REPOSO ABSOLUTO, el sufrimiento de una madre (crítica sin spoilers)

El terror es un género barato de realizar y sencillo de amortizar, por lo que nunca habrá problemas para realizar nuevas películas. De hecho ahí están de muestra, dentro de lo que sería el slasher, tantas y tantas populares franquicias que han generado secuelas, reboots, remakes o lo que se tercie. El problema, claro está, radica en de verdad asustar (al menos intentarlo), o solo circular con mayor o menor fortuna por lugares y elementos comunes a este género, pero sin aportar nada de relevancia. Esa sería la mejor definición para esta Reposo absoluto, si bien se le agradece una mínima corrección, que pese a todo no la libra de caer en la mayor de las intrascendencias.

No sería la primera vez que en una película de este estilo todo parece girar alrededor de una protagonista embarazada, pero en este caso aporta la novedad de que la misma ha de guardar el reposo absoluto de su título en las semanas finales de la gestación, si no quiere que haya problemas con el bebé. El espectador morboso ya se imagina que la situación no le permitirá estar tranquila a la sufrida embarazada, y cabe indicar que eso se cumple con aparentes presencias que en un principio la protagonista no entiende, y que luego relaciona con cierto hecho traumático que arrastra de su pasado, lo que deriva en una doble problemática emocional. Dichos "sobresaltos" no devienen nada más que previsibles momentos de tensión para el espectador avezado, aunque alguno si pueda funcionar más o menos bien, más que nada por la escueta corrección con la que se llevan a cabo.

 

En lo que sería la opera prima de su directora (Lori Evans Taylor), que también se encarga de su esquemático guion, se podría decir que en inicio todo parece girar sobre la tópica duda de si lo que dice ver y experimentar la protagonista proviene del hecho traumático que arrastra de su pasado, o está relacionado con la nueva casa a las afueras de la ciudad, donde vive junto con su pareja (interpretado por un soso Guy Burnet) No resulta sorprendente que al final ambas tramas se entrelacen, teniendo que lidiar no solo con los fantasmas que arrastra de su pasado, sino también con los que lleva consigo su nuevo hogar, en un último tercio donde todo desemboca en una resolución a medio camino entre un mero telefilm de sobremesa, la película Ghost y un episodio de la serie Entre fantasmas (aquella donde Jennifer Love-Hewitt veía espíritus a los que ayudaba a cruzar al más allá) Pese a todo durante gran parte de su ajustado metraje, apenas 90 minutos, parece dudar sobre por que derroteros decantarse, lanzando sugerencias que luego descarta (como por ejemplo esa cuidadora de la que se hace dudar al espectador, para luego tirar por otro camino)

Con un reparto intrascendente, donde los personajes secundarios nunca acaban de tener una importancia determinante, cabe indicar que la que más destaca sería su protagonista, encarnada por una Melissa Barrera que ha alcanzado la fama por las recientes entregas de la saga Scream. Debido al trauma que arrastra, y a la difícil situación que se le plantea en su nuevo hogar, cabe indicar que la actriz cumple con corrección, siendo solvente la gestual forma en la que plasma el drama de su sufrida protagonista, emocionalmente dañada por lo que le pasó, y temerosa por como acabará su actual situación a tenor de como está y lo que le está sucediendo, por lo que quizás se podría considerar que todo gira aquí sobre el sufrimiento de una madre. La lastima radicaría en que dicha intención queda en parte desvirtuada por la absoluta falta de originalidad con la que circula por todos los tópicos comunes de este tipo de propuestas, si bien al menos la aceptable labor de Melissa Barrera logra que el resultado final no sea desdeñable, quedándose tan solo en una mera película que se deja ver sin mayores pretensiones, pero que rápidamente pasará al olvido.

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• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 7 de julio de 2023.
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INDIANA JONES Y EL DIAL DEL DESTINO, crítica sin spoilers

Viendo la que con toda probabilidad será la última aventura del personaje con Harrison Ford al frente, uno piensa la suerte que habría corrido el personaje de Indiana Jones si se hubiera desarrollado como la longeva franquicia de James Bond, con seis actores hasta la fecha que han encarnado al personaje en sus seis décadas de vida en cines. Esto viene a colación porque el director Steven Spielberg quiso POR DOS VECES dirigir una película de James Bond (en la época en que dicho personaje tenía los rasgos de Roger Moore), aunque se lo denegaron en ambas. La frustración se la quitó su amigo George Lucas con el personaje de Indiana Jones y, volviendo al inicio de mi crítica, hubiera estado curioso como se hubiera desarrollado en caso de seguir el esquema de James Bond.

Enfocada esta saga como homenaje a los seriales de aventuras de las décadas de los años 30 y 40 del pasado siglo, tuvo una meritoria trilogía durante la década de los ochenta. Pero siendo una popular saga que podía haber continuado sin problemas, incluso con relevo de actor protagonista, la cuestión es que la cuarta aventura llego en 2008, casi dos décadas después de la precedente. No acabando de convencer en general al público (no fue mi caso) su triunfo en taquilla lleva hasta la presente, que también ha tardado en ver la luz 15 años desde la anterior, siendo la ¿última? con Harrison Ford.

Volviendo al símil con James Bond hay que citar que por muchos sustitutos que tuviera el personaje, su primer actor marcó tendencia, con lo cual para muchos Sean Connery sigue siendo el que mejor lo encarnó. Eso le serviría de consuelo a Spielberg cuando le hizo encarnar al padre de Indiana Jones en la tercera entrega, cerrando un círculo que para muchos tenía que haberse quedado allí, pero en un revival nostálgico el famoso arqueólogo volvió en el 2008 de la mano de sus responsables... y las expectativas del público (que igual esperaba el Segundo Advenimiento de Cristo, cuando tan solo se trataba de una película, como dijo el productor George Lucas) provocaron esa general insatisfacción. Pero como "poderoso caballero es don dinero", su recaudación fue la mayor de la franquicia hasta aquel momento, por lo que se puso en marcha una quinta donde Spielberg ha delegado sus funciones como director en James Mangold (responsable de la notable Logan, con otro héroe crepuscular como Lobezno de protagonista), aunque si repite de nuevo por quinta vez un mítico Harrison Ford dando vida (a sus 80 años) a un Indiana Jones al que encarnó por primera vez hace cuatro décadas.

Cabe indicar que el actor resulta convincente volviendo a enfundarse los míticos látigo y sombrero que uno asocia con este personaje, e incluso me atrevería a decir que la media hora inicial de esta película es aún más Indiana Jones de lo que fue toda la cuarta entrega (pese a que yo soy de los que salió más o menos satisfecho, aún admitiendo que es inferior a la trilogía que la precede) En ese tramo inicial se concentra toda la esencia del arqueólogo más famoso de la historia del cine, aunque lo que más se vaya a comentar sea el rejuvenecimiento digital que le aplican al protagonista, logrando que Ford luzca como lo hacía en las entregas estrenadas en la década de los ochenta. Quizás por lo mucho que se habló de eso antes de su llegada a la cartelera ha sido uno de los detalles más comentados, y por lo tanto sabían que el público lo miraría con detenimiento. Pues bien, en mi caso tengo que decir que, aún sabiendo dicho retoque digital, la sensación final que ofrece es BASTANTE CREÍBLE sin ser perfecta, de ahí mis interrogantes en el segundo párrafo de esta crítica sobre si sería la última... porque con este método caben todas las que se quieran inventar.

