solitario (que, como he indicado anteriormente, se completará el próximo año) se dio comienzo también a la precuela de los films iniciales, con una notable X-Men: Primera generación. Justo ahi mira tú por donde que Bryan Singer, el director que inició la saga, decidió volver a la franquicia para continuarla, y si bien el resultado fue acertado en la anterior X-Men: Dias del futuro pasado, sin duda no se puede decir lo mismo del título que nos ocupa.

Habría que ser un poco magnánimos con los responsables teniendo en cuenta que la franquicia de los mutantes ya ha sido bien exprimida por la Fox, siendo esta la novena película de la misma (contando saga original y derivados hasta la fecha), pero si hace bien poco dieron la sorpresa con Deadpool (en la que en principio tampoco confiaban, pero que ha acabado siendo mucho más rentable de lo esperado, aparte de que además es un excelente entretenimiento) se puede decir que la "relativa" decepción viene con X-Men: Apocalipsis, que repite ese tópico de que las terceras entregas suelen ser el capítulo más endeble de las trilogias (cuando, de manera curiosa, hay una gracia en referencia a eso en una escena en que los protagonistas salen del cine tras ver El retorno del Jedi)

Y es que se continua esa evolución temporal iniciada con el título de Matthew Vaughn: si el mismo transcurria en los años 60 y el siguiente en los 70, la acción de esta entrega nos situa en 1983, que fue el año del estreno del título antes citado de la famosa saga galáctica de George Lucas. Pero mientras que en las entregas anteriores la localización temporal tenía más importancia, aqui no deja de ser un elemento muy secundario (algún detallito por aqui y por allá y para de contar) dando la sensación de que lo que nos están contando podía suceder en cualquier momento o época (lo más destacado en ese aspecto sería  cuando el villano desarma a las dos potencias que dominaban el mundo en aquel momento, pero siendo un recurso en el que no se profundiza y que no va más allá de lo que vemos en pantalla)

Pero el mayor problema de esta película es su irregularidad: nadie le niega que es entretenida, pero igual que este título te ofrece detalles interesantes (por ejemplo lo de la familia inicial de Magneto) luego por contra se deja llevar por los excesos (ver toda la destrucción por CGI que acumula) siendo también una lápida sobre el resultado final unos excesivos 143 minutos que resultan agotadores para un espectador y que, a cambio, no conseguirá ninguna secuencia de acción digna para el recuerdo ni ningún nuevo personaje memorable (siendo tristemente evidente en el caso del Ángel, mutante que si en X-Men: La decisión final era prescindible, aqui le sucede lo mismo) La excepción podría estar en Sophie Turner, la nueva Jean Grey, que resulta acertada en líneas generales, así como Evan Peters como Mercurio (Quicksilver) en una escena que supera la que tuvo en el anterior film (el resto tan solo se dejan llevar con mejor o peor suerte, incluida una Mística, de nuevo a cargo de Jennifer Lawrence, que poco varía de su papel en Los juegos del hambre)

Frente a aciertos como ver el origen de Tormenta (o sea, su pasado como ratera, si bien la nueva Ororo Munroe no tiene el carisma de Halle Berry) por contra tenemos el perenne error de esta franquicia, que es meter demasiados personajes. Y si ello no sabe mal si detras hay actores como James McAvoy o Michael Fassbender (coherentes, aunque con matices, en sus respectivos roles) se nota, y mucho, en otros como Mariposa Mental (Psylocke), que puede tener un aspecto muy acertado al de las viñetas por parte de la actriz Olivia Munn, pero que tiene cero desarrollo narrativo, siendo tan solo una presencia más. Porque si de algo se puede admitir que peca este título es de ser tan innecesariamente excesivo como el reciente Batman v Superman (si bien como mínimo Singer finiquita su trabajo mejor que Snyder)

En muchas ocasiones "menos es más" como ya demostró el director en 2000 con la primera entrega, donde el villano de la función (Magneto) REALMENTE intimidaba (a lo que ayudaba, y mucho, el excelente trabajo de Ian McKellen) Pero como dije al principio, el destino ha hecho que aqui invierta las tornas, porque el Apocalipsis de Oscar Isaac nunca te lo acabas de creer como esa especie de dios revivido, pero en caso de ser así, como en la citada Batman v Superman, ¿para que ser TAN excesivo, que habrá MÁS GRANDE para la próxima película? (bueno, si la hay, según como funcione esta en cuanto a recaudación, dicen que tendrá una nueva oportunidad la saga de Fénix Oscura, pero visto lo visto no sé que pensar, todo dependerá de quien se haga cargo del proyecto... que espero que NO sea Singer, porque en esta queda claro que ya está agotado)

