THE MUNSTERS (2022), mala en todos los sentidos (crítica sin spoilers)

Las series de televisión de los años sesenta y setenta han sido objeto de reinvenciones de todo tipo, la mayoría intentando conectar con el público actual y generar una franquicia (la única que parece haberlo logrado con éxito es Misión Imposible) ¿Cómo se puede adaptar algo para que sea universal, pero sin perder su toque de autenticidad? La respuesta se antoja dificil para casos como esta nueva versión de La familia Munster llevada a cabo por el director Rob Zombie con un resultado más bien grotesco y caótico, pese al evidente afan de ser fiel a la estética original (único aspecto en el cual sale ganando al fallido remake que ya tuvo la serie con Mockingbird Lane en 2012, de la mano de Bryan Fuller y Bryan Singer)

Si los fans que recuerdan con cariño a estos personajes se preguntan donde están los miembros de la familia que faltan, eso se debe a que Rob Zombie ha orquestado con este film una precuela, que vendría a explicarnos como estos clásicos monstruos acabaron viviendo en un barrio residencial americano de la década de los sesenta, en el ya mítico 1313 de Mockingbird Lane. El problema viene que cualquier crítica suburbana al concepto mismo de la serie llega tarde cuando eso ocurre casi en el tramo final de esta cinta, siendo lo previo la vida de Lily y su padre en Transilvania (por un lado), y la creación de Herman Munster (por otro), que convergen en una sola cuando Lily se enamore de Herman, para disgusto del padre que teme por su hija... aunque más por la herencia familiar.

Es bastante curioso que Rob Zombie diga ser fan de la serie original, porque ese debe ser el motivo de que esta película esté plagada de guiños y detalles que nos sirven para recordarla. Pero es justo recordar que Mark Steven-Johnson también decía ser fan de Daredevil (de hecho la película de 2003 también está plagada de curiosidades), pero el resultado final fue a todas luces fallido, siendo el mismo error que se produce en el presente caso. Eso se acrecienta por una manera de rodar realmente espantosa, que quita todo el mérito posible al resultado final y justifica que no se haya estrenado en cines (de hecho en ciertos momentos desprende tal sensación de cutrez que me dió la sensación de que bien podría pasar por un bodrio al estilo de esas películas de parodias que perpetraron tras Scary Movie) Ademas al ser en origen una sitcom que resuelve la historia en 25 minutos, que esta se alargue hasta los 109 resulta excesivo, ya que se nota que el guión no da para tanto, siendo patente en algunos gags que podrían tener cierta gracia (por ejemplo el evidente al Nosferatu de Murnau), pero que recalcan hasta hacerlos cansinos, tan solo para rellenar metraje.

 

Y es que uno de los mayores fallos que tiene esta pretendida revitalización de la serie clásica es un guión que se queda tan solo en el apartado referencial, pero sin cimientos sólidos sobre los que sustentarse. El desarrollo resulta caótico, ya que la precipitada historia se mueve de un sitio a otro sin ningún tipo de orden o coherencia, hasta el punto final en el que no te queda claro que era lo que quería contar Rob Zombie. A ello no ayuda tampoco unos actores realmente pésimos, que logran que unos personajes que eran entrañables se tornen ridículos (sobretodo Herman) más allá de algún cameo curioso como los de Cassandra Peterson (famosa por Elvira), Sylvester McCoy (7º Doctor Who) o Jorge García (visto en la serie Perdidos) Resulta también evidente una clara influencia del Mel Brooks de El jovencito Frankenstein, pero mientras que aquella acertaba en su estética visual, aqui perpetra un atentado a la vista con colores de neon y fosforescentes que recuerda al de los films de Batman de Joel Schumacher. En resumidas cuentas: una comedia patética, mal rodada y peor interpretada, así como un homenaje tan lleno de referencias como vacio de todo lo demás.

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• FECHA DE ESTRENO: 27 de septiembre de 2022.

PINOCHO (2022), mimetismo innecesario (crítica sin spoilers)

Disney lleva muchos años viviendo del filón de los remakes en "acción real" de sus clásicos animados, con resultados dispares que van de lo curioso (unos pocos) a lo innecesario (la mayoría de ellos), aunque a veces combinando ambas definiciones. Y es que resulta innegable que para llevarlos a cabo no escatiman en medios, pero dejando palpable la mayoría de veces que un apartado visual portentoso no lo es todo si debajo no saben trasladar la "magía" del original, que es lo que lo hizo clásico. Eso es lo que le ocurre a este remake de Pinocho, que copia el aspecto del emblemático film de 1940, pero dejándose por el camino las emociones que transmitía aquella película de hace ya más de ocho décadas, que además ganó un Oscar por la popular canción When a wish upon a star (la cual se convirtió en la fanfarria de todas las producciones Disney de forma recurrente)

En una temporada en la que aparte de esta adaptación de Pinocho también llegará a Netflix la auspiciada por Guillermo del Toro, y con el recuerdo de la más reciente (2019) de Matteo Garrone con Roberto Benigni como Gepetto, yo me imaginaba que la mayor diferencia entre las dos de este 2022 radicaría en que esta de Robert Zemeckis sería la más conservadora y la del mexicano la más artística... pero lo que no me imaginaba es que esta lo sería TANTO, que replicaría la cinta de 1940 tan solo introduciendo guiños más contemporáneos, así como algunos detalles bastante anacrónicos, con un resultado final que no molesta, pero dista mucho de convencer.

Aunque los relatos sean diferentes, el mejor ejemplo para comparar a esta película con otro reciente remake surgido de la misma factoria sería El rey león de 2019 (e incluso con matices), ya que en ambos casos el acabado visual es destacable, si bien en este caso tiene detalles discutibles (el CGI no resulta muy acertado en algunos momentos); pero ambos coinciden en no ofrecer nada nuevo que mejore a la película original. En el presente caso resulta incluso más sangrante ver a un director que en su época fue emblemático como Robert Zemeckis, (responsable de clásicos como la trilogia de Regreso al futuro) junto a un actor como Tom Hanks (que ha demostrado su valía a lo largo de su carrera) trabajar en esta película con el piloto automático puesto, siendo meros replicadores de lo que la empresa les solicita: si el público pide más de lo mismo, pues hacemos más de lo mismo. De hecho el film de 1940 resultaba en algunos momentos algo perturbador, lo que aqui es sustituido por un tono monocorde en el que el espectador va asistiendo a las diferentes aventuras de Pinocho (por fuera llamativas, pero vacias por dentro) en su intento por convertirse en un niño de verdad.

Aunque el mayor porcentaje de metraje no deje de ser una copia del film animado de 1940, esta nueva versión se permite guiños al público un tanto autocomplacientes (como esos relojes plagados de personajes de películas de la factoria Disney, que resulta curioso pero apenas testimonial), así como detalles algo anacrónicos que se antojan tonterias innecesarias (ver algunos de los comentarios que hace el Honesto John, con voz original de Keegan-Michael Key) También suscitó polémica antes de su estreno la elección de Cynthia Erivo como el Hada Azul, por el cambio racial que representaba respecto a la imagen original de este personaje, pero más allá de los prejuicios que puedan tener algunos, se trata de una mera jugada comercial para contentar al máximo de público posible, que concuerda con el conformismo que destila este innecesario remake. Porque al final este decepcionante Pinocho tan solo busca el mayor mimetismo posible con la versión animada que deslumbró a muchas generaciones, dejándose por el camino todo lo demás, en un nuevo eslabón de remakes que prepara Disney para contentar a ese público que tan solo pide más de lo mismo.