De hecho se podría decir que esta quinta aventura supera a la cuarta en sus dos tercios iniciales, ya que aquí si se ofrece todo lo que un fan de Indiana Jones espera en una película de Indiana Jones, incluyendo ese enemigo vital que ha estado presente en todas las entregas impares de la franquicia: los nazis. Algunos tildarán esta película de mero fan-service para contentar a aquellos que quedaron descontentos con la cuarta, ya que está plagada de detalles más o menos evidentes que nos recuerdan a los episodios precedentes, funcionando unos mejor que otros (incluyendo una explicación coherente a la ausencia del hijo del protagonista que encarnó Shia LaBeouf en la cuarta, que se perfilaba quizás como sustituto de su progenitor, pero que aquí no aparece) Y aunque la labor de Mangold es meritoria, es justo admitir que con media hora menos (su duración son unos extensos 154 minutos) hubiera podido lograr un resultado final, sino mejor, si al menos equivalente al de la trilogía inicial, siendo en su último tercio donde se decanta por cierto recurso fantástico que me dió la sensación de que se aprovecha de forma algo desigual, a tenor de sus posibilidades.

 

Creo que no seré el único que, cuando queda claro lo que hace el famoso dial de su título, uno esperaba que eso les sirviera a los nazis para reafirmar su reino del terror. En cambio se dan cuenta de que no es lo pensado justo cuando están metidos en el meollo de la cuestión, llevando la acción a otro destino que resulta aceptable... pero provocando un evidente bajón en el interés (al menos a mi) Una vez allí aún hay tiempo para que uno tema que sus responsables se decanten por cierto giro argumental emotivo (en esencia, por lo que representa para Jones) pero gratuito (en planteamiento, ¿a esas alturas te vas hacia lo melodramático?) Finalmente es ese último tercio el que funciona de una manera correcta pero perdiendo la trascendencia lograda por lo previo, así como respecto a su brillante tramo inicial, aunque en conjunto El dial del destino es un digno colofón al personaje (si lo respetan) con un reparto funcional donde algunos destacan (como Mads Mikkelsen, Boyd Holbrook o Toby Jones), otros cumplen bien (como Phoebe Waller-Bridge o Antonio Banderas) y otros no tanto (como Ethan Isidore, en un papel que hace recordar al de Ke Huy Quan de El templo maldito)

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• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 28 de junio de 2023.
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SIN MALOS ROLLOS, desvírgate como puedas (crítica sin spoilers)

¿Es una película como Sin malos rollos un ejemplo de film previsible? Eso era lo que yo me preguntaba en origen cuando al final me decidí por darle una oportunidad, más a tenor de su premisa argumental que de su desarrollo, en el cual pensaba que, tras el tono provocador inicial, se decantaría por los buenos sentimientos. Digamos que no me equivoqué mucho... pero el resultado final ofrece ciertos matices para contentar incluso a los que más o menos ya se imaginan por donde irán los tiros. Y es que el problema de las comedias hoy en día para triunfar está en ese difícil equilibrio que intentan lograr entre lo más almibarado y lo más gamberro, siendo en esa indefinición donde se sitúa este film.

 

En la década de los noventa triunfaron mucho las comedias románticas, hasta el punto de convertirse en un género por si mismas. En aquel entonces nombres como los de Sandra Bullock, Julia Roberts o Meg Ryan (por citar unos ejemplos) eran suficiente atractivo para que los espectadores vieran sus películas, pero el género llegó a la saturación y no hubo una nueva generación que tomara el relevo. Ahora Jennifer Lawrence prueba suerte como la protagonista y el rostro más conocido de esta comedia (el otro sería Matthew Broderick como el padre del chaval protagonista), en un film que no es que sea innovador, pero que maneja con acierto sus recursos para ofrecer un simpático entretenimiento que, pese a moverse dentro de lo más o menos previsible, consigue momentos simpáticos y llamativos (lo de la playa por ejemplo), convenciendo por la mínima. 

¿De que va la historia? La protagonista es Maddie (Jennifer Lawrence), una joven treintañera con problemas económicos para lograr mantener la casa de su infancia, que un buen día parece encontrar la solución a sus males en un anuncio donde unos padres, tan ricos como sobreprotectores, buscan a una candidata para que espabile un poco a su hijo (a punto de entrar en la universidad), a cambio de una generosa remuneración. A partir de ahí se suceden todo tipo de situaciones a medio camino de las propias de las comedias screwball y de esas otras más gamberras (y escatalógicas) de la década de los noventa, centradas en principio en las evidentes insinuaciones sexuales que le hace la desinhibida Maddie al timorato Percy (interpretado por Andrew Barth Feldman), y como este, ajeno en principio a lo planeado por sus progenitores, responde a las mismas. Pero como no todo puede centrarse en eso, a medida que avanza la película se decanta por un tono más emotivo, en el que se intenta que el espectador se encariñe con ambos personajes, perdiendo ese tono cómico más mordaz en detrimento de una resolución que ya se ve venir hacia donde va a tirar. 

Llegados a dicho "giro" argumental algunos se pueden sentir decepcionados, ya que de esa manera el resultado final se queda algo ambiguo, pero me imagino que ese es el peaje a pagar para ofrecer una historia que se abra a un mayor público potencial: una mezcla no del todo acertada para suficientemente funcional que convenza tanto al espectador juvenil que quiere ver una comedia más alocada, como al de mediana edad que prefiere un tono entre romántico y familiar. Quizás no ahondar en ninguna de esas vertientes es lo que le resta trascendencia, pero a cambio ofrece un irónico vehículo para el lucimiento de su protagonista principal (también productora), que se demuestra cómoda en este tipo de comedias que juegan de forma tan clara con los dobles sentidos, no tiene reparos en mostrarse TAL CUAL ES (sorprendido me dejó la escena de la playa), y en donde incluso no se priva de ironizar sobre su propia edad, en ese Hollywood donde las actrices mayores progresivamente van siendo relegadas. También sería destacable la buena química que se establece entre la pareja protagonista, funcionando tanto en los momentos más surrealistas como en los más íntimos.

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• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 23 de junio de 2023.

FLASH, el tomate indefinido de DC (crítica sin spoilers)

Hablar de los problemas previos que tuvo esta película hasta que al final acabó concretándose en esto daría para un artículo bastante extenso. En origen el propio Ezra Miller (que encarna a Barry Allen y su alter-ego Flash) fue el mayor interesado en sacar adelante este film, desde que se presentó en la versión de Liga de la Justicia estrenada en el 2017, aunque luego los posteriores problemas delictivos del actor llevaron incluso a temer por que este proyecto viera la luz.

 

Ya por aquel entonces indiqué que el mencionado Ezra Miller no me parecía el más adecuado para encarnar a Barry Allen y Flash, ya que en aquel momento aún era seguidor de la serie de televisión del citado personaje, y con el actor Grant Gustin de protagonista, que tomó el relevo con solvencia de la serie homónima de principios de los noventa con John Wesley Shipp de protagonista, interprete también presente en la citada y reciente producción televisiva.

Tras un periplo en líneas generales insatisfactorio (al menos comparado con el éxito de taquilla de la gran mayoría de las películas de Marvel), se le dio a James Gunn la potestad para construir un universo cinematográfico de DC más coherente, y se comentó que esta película sería la que pondría el primer eslabón en dicho reinicio.