A diferencia de la escena post-créditos de Lobezno Inmortal (que anticipaba Dias del futuro pasado) y la del citado título (que anticipaba el que ahora nos ocupa), la que aqui nos ofrecen es tan solo un preámbulo a esa Lobezno 3 que verá la luz en 2017, lo cual la hace tan innecesaria como el mismo cameo del personaje, que dejándose llevar por la irregularidad que acompaña a esta película en todo momento, puede ser acertado en su aspecto visual en referencia a lo de Arma-X pero no aporta nada más que el simple hecho de cumplir la papeleta para dejar contentos a los fans (aparte de liar todavía más la coherencia de la continuidad de la franquicia, haciendo que todas ellas sean un puzzle dificil de encajar)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHAS DE ESTRENO: 20 de mayo de 2016 (España), 27 de mayo de 2016 (USA)
• EL RANKING MUTANTE (PERSONAL): Sin duda alguna esta es la más floja película de la saga dirigida por Bryan Singer, y si valoramos ambas trilogias quedaría como mucho en quinta posición (o sea, la segunda empezando por abajo) A la espera de la tercera digamos que supera a la primera de Lobezno y más o menos se queda al nivel de la segunda.
• CURIOSIDADES: ¿Porqué tiene el pelo blanco Tormenta? ¿Porque se queda calvo Charles Xavier? La respuesta a ambas preguntas (y a otras) queda aqui resuelta.
• LO MEJOR: Aciertos puntuales que son aprovechados con mejor o peor fortuna debido a la irregularidad del conjunto.
• LO PEOR: Es un buen ejemplo de que los excesos nunca son buenos, error en el que esta franquicia ha caido en varias ocasiones.

ANGRY BIRDS, LA PELÍCULA del videojuego de los pájaros encabronados

No soy jugador, lo admito. Igual es por mi caracter pero no suelo tener paciencia para ponerme delante de una pantalla a machacar un joystick (o el teclado del ordenador) porque al final me enerva bastante. Es que además, es una cosa que nunca me ha llamado la atención, aunque no por ello negaré que conozco los más mediáticos y alguna que otra vez he probado algunos tipo Tetris (si acaso el que manejo mejor) o alguna de las múltiples versiones de Super Mario. Pero vamos, que yo nunca he sido de esos que estan horas y horas "dale que te pego" al jueguecito de marras (y con los que hay ahora en tres dimensiones ya es que hasta me mareo, reconozco que si me quedé anclado en algo serian los juegos de plataformas clásicos)

Con este preámbulo lo único que quiero dejar claro es que he ido a ver este film sin ninguna referencia previa más allá de la fama que logró el juego en su momento (de hecho resulta extraño que esta película haya tardado tanto ya que lo lógico hubiera sido aprovechar el boom que tuvo en su momento) Lo que me he encontrado ha sido un título muy simple en su historia aunque toda una explosión de color para la vista, que en algunos momentos me ha recordado a los clásicos dibujos de los Looney Tunes por sus gags y su ritmo frenético (el cual se desborda durante su media hora final), si bien sin el carisma de los mismos ya que se realiza un uso excesivo del slapstick que puede ser un poco agobiante de cara al espectador adulto.

El protagonista de la historia es Red, un pájaro inadaptado con serios problemas para controlar su ira. Eso le llevará a una terapia de grupo donde conocerá a otros pájaros entre los cuales se me hizo especialmente gracioso Terence por su inicial caracter más bien hosco (esto no deja de ser una película infantil y ya sabemos que incluso en el más amargado se esconde un tierno corazón) Con ellos se plasman todos los tópicos previsibles sobre el valor de la amistad (en su inicio el mundo de estos pájaros incapaces de volar puede recordar al de los Pitufos) pero en ellos tendrá un apoyo Red cuando descubra cual es el plan oculto de los cerdos verdes: bajo su aparente buen rollo inicial, su objetivo es robarles todos los huevos.

En la operación de rescate que se llevará a cabo tras que los marranos hayan llevado a cabo su plan Red aprenderá que su caracter furioso no es malo si está justificado, lo que le llevará a comandar la citada misión en una media hora final que es donde se acumulan el mayor número de referencias hacia el juego original (así como otras más dirigidas hacia los adultos como la muy cinéfila que hay en relación a la película El Resplandor) Y ya está, porque este film no se molesta en ahondar más (esto no es Pixar) por lo que aunque el resultado final sea entretenido y quede bien resuelto en su conjunto (en lo que supongo que también influye unos 98 minutos muy ajustados) dudo que entusiasme de la misma manera a niños y adultos, dejando más contentos a los primeros que a los segundos.

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 13 de mayo de 2016
• LA CURIOSIDAD: El guiño a la película El Resplandor, realmente hilarante (aunque solo lo cogeran los más adultos)
• EL DOBLAJE: La versión española, que fue que la ví, cuenta con la habitual selección de voces de famosos (José Mota, Alex de la Iglesia, Cristina Castaño) de tal manera que, por ejemplo, hablan igual el Red de este film y el Drácula de Hotel Transylvania al coincidir el mismo actor: Santiago Segura.
• LO MEJOR: Es correcta y entretenida para el público al que va dirigida (el infantil) sobretodo gracias a un ritmo frenético que ofrece acción constante (supongo que intentando emular el estilo del videojuego finlandés en el cual se basa, algo más evidente en su desaforada media hora final)
• LO PEOR: Su sencillez argumental, que no va más allá del planteamiento para enfrentar a los pájaros con los cerdos verdes, así como un exceso de humor slapstick, que hará reir a los más pequeños pero puede hacerse más cansino para los adultos.