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• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA EN DISNEY PLUS: 8 de septiembre de 2022.
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SAMARITAN, el ocaso del superhéroe de STALLONE (crítica sin spoilers)

En la década de los ochenta y los noventa el cine de acción estaba en manos de ¿actores? como Arnold Schwarzenegger o Sylvester Stallone, con otros que también aspiraban a un éxito similar como Steven Seagal, Jean-Claude Van Damme o Chuck Norris, si bien fueron los dos primeros los que protagonizaron algunos de los títulos más míticos y emblemáticos de aquellos años (la única excepción la podría marcar Bruce Willis, que también alcanzó lo de ser un mito gracias a Jungla de cristal, si bien entonces no estaba tan asociado a dicho género como los otros, siendo posterior su relativo encasillamiento)

Es indudable que con la actual moda mediática con el tema de los superhéroes, presentes tanto en la pequeña como en la gran pantalla, muchos de los que vivieron su infancia y adolescencia en los citados ochenta y noventa habrán pensado como lo hubieran hecho esos actores interpretando a algún superhéroe de Marvel, DC o cualquier otra editorial. Vale que muchos de esos emblemáticos personajes a los que encarnaron en sus sagas y franquicias más rentables igual se podrían considerar como tales por sus características o habilidades (Terminator, Rocky, Rambo, John McClane, etc) PERO en si no lo acababan de ser porque no se ceñian, aunque fuera minimamente, a los cánones genéricos que establecian las historias de superhéroes, al menos por aquel entonces.

De todas maneras los dos iniciales citados (Schwarzenegger y Stallone) si tocaron colateralmente el género, pero en el caso del primero fue encarnando al villano Mr.Frio en la película Batman y Robin (de infausto recuerdo para muchos), aunque en sus inicios fue un notable Conan el bárbaro (si bien este personaje es en origen literario, siendo posterior su fama en las viñetas) En cuanto a Stallone ha estado en fechas recientes tanto en Marvel como en DC, si bien en ambos casos como secundario (en la primera en las películas de Guardianes de la galaxia y en la segunda poniendo voz en la versión original al King Shark de El escuadrón suicida), si bien en las décadas citadas al inicio habría que contar su Juez Dredd de mediados de los noventa, que no convenció ni a crítica ni a público.

Pero en el tema de los superheroes ha habido una evidente evolución en las últimas décadas, que permite acceder a sus historias desde muchas ópticas más allá de su tópico "héroe contra villano", y con Samaritan queda claro que Stallone se suma a un proyecto más cercano a (por ejemplo) Logan, con un acertado tono crepúscular adecuado a su protagonista. De todas maneras se quedaría lejos del ejemplo citado (en cuanto a calidad) debido a una clara concienciación de serie B que tiene este film en todo momento, la cual se hace palpable en escenas de acción que se notan impostadas o efectos de CGI más propios de un videojuego, siendo el carisma de Stallone y la buena química que se establece entre él y el personaje encarnado por el joven actor Javon Walton lo que convence al final.

Ojo porque no estoy diciendo que Samaritan sea una mala película sino que en ella está la esencia de una mejor película (que nunca acaba de emerger) aunque sin duda si nos deja al final una entretenida película, lo cual es mucho de agradecer. Las pretensiones del guión de Bragi F.Schut y la dirección de Julius Avery se enfocan más bien a una mezcla entre el género de los superhéroes en su vertiente crepuscular y el de los justicieros urbanos, si bien no acaba de conseguir un resultado meritorio en ninguna de sus vertientes (que lo podía haber hecho), quedándose tan solo en un conjunto aceptable. Por ejemplo en el tema de los superhéroes nunca profundiza más allá de la enemistad entre los dos principales y, aparentemente, únicos que había en ese mundo.

En lo que si acierta es en narrarlo todo desde el punto de vista del joven Sam Cleary (a cargo de Javon Walton), ya que nos lo presentan como un chaval normal de 13 años que tiene que sobrevivir como puede junto a su madre (que no siempre llega a tiempo para pagar el alquiler a final de mes) en una ciudad llamada Granite City pero que bien podría ser la misma Gotham de Batman, aunque sin superhéroes. Y es que varios años antes el mayor héroe de la misma, Samaritan, se supone que murió combatiendo al malvado Nemesis, pero el joven Sam cree que no es así y las circunstancias parecen darle la razón cuando conoce a su vecino Joe Smith (Stallone) A partir de aqui podría decirse que es todo más previsible... si no fuera por un giro final que invierte las tornas.

Al final Samaritan es un buen entretenimiento cuyo mayor handicap pueda estar en nunca querer aspirar a ser algo más de lo que nos plantea y tener demasiados ejemplos de género con los que compararse (y no siempre para mejor), pero que se sustenta tanto en una buena ambientación como en una evidente química entre Stallone y Walton, además del palpable carisma del primero pese a su edad. Posiblemente con una mayor inversión presupuestaria podría haber mejorado algunas evidentes carencias técnicas (como las antes citadas), pero su falta de pretensiones y su claro posicionamiento en la serie B sirven para que el espectador congenie con esta película de un superhéroe crepuscular enfocada desde el punto de vista de la fascinación infantil que siempre han levantado estos personajes.

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• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA EN AMAZON PRIME VIDEO: 26 de agosto de 2022.
• LA CURIOSIDAD: No es que esté directamente basada en un comic, pero el héroe se llama como su homónimo de Astro City de Kurt Busiek y el villano como su homónimo de Némesis de Mark Millar.

TADEO JONES 3: LA TABLA ESMERALDA, crítica sin spoilers

Quien me iba a decir a mi, hace ya una década cuando se estrenó la primera película de este personaje, que diez años después presumiría de trilogia, que (como ocurre con toda franquicia de éxito) irá a más dependiendo del resultado de esta tercera entrega. Aunque el primer film tuviera una animación que en algunos aspectos no terminó de convencer a todo el mundo, supongo que el gran carisma depositado en el producto final lo llevó a un éxito que logró repetir cinco años después con una secuela tan continuista en espíritu como bastante entretenida en su conjunto, y en donde la calidad de la animación ya pegó un salto cualitativo evidente. Eso mismo ocurre en esta tercera entrega respecto a la previa, aunque como también suele ocurrir en toda franquicia, la novedad del conjunto ya no sea la misma, si bien el espíritu continuista sigue ahi presente.

De todas maneras la entrega anterior pecó de un EXCESO de folclore español que se les "atragantó" a muchos (entre los que me incluyo), algo que no ocurre en esta tercera película, dejando nuestro pais fuera de la historia para decantarse por México (donde se inicia este film), Chicago (donde vive Tadeo Jones), Francia (con una frenética persecución en el Sena) y Egipto (en su último tramo) También se suman nuevos personajes, entre los cuales la más destacada sería una momia femenina ya desvelada en los trailers, así como el irónico cameo de cierto conocido presentador televisivo bastante relacionado con lo sobrenatural.