La decepción (para algunos) será ver que aún no queda claro por donde se irá a partir de ahora en los próximos proyectos de DC, ya que cuando uno ha acabado de ver la película no queda muy claro quien tiene posibilidades de continuar en este universo (a tenor de lo que sugieren, uno sería el cameo en la escena postcréditos, al menos de momento), y quien será reemplazado (evidente en el gran ausente, aunque lo que es y representa tiene un homenaje bastante más acertado en pretensiones que en resultados visuales en un momento del tramo final, donde tienen cabida desde los que fueron hasta el podría haber sido, con el real cameo irónico final más inesperado) Pero no hay ningún tipo de adelanto sobre futuros proyectos, lo cual es lógico estando todo ello ahora mismo en una fase muy preliminar, por lo que igual esta sea la última película donde veamos a (casi) toda la alineación de esta Liga de la Justicia en ciertos momentos puntuales, a la espera de como evoluciona lo que esta historia ha provocado en el multiverso de DC, y si ello se ve reflejado de alguna manera en los proyectos sobre los que se está trabajando.

Como ya se sabía de antemano, el presente film adapta el arco argumental Flashpoint, que a tenor de lo que presenta la película sería muy fácil de resumir: Barry Allen asume el drama de haber perdido a su madre (una solvente Maribel Verdú, las cosas como son), asesinato por el que fue condenado su padre. Al tener los poderes de Flash decide viajar en el tiempo para evitarlo, siendo todo modificado por una cosa tan simple como una lata de tomate, lo cual me llevó a acordarme de la película Vengadores: Endgame, donde era una rata la que iniciaba la acción. El problema viene cuando su drama personal parece que ha sido corregido... pero más cosas se han modificado con sus actos, ya que no todo es como él lo dejó, en una difícil pero funcional mixtura en la que se mezclan los universos temáticos del Batman de Tim Burton (de ahí la presencia de Michael Keaton) y del Superman de Zack Snyder (de ahí la presencia de Michael Shannon que vuelve a encarnar al General Zod), situando en ese punto intermedio a la otra mayor novedad del reparto: la Supergirl a la que encarna la actriz Sasha Calle como ¿sustituta? de su popular primo.

La labor de Andy Muschietti como director resulta solvente, por lo que se posiciona para futuros proyectos en la misma casa (se le rumorea como posible candidato para encargarse de The brave and the bold), y en líneas generales esta película se sitúa sin problemas entre lo mejor (que NO lo mejor) que ha generado el universo DC en cines, pero tiene que lidiar principalmente con dos problemas: su protagonista y sus efectos visuales. En cuanto al primero si ya en la versión de 2017 estrenada en cines de Liga de la Justicia venía a ser el "alivio cómico", eso aquí se lleva a una dicotomía digna de Jekyll y Hyde, por lo que si de por si cuesta empatizar con el Barry inicial, luego sería sólo el "mal menor" ya que el posterior, tras los cambios que provoca, puede resultar en algunos momentos realmente cargante. En cuanto a los efectos visuales digamos que cumplen con solvencia sin destacar (no en vano los efectos de un velocista no sería algo muy novedoso en pantalla), pero pecan de hacerse DEMASIADO evidentes sobretodo en el rescate inicial con los niños, y en ese "homenaje" final que cité antes hacia cierto emblemático personaje.

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• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 16 de junio de 2023.
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TRANSFORMERS: EL DESPERTAR DE LAS BESTIAS, crítica sin spoilers

La saga cinematográfica de Transformers no es que sea muy destacable, pero si que ha resultado muy rentable. Quizás el mayor problema estaba en un omnipresente Michael Bay que se encargó de las cinco primeras películas, haciéndose palpable con la última que la cosa ya no daba para más. Pero mira tú por donde que se sacan de la manga un spin-off para Bumblebee, donde afortunadamente Bay ya no es el director, sino un tal Travis Knight... y consigue la que bien podría ser la mejor película de la franquicia (hasta aquel momento) ¿Puede ser que lo que necesitaban los Transformers era a otros directores que no fueran sólo Michael Bay? 

 

Como sin duda siguen siendo muy rentables estos robots para la juguetera Hasbro, se decidió darles un margen de descanso (tampoco no mucho: cinco años desde la más reciente) y ahora se estrena la que sería séptima entrega de la franquicia en cines, bajo la batuta de Steven Caple Jr. (en cuyo historial como director ya consta otra secuela de una extensa saga: Creed 2) En el reparto de esta película no constan nombres conocidos (más allá de que alguno pueda apuntar a quizás tener un futuro en el mundo del cine, como pasó con Shia LaBeouf y Megan Fox en las primeras)... pero seamos claros: lo que más le interesa al público de un film como este son los robots, lo que deja a los humanos en un evidente segundo plano.

Pese a todo, aunque en un nivel secundario, si reconocí a la actriz Luna Lauren Velez, a la que conocí cuando interpretó a la teniente Maria LaGuerta en la serie de televisión Dexter, y que también le puso voz en la versión original a la madre de Miles Morales en la reciente Spider-Man: Cruzando el multiverso. El resto estaría en los actores que dan voz a algunos de los robots que aparecen durante la película, siempre en su versión original, en la que Ron Perlman interpreta a Optimus Primal (el robot con pinta de gorila), Peter Dinklage a Scourge (el robot villano) o Michelle Yeoh como Airazor (el robot con pinta de águila) Como curiosidad cabe también citar que esta película se podría tildar como secuela de Bumblebee, al hacerse una mención indirecta que recuerda lo acontecido en aquel film; así como un guiño simpático hacia Marky Mark (la película está ambientada en 1994), que era el nombre comercial que tenía Mark Wahlberg en sus inicios (recordemos que el citado actor fue protagonista en la cuarta y la quinta entrega de esta franquicia, tituladas respectivamente La era de la extinción y El último caballero)

A nivel básico se supone que los robots protagonistas de Transformers serían los Autobots (los buenos) liderados por Optimus Prime y los Decepticons (los malos) liderados por Megatron. De estos últimos no hay en esta película (si es que pretenden darle una línea argumental coherente a toda la franquicia hasta el momento), por lo que los villanos aquí serían los Terrorcons (que con ese nombre ya queda evidente lo que reparten por donde pasan) y los Predacons. Por su parte en el lado de los buenos se añaden los Maximals, que sería el nombre de los Transformers con formas de animales, y que resultan la novedad visual más destacable. Por el lado de los Autobots cabe destacar también las prestaciones de Mirage, que como bien indica su nombre original en inglés (la traducción sería Espejismo), puede realizar copias de si mismo o de lo que quiera, pese a que la personalidad que le dan resulta en algunos momentos un tanto insufrible. El otro aspecto más reseñable de la película, en especial para los fans, sería el detalle que da la última escena, en la que se sugiere algo así como un futuro crossover con otra popular franquicia juguetera de Hasbro que ya probó suerte en los cines.

Pero en si, ¿merece la pena esta película? Pues depende: a los fans de esta franquicia probablemente les guste, y como mínimo hay que reconocer que la multitud de robots que aparecen por pantalla son aquí más reconocibles que en algunas de las perpetradas por Michael Bay, donde en algunos momentos no te quedaba claro cual era cada uno (de hecho los Maximals se queda uno con las ganas de que les hubieran dado más cancha, porque son los que más lucen) Por lo demás todo se mueve por un argumento tan simple como el funcionamiento de un chupete: hay un misterioso objeto de vital importancia que buscan los Autobots por un lado y los Terrorcons por otro, con el cual se puede convocar a un tal Unicron, que sería el equivalente en este universo a lo que es Galactus en los comics de Marvel. Entremedio de la lucha de ambas facciones se meterán dos humanos, Noah y Elena, que vendrían a simbolizar al ciudadano medio de Brooklyn, pero que en esencia serían dos personajes esquemáticos que había que rellenar con alguien. En resumidas cuentas: una secuela simplona y poco memorable, que sin su parafernalia visual resultaría un tanto mediocre.