LA VENGANZA DE JANE, un correcto western con NATALIE PORTMAN

El western es uno de los géneros cinematográficos que se ha usado en más ocasiones (no es el único, lo mismo podría decirse de otros como el thriller de mafiosos) por lo que resulta complicado a estas alturas que algo englobado en esa categoria consiga destacar por encima de la media (de ahi también que sea un género con mala suerte en taquilla, porque desde principios de los años 90 con Bailando con lobos y Sin perdón, solo ha vuelto a despuntar -ligeramente- con películas como Django desencadenado y Los odiosos ocho, las dos aportaciones al género que nos ha ofrecido Quentin Tarantino)

Claro que diciendo esto podriais pensar que no me ha gustado el título que nos ocupa, pero he de matizar que aunque en si no invente nada nuevo, como mínimo se trata sin duda de un correcto western, donde sin duda destaca su protagonista, una espléndida Natalie Portman que consigue sostener sobre sus hombros una historia que tampoco es que de para mucho más, pero que al menos no se dilata innecesariamente (su duración son unos ajustados 98 minutos).

Pese a todo, y como también es costumbre en este pais, el título que se le ha dado a la película puede llevar a errores, porque igual alguno se imagina un relato típico de venganza con muchos tiroteos y acción, cuando en si estamos más bien ante una historia narrada con un estilo más intimista y pausado (quien se piense por su título que la Portman se mete de heroina de acción en un estilo similar al del Liam Neeson de estos últimos años, digamos que está muy equivocado) Incluso el poster para promocionarla, que es el que acompaña a estas líneas, no creo que sea especialmente llamativo, siendo más acertado ESTE OTRO, que recuerda asimismo más ese espiritu del western clásico en el que se supone que se basa, siendo mejor que ese simple pero tan solo funcional montaje de rostros de los personajes principales que ha sido finalmente escogido para el poster.

La mayor novedad se podría considerar en el hecho de que sea una mujer la protagonista, cuando este género siempre ha sido encabezado tradicionalmente por hombres, aunque es justo destacar el trabajo de Joel Edgerton y Ewan McGregor, el primero cumpliendo con la imagen arquetípica del héroe de aquella época (un hombre de pocas palabras pero de un honor inquebrantable) mientras que el segundo va de un villano al que quizás se le podría haber sacado más sustancia. En cuanto a nuestra heroina, digamos que representa una mujer de caracter fuerte que ha conseguido labrarse una familia y una vida más o menos propia pese a las adversidades del destino, hasta que el regreso de antiguas amenazas (de su marido actual) la llevarán a decidir luchar por lo suyo en lugar de huir, a lo que le ayudará alguien de su pasado.

El trabajo como director del neoyorkino Gavin O'Connor en esta película puede recordar al del antes citado Clint Eastwood de Sin perdón, ya que su ambientación es realmente muy acertada (uno se situa sin problemas en ese periodo histórico en el que transcurre la historia) coincidiendo también en introspección crepuscular así como en una puesta en escena clásica (e incluso se podría decir que académica) El problema, como he indicado antes, es que no inventa nada nuevo, por lo que ello explicaría que haya pasado desapercibida en su estreno americano (y en principio no se espera que corra mejor suerte en el resto del mundo), pero quien se moleste en darle una oportunidad obtendrá un correcto entretenimiento dentro de un género donde uno ya ha visto de todo.

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 6 de mayo de 2016
• LA CURIOSIDAD: Los westerns con protagonista femenina son algo tan raro que el único que se me viene a la cabeza sería Rápida y mortal de Sam Raimi y con Sharon Stone... que también fue un fracaso de taquilla.
• LO MEJOR: Es correcta y entretenida tanto en planteamientos como en resolución, destacando la labor tanto de Natalie Portman como de Joel Edgerton, este último con un personaje al que el espectador poco a poco se va cogiendo empatia a medida que sabemos su pasado con la protagonista.
• LO PEOR: El villano igual podía haber dado más de si, y en si la película tampoco innova ni da para mucho (aunque al menos dura lo justo)

CAPITÁN AMÉRICA: CIVIL WAR, que aprendan los de DC (y ZACK SNYDER)

Otra cosa serán los resultados finales, pero creo que todo fan (en mayor o menor grado) de los comics de superhéroes debe estar contento con la moda que se ha dado de unos años a esta parte, y que se puede afirmar que tiene su cumbre en el presente 2016, porque entre los que disfrutan serie de televisión y los que veremos en pantalla de cine, no miento si digo que ya se cuentan por docenas. De momento en lo que llevamos de año hemos tenido en febrero la sorpresa de Deadpool, en marzo la muy pretenciosa Batman v Superman: El amanecer de la justicia y siendo ahora en abril esta Capitán América: Civil War, mientras que asoma ya por el horizonte para el próximo mayo X-Men: Apocalipsis (sin olvidar Doctor Strange antes de que acabemos 2016)