La sencilla fórmula para poner en marcha esta nueva aventura sería el descubrimiento de una momia egipcia en una pirámide precolombina (por parte de un Tadeo que se ve a si mismo más como aventurero que como arqueólogo, lo que le granjea las burlas del equipo profesional de arqueólogos con el que trabaja) Eso derivará en una maldición sobre Momia, el perro Jeff y el loro Belzoni (en el caso de estos dos últimos uniéndolos aleatoriamente mitad y mitad, siendo el chiste recurrente más destacado de ambos) lo cual llevará al protagonista y sus amigos a seguir la pista de la Tabla Esmeralda, el macguffin usado en esta entrega: un objeto mitológico egipcio de un poder ilimitado. ¿Y Momia? Si, su personaje también queda maldito, pero la auténtica maldición es lo cansino que se hace en muchos momentos, abusando de un humor slapstick claramente orientado hacia el público infantil, pero que a los adultos se les puede hacer inaguantable. Tambien pierde importancia otro personaje habitual de esta franquicia, el de Sara Lavrof, en detrimento de una serie de otros nuevos y variados, tan correctos como funcionales pero sin lograr ser carismáticos.

 

Pero pese a la falta de novedad del conjunto (uno ya se imagina que todo girará sobre las múltiples peripecias en las que se verá metido el protagonista y sus amigos tras lo que se haya marcado como objetivo en esta aventura), y que de los nuevos personajes el que mejor funcione sea el de la momia femenina y el cameo del presentador antes citado (al resto es que en líneas generales les falta chispa), sigue presente el espíritu con el que nació esta franquicia hace ya una década (o más allá, si retrocedemos en el pasado hasta cuando Enrique Gato creo al personaje de Tadeo Jones), con un producto que sigue siendo tremendamente entretenido y tan bien rodado como desarrollado en su apartado visual, sin nada que envidiar a otras producciones de animación digital que nos llegan de (sobretodo) Estados Unidos. En cuanto al humor hay detalles graciosos (como el rastro de desastres que van dejando a su paso tanto en pirámides como monumentos, obras e incluso populares eventos ciclístas) así como variadas referencias a la cultura pop, ofreciendo un resultado final que nunca aspira a nada más que entretenernos, algo que conmigo volvieron a lograr.

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• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 26 de agosto de 2022.

LA HUÉRFANA: PRIMER ASESINATO, precuela sosa (crítica sin spoilers)

Hace 13 años ví la película La huérfana (uno de los primeros trabajos del director catalán Jaume Collet-Serra) sin muchas expectativas, y me encontré con un producto más o menos aceptable, donde la mayor sorpresa radicaba en conocer las causas y los motivos de Esther, la protagonista, para ser como es. Como deben suponer que el que vea esta precuela ya habrá visto la anterior, nada más empezar se deja bien claro cual es la causa, por lo que uno podría pensar que la cinta circularía por los mismos derroteros que la previa (y no se equivocaría tampoco mucho) PERO hacia la mitad de sus 99 minutos de metraje hay un giro inesperado, donde la suspensión de incredulidad roza los límites de lo coherente, pero que resulta bastante funcional a la hora de hacerla más pasable (que no mejor)

De todas maneras mi mayor curiosidad ante este film radicaba en su protagonista, la actriz Isabelle Fuhrman, que rodó la película previa cuando tenía 12 años (con lo cual podía ser coherente aparentar los 9 de su personaje en aquella entrega) PERO que aqui se supone que tiene dos años menos (o al menos eso calculo yo teniendo en cuenta las fechas que maneja la historia, situada en 2007), mientras que la actriz tiene actualmente 25 años. La solución que se han apañado ha sido, entre otros trucos, un evidente juego de perspectivas o usar en ciertos planos una doble de cuerpo con una actriz infantil, que hay que reconocer que resulta eficaz, logrando repetir ese aire inquietante que era uno de los aciertos del film de 2009.

Es una pena que nada más empezar esta precuela dejen claro lo que era la mayor sorpresa del film precedente, por lo que para no desvelar dicho spoiler (que se supone que justifica sus actos) digamos que la bastante manipuladora protagonista está en un centro en Estonia del que tarda bien poco en escaparse. De nombre real Leena decide hacerse pasar por Esther, la hija desaparecida de un matrimonio con alto poder adquisitivo, con la idea inicial de robarles todo lo que pudiera en el momento más inesperado y desaparecer. Pero la atracción hacia el que debería ser su padre (lo que vendría a ser Complejo de Electra si fuese la hija) le hace permanecer en la casa, si bien dando "buena cuenta" (entiéndase como eufemismo) de un personaje que no acababa de creérsela. Uno esperaría que a partir de ahi siguiera los previsibles cánones por los que circuló la previa, y si bien es asi, en ese momento la historia toma un giro inesperado en el que la hasta entonces sufrida matriarca de dicho núcleo familiar, interpretada por la actriz Julia Stiles, desvela como su amor de madre puede llegar a cotas bastante perturbadoras con la única idea de mantener su statu-quo.

Supongo que con ESA "sorpresa" hacia la mitad intentan levantar el interés de una película que hasta ese momento tampoco había demostrado nada especialmente trascendental, circulando por todos los tópicos genéricos. Ignoro si la intención es convertir a Esther en la matarife protagonista de una saga slasher (en algunos sitios he leído la posibilidad de más entregas), pero aunque en dicho género siempre ha sido útil la reiteración de contenidos, tan solo aumentando el nivel de brutalidad, no hay ningún momento en esta precuela que sea especialmente destacable en dicho contexto. El resto se basa en un esquema similar al del primer film, con las lógicas dudas y reticencias por parte de varios personajes para creer a Esther, y como esta intenta "abrirse camino" como sea para conseguir sus objetivos. Rodada como si se tratara de un telefilm olvidable, y con un reparto (más allá de los nombres citados) que tampoco es que destaquen especialmente, la labor como director de William Brent Bell resulta tan sosa como previsible, quedando al final una película que no es mala... pero que tampoco resulta especialmente remarcable.

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• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 9 de septiembre de 2022.
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¡NOP! de JORDAN PEELE, algo acecha en el cielo (crítica sin spoilers)

Tengo que admitir que la campaña publicitaria de esta película ha sido realmente meritoria: empezó hace un año con un teaser cartel de una nube con unas banderitas que me hizo pensar en la de Goku en la serie Dragon Ball. El título tampoco es que diera muchas pistas porque era la típica negación coloquial con la que se da a entender cierto escépticismo tajante, por lo que la traducción al español (del ¡Nope! original a este ¡Nop!) tampoco es que desvelara mucho más. Lo que yo no tuve en cuenta es si eran siglas, al menos en su versión original, lo cual ya da alguna pista de hacia donde va esta cinta: Not of planet Earth o Nowhere of planet Earth hacen intuir cierto toque de ciencia-ficción (entre otros géneros)

Sin haber visto aún, al menos en mi caso, la película inicial de Jordan Peele por la que cosechó triunfos y premios (Déjame salir), tengo tan solo para opinar el que fue su segundo trabajo como director (Nosotros), que me convenció relativamente ya que era algo así como un episodio de la mítica serie The twilight zone (inspiración admitida por el propio director) pero algo alargado para que se pudiera considerar una película. Curiosamente Peele fue el narrador de un revival de dicha serie (conocida por aqui como La dimensión desconocida) que no fue el éxito que se esperaba, extendiéndose tan solo durante dos escuetas temporadas.