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• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 9 de junio de 2023.
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SPIDER-MAN: CRUZANDO EL MULTIVERSO, crítica sin spoilers

Nunca he sido bueno con las previsiones, y cuando el Ultimate Spider-Man de Peter Parker fue sustituido por el de Miles Morales, pensé que era una mera jugada para meter un sucedáneo del clásico, y que duraría nada y menos. Me equivoqué, lo cual me imagino que fue uno de los detalles que me llevaron a no disfrutar en toda su esencia (aún admitiendo que es bastante entretenida) la película animada Spider-Man: Un nuevo universo de 2018, que incluso ganó el Oscar de aquella temporada al mejor título de animación. Y es que por aquel entonces yo aún no había leído nada de Miles Morales, pero poco después pude disfrutar del origen de este nuevo arácnido, a lo que se sumó posteriormente otras aventuras suyas tanto en el universo que le vió nacer como en el clásico de Marvel, al que saltó tras las Secret Wars de 2015. 

 

De esa manera ya me convence más un personaje que veo que funciona debido a seguir un esquema muy paralelo a su homónimo precedente, lo que hace que Miles Morales sea tan interesante como Peter Parker, pero cubriendo (por su juventud) el hueco que dejó vacante el Spider-Man clásico, anclado en esa algo indefinida edad entre los veintimuchos y los treintaypocos. No sería de extrañar que en algún futuro indeterminado diera el salto a los films de Marvel en acción real, pero de momento ha sido el protagonista de la película animada de Sony de 2018, de la que surge esta secuela, así como la futura Spiderman: Beyond the Spider-Verse que tiene previsto estrenarse el próximo año 2024. Como es lógico se continúa con todo lo que da de si ese multiverso arácnido que ya se ha visto en cómics, y se aumenta su metraje de los 117 minutos del primer film a los 136 de este (o sea, 2 horas y 16 minutos)

De la anterior entrega a esta hay cosas que continúan, como ese tono frenético en cuanto a referencias y guiños de todo tipo a lo que representa el personaje (son demasiados como para atreverme a citar aunque sean unos pocos), si bien hay que admitir que siendo previsor de que algo así podía volver, en este caso el espectador ya lo asume y lo asimila mejor, pese a que en algunos casos la psicodelia visual pueda ser un tanto mareante. Aún así resulta un film que, debido a su extensa duración, puede resultar quizás algo pesado para los espectadores ajenos al personaje o más pequeños, siendo los adolescentes (aparte, lógicamente, de los fans del arácnido de Marvel) los que más lo pueden disfrutar por un motivo muy claro: los personajes han evolucionado de la anterior película a esta. Eso se hace palpable en Spider-Gwen, mucho mejor planteada y desarrollada en esta entrega respecto a la precedente, pero también en el propio Miles Morales, que ya empieza a ser un adolescente con ganas de vivir su propia vida y salir del núcleo familiar en el que se crió (sin que ello signifique tener que renunciar al mismo), representando ambos la adolescencia en su esencia más básica.

Una de las características del anterior film era que cada Spider-Man era visualizado con tipos de animación diferente, algo que se repite aquí con resultados destacables sobretodo en cuanto a Spider-Punk, que además se demuestra fiel a lo que representa, con ciertas frases que dejan muy clara cual es la filosofía de dicho personaje. Aunque en este infinito universo arácnido han tenido cabida todo tipo de Spider-Man habidos y por haber (en algunos momentos desbordan la pantalla, con guiños esporádicos que llevan a primer plano a alguno en cuestión), serían Miguel O'Hara, Spider-Woman y Peter Parker los otros que tendrían una mayor presencia. En el caso del primero queda palpable su preocupación de cara a que los hechos canónicos no varíen y sean respetados (girando en esencia sobre ello esta secuela), mientras que la segunda sería una evidente traslación de cuando dicho personaje estuvo en manos de Dennis Hopeless en las viñetas (estado y uniforme incluidos), si bien hay cierto cambio racial que me llevó a pensar en lo de "inclusión forzada", aunque es justo admitir que ello no es obstáculo para que dicho personaje funcione de forma correcta.

 

En cuanto al tercero sería la versión ya vista en la película anterior, que aquí se demuestra quizás un padre algo temerario en cuanto a la seguridad de los suyos (representando a mi gusto una acertada traslación de como habría tenido que ser su evolución en los cómics, si no fuera por la necesidad de que nunca pierda su condición básica) De forma más secundaria también tiene cierta presencia el Spider-Man indio, si bien su función (y su universo) se introducen para dejar bien claros los motivos de respetar los hechos canónicos, a partir de lo cual los personajes justifican sus posteriores movimientos. Por su parte si en la película anterior era Kingpin el villano principal, en esta el más notorio, aunque hay varios cameos de otros, es el (en inicio inocuo) Mancha, AUNQUE en algunos momentos me llevó a pensar A MI si no evolucionará de cara a la próxima en otro villano cromático del arácnido (aunque igual me equivoco) Esta película finaliza con un cliffhanger impactante tras un giro similar al visto en Regreso al futuro 2, dejándome con la intriga de como se resolverá tras haber disfrutado 136 intensos minutos con una secuela frenética, desbordante y visualmente espectacular.

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• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 2 de junio de 2023.
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LA SIRENITA (2023), otro remake más de DISNEY (crítica sin spoilers)

A Disney algunas veces se la ha llamado La fábrica de los sueños, pero desde que vieron que los remakes en versión real de su amplio catálogo de películas animadas tenían éxito, el título antes citado se tendría que variar por el de La fábrica de sueños reciclados. Ojo que no seré yo quien critique un tipo de hacer cine que es el que cierto tipo de espectadores piden, cuando los resultados económicos les animan a continuar por la misma senda. Me imagino que en todo ello juega una importante baza el factor nostálgico, que permite que muchos padres y madres puedan llevar a sus retoños al cine a ver la versión "realista" de esa película que les encandiló cuando eran pequeños. Pero el encanto de lo clásico no lo puede sustituir aún la animación CGI.

Otro detalle peliagudo sería que bastantes de esas películas tenían una duración estándar ajustada, que hacía que funcionaran bastante bien, pero sus remakes se dilatan añadiendo detalles que en la mayoría de las ocasiones no solo no aportan nada, sino que además merman el mérito de lo que si funcionaba en la película original, aquí tan solo parasitado. Eso es lo que pasa por ejemplo en esta versión que alcanza los 135 minutos, cuando la original de 1989 apenas llegaba a la hora y media de duración (y el cuento original de Hans Cristian Andersen, que leí hace poco por primera vez, tampoco es que sea una obra muy extensa, sino más bien lo contrario, pese a lo curioso de tener implícitas entre las líneas de sus menos de un centenar de páginas un mensaje LGTBI que desconocía, por la condición sexual de su autor)

Otra polémica que ha arrastrado esta película antes de su estreno ha sido el cambio racial de la protagonista Ariel: una aberración para muchos, si bien ahí tengo que romper una lanza por sus responsables, ya que aparte de que pueden hacer lo que les venga en gana (si bien si "vendes" que eres fiel, ¿porque no serlo al 100%?), el cuento original da pie a todas las interpretaciones que quieras sacar de ello, por lo que no hay ningún problema si es de raza blanca y pelirroja (como en el film animado de 1989) o como Halle Bailey (la actriz afroamericana que la interpreta aquí) De hecho la mayor sorpresa me la he llevado con ella, ya que derrocha carisma en todo momento, además de tener una voz prodigiosa (como queda patente cuando entona el mítico tema Part of your world), por lo que hace un papel lo suficientemente solvente para convencer, más allá de los problemas raciales de cierto sector más extremista. Contrariando a su padre, la inicial y rebelde búsqueda de conocimientos por parte de esta Ariel, más allá de que luego eso derive en una más tópica defensa del amor, dota a la protagonista de unos matices más sutiles, que le permiten conectar con el espectador.