Pero vamos con el presente film, del que puedo afirmar que es la mejor película de superhéroes de Marvel hasta este momento, con permiso de Los Vengadores (2012) que era hasta este momento la que tenía dicho honor. Cuidado porque ya especifico que de Marvel, ya que si tenemos en cuenta todas las del género, y aunque las de DC, se hayan sobretodo basado en Superman y Batman, es justo recordar el alto nivel que logró Christopher Nolan en El caballero oscuro, que bien podría ocupar ese mismo podium donde he situado a Los Vengadores (2012) y el film que nos ocupa. Digamos, para entendernos, que Capitán América Civil War merece una puntuación de 9 sobre 10, o sea, tocando el excelente (que no perfecto) lo cual creo que no está nada mal.

En el comic original que más o menos toma como base, otro detalle que también era criticado es la vergonzosa moda de los reality-shows (lo que sucede en uno de ellos provoca la tragedía que da pie a todo lo demás), aqui sustituido con excelente coherencia por una evolución dentro de la continuidad del propio universo Marvel en cine: los destrozos provocados por los personajes en anteriores películas da pie a que los gobiernos los quieran poner bajo control, algo que los dividirá entre los que están de acuerdo y los que defienden la libertad de elección (de ahi los dos bandos que se forman, el liderado por Iron Man que estaría a favor del registro y el del Capitán América que estaría en contra del mismo) Es un acierto por parte del guión no caer en tópicos de "buenos" y "malos", al exponer con coherencia los motivos de cada uno, hasta el punto de que en la batalla campal en el aeropuerto sea dificil decantarse por un bando u otro.

De todas maneras en toda película de superhéroes tiene que haber un villano (o varios) y ese es el papel que tiene aqui el Helmut Zemo al que da vida el actor Daniel Brühl. Pero quien espere una versión más o menos fiel a como es el personaje en las viñetas puede quedar un tanto decepcionado, si bien los motivos y las justificaciones que expone son perfectamente entendibles, aunque pueda parecer un tanto forzado que un personaje así consiga manejar al resto como lo hace. No deja de ser esto tan solo mi opinión, pero ya que en su primera entrega de 2011 el Capitán América se enfrentó con un Craneo Rojo bastate fiel a su homónimo en papel, esperaba algo más o menos similar aqui (si bien, insisto, su plan lo convierte en un villano cuyas maquinaciones dejarán huella en el futuro de los personajes, aunque quizás sus aspiraciones no van acorde a su presencia en pantalla, que creo que podía haber dado más de si)

Con una exacta progresión dentro de este propio universo cinematográfico (se cita como lo más antiguo los ocho años que hace que Iron Man salió a la luz, coincidiendo en ser los años que hace que se estrenó el primer film de dicho superhéroe) resulta curioso que sea el, a priori, personaje menos llamativo para el gran público (el Capitán América) quien haya tenido la, de momento, mejor trilogia, ya que a un destacable film inicial le siguió una acertada secuela (El soldado de invierno) que también se cuenta entre lo mejor que hemos visto de Marvel en la gran pantalla. De la misma toma esta Civil War a sus directores, los hermanos Russo, que consiguen aqui algo que bien podría haberse titulado Los Vengadores 2.5, y que además mejora en su base (el duelo entre superhéroes) la versión más superficial que se ha visto en la reciente Batman v Superman (que digamos que más bien se quedaba tan solo en lo icónico de los personajes, sin profundizar en sus motivos)

Mejorando, por tanto, a la secuela de Los Vengadores que hizo Joss Whedon, esta tercera aventura del Capitán América nos sirve no solo para recuperar a superhéroes que ya han tenido película (como Ant-Man) sino para presentar a un par de nuevos, que además son los protagonistas de las dos escenas tras los títulos de crédito: hablo de Black Panther (cuyo film en solitario está previsto para 2018) y Spider-Man, que es aqui con Tom Holland lo que no ha sido ni con Tobey Maguire ni con Andrew Garfield, un ADOLESCENTE, acercándolo más al estilo clásico de sus orígenes en los 60 con Ditko y Romita (aunque la nueva Tia May no sea la tradicional anciana y le tire los tejos hasta Tony Stark)