Sin llegar a ser del todo destacable, me ha convencido más esta ¡Nop! (que sería ya su tercera película como director y con la que ha vuelto a repetir éxito en taquilla), pese al handicap de estrenarse en España casi un mes después que en Estados Unidos (18 de agosto frente al inicial 22 de julio), cuando una película sorpresiva como esta puede venir con los spoilers desvelados. En mi caso intenté llegar lo más virgen posible a su visionado, aunque el detalle citado al inicio de esta crítica, y alguna que otra escena suelta vista en sus diferentes avances ya me hizo sospechar por donde podría ir esta cinta. Pese a ello admito haberme entretenido bastante en su (por otra parte) también algo excesivo metraje de 130 minutos, ya que cuando te das cuenta de lo que nos quiere contar (con un evidente homenaje a cierto mítico director que nos hizo temer a los escualos allá por 1975, sólo que aqui cambiando las aguas del mar por el cielo), esta película peca de extenderse demasiado en detalles superficiales que se quedan sin un mayor desarrollo, como por ejemplo toda la trama del chimpancé Gordy, que vendría a ser tan solo la plasmación de un sueño de Peele.

El problema de esta ¡Nop! viene no tanto en las capacidades como director de su responsable, que vuelven a ser realmente meritorias (con unos notables apartados visuales y sonoros), sino en un guión (también suyo) que tendría que haber tenido algún reajuste para concretar y centrarse en lo que nos quiere contar, y no derivar a tramas secundarias que se quedan en un simple esbozo, sin mayor desarrollo o sin otorgarles más importancia. Tampoco es que ayuden mucho unos personajes bastante simples, empezando por el protagonista O.J.Haywood (a cargo del actor Daniel Kaluuya) que se muestra en exceso impertérrito, haciendo dificil que el espectador empatice con él. Su, en ocasiones excesivo, contrapunto lo tiene en Jill, su hermana en la ficción (interpretada por la actriz Keke Palmer), que en muchos momentos uno piensa que pueda ser víctima propiciatoria del "misterio" (¡no voy a desvelar ese spoiler!) a tenor de lo cansina que se hace. El resto del reparto son unos personajes algo vacios, por más que se les quiera dotar de ciertas dosis de pasado (como ocurre en el caso del interpretado por Steven Yeun), siendo más interesante el citado "misterio" que ellos mismos.

Afortunadamente el trabajo como director de Jordan Peele si resulta notable, y aunque en la primera mitad divague sobre detalles intrascendentes (temas de guión ya citados), consigue mantener con soltura el suspense ante lo que se intuye en el cielo, aprovechando muy bien tanto los apartados de fotografía (sacando el máximo provecho a los paisajes) como de sonido (haciéndolo un elemento de vital importancia), así como manteniendo un buen equilibrio en los otros géneros que maneja esta historia (ciencia-ficción y terror con ciertos toques de western) Asimismo resulta agradable ver una película más o menos novedosa y sorpresiva en estos tiempos que corren, donde todo parece moverse en franquicias, remakes, sagas, reboots, secuelas o cualquier otro derivado, lo cual no es que sea malo pero que ya encauza el resultado final por unos parámetros determinados. A tenor de lo visto tanto en esta película como en su anterior trabajo (la citada Nosotros) queda claro que Jordan Peele es un buen director al que solo le queda saber acabar de pulir las historias que salen de su mente, para así lograr ese sobresaliente al que aspira... pero al que no llega.

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• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 18 de agosto de 2022.
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PREDATOR: LA PRESA, depredador bailando con lobos (sin spoilers)

Hay franquicias que triunfan con su primera entrega, también puede que lo logren con la primera secuela, pero que a partir de ahi tienen un devenir que les lleva a intentar repetir dicho éxito con la misma fórmula original (o leves cambios sobre la misma), aunque sin acabar de contar con el apoyo crítico y el éxito en taquilla. Ejemplos de eso serían las franquicias de Alien y Terminator, cuyos dos films iniciales son destacables... pero donde todas las secuelas posteriores han intentando (con un mayor o menor acierto) repetir el éxito inicial de crítica y público, aunque sin acabar de lograrlo. 

 

En ese mismo grupo podría estar Depredador, film de 1987 dirigido por John McTiernan con Arnold Schwarzenegger de protagonista, que ha tenido varios derivados desde su primera entrega (entre una secuela oficial, uniéndolo con los Aliens de H.R.Giger y otros intentos de seguir explotando la franquicia), pero sin contar ninguno de ellos con el doble éxito que representa el beneplácito de la crítica y del público. Dichas películas podrán gustar más o menos según cada uno, pero todas ellas (al menos las de Depredador en solitario, ya que los crossovers con Alien eran "otra cosa") se encuadraban en un tono de ciencia-ficción que buscaba ser más o menos deudor de la primera película. Ahí radica la diferencia con esta Predator: La presa, que está orientada por otros derroteros al ser una precuela que retrocede al pasado mostrando como podría haber sido la llegada de una de estas criaturas a la América del Norte del siglo XVII.

Mientras veía esta película pensé que bien podría ser una mezcla entre el primer film de 1987 y Bailando con lobos de Kevin Costner, tomando del primero ese toque de ciencia-ficción inherente a su misma propuesta, y del segundo una visión bastante certera del modo de vida comanche de aquella época (no en vano hay implicados en el reparto de esta cinta muchos nativos americanos, lo que le otorga al resultado final un notable aire de autenticidad) Es una lástima que esta película no se haya estrenado en cines, sino que directamente lo ha hecho en la plataforma Disney+, porque tiene una labor de ambientación magnífica, que se ve realzada por la fotografía de Jeff Cutler (mostrando una belleza paisajística portentosa), y el diseño de producción a cargo de Kara Lindstrom (recreando con respeto y verosimilitud los grupos étnicos y colonizadores que aparecen en esta película) Asimismo Predator: La presa incluye un evidente mensaje ecologista, al mostrar como la insensibilidad humana llevó a la extinción de los búfalos, en una evidente similitud con la avasalladora situación actual en la que la huella del hombre ha llevado a un inexorable cambio climático en el planeta.

Dirigida por Dan Trachtenberg (responsable de Calle Cloverfield 10), la historia se centra en Naru (a cargo de la actriz Amber Midthunder), una joven comanche con habilidad para el rastreo y con el hacha, que aspira a ser cazadora pese a las reticencias de su grupo, por lo que para demostrar ser digna tendrá que cazar algo que la esté cazando. En aquellos tiempos el posible objetivo de la protagonista bien podría ser cualquier bestia salvaje, pero pronto se dará cuenta de su desventaja ya que su oponente es mucho más dificil que un simple animal, ya que es algo que no es de este mundo. Prey, el título original de esta cinta, aqui rebautizada como Predator: La presa para que quede bien claro a la franquicia a la que pertenece, es concreta y concisa en sus apenas 99 minutos de metraje, por lo que el personaje más desarrollado sería el de la protagonista, quedando el resto en un relativo segundo plano. Pese a ello estamos ante un destacable entretenimiento que aún con un evidente guiño al Depredador inicial (esa frase de "si sangra podemos matarlo" que entona el hermano de Naru) demuestra que esta franquicia aún puede innovar... y que funcione.