Vamos, que si fuera por ella, Bailey consigue el encanto suficiente para sobrellevar la película. Pero los problemas vienen, como he citado más arriba, porque lo que funcionaba en la película animada sigue funcionando aquí, pero la parasitación de aquello, como en si hacen todas estas nuevas versiones respecto a sus antecesoras, deviene en un problema parecido al que tuvo el remake de El rey león: la animación permite una libertad que choca contra la realidad de las cosas, por lo que no puedes pedirle expresividad a algo que quieras que se parezca a un animal REAL, porque los animales no la tienen. Si ello se hacía bien patente en aquella, aquí también salta a la vista con Sebastian, Flounder y Scuttle, tres animales que quieren aparentar ser reales pero con los recursos de sus homónimos animados, lo que provoca la perenne sensación de irrealidad cada vez que cualquiera de ellos aparece, siendo sostenibles tan solo por los intérpretes que les ponen voz. Dicha irrealidad se hace extensible a todo el impostado mundo submarino que se muestra, ya que no se puede aparentar una colorida realidad, y desarrollarla con los fantasiosos recursos de la animación clásica.

 

Resulta bastante curioso que, como he indicado antes, se dilate el metraje respecto a la película original, pero luego haya personajes como las seis hermanas de Ariel, que apenas aparecen fugazmente, sin ahondar luego en ninguna de ellas. Se ve que el Rey Tritón (al que encarna con corrección Javier Bardem) gobierna los siete mares y ha tenido una hija en cada uno de ellos. En cuanto al resto del reparto, el príncipe Eric al que encarna Jonah Hauer-King no aporta ningún detalle digno de mención (aunque no desentona), mientras que la villana a la que da vida Melissa MacCarthy da la sensación de estar algo contenida, supongo que por los evidentes límites de la realidad respecto a la animación que he citado antes, pese a que la propia actriz ha triunfado sobretodo en el género de la comedia algo desmadrada. En resumidas cuentas este remake de La Sirenita no es ni mejor ni peor que la mayoría de los que la han precedido (y ya veremos de los que están por llegar), siendo una operación de marketing entretenida pero globalmente lejos del emblemático film del que parte, más allá de aciertos puntuales resueltos con mayor o menor solvencia.

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• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 26 de mayo de 2023.
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GUARDIANES DE LA GALAXIA VOL.3, buen ¿cierre? (crítica sin spoilers)

El problema que suelen tener las trilogías (si es que la cosa no tiene éxito, porque entonces habrá más) es que la tercera entrega tiene dos evidentes focos a intentar batir: los dos capítulos que la preceden. Y en este caso de los Guardianes de la galaxia eso sería peliagudo, porque el film inicial de 2014 realmente me encantó, y su secuela de 2017, aunque no me convenció lo mismo, seguía siendo destacable. Pero mira tú por donde que los 121 minutos de la primera crecieron hasta los 136 de la segunda, que aquí ya se van a los 150 minutos, y uno de los errores que se están haciendo palpables en el universo Marvel en cine, entre otros, es disparar los metrajes de sus películas sin que ello mejore el resultado final (de hecho en ocasiones es justo todo lo contrario, ya que "más" no es siempre es "mejor")

En este caso aparte de marcar el final de una etapa (como suele pasar en las terceras entregas) tiene la dificil labor de intentar demostrar que el público no está cansado de películas de superhéroes, tras los decepcionantes resultados, unos más que otros, de los últimos films tanto de Marvel (Black Panther: Wakanda forever y Ant-Man y la Avispa: Quantumania) como de DC (Black Adam y Shazam: La furia de los dioses) Este film también marca la tercera trilogia de Marvel completada por un mismo director, tras Peyton Reed con Ant-Man y Jon Watts con Spider-Man, en lo que sería el retorno de James Gunn a Marvel tras haber hecho El escuadrón suicida y la serie televisiva El pacificador para DC (donde ahora ha vuelto)

Si hay una cosa bien presente en este episodio ¿final? de la trilogía es que estamos ante un palpable cierre, por lo que ya desde casi su mismo inicio prevalece un tono algo melancólico y triste que sorprende, al estar dentro de la franquicia del universo Marvel cinematográfico que probablemente más se había sustentado en la comedia sinvergüenza de aventuras con ciencia-ficción. Eso juega a favor y en contra del resultado final: aunque en su dilatado metraje consigue destacar, peca de cierta irregularidad en su desarrollo, ya que algunos rumores previos sugerían ciertos hechos funestos que al final no se concretan en algo fehaciente... lo cual no quiere decir que no tengamos emociones a flor de piel, ya que todo va cobrando sentido en los flashbacks donde por fin se revela el origen de Rocket. El mismo está relacionado con el que sería el villano oficial de este film, un Alto Evolucionador (interpretado por el actor nigeriano-británico Chukwudi Iwuji) que puede provocar ciertas discrepancias respecto a su adaptación desde las viñetas, ya que aquí sería como una especie de Doctor Moreau, obsesionado con la búsqueda de la perfecta evolución.

La película comienza con un ataque (por parte de Adam Warlock, personaje quizás infravalorado en este film y al que da vida el actor Will Poulter) que dejará con la vida colgando de un hilo a uno de los protagonistas, lo que llevará al resto a unirse para intentar salvarlo. Eso los envuelve en una aventura con todos los detalles característicos de estos personajes (a los que se nota que Gunn les tiene un gran aprecio), pero siempre con la incertidumbre de si se confirmarán las nefastas previsiones para alguno (o algunos) de los miembros del grupo. Eso se acentuará con bastantes flashbacks sobre el origen de Rocket, en los que Gunn juega con acierto la vena más sensible del espectador, en este caso en referencia a la integridad de los animales que le sirven al Alto Evolucionador para sus retorcidos experimentos (muchos igual verán una soterrada crítica hacia el uso cruel de animales en ensayos clínicos) Es bastante evidente un claro mensaje en contra de la intolerancia hacia el diferente (sea este como sea), así como otros ya recurrentes en esta franquicia tales como el valor de la amistad, rodeándote de gente que te sepan apreciar por como eres.

Pero como he indicado al principio de esta crítica, no siempre más es mejor, y aunque resulta evidente el acierto global de esta secuela como cierre de la trilogía, hay muchos momentos que se dilatan en exceso tan solo para incluir (en ocasiones rozando el límite de tolerancia del espectador) un simple chascarrillo que en formato más breve hubiera funcionado mejor. Asimismo también hay cierta irregularidad, no solo en su extenso desarrollo sino también en el uso que se hace de ciertos conceptos o personajes en detrimento de otros (lógico problema cuando manejas tantos a la vez), lo que resulta más evidente en el caso antes citado de Adam Warlock, que espero que tenga mejor desarrollo en algún futuro film de este universo, ya que sus fans quedarán decepcionados de su presencia aquí. En resumidas cuentas digamos que esta película peca de exceso de metraje y cierta irregularidad en su desarrollo, pero a cambio ofrece un film emotivo por lo que tiene de cierre tanto para la formación inicial de estos Guardianes de la galaxia como para su responsable (James Gunn), que ahora tendrá que encauzar el destino del universo cinematográfico de DC.