Y cuidado, porque con el aluvión de superhéroes que hay aqui uno podría pensar la presencia forzada de alguno, pero todos tienen su momento para justificar las tensiones que surgen entre ellos a lo largo de unos 147 minutos que se pasan en un soplo, demostrando al final que estamos ante un film taquillero que no se queda tan solo en sus (espectaculares) imágenes, sino que también ofrece una historia que sabe evolucionar de una manera convincente. Viendo el trabajo de los hermanos Russo tanto en el presente título como en la anterior entrega del Capitán América, tengo la esperanza de que con ellos la tercera entrega de Los Vengadores, que dividida en dos está prevista para 2018 y 2019, valdrá la pena (al menos a priori) Que aprendan los de DC (y sobretodo Zack Snyder, director de El hombre de acero, la antes citada Batman v Superman y las futuras dos entregas de la Liga de la Justicia)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHAS DE ESTRENO: 29 de abril (España), 6 de mayo (USA)
• LAS ESCENAS POST-CRÉDITOS: Parece mentira que a estas alturas aún haya gente que salga despavorida de la sala en cuanto comienzan "las letras" (en este caso lo he vuelto a ver) porque Marvel ya nos ha acostumbrado a escenas tras las mismas, siendo en este caso dos: una inicial centrada en Black Panther (y su Wakanda natal) y otra del nuevo Spider-Man que hace ilusionar de que quizás tengamos la adaptación más fiel al estilo de Ditko y Romita que tuvo el arácnido en sus orígenes en papel.
• LO MEJOR: Es TODO lo que uno busca en una película de este estilo y no hay ni un solo superhéroe que sobre, destacando la excelente presentación de Spider-Man, que te deja con ganas de ver YA la película en solitario que preparan de él para 2017.
• LO PEOR: El villano podría haber dado más de si (aunque sin duda sus planes son los que dejarán más huella) y sabe a poco la presencia de actores como Emily VanCamp o Martin Freeman.

EL NIÑO Y LA BESTIA, aprendizaje recíproco entre maestro y alumno

No soy consumidor habitual de anime (lo reconozco) porque por estos lares digamos que se estrena poco y mal. De todas maneras es verdad que si uno habla de ese género lo primero que se le viene a la mente es el nombre de Hayao Miyazaki (al que en mi caso descubrí cuando era pequeño con aquella serie de televisión de Sherlock Holmes con perros) pero con este título se puede descubrir a otro creador con talento como Mamoru Hosoda, al que tan solo le quedaría lograr la fama y la difusión internacional conseguidos por el Studio Ghibli de Miyazaki.

El presente título compitió en la pasada 63 edición del Festival de Cine de San Sebastián, logrando ser el primer film de animación en optar a la prestigiosa Concha de Oro. Con anterioridad su director ha sido el responsable de films como Los niños lobo (2012), Summer wars (2009) y La chica que saltaba a través del tiempo (2006), ganando todos ellos el premio del Festival de Sitges a la mejor película de animación. Este film (El niño y la bestia) también pasó por Sitges, así como el Festival de Gijón, siendo uno de los éxitos del año en su estreno japonés de la mano de Toho con más de 4 millones de espectadores (consiguiendo ser la película más taquillera de su director)

La historia nos narra como existe un universo paralelo en el que viven bestias de toda clase, y a la que accede nuestro protagonista humano, llamado Ren, tras huir de un hogar desestructurado al quedar huérfano de madre y con el padre (divorciado) en paradero desconocido. Una vez allí nuestro héroe (rebautizado como Kyota) se forjará como aprendiz del carismático Kumatetsu, un animal con aspecto humanoide que previamente ya le había invitado a viajar a ese mundo. La citada bestia de la presente historia ejercerá de mentor, profesor, guía y padre del muchacho, mientras que el joven Kyota será la motivación que le faltaba a Kumatetsu al tiempo que, gracias a sus enseñanzas, crecerá aprendiendo los intereses fundamentales de la vida como (por ejemplo) la valentía, el amor y el respeto.

A lo largo de su metraje se plantean los valores de la familia, la amistad y la enseñanza, pero todo equilibrado con las dosis justas de humor y acción: en la relación entre Kyota y Kumatetsu habrá un claro aprendizaje mútuo, pero también algunas discusiones y desavenencias entre ellos (varias realmente hilarantes) por el choque de sus fuertes temperamentos. Aún así la historia se dilata quizas demasiado (hubiera mejorado siendo en algunos momentos más concisa y menos solemne, pese a que es justo admitir que la narrativa japonesa no suele ser muy amiga de la síntesis) El mensaje más claro de este film sería un entendimiento y respeto entre los pueblos (abandonando el odio, conociéndose a uno mismo y siendo feliz), todo ello plasmado en imágenes con un notable apartado gráfico tanto en el mundo animal (precioso y encantador) como en las peripecias por Tokio (donde la fascinación por los elementos fantásticos se combina con un acertado toque más realista)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 22 de abril del 2016
• LO MEJOR: Visualmente es magnífica, aparte de giros argumentales tan destacados como el uso que se hace de la clásica Moby Dick para representar la oscuridad inherente al ser humano.
• LO PEOR: Se dilata demasiado ya que para lo que cuenta (y como lo cuenta) le sobra algo de solemnidad y le falta más concisión.

EL LIBRO DE LA SELVA (2016), notable revisión del clásico animado

En los vagos recuerdos de mi infancia tengo en un lugar de mi corazón la película El libro de la selva de Disney (la versión animada, como es lógico) que fue el primer film que me llevaron a ver a una sala de cine, en un reestreno allá por principios de los 80 (la siguiente fue el ET de Spielberg) Dicen que la nostalgia puede engañar: hace mucho tiempo que la ví por última vez y puede que ahora mi valoración no sea ya la misma, pero aún así me decanté por esta nueva versión con reservas, ya que en el fondo tan solo se trata de una jugada comercial de Disney para ganar dinero, ahora que la versión a imagen real de sus clásicos animados han visto que les resulta monetariamente provechosa.