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• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA EN DISNEY+: 5 de agosto de 2022.
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BULLET TRAIN, comedia ferroviaria de acción (crítica sin spoilers)

No voy a mentir: mis expectativas ante Bullet Train eran las justas, porque me imaginaba una coproducción donde lo más llamativo sería el papel protagonista a cargo de Brad Pitt. En mi defensa tan solo argumentaré que apenas le había echado un vistazo a un trailer que tampoco es que me emocionara, y no me molesté en saber nada más de este film para así ver si el resultado final me sorprendia o no. ¿Lo consiguió? Sin duda alguna: tampoco voy a decir que sea una obra maestra, pero si uno busca una película de acción desmelenada, hilarante y muy tarantiana, darle una oportunidad a esta cinta es algo que creo merece la pena.

Aparte de Brad Pitt hay que citar que en el reparto de este film hay más nombres conocidos, como por ejemplo Aaron Taylor-Johnson (que se dió a conocer al gran público por Kick-Ass), Michael Shannon (que parece estar encasillado como villano en las grandes producciones, si bien en este caso da la talla del todo), Logan Lerman (visto por ejemplo como Percy Jackson en cine), Sandra Bullock (que vendría a ser un apoyo vocal, hasta que aparece en el tramo final) o DOS cameos de actores vistos en Deadpool 2 (uno más inesperado que el otro), ya que el director de aquella (David Leitch) es también el responsable de esta, con lo cual me imagino que los convenció por ese tono gamberro similar entre ambas propuestas.

En este caso, aunque pueda parecer un producto cinematográfico estamos en verdad ante una adaptación de una novela de título homónimo obra de Kotaro Isaka que admito no haber leído en el momento de escribir estas líneas. La historia reune en el tren bala que le da título a unos cuantos personajes bastante tarantinianos cuyos destinos se irán entrelazando poco a poco, en una trama progresivamente vertiginosa que llevará hasta un apoteósico final donde cualquier cosa es posible, por muy loca que pueda parecer (y en donde quizás se pueda criticar que el exceso a esas alturas se les descontrole un poco a sus responsables) Entremedio de todo eso hay acción de lo más variopinta, donde casi ningún personaje tiene asegurado llegar vivo al final del trayecto, y todo ello con un ritmo que en líneas generales no desfallece, y un humor más o menos acertado (depende del momento), pero que consigue ser muy macabro. La acción acontece en todo momento dentro del tren bala, salvo por algunos flashbacks explicativos que sirven para que vayan encajando poco a poco las relaciones entre los personajes que pueblan esta historia, aunque en principio parezcan no tener nada en común.

Resulta bastante ingeniosa la forma en que se aprovechan todos los recovecos de ese escenario ferroviario único en el que acontece casi todo el film, con algunos momentos hilarantes como la escena de acción que transcurre en el "vagón del silencio", o en si todo el choque cultural entre los personajes occidentales y la cultura nipona (por ejemplo lo de los váteres con chorros variados) Bullet Train es una película de acción muy caricaturesca y que no escatima en el tema sangriento, algo que ya queda definido en multitud de detalles visuales o en los nombres de algunos personajes (Ladybug o Limón y Mandarina por citar algunos) Con unas escenas de acción bastante bien rodadas (y en donde prima sobretodo el exceso y la diversión) hay que reconocer que Brad Pitt tiene el carisma necesario para ser el eje sobre el que se articula esta película, ofreciendo un resultado final que nunca aspira a más del entretenimiento que es, pero que sin duda alguna hace pasar un rato divertido a quien quiera emprender este alocado trayecto ferroviario lleno de personajes tan excéntricos como variopintos, pero al final tan entrelazados unos con otros.

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• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 5 de agosto de 2022.
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DC LIGA DE SUPERMASCOTAS, poder perruno (crítica sin spoilers)

En esa dura pugna entre Marvel y DC para intentar crear franquicias lo más solventes posibles con los muchos personajes de comic que poseen, y en donde la primera lleva una muy clara ventaja, aunque solo sea por cantidad (luego la calidad depende de los gustos de cada cual), los de DC se han decantado por una opción relativamente novedosa (se aleja de ese estereotipo que marcaron los films de Zack Snyder por los que la mayoría asocia las adaptaciones recientes de dicha editorial), pero que en el fondo no deja de ser tremendamente conservadora, aunque con un claro objetivo: el público infantil. Para eso se valen de Krypto, el perro mascota de Superman con el que comparte poderes, y que es el único personaje de esta liga animal que conocía previamente (aunque solo sea por pertenecer a una época inicial del kryptoniano en las viñetas, donde se sacaron todas las variantes posibles con sus capacidades)

A diferencia de otras producciones animadas (por ejemplo las de Pixar), que intentan llegar a un sector más amplio de público (con mejor o peor resultado), esta DC Liga de Supermascotas sería simple, sencilla y sincera, por lo que puede entusiasmar a los más pequeños en la misma proporción que a los adultos les parezca otro film de animación más, aunque aqui con algún que otro guiño para los que ya tenemos una edad. Con esto me vengo a referir que los valores que defiende este film (muy válidos para el público menudo) no difieren mucho de los de, por ejemplo, La patrulla canina (lo cual incluso da pie a un certero gag), y el resultado final es poco más que correcto.

Como ahora están tan de moda las escenas poscréditos, que ya parecen de obligada existencia en el caso de films cuyo origen está en las viñetas, en este caso hay dos: la primera entre los títulos de crédito y la segunda al final de los mismos, siendo (relativamente) más interesante la segunda por lo que promete, al incluir un personaje cuyo film está en la parrilla de salida y que a muchos les gustaría ver batallando contra Superman, lo cual puede ser más fácil que ocurra en formato animado que en real (ya que no está previsto que Henry Cavill se enfunde las mallas del kryptoniano, al menos en algún proyecto a corto o medio plazo) La escena que la precede vendría a ser tan solo la asumición por parte de los miembros de la Liga de la Justicia de la mascota que le corresponde a cada uno, en algunos casos de forma algo forzada, si bien la cosa da para poco más que esbozar una sonrisa, pero dificilmente para sustentar una película (aunque tengo que admitir que la tortuga Merton me hizo cierta gracia), si bien el futuro de esta ¿franquicia? dependerá de como funcione en la taquilla (se ha estrenado como número 1 pero tampoco con cifras deslumbrantes)

El protagonista de la película es Krypto, el cachorro de labrador blanco que vino a la Tierra con el pequeño Kal-El (con un guiño evidente a la clásica película de 1978), y que ahora es la mascota de Superman... hasta que de repente ve peligrar su estatus cuando este quiere pedirle matrimonio a Lois Lane. Al mismo tiempo aparece la kryptonita naranja (como elemento primordial en un plan maquiavélico de Lex Luthor), que se supone que otorga poderes a quien la tiene, pero que en verdad lo hace a las mascotas, no a los seres humanos, como descubrirán los animales de una protectora. A partir de ahi Krypto tendrá que aprender a trabajar en equipo con sus nuevos amigos de cuatro patas para entre todos intentar liberar a los miembros de la Liga de la Justicia que han sido secuestrados, lo que servirá para mandar al público menudo básicos mensajes como que la unión hace la fuerza, que hay que aceptar al diferente, que hay que superar las inseguridades y que es bueno adoptar una mascota (si te responsabilizas de ella) Y ya está, porque la película nunca intenta ir más allá de su sencilla premisa argumental, aunque su ritmo beneficia el resultado final.