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POSESIÓN INFERNAL: EL DESPERTAR (EVIL DEAD RISE), crítica sin spoilers de esta notable orgía sangrienta

En este momento que nos ha tocado vivir, donde lo original brilla por su ausencia, estamos plagados de remakes, reboots, secuelas, precuelas o el derivado que se tercie (ahora con las plataformas de pago suele ser la derivación a serie televisiva o sucedáneo similar), ya que todo gira en que sean franquicias conocidas por el espectador, para (más o menos) asegurar su éxito. Ello nos lleva a que todas estas opciones, gusten más o menos, sean vistas en inicio con suspicacia por algunos espectadores, ya que denotan un eterno y cíclico retorno a lo mismo, por lo que resulta algo MUY extraño que un remake pueda no desmerecer ante la entrega inicial... aunque tampoco es imposible.

Hace una década se estrenó la película Posesión infernal (Evil dead) de Fede Alvarez, que era un remake del film homónimo que dirigió Sam Raimi en 1981, y para sorpresa de muchos... ¡el resultado era notable y digno! Como la historia quedaba abierta para una hipotética secuela, pensaba que tarde o temprano se decantarían por ello, pero al final su responsable se inclinó por otras cosas (como la destacable No respires), mientras que la franquicia derivó a televisión, tomando como base el planteamiento clásico para generar la serie Ash vs Evil dead que duró tres temporadas (de 2015 a 2018)

Parecía que el destino de esta saga se quedaría en televisión, ya que en un principio ese iba a ser el destino de la presente Posesión infernal: El despertar (Evil dead rise) pero mira tú por donde que el aluvión de críticas positivas les llevó a arriesgarse y estrenarla en cines, y es justo admitir que ha sido una buena decisión porque el resultado es un palpable ejemplo de que en algunos casos, volver sobre material conocido desde otra perspectiva puede ser bueno. Tampoco quiero levantar falsas expectativas, porque esta película es lo que es, sabe en el terreno que juega y por tanto ofrece lo que el espectador espera (no mienten cuando dicen que han usado cantidades masivas de sangre falsa ya que es visible en la pantalla), pero al igual que la reciente Scream VI demostró que un nuevo escenario puede ser novedoso para la saga, este film juega la misma baza con resultados óptimos.

De todas maneras habría que achacar que el edificio donde transcurre esta película sea uno viejo al borde del derrumbe, ya que no negaré que funciona como escenario para el tipo de película que es, pero hubiera sido curioso que todo ocurriera en un edificio normal, teniendo más mérito el insertar terror en un escenario en principio no proclive a ello (digamos que tal como se plantea la historia, con el escenario ya tienes cubierto, sin arriesgar tampoco mucho, un alto porcentaje del terror resultante, aunque no deja de ser nada más que una opinión personal) También se puede hacer bastante evidente, aunque su director Lee Cronin lo sabe plasmar con solvencia, que lógicamente descubrirán el Necronomicón (elemento primordial de esta franquicia) y que harán con él lo que no deben, provocando los sangrientos resultados posteriores. Esos serían los peajes que tiene que pagar por pertenecer a la saga Evil dead (incluidos guiños como el final con la motosierra)

¿Cual es la historia de esta película? En principio, e igual como referencia hacia sus orígenes, este film parece comenzar en la previsible cabaña en el bosque y tres personajes que vendrían a ser mera carnaza, pero tras ese inicio funcional (aunque dentro de lo previsible) la acción retrocede justo al día previo. De ni uno de esos personajes se vuelve a decir nada (aunque en el tramo final se hilvana con su prólogo, para darle coherencia al conjunto y dejar las puertas abiertas para una continuación, si se tercia) siendo a partir de ese momento la historia de una madre abandonada por su marido (encarnada con soltura por la actriz Alyssa Sutherland) que tiene que hacerse cargo de sus tres retoños (destacando la más pequeña, interpretada de forma notable por la jovencita Nell Fisher, que hace aquí un excelente debut), a lo que sumar la llegada de la hermana menor de la madre, que acaba de descubrir que está embarazada. Habrá quien se percate del hecho de que son mujeres cuatro de los cinco personajes principales, pero en el terror siempre ha funcionado la figura de la Final girl (en especial en el slasher), por lo que tampoco recurren a algo extraño, sabiéndolo manejar con acierto.

 

Posesión infernal: El despertar (Evil dead rise) sabe transmitir tensión y asustar en su justa medida, y aunque cuando se desata su vertiente más sangrienta podía correr el riesgo de caer en lo grotesco, el director maneja con solvencia dicho aspecto para que no se le desborde hacia lo meramente chistoso de puro exceso (aunque en algunos momentos parezca que la sangre rezuma por la pantalla, sobretodo en el ascensor y ese guiño hacia cierto clásico de Stanley Kubrick) Los cinco personajes principales cumplen con solvencia, y el resto del reparto no deja de ser meramente funcional, pero también adecuado. En resumidas cuentas, aunque tampoco es que cuente algo especialmente novedoso, los aciertos de esta nueva entrega radican en la forma en que lo hace (me gustó el uso que se hace de la mirilla de la puerta), unido a un escenario hasta ahora novedoso en la franquicia, ofreciendo un resultado final bastante destacable.

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EL EXORCISTA DEL PAPA, lo previsible (crítica sin spoilers)

Muchas veces he comentado (y ejemplos como este no hacen más que confirmármelo) que en cuanto a exorcismos en la gran pantalla, TODO lo que ha precedido a la película El exorcista (que justo este 2023 cumple 50 años) ha bebido, en mayor o menor medida, del film de William Friedkin basado en la obra de William Peter Blatty. Curiosamente hace pocos meses descubrí yo la citada novela, lo que me llevó a darle un revisado a la película que generó, por lo que tenía  bastante fresco en la mente su esquema básico, que el presente film se limita a reincidir. Ya en fechas recientes había visto y leido El exorcismo de mi mejor amiga (una novela discreta que generó una adaptación más bien olvidable), lo que no hacía más que reafirmarme en mi opinión sobre dicho subgénero del terror, pero le dí el beneficio de la duda a esta opción.

Intentando repetir el éxito del universo de películas generado a raiz de Expediente Warren, se nota mucho (y en especial en su tramo final) que la idea de sus responsables es convertir la vida y experiencias del sacerdote Gabriele Amorth (personaje real fallecido en 2016, que ejerció como exorcista en la Diócesis de Roma) en algo así como una versión cinematográfica similar a la del matrimonio Warren, encarnado en aquellas por Patrick Wilson y Vera Farmiga. Para ello se valen de un intérprete solvente como Russell Crowe, cuyo carisma consigue que en su conjunto El exorcista del Papa se deje ver sin problemas, si bien ello no la convierte en una buena película, ya que estamos ante un film que no innova en nada.