Aunque nadie niega que la jugada final será lo rentable que resulte en taquilla, es justo admitir que estamos ante una nueva adaptación de un clásico que sorprende por ofrecer al espectador un mundo artificial tan detallado y fascinante como el de Avatar, siendo muestra de ello unos animales que (si no fuera porque hablan) sería complicado poder distinguir si son o no son reales (mientras la estaba viendo me recordé de los efectos visuales de Babe el cerdito valiente, premiados con un Oscar en 1995. Pues bien, los del presente film, similares en origen ya se situan en un nivel TREMENDAMENTE SUPERIOR)

La historia es la ya conocida por todos, la supervivencia en la selva del pequeño chiquillo humano Mowgli, que ha sido criado por una manada de lobos, y que tiene su origen en el clásico literario del mismo título obra de Rudyard Kipling. Como es lógico, esta nueva adaptación toma como referencia la versión animada de Disney pero reduce el tono de comedia para ofrecer más aventura (aunque en su banda sonora recupera dos de los temas más famosos y pegadizos del film de 1967: los de Baloo y el Rey Louie) Cabe indicar que el segundo de los citados ya no es el orangutan de la versión animada, sino un inmenso Gigantopithecus, un simio de proporciones colosales que ya está extinguido, pero que se supone que vivió en el sudeste asiático (donde estaría situado este relato) hasta hace un millón de años, llegando a convivir con el Homo Erectus.

Aunque al pase al que asistí la pude disfrutar en un espectacular 3D (esta sería una de esas películas que bien merece ser deleitada en ese formato) la lástima estuvo en que fue la versión doblada, perdienddo la cantidad de famosos que dan voz en su versión original a los animales que pueblan esta película (entre otros Bill Murray, Ben Kingsley, Idris Elba, Lupita Nyong'o, Scarlett Johansson, Giancarlo Esposito y Christopher Walken) Tambien es justo admirar al joven Neel Stehi, única presencia humana del relato, y que lleva sobre sus hombros de manera acertada el ser el nuevo Mowgli de este título (escogido en un casting de 2000 aspirantes, supongo que rodaría la película rodeado de pantallas verdes donde después se insertaría todo lo demás por ordenador, pero hay que reconocer que el chaval lo hace con naturalidad y simpatía)

El director de este remake en acción real del título de 1967 es Jon Favreau (responsable de las dos primeras aventuras en pantalla grande de Iron Man) quien demuestra que con los adelantos tecnológicos actuales, pero sin que estos solapen una buena historia, hay relatos que merecen ser descubiertos en todo su esplendor por una nueva generación, así como vueltos a disfrutar por las previas (y es que en este caso estamos ante una película 100% familiar que al tiempo que cumple como remake y/o homenaje del clásico animado de hace casi 50 años, les descubre a la juventud de hoy en día una emblemática historia que por méritos propios es ya todo un clásico de la literatura)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 15 de abril del 2016
• LO MEJOR: Es tanto un digno remake y/o homenaje del film animado de 1967 como una película notable gracias a un apartado visual realmente portentoso (sin que por ello se resienta la historia) Vamos, que sales del cine con ganas de descubrir la obra de Rudyard Kipling en la que se basa, de lo satisfecho que te quedas tras verla.
• LO PEOR: Que el pase no haya sido en versión original subtitulada, para disfrutar con todas las voces del elenco actoral que tienen los animales (aunque creo que se ha respetado el ponerles los dobladores habituales que los mismos tienen aqui en España)

ORGULLO + PREJUICIO + ZOMBIS, cadáveres literarios de época

Lo admito: no soy aficionado de la obra de Jane Austen, se me antoja particularmente desfasada y no me atraen los vericuetos románticos de sus historias, totalmente pasadas de moda no solo para el presente siglo sino también para la actualidad. No les resto su valor (¡no osaría hacerlo!) pero ahora mismo si tuviera que leer algo de ella sería más por curiosidad arqueológica que por interés literario. Por eso cuando me leí en su momento la obra en la que está basada esta película ya indiqué que era una mezcla (a lo sumo) correcta, sin más pretensiones que la curiosidad de lo que planteaba, aunque ya entonces tengo que admitir que me costó un esfuerzo finalizar su lectura (algo que ya me fue imposible con otra posterior: Sentido y sensibilidad y monstruos marinos, que seguía el mismo estilo de "mezcla rara" con otra obra de la misma autora)

El autor de esta novela (o mejor dicho, el de los insertos zombis en la obra de Jane Austen) es Seth Grahame-Smith, quien dos años más tarde de la primera insistió en este tipo de crossovers con Abraham Lincoln Cazador de vampiros, una entretenida novela que yo siempre he defendido frente a una poco afortunada adaptación, siendo ambas de 2012. Y es que el citado autor tuvo más suerte a la hora de vender y ver la adaptación de la segunda de sus novelas que la primera (la que aqui nos ocupa), que fue dando tumbos y creando infinidad de rumores durante más de un lustro tras la idea inicial de que la protagonista de la película iba a ser Natalie Portman.