Mientras que en su versión original los personajes cuentan con las voces de actores como Dwayne Johnson, Kevin Hart, John Krasinski, Diego Luna, Keanu Reeves u Olivia Wilde entre otros, aqui en España se ha optado por un doblaje en el que se han incluido influencers y streamers muy expertos en lo suyo... pero no tanto en esto, siendo uno de los puntos de los que más se quejaban las críticas previas que había leído de esta cinta. No es la primera vez (ni será la última) que en un film de animación hay polémica cuando se estrena por estas tierras justo por ese tema de incluir, en algunos casos forzadamente, a cierto famosillo de turno por encima de un actor de doblaje con experiencia. Pero en este caso he de admitir que el doblaje me dejó indiferente (ni me molestó ni me deslumbró, supongo que por no conocer yo a esos "escogidos"), si bien lo bueno habría sido que se hubiera optado por los actores habituales que doblan a los que pusieron voz a cada personaje en la versión original (algo que creo que se respeta sólo en el caso de Claudio Serrano, que le pone voz de nuevo a Batman), aunque para lo que es la película tampoco es que importe mucho.

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• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 29 de julio de 2022.
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MEN, ¿todos los hombres son iguales? (crítica sin spoilers)

Hace cuatro años ví la película Aniquilación de Alex Garland, que en principio iba a tener estreno en cines pero que debido a la muy poca confianza en el producto final, se vendió a Netflix, que fue quien la estrenó en el mercado internacional, llegando sólo a las salas de cine americanas, donde tuvo unos paupérrimos resultados. En su momento tampoco es que me convenciera mucho respecto a su base literaria (la cual había leído antes), quedándose dicho título como una adaptación más bien pobre respecto a lo que podría haber sido, pese al incentivo de tener como protagonista a la actriz Natalie Portman.

 

Aún así era tanto el prestigio y el mérito que le daban a su director (Alex Garland) que cuando ví los avances de esta Men, su siguiente película, me levantó una relativa curiosidad no exenta de bastantes dudas. Por mi experiencia previa ya quedaba claro que estamos ante lo que se podría denominar "cine de autor", que requiere un cierto "talante" al verlo, no siendo recomendable acercarse a ella como un film cualquiera. Con esa idea previa tengo que admitir que tras verla dudaba entre darle un "regular" o el aprobado justito, y al final me he decantado por esta última opción, ya que tengo que admitir que el mucho simbolismo que hay en esta película funciona en algunos momentos de una manera visual muy acertada, si bien su ritmo provoca que dilate hasta 100 minutos lo que quizás daba como mucho para una duración estandar de un episodio de alguna serie televisiva tipo Black Mirror.

 

La historia básica de esta película sería como una mujer intenta superar una reciente desgracia, pero sin soltar spoilers creo que es recomendable desglosarlo un poco más, porque eso sería tan solo la superficie. La protagonista es Harper, personaje a cargo de la actriz Jessie Buckley, que se va a vivir a una remota casa perdida en medio de la campiña inglesa para intentar gestionar el duelo por la reciente muerte de su marido (a cargo del actor Paapa Essiedu) Aunque al principio no se aclara, progresivos flashbacks a lo largo de la historia nos irán mostrando la dificil relación de pareja que mantenían, siendo él la viva imagen de lo que representaría la masculinidad tóxica, por lo que su posterior muerte (¿por accidente o suicidio?) no hace más que atormentar a la protagonista. El planteamiento de ella en inicio se revela acertado, ya que lo de pasar una temporada en un ambiente campestre siempre es recomendable para superar según que problemas, funcionando de forma adecuada la simbología de poner a Harper cual si fuera una especie de Eva (incluyendo las manzanas como un elemento visual del relato) en un metafórico Jardín del Eden para superar sus penas.

 

Pero cuando uno lleva dentro de si algo que le reconcome el alma, suele ser dificil separarse de ello para siempre, y eso es lo que vivirá de primera mano la protagonista cuando TODOS los hombres que aparecen en la historia parecen ningunearla, conspirar contra ella, no creerla ni tampoco comprenderla, llegando incluso al acoso y al menosprecio, reactivando así el propio trauma que arrastra Harper. Eso irá derivando, quizás con un ritmo en exceso contemplativo, en una pesadilla cada vez más espeluznante en la que esos TODOS se revelarán como ¿sólo uno? (siempre con el mensaje subyacente de que "todos los hombres son iguales"), en un tramo final bastante grotesco (y explícito) de progresivo nacimiento y muerte, que ya aviso que puede resultar algo bestia para según que espectadores. Esa masculinidad opresiva en la que parece sentirse la protagonista Harper está representada en todos esos casos por el actor Rory Kinnear, el cual consigue que en todos ellos resultar muy incómodo y perturbador. En conjunto Men tiene un correcta premisa y una buena resolución visual, si bien dilata claramente en exceso (hasta la reiteración) algo que no daba para tanto.

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• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 22 de julio de 2022.
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BLACK PHONE, linea telefónica con el más allá (crítica sin spoilers)

Estrenada el pasado 24 de junio ahora he decidido recuperar esta Black Phone, que marca el regreso de Scott Derrickson (su director) al género del terror en el que ha sido más prolífico. De hecho su obra más popular en el mismo sería Sinister, donde ya trabajó con el aqui también presente Ethan Hawke, si bien también ha sido responsable de películas como el remake de Ultimatum a la Tierra o la primera entrega del Doctor Strange de Marvel. La siempre solvente excusa de "diferencias creativas" le llevó a abandonar la secuela del citado personaje de los comics (Doctor Strange en el Multiverso de la Locura), tomando el relevo un bastante acertado Sam Raimi. Su elección fue la presente película, que como suele suceder en el género del terror, tiene un presupuesto escueto (apenas 16 millones de dólares), habiendo salido rentable a sus responsables porque ya supera los 100 millones de dólares de recaudación mundial.

Recuerdo que cuando pude ver el trailer de Black Phone hace unos meses pensé la clara influencia de It, en especial por una escena bajo la lluvía con una niña enfundada en un chubasquero amarillo. Otros elementos comunes serían los globos (en aquella rojos y en esta negros) o el hecho de que ambas compartan niños como objetivo del villano (allí la entidad conocida como Pennywise y aqui el psicópata encarnado bajo máscaras demoniacas por Ethan Hawke) Digamos que "de tal palo, tal astilla": este film sería una adaptación de un relato de Joe Hill, que es el hijo del popular escritor Stephen King, autor de multitud de novelas de (sobretodo) terror entre las cuales está la antes citada It.

Black Phone vendría a ser la enésima historia que reflexiona sobre el siempre dificil paso de la infancia a la adolescencia, en un relato ambientado a finales de la década de los setenta. El protagonista es Finney Shaw, un apocado adolescente de 13 años que se libra de las habituales palizas de los abusones del colegio gracias a un amigo que le defiende. Pero en la pequeña comunidad de Colorado en la que vive llevan desapareciendo niños de los que no se vuelve a saber nada más, sin ningún patrón que los relacione entre si, con lo cual es tan solo cuestión de tiempo que al joven protagonista le ocurra algo similar. Su secuestrador lo encierra en un sótano insonorizado en el que (entre otras objetos) hay un teléfono negro que en principio parecía que no funcionaba... hasta que empieza a sonar. A través de él Finney recibirá la ayuda de las víctimas previas del psicópata, que desde el más allá le revelarán diferentes opciones para intentar sobrevivir y (en el mejor de los casos) conseguir escapar. Mientras tanto Gwen, la hermana del protagonista, intentará entender lo que ve en sus sueños premonitorios (se sugiere clarividencia heredada) para intentar ayudarle.