Dirigida por Julius Avery, del que justo el año pasado vi su obra previa Samaritan (donde Stallone encarnaba a un ficticio superhéroe crepúscular), en esta El exorcista del Papa se limita a situar la cámara con mayor o menor acierto en una historia donde tenemos la típica familia americana que arrastra un trauma, donde el más pequeño de la casa será poseido, lo que dará pie a todos los estereotipos relacionados con ello (por ejemplo el omnipresente crucifijo volteado), hasta que al final acuden al padre Amorth, aqui representado como una especie de pragmático antiheroe crepúscular que descubrirá que bajo ello se esconde un peligro relacionado con la antigua Inquisición Española, el cual puede poner en jaque a la Iglesia Católica, siendo a partir de ese momento cuando lo que parecía la enésima película de exorcismos se transforma en algo parecido al universo antes citado generado por Expediente Warren. El éxito del trabajo de su protagonista, el citado Russell Crowe, está en el hecho de ser el único personaje con el que el espectador logra empatizar, ya que el resto del elenco (donde sorprende encontrar a un actor como Franco Nero) tienen a su cargo unos personajes insípidos.

De todas maneras la película se deja ver, sin caer en el desastre, al respetar ciertos detalles como por ejemplo el idioma de cada personaje (ví este film en un pase de prensa en versión original, haciéndose patente el uso del italiano, el inglés y el español, por lo que ignoro como se solventará eso en la versión doblada que llega a los cines), a lo que sumar el antes citado trabajo de un Russell Crowe que sostiene la película sobre sus hombros, si bien se adivina que no hay ni rastro de cualquier detalle cercano al biopic del verdadero padre Amorth, decantándose más bien por una representación perfilada de cara a generar (si la suerte le acompaña) un carismático protagonista de una nueva franquicia de relativo terror (la distribuidora detras de un producto como este es Screen Gems, que conoce el género por franquicias como las de Resident Evil y Underworld) En resumidas cuentas El exorcista del Papa es el enésimo ejemplo de la larga sombra del film de Friedkin de 1973 citado al inicio (los paralelismos son evidentes), al que salvaría su falta de pretensiones más allá de moverse dentro del terror fantástico de serie B, con clara intención de generar un universo propio.

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SUPER MARIO BROS: LA PELÍCULA (crítica sin spoilers)

Super Mario Bros nació como videojuego de plataformas en 1985. Diseñado por Shigeru Miyamoto, el éxito fue tal que a partir de ahí ha habido infinidad de versiones para todo tipo de formatos, logrando ser un icono para Nintendo. Admito que nunca he sido ni seguidor ni jugador acérrimo de videojuegos, pero mentiría si dijera que nunca he jugado alguna partida esporádica con el protagonista de esta franquicia, el fontanero Mario, por lo que se puede decir que más o menos lo conocía cuando fui al cine en 1993 para ver su adaptación en acción real, en su momento una película machacada por la crítica y denostada por el público, que se decantó en aquella temporada veraniega por otro estreno con dinosaurios que generaría su propia franquicia. Jurassic Park.

 

¿Tan mala era aquella película? Hace 30 años admito que no me disgustó, pero si que la recuerdo como algo FALLIDO, ya que las similitudes con el videojuego (por aquel entonces) podemos decir que eran tangenciales. De todas maneras creo que la pareja protagonista si era más o menos funcional, ya que tanto Bob Hoskins encarnando a Mario, así como John Leguizamo (actor al que descubrí a raíz del citado film) como su hermano Luigi cumplian con corrección la difícil papeleta. El problema radicaba en TODO LO DEMÁS, siendo difícil encontrar alguna similitud que recordara en algo a lo se había visto y planteado en los videojuegos. Uno de los fallos más evidentes que recuerdo fue poner aspecto humano al villano, interpretado por un histriónico Dennis Hooper, así como la ridícula justificación para el personaje de Daisy (a cargo de una Samantha Mathis entonces conocida por ser la novia del malogrado River Phoenix)

 

De todas maneras su error era ese tan común en algunas adaptaciones de los noventa y primeros 2000: intentar hacer en acción real algo IMPOSIBLE de trasladar a dicho formato. Hay cosas (comics, series de animación, videojuegos, etc.) cuya idiosincrasia hace que funcionen dentro de sus propios parámetros, pero que no acaban de convencer cuando se les cambia esa esencia propia, al menos hasta estos últimos años en que algunos proyectos si consiguen un acierto parcial. Ejemplos de lo primero hay muchos, que van desde la película de Los Picapiedra en 1994 a las dos películas en acción real de Mortadelo y Filemón de 2003 y 2008; films que pueden gustar más o menos según cada espectador, pero que resulta innegable que no acaban de hacer una traslación acertada de sus parámetros de origen. Sería como si alguien se planteara una adaptación en acción real de ¡¡¡Los Simpsons!!!… son disparates innecesarios.

 

Si por tanto la mejor manera de adaptar Super Mario Bros era la animación, ¿tanto ha costado realizar una película como esta? Vale que ha habido algunos programas televisivos, alguna serie de animación a lo largo de su historia, así como traslación a las viñetas de los comics, pero todo ello fue previo al estreno del film de 1993 (que incluso generó su variante porno, en dos entregas con Ron Jeremy de protagonista, que fueron compradas por Nintendo para hacerlas “desaparecer” y mantener el buen nombre de la franquicia) Se ha tenido que esperar a que Illumination Entertainment (famosos por Los Minions) y Universal Pictures se pusieran de acuerdo para realizar esta película, que por fin consigue hacerle justicia visual a estos personajes, aunque quizás peca de excesivo fan-service (son tropecientas mil las referencias: yo pillé muchas pero seguro que aún hay más) así como de un ritmo en algunos momentos excesivamente alocado. Pese a todo creo que convencerá al público infantil al que va dirigida, así como también a los nostálgicos que por fin verán en pantalla (en esta ocasión de cine) una acertada traslación visual de este personaje y su universo de plataformas, si bien con la pena de que algo así no hubiera llegado antes.

 

Pero más allá del fan-service, ¿convence? Su argumento es simple y sencillo (no nos vamos a engañar), por lo que por ahí puede que el resultado flaquee para muchos. También tiene un apartado musical que funciona cuando se centra en si mismo, pero con ciertas elecciones en cuanto a canciones que pueden levantar discrepancias (aunque a mi me resultaron funcionales) Al haberla visto en pase de prensa en versión original subtitulada es justo citar a Chris Pratt como Mario, Seth Rogen como Donkey Kong y Anya Taylor-Joy como la Princesa Peach (que, a tono con los tiempos que corren, ya no es la previsible damisela en apuros), aunque quien sin duda lo borda es Jack Black como el villano Bowser, así como los comentarios morbosos (respecto a como se encuentra) de Lumalee, con una chistosa voz de helio. Siguiendo con esa moda de escenas tras los créditos, en la última se sugiere la presencia de cierto popular aliado del protagonista, en caso de que esta película funcione lo suficiente como para generar una secuela.

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OSO VICIOSO, cachondeo según el momento (crítica sin spoilers)

Oso vicioso es el nuevo film como directora de Elizabeth Banks, y tan solo por su jocoso título español (en el original es Cocaine Bear, mientras que en Latinoamerica es Oso intoxicado) me llamó la atención. La premisa argumental sería tan disparatada como el resultado final: se supone que basado (mínimamente) en hechos reales ocurridos en los años ochenta, la historia se centra en un oso que probó cocaína, lanzada desde un avión por un narcotraficante. Y ya está, poco más hay, porque el resto depende del día y del estado de ánimo que tenga cada espectador para decidir si le convence o no, ya que estamos ante un film discreto (lo que antaño hubiera sido una peli de serie B), donde la grotesca mezcla de comedia de terror, y un cierto deleite en los momentos más sangrientos, gustará en proporción a lo que el espectador se implique en ello.