Pero mira tú por donde que tras dar vueltas y más vueltas al final se consiguió sacar adelante este proyecto en el que ya no está un nombre tan conocido como el de Natalie Portman pero en el que lo mismo te encuentras con la reciente Cenicienta de Kenneth Branagh (Lily James), al 11º Doctor Who (Matt Smith) o a uno de los rostros más conocidos de la serie Juego de Tronos (el de la actriz Lena Headey) siendo Charles Dance (visto recientemente en Victor Frankenstein) el actor más veterano en el reparto de esta película.

Como adaptación de la novela tengo que admitir que estamos ante un título notable, pero cuidado porque no quiero que se me interprete mal: si la obra literaria era un híbrido en ocasiones un poco extravagante entre el original de Jane Austen con insertos zombis más o menos logrados, la película es fiel a ello (pese a tomarse licencias como no utilizar las coliflores como se hace en el libro, quizás porque en pantalla eso ya caería directamente en el ridículo) Por eso hay que tener claro al verla que esto NO es un film de zombis y NO es una nueva adaptación de un clásico de la literatura sino que estamos ante una mezcla de ambos un tanto... grotesca.

Insisto, la ambigüedad literaria está bien plantada en imágenes, pero aunque la novela en la que se basa fuera una de las primeras en iniciar esta moda de los zombis con la que llevamos varios años, ello no la hace ni de lejos el mejor ejemplo de la misma, aunque si el espectador enfoca su visionado con la idea de asistir a una extravagancia, puede pasar el rato de manera más o menos aceptable. Aún así hay cambios respecto a la novela como ese final abierto de cara a una secuela que no creo que se haga porque según las cifras apenas recuperará lo invertido... y con suerte.

Del reparto lo mejor que se puede decir es que cumplen con corrección (respecto al producto que es) en unos personajes en algunos casos apenas esbozados o al final poco aprovechados (como por ejemplo los Jinetes del Apocalipsis) Admito que tiene algunas ideas ingeniosas en su guión (como el uso de moscas para detectar zombis recientes) aunque hay que indicar que los muertos vivientes que aqui veremos se salen del patrón clásico de Romero, porque en algunos situaciones ¡hablan! (supongo que cuando el cambio de humano a zombi es reciente, aunque eso no queda claro)

Aún así este título tendría que haber dejado un tanto la ambigüedad de la novela para decantarse más claramente hacia un género: o el romance de época o la historia con zombis, ya que al final no es ni lo uno ni lo otro (pese a que nadie le niega un buen trabajo técnico, tanto en fotografía como en vestuario y montaje, que permite situar al espectador en los tiempos de la Regencia Británica de 1819 de manera creíble)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 1 de abril del 2016
• LO MEJOR: Es una acertada adaptación de un libro que, en el mejor de los casos, podriamos denominar como "extravagancia literaria" (quien la haya leído sabrá a lo que me refiero)
• LO PEOR: Su ambigüedad, la misma que tiene la novela, lo que dejará insatisfechos tanto a los fans de Austen (que lo considerarán una aberración) como a los de películas con zombis (que echarán en falta más gore)

BATMAN V SUPERMAN: EL AMANECER DE LA JUSTICIA, ¿decepción?

Cuando fuí al pase de Batman v Superman: El amanecer de la justicia me hizo gracia de que antes del comienzo del film saliera un mensaje de Zack Snyder (director del mismo) no solo agradeciendo que fueramos de los primeros en el mundo en verla sino que además no desveláramos spoilers para la gente que aún no la había visto. De acuerdo, lo voy a respetar en la medida que lo ha hecho la propia Warner, porque SI ES VERDAD que hay un spoiler importante al final (que me cuidaré mucho de citar por aqui) pero los propios avances de la película han desvelado detalles que por momentos me la han hecho bastante previsible (¡y lo dice una persona como yo, que tan solo echo un vistazo superficial a los trailers, sin analizar fotograma por fotograma!)

Dicho lo cual comenzamos: esta película sería secuela directa del film El hombre de acero, en la que hace tres años el director Zack Snyder nos reintrodujo a Superman en cine para las nuevas generaciones, sin nada que ver con la clásica versión de Richard Donner que tuvo mucho en cuenta Bryan Singer en su film del 2006. En su momento ya lo dije y lo sigo manteniendo: NO me parece la mejor película de este superhéroe de DC, lo siento pero Cavill carece del carisma que si tenía Christopher Reeve en el film de 1978. Pero como todo ha de evolucionar, lo acepto porque tampoco Reeve fue el primero en encarnarlo, por lo que si Cavill ha de ser el Superman de esta generación, que así sea.