Uno podría pensar en la mala suerte de Finney por caer en manos del villano, pero ya su rutina de vida usual nos la pintan bastante dura, combinando las palizas de los acosadores del instituto (cuando no tiene quien le defienda) con las que él y/o su hermana reciben de un padre alcohólico; que se ceba sobretodo con ella, obligándola a que renuncie a decir nada de esos sueños clarividentes que suele tener para que así no acabe como su madre. Con semejante panorama es justo destacar el trabajo de los jóvenes actores Mason Thames (Finney) y Madeleine McGraw (Gwen), que consiguen que el espectador empatice con ellos y sus respectivos dramas inmediatamente. Por su parte también es justo destacar a Ethan Hawke, que demostrando su versatilidad como actor se mete aqui en la piel de un depravado que se esconde detrás de máscaras que bien podrían optar a elemento fetiche del género en el que se engloba esta Black Phone con una evidente "esencia" a Stephen King. En resumen sería una solvente y entretenida película de intriga y suspense, con toques sobrenaturales y de terror, centrada en la violencia a la que se ve sometida la infancia.

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• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 24 de junio de 2022.
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LA MEMORIA DE UN ASESINO... o más bien su falta (crítica sin spoilers)

Al igual que le pasó a Charles Bronson tras protagonizar El justiciero de la ciudad, al actor Liam Neeson muchos ya lo han encasillado como maduro héroe de acción desde que hace ya más de una década triunfó con la película Venganza. De una forma más o menos inteligente ha exprimido esa tendencia en multitud de títulos con dispares resultados, dando la sensación de que esta La memoria de un asesino es tan solo un ejemplo más de ese "más de lo mismo" a lo que me refería. Pero aunque los personajes a los que ha encarnado desde que triunfó como Bryan Mills en la trilogia Venganza podían tener un esquema similar, se cimentaban desde parámetros diferentes, lo cual queda bien patente en casos como este film, donde Neeson encarna a un asesino a sueldo con ciertas dosis de moralidad... y un progresivo Alzheimer que le provoca preocupantes lagunas mentales.

Eso si, en el actual panorama de Hollywood, donde lo original casi brilla por su ausencia, eso mismo sucede en el presente caso al ser un remake de una película belga de 2003 titulada The memory of a killer (que no he visto), a su vez basada en la novela Un caso de Alzheimer de Jef Geeraerts (que no he leído) Tampoco es que importe mucho, ya que se promociona por el trio protagonista (a Liam Neeson le acompañan Guy Pearce y Monica Bellucci) y su director (Martin Campbell, responsable entre otras, de las primeras películas de la franquicia de James Bond de Pierce Brosnan y Daniel Craig), por lo que sólo por los nombres citados ya hay unas ciertas expectativas ante un proyecto asi.

 

La respuesta de si cumple lo que uno espera de ella sería afirmativa, aunque con matices: estamos ante un thriller de acción de corte clásico, que para muchos puede parecer antiguo (en el mejor sentido) tanto en su resolución como en su desarrollo, e incluso algunos tildarán de lento en comparación con las producciones más en boga hoy en día. De todas maneras los que han leido y/o visto el material original del que parte esta película critican los cambios realizados de cara a hacerla más compatible con la reciente filmografía de Neeson, sin ahondar en detalles apenas sugeridos como los chanchullos políticos o las tramas de corrupción. Ante mi desconocimiento del tema (siendo pese a todo evidente que podía haberse decantado por la vertiente del procedimental más negro, que en muchos momentos apenas queda sugerida) tan solo puedo añadir que aunque el personaje protagonista tenga ese esquema tan familiar al que nos tiene acostumbrados Neeson en su filmografía de los últimos tiempos, el tema del Alzheimer sirve para verlo con una evidente debilidad con la que empatizar con el espectador, y perfectamente justificable por su edad (70 años)

La memoria de un asesino (Memory en su título original) sigue los pasos de Alex, un veterano asesino a sueldo curtido por los años pero que esconde que padece una fase temprana de Alzheimer, lo cual es algo peligroso en una profesión como la suya. Eso le lleva a apuntarse cosas en el brazo para no olvidarse (en un guiño que algunos han visto hacia Memento de Christopher Nolan, protagonizada por un Guy Pearce también presente aqui) Con un código profesional muy estricto, se negará a ejecutar a una joven de 13 años, lo que le llevará a ser marcado como objetivo, pero manteniendo la duda sobre sus actos (debido a sus lagunas mentales) al mismo tiempo que él quiere vengarse contra los que le hicieron la propuesta (llegando hasta una poderosa empresaria inmobiliaria encarnada por Monica Bellucci) mientras que el agente del FBI Vincent (a cargo de Guy Pearce), intenta darle caza. En resumidas cuentas estamos ante una cinta que divaga entre lo que plantea y lo que quiere ser, aunque al final entretiene sin tampoco llegar a ser todo lo destacable que podía haber sido, dando con un inesperado y brusco giro final esa justicia tan anhelada por sus protagonistas.

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• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 22 de julio de 2022.

THOR LOVE AND THUNDER, ¡a por la cuarta! (crítica sin spoilers)

Cuando se empezó a crear el universo Marvel cinematográfico he de admitir que pensaba que el reto más dificil sería Thor, cuyo estilo y estética lo veía dificil de trasladar a la pantalla. En ese sentido veía más fácil a Iron Man (que después de todo fue la "piedra inaugural") y Capitán América (que creo que es el que ha tenido una trilogia más homogénea) Por todo aquello del tono tipo Shakespeare que uno relaciona con las mitologias, la primera cinta resultó entretenida bajo la batuta de un experto en el tema como Kenneth Branagh, y poco más de dos años después llegó su secuela, que para muchos es el título más flojo de todo este universo cinemotográfico (a mi me entretuvo pero posteriores films la han hecho descender de mi ranking)

Para la tercera entrega se optó por un cambio radical de estilo, que quedó evidente en el trabajo de su director (Taika Waititi), logrando con Ragnarok la mejor recaudación de esta franquicia (hasta entonces), pero también una total disparidad entre los que disfrutaron con ella (como me ocurrió a mi) y a los que se les atragantó ese toque paródico que en algunos momentos se hacía un tanto excesivo. Pero como el dinero es lo que prima, ese Thor del que dudaba en inicio llega a su cuarta película en solitario (primer personaje Marvel en lograrlo), de nuevo con Taika Waititi dirigiendo y con el regreso de la Jane Foster de Natalie Portman (ausente desde la secuela de 2013)

Justamente es la citada actriz uno de los mayores alicientes para ver esta secuela, y aunque ella cumple bien con su función, incluyendo la misma excusa argumental que en los comics para que se convierta en la Poderosa Thor, la sensación final es que o bien no se acaba de aprovechar del todo su presencia, o bien es la propia actriz quien no tiene mayor interés que el cheque que haya cobrado (aunque también cabe la posibilidad de que con un metraje inicial de 4 horas, al pasar por la sala de montaje mucho de lo suyo haya acabado descartado) De todas maneras la escena final tras los títulos de crédito la presenta entrando en otro mítico escenario del universo Marvel por el que igual pasarán en algún futuro proyecto... o no (la otra escena enmedio de los créditos finales sirve para presentar a un nuevo personaje con el que ampliar este universo, relacionado con el interpretado con un tono muy socarrón por Russell Crowe)

 

Quien parece disfrutar a tope es un Chris Hemsworth que ya en el film precedente demostró que se encuentra más a gusto con la comedia de Ragnarok que con la grandilocuencia inicial de sus dos primeras películas, encontrando en el director Taika Waititi la justificación perfecta para volver a ofrecer una interpretación en la que, cada vez más, es dificil discernir al Thor de las viñetas, sino al mencionado actor interpretando al Dios del Trueno. Aqui nos lo presentan en un principio buscando la serenidad (a su manera) tras todas las desgracias acontecidas (sobretodo sus pérdidas familiares) junto con los Guardianes de la Galaxia, si bien la presencia de estos se ciñe a dicha introducción, ya que separarán sus caminos cuando Thor se entere de la existencia del Carnicero de los Dioses. Pero al poco de empezar a seguirle la pista se llevará una sorpresa al encontrarse a la poderosa Thor.