Esta historia (de apenas 95 minutos, lo cual se agradece) comienza con el narcotraficante al que encarna Matthew Rhys, al cual vemos lanzando varios paquetes con droga debido a que el avión donde la transporta va a estrellarse. Con la idea de recuperarlo después, parte del cargamento se dispersa por una espesa zona boscosa de Georgia, pasando lo que nadie se hubiera imaginado: un voluminoso oso negro encuentra parte de la droga y se la come. A partir de ese momento hay varios personajes perfilados cual si esto fuera un slasher, que por diferentes motivos se internarán en el bosque y se cruzaran con el citado oso, el cual está sufriendo los estragos de la cocaína, que lo ha convertido en una adicta bestia ansiosa por más droga... sea como sea y contra quien sea.

 

El problema más evidente que tiene esta película, si uno se pone meticuloso, es que transitando por terrenos de supuesta comedia, así como de terror sangriento, no consigue llegar a ser ni del todo divertida (aunque hay que reconocer que tiene sus aciertos, como por ejemplo el tramo de la ambulancia), ni especialmente gore (aunque también se deleita en los más brutos) Difusa sería la barrera entre este film y cualquier otro con bichos metamorfoseados de tropecientas maneras que se dedican a repartir caos y muerte: esas películas deliberadamente cutres, que uno ve con la total conciencia de que son lo que son, y tampoco dan para más. Es por eso que asumiendo el disparate que plantea su historia (en el suceso real del que parte este film el oso murió por sobredosis tras zamparse 3 o 4 gramos de cocaína, mientras que este la come cual si fuera Pac-Man), esta Oso vicioso tiene momentos que podrían haber dado más de si, con un enfoque más transgresor o siendo una comedia más disparatada, pero todo ello se resuelve con el ingenio mínimo.

 

Aunque habrá quien critique la visión "benévola" que se da en este film de las drogas, ya que se decanta por un evidente tono marcadamente caricaturesco (lo del oso en algunos momentos es puro disparate), se le nota también ciertos visos de una mínima calidad en el resultado final, que la alejarían de esos productos infames de serie Z con los que de una forma más fácil se la puede comparar. En cuanto a su reparto no hay ninguno que haga una labor digna de recordar, aunque es justo citar la presencia de ciertos nombres como Keri Russell (vista en Misión imposible 3), Alden Ehrenreich (el joven Han Solo de la precuela de ese personaje estrenada hace unos años) y Ray Liotta, en una de sus últimas intervenciones antes de su fallecimiento en mayo del 2022, y a cuya memoria está dedicado el presente film. Oso vicioso resulta al final una película sincera consigo misma y con el espectador, sin esconder nunca su condición de mero entretenimiento sin pretensiones, si bien no llega a ser tan divertida como ella misma pretende. 

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DUNGEONS & DRAGONS: HONOR ENTRE LADRONES, crítica sin spoilers

Primero de todo un detalle colateral pero que tengo que mencionar: ¿porque franquicias que tienen un título español conocido y popular se estrenan con los títulos originales? Lo cito por el segundo film de Expediente X (The X-Files: Creer es la clave), las últimas películas (y la que está por llegar) de las Tortugas Ninja (usando el original Ninja Turtles) y esta misma de Dragones y Mazmorras, siendo todas ellas de fácil reconocimiento por varias generaciones de espectadores. Puede que quizás no quisieran que se relacionara con la anterior adaptación en cines del año 2000, que si se tradujo pero que fue repudiada tanto por crítica como por público (y de la que no puedo opinar porque no la he visto)

Como muchos sabrán, Dragones y Mazmorras fue en origen un juego de rol de fantasía heroica que tiene ya casi medio siglo de vida (nació en 1974) Tras cambios en su titularidad, ahora mismo pertenece a Hasbro desde 1999, que a su vez en el 2019 pasó a eOne Entertainment. Habrá quienes lo conozcan a fondo dicho juego, pero ese no sería mi caso, aunque la nostalgía ante esta franquicia me puede por la serie de animación de los ochenta y por los libro-juegos de Dragones y Mazmorras, que sin duda alguna marcaron mi infancia. Aún así tenía mis dudas, tanto por la mala recepción de la versión previa como por la de por si mala prensa que suelen tener este tipo de adaptaciones, con lo cual la sorpresa ha sido mayor ante lo que he visto.

En un panorama actual en el que el éxito se mide según el esquema del universo Marvel cinematográfico, está claro que los responsables de este film (Jonathan Goldstein y John Francis Daley) se han propuesto seguir ese mismo estilo en sus virtudes, que es lo que han logrado con esta película, haciendo evidente su gestación de cara a diseñar un universo propio tan amplio como los de Star Wars o El Señor de los Anillos, siendo con este último de Tolkien con quien puede tener más coincidencias temáticas. La película está enfocada como una partida del juego de rol que le da título, presentando a una serie de curiosos, pintorescos y más o menos carismáticos personajes que tendran que unir sus fuerzas para lograr un objetivo común, PERO el resultado en pantalla es accesible incluso si no has jugado nunca a nada de esto, aunque se intuyen por sus (quizás algo extensos) 135 minutos muchos guiños para expertos en dicha mitología (y también para simples nostálgicos, como es mi caso, con la serie de animación de los ochenta)

 

Que duda cabe que en una película así el reparto es fundamental, y ahi tengo que reconocer que todos cumplen con solvencia, destacando los protagonistas Chris Pine como Edgin (un embaucador trovador amigo de lo ajeno) y Michelle Rodriguez como Holga (una aguerrida guerrera con la que comparte amistad) Ellos dos, tras un espectacular inicio que luego se ve reflejado al final, deciden ir en busca de Kira, la hija de Edgin, que se había quedado al cuidado de su compinche de fechorías Forge (a cargo de un divertido Hugh Grant) 

 

El problema radica en que cuando dan con él, el citado Forge ha alcanzado un cierto poder, acompañado de una misteriosa bruja llamada Sofina, y no se lo pondrá fácil a los héroes, por lo que el duo protagonista tendrá que alistar nuevos miembros a su causa. Entre ellos es sencillo detectar los arquetipos básicos de los personajes usuales en este juego, pero el guión logra que el grupo resultante tenga fluidez, carisma y que funcionen muy bien en sus respectivos roles, destacando (al menos para mi) el de Sophia Lillis (a la que el público mayoritario descubrió como la joven Beverly en los dos films de Andy Muchietti que adaptaron la extensa It de Stephen King), sin olvidar cameos tan inesperados y divertidos como el de Bradley Cooper; aunque en si todos los personajes caen bien.

En resumidas cuentas esta Dungeons & Dragons: Honor entre ladrones resulta una sorpresa más disfrutable de lo que uno podía pensar, en la que viviremos aventuras fantásticas en espectaculares escenarios, acompañados de un reparto solvente que tienen a su cargo unos personajes carismáticos. Entre hazaña y hazaña también hay espacio para momentos más o menos graciosos, los cuales funcionan de una manera correcta y fluida, destacando la escena del cementerio y su desbordante humor negro. No es que estemos ante una obra maestra, pero esta película juega muy bien con sus virtudes (y sabe disimular sus flaquezas) ofreciendo altas dosis de entretenimiento al mismo tiempo que convence tanto a los que conozcan el material en que se basa como los que sólo les suene de forma tangencial.

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