Por otro lado tenemos a Batman, personaje al que han dado vida varios actores. Si nos centramos en los de las últimas décadas, las dudas sobre el trabajo de Ben Affleck (su nuevo rostro) creo que eran exageradas, ya que sin duda mejora las aportaciones de Val Kilmer y George Clooney aunque no consigue estar al nivel de Michael Keaton y Christian Bale. En este punto  puede haber diferentes opiniones pero para mi Bruce Wayne (y por lo tanto Batman) creo que debería tener un cierto aire ambiguo, de incerteza de lo que te puedes esperar de él, cosa que Affleck no transmite ya que cuesta imaginarle la oscuridad que este superhéroe requiere.

Son indudables las virtudes de lo que Christopher Nolan aportó en el universo DC con su trilogia de Batman, pero Snyder en El hombre de acero quería darle un tono de profundidad más o menos parecido, lo que creo que fue un error porque el kryptoniano sería justo la antitesis del murciélago de Gotham. Y si esto es secuela (que en parte así es) el tono continua, a lo que hay que sumar su condición de reboot para Batman (que, como dice durante el film, ya lleva 20 años de justiciero) y ser el punto de inicio al universo DC. Demasiados temas que cubrir para un dilatado montaje final que colapsa y abruma al espectador en muchos momentos, siendo una película a la que nadie le puede negar su condición de EXCESIVA (lo cual no quiere decir que sea mala) algo que le funciona tanto a su favor como en su contra.

A la espera de que el próximo año llegue su film en solitario, tengo que admitir que Gal Gadot como Wonder Woman CONVENCE, siendo uno de los detalles a destacar de este film. Del resto de superhéroes apenas se ve un cameo en unos videos hackeados a Lex Luthor donde aparecen Cyborg, Flash y Aquaman, lo que me provocó varias sensaciones. Por un lado del primero no he leído mucho por lo que lo que me enseñan me vale, pero del segundo me parece UNA EQUIVOCACIÓN que no usen a Grant Gustin, el actor que lo está encarnando en la serie de televisión, y a priori con más carisma que el visto aqui por Ezra Miller (al que le dejaré el beneficio de la duda) En cuanto a Aquaman, resulta un acierto actualizar su aspecto y en principio Jason Momoa puede que le aporte la presencia física que necesita un personaje asi.

Como muchos se quejaron de que siempre se usara a Lex Luthor como némesis de Superman por eso en El hombre de acero se decantaron por el general Zod, pero aqui vuelven a recurrir a él. Dicho villano ha tenido también varios rostros en cine, siendo los más destacables los de Gene Hackman y Kevin Spacey, a los que aqui se añade el de Jesse Eisenberg, que bien podría estar nominado a peor secundario en los próximos Razzies porque recrea a un personaje envidioso, irritante, simplón, estrambótico y NI DE LEJOS la amenaza que se supone que es (lo concedo el beneficio de la duda para futuras entregas por su escena final con Batman, aunque incluso ello hace dificil olvidar todo lo previo)

En cuanto a la historia, es muy previsible que habrá confrontación entre los personajes principales porque ambos se otean respectivamente como un apocalipsis divino caido del cielo y un justiciero al margen de la ley, siendo un bastante agotador que para ello hagan falta 153 minutos (hay incluso una versión con calificación R de 183 minutos) a lo que hay que añadir el evidente giro de estas historias team-up donde primero combaten entre si para luego combatir al enemigo común. Y como antes ya he indicado lo de excesiva, otro detalle más para darme la razón: Juicio Final (el villano que en los comics mató a Superman) creado por Luthor con tecnología kryptoniana y los restos de Zod (y un claro spoiler que desvelaron los trailers previos, como he citado al inicio) ¿Como superarán eso para la próxima? ¿Que hay AÚN MÁS GRANDE?

Nadie le niega su condición de evento, pero mientras que Marvel presentó a sus personajes en solitario para luego unirlos, en DC han decidido tomar el atajo e ir a por todas, lo que demuestra (al menos aqui) que las prisas no son buenas y que la épica forzada no hace mítico a un film. Mentiría si dijera que no es entretenida (porque desde luego que si lo es) pero esta Batman v Superman no consigue el óptimo resultado que tuvo Joss Whedon con Los Vengadores (el título Marvel con el que resulta más facil compararla) a la espera de lo que ofrezca un cansino Zack Snyder (¿porque en Warner no aprenden de Marvel, que ha dado sus personajes a muchos y varios directores?) que ya trabaja en La Liga de la Justicia, película que unirá a todos estos metahumanos que aqui aparecen o son mencionados (supongo yo)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 23 de marzo del 2016
• EL DETALLE (TONTO) DE LA DURACIÓN: Por poner un ejemplo, ¿aporta algo el cameo de Kevin Costner? ¿Verdad que no? ¿Pues para que hinchar el metraje con elementos sin importancia?
• LO MEJOR: Es APABULLANTE hasta el EXCESO, detalle que le funciona tanto a favor como en contra.
• LO PEOR: Resulta previsible (se pelearán entre ellos para luego combatir a un enemigo común) y muy larga (lo que provoca que el citado EXCESO provoque más bien indiferencia en algunos momentos)