Si en las viñetas se mantuvo el misterio sobre su identidad durante cierto tiempo, en la película todo queda desvelado en un momento, con lo cual no hay ningún detalle a destripar (o sea, ningún spoiler) si eso se da ya por supuesto (como ha hecho la propia campaña promocional de esta cinta) Eso no es obstáculo para que a partir de ahi se hilvane una trama secundaria bastante correcta con la relación de pareja entre ambos personajes: desde como fue hasta como se encuentra en la actualidad, mostrando la vertiente de novio despechado de Thor (tanto por Jane como por Mjolnir) Entremedio de ellos repite la Valkiria encarnada por Tessa Thompson (con una clara orientación sexual que puede no ser del agrado de todos) y el Korg al que pone voz el propio director de la película (y cuyos progenitores también tienen una clara orientación sexual...), siendo ambos personajes unos buenos contrapuntos a la pareja de Thors protagonista.

 

Por otro lado se situa el Carnicero de Dioses llamado Gorr al que interpreta Christian Bale de una manera excelente... aunque con matices: sin duda alguna ese villano tiene mucha fuerza visual y tanto en su origen como en su justificación no hay lugar para la comedia, pero no acaba de ser todo lo inquietante que debería, demostrando que igual no era el villano adecuado para una película con este tono. La interpretación de Bale es realmente muy buena, pero al continuar en esta cinta el mismo esquema paródico ya visto en la previa Ragnarok, su Gorr no logra transmitir esa sensación de amenaza que debería tener, adivinándose bajo las imágenes otro estilo de película más oscuro que hubiera cuadrado más con un villano como este. De hecho ya se hace evidente en el recurso que utiliza para atraer a Thor a su terreno, demostrando ahi que la película no olvida a su potencial público infantil...

 

En resumidas cuentas Thor Love and Thunder es continuista respecto a lo que se vió en Ragnarok, por lo que a los que no les gustó aquella, esta no les va a gustar. En cuanto al resto pueden pasar un rato entretenido con el tono simpático y paródico del que hace gala en todo momento (admito que quizás en exceso, aunque acierta en detalles como el engreído Zeus al que da vida Russell Crowe), si bien no se priva de repetir detalles que funcionaron antes (como lo del teatro, aqui actualizado) e introducir nuevas criaturas (como las dos escandalosas cabras de Thor) Pero más allá de que uno comulgue o no con el tono sarcástico de Waititi, hay que darle el mérito de poner un toque personal (como por ejemplo también James Gunn con sus películas de Guardianes de la galaxia hasta la fecha) a un universo Marvel del que muchos se quejan que a estas alturas está cimentado bajo unos esquemas repetitivos e impersonales.

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ELVIS, un fastuoso pero muy dilatado biopic (crítica sin spoilers)

El mundo del espectáculo está lleno de "juguetes rotos" que sería el apelativo que se le suele dar a esos artistas que suben a la fama como la espuma, pero que están rodeados de supuestos "amigos" que en vez de gestionar su fortuna se dedican, cual si fueran carroñeros, a vivir "a todo tren" de sus beneficios, hasta que dicho artista ya no logra triunfar como antes... y entonces deja de ingresar dinero, lo que lleva a la inevitable caida, no solo económica sino también personal. Dicho ejemplo es bastante evidente en el mundo de la canción, y en especial si el artista es un joven que triunfa, entre otros factores, justo por ello, pero que al crecer pierde dicho candor... y con él la fama. 

 

Ejemplos de eso hay muchos: en el mundo de la canción española podría citar a Joselito o Marisol (aunque seguro que hay más), incluso anteriores a Elvis Presley podría citar a Judy Garland (anclada para siempre como la protagonista de El mago de Oz, como se vió en su biopic de hace unos años), aunque también hay otros más recientes como Macaulay Culkin (aunque vuelvo a insistir en que seguro que habrá más) Lo que ocurre es que en este caso de Elvis Presley el Coronel Tom Parker fue quien le llevó a la fama, y una vez arriba lo estrujó cual si fuera una esponja (aunque otro simil más o menos acertado podría ser compararlo con una garrapata), hasta que lo llevó a una prematura muerte que acabó con el cantante pero inició el mito (creo recordar que dijeron que es el artista difunto más rentable, aún habiendo fallecido hace ya 45 años)

Es por eso que el principal fallo de este fastuoso biopic dirigido por Baz Luhrmann estaría en contar toda la historia desde el punto de vista del Coronel Tom Parker, lo que le da al resultado final cierta ambigüedad entre lo que en verdad fue y lo que quiere aparentar ser. A eso no ayuda un Tom Hanks con prótesis para darle una figura más oronda, que nunca resulta creíble ni cuando parece apoyar a Elvis para llevarlo a la fama (dejando claro al espectador que lo que le mueve es la codicia), ni cuando quedan evidentes sus mentiras (ni era Coronel ni se llamaba Parker) así como sus intrigas para expoliarlo (a las que cede Presley por pura resignación, dando una imagen de persona totalmente manipulable) En este caso estariamos ante esos ejemplos en los que no acabas de ver al personaje, sino al actor de turno interpretando al personaje, por lo que con la carrera previa de Hanks, si se supone que es malo no convence, pero cuando va de supuesto benefactor tampoco. Por contra Austin Butler, actor sobretodo televisivo que tiene aqui su primer papel protagonista, cumple bastante bien (pese a mis reticencias iniciales) como Elvis Presley.

 

Otro palpable handicap de esta Elvis sería una extensa duración de 159 minutos, que provoca unos muy evidentes altibajos en su ritmo: uno esperaría que con casi tres horas de metraje no sólo se detendría en momentos destacables de la biografía del personaje sino que sabría desarrollarlos, pero se decanta por tan sólo exponer (siempre de esa forma fastuosa en la que entiende el cine Luhrmann), dejando en el espectador la opción de que si quiere saber más investigue por su cuenta. Es cierto que el periodo de tiempo que abarca este biopic (más de dos décadas) fue extenso en cuanto a acontecimientos, por lo que se requiere una labor de concreción que llevan a cabo de manera aceptable, pero da la sensación de que un formato de miniserie televisiva hubiera sido más acertado que el de largometraje de cara a exponer todos esos detalles de una forma más fidedigna. Incluso esta película se permite sugerir cierta preocupación por los derechos civiles en Elvis, que parece incluida tan solo para mostrar momentos históricos relevantes que sucedían en el lapsus de tiempo que abarca esta cinta, pero que aportan poco (o nada) al resultado final.

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