FELIZ MINI-BAT NAVIDAD (MERRY LITTLE BATMAN), crítica sin spoilers

Esta película de animación estrenada en Amazon Prime vendría a ser el típico film propio de estas fechas, pero con la base del popular superhéroe de DC, pese a que él en si tenga un papel más secundario en esta simpática Merry Little Batman, titulada por aquí como Feliz Mini-Bat Navidad (o Un pequeño Batman navideño en Latinoamerica) Admito que lo que me llamó la atención de la presente cinta fue su estilo de animación, bastante caricaturesco y exagerado, que se me hizo visualmente muy atractivo, por lo que es justo que sea ese el primer punto a destacar de esta funcional y ligera propuesta, apta en esencia para todos los públicos.

Asumiendo de forma muy clara que su objetivo de público sería el infantil (si bien los adultos también pueden disfrutar de un ameno e intrascendente entretenimiento), la película se centra en Damian Wayne que vive con su padre, un retirado Bruce Wayne, y que no pasa un día sin que ansíe tomar algún día el relevo de su progenitor como un nuevo Batman, pese a que dicho superhéroe erradicó todo el crimen de Gotham y pudo retirarse como justiciero. Pero sabiendo bien Bruce los peligros que conlleva dedicarse a eso, intenta hacer desistir a su hijo de sus deseos como su futuro sucesor, lo que lleva a que Damian se sienta sobreprotegido por un padre que aún no ha olvidado la tragedia familiar que dio pie a su leyenda.

En las vísperas de las fiestas de Navidad suena el bat-teléfono, en una llamada que convoca a Batman después de tanto tiempo, por lo que el Caballero Oscuro recupera sus signos de identidad (hasta ese momento se había mostrado de forma más tranquila y paternal), dejando al joven Damian a cargo del siempre solícito Alfred. Pero las circunstancias llevarán a que este también tenga que ausentarse, y será en ese momento en que Damian se queda solo cuando darán comienzo los problemas, materializados en inicio en unos ladrones que pronto vivirán en sus carnes una curiosa variante del esquema de Solo en casa (la película de 1990 y su secuela, que llevaron a una efímera fama a su, por aquel entonces, joven actor protagonista Macaulay Culkin), pero en este caso en la Mansión Wayne. Aún así el macguffin que mueve a actuar a Damian no conseguirá ser recuperado, lo que le llevará a emprender su cruzada hasta la misma Gotham, si bien su facilidad para meterse en problemas pondrá en riesgo la misma celebración de Navidad.

Como he dicho antes, el "envoltorio" de este film con la ambientación superheróica (donde se darán cita con presencia más o menos extensa algunos de los más famosos villanos de la galería del Caballero Oscuro, como Joker, Pingüino, Mr.Frío, Bane o Hiedra Venenosa entre otros), es solo una excusa para poner al protagonista Damian como el típico personaje que no tiene una actitud adecuada, pero que debido a las circunstancias se dará cuenta de sus errores e intentará enmendarlos (como el clásico Ebenezer Scrooge de Cuento de Navidad de Charles Dickens) Otra referencia literaria podría estar en la representación del Joker en esta película, que lo aleja de su vertiente más macabra y lo aproxima a una especie de Grinch como el del cuento del Doctor Seuss, que roba la Navidad no porque la odie, sino porque en el fondo no quiere estar solo. En resumen: un ligero entretenimiento que puede servir para que los padres fans del personaje vayan traspasando dicha pasión en sus hijos, sin olvidar el espíritu navideño.

CALIFICACIÓN: Entretenida (3/5)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN AMAZON PRIME: 8 de diciembre de 2023.
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LOS LUGARES DEL TERROR / GWEN STACY: ¿QUIÉN ES ESA CHICA? / JOHN ROMITA JR.: LA ERA DE LOS PRODIGIOS (reseñas)

LOS LUGARES DEL TERROR

Siempre se le ha achacado al rentable género del terror, de circular por terrenos conocidos, aunque es algo indudable que en muchas ocasiones un adecuado escenario ayuda a aumentar la inquietud de quien se introduce en la historia. De eso va este libro titulado Los lugares del terror, que con el subtítulo de La muerte acecha en cada esquina repasa multitud de ejemplos situados en las calles de la ciudad, en edificios de viviendas, en zonas residenciales y suburbios, en edificios públicos o privados, en lugares de ocio y cultura, en sitios variados en la periferia o en centros de reclusión. Aunque pueda parecer lo contrario, el material analizado no son solo películas situadas en esos puntos, sino también libros, videojuegos y cómics, lo que abre un mayor panorama de posibilidades, y como homenaje a los clásicos cómics de terror de EC los tres tenebrosos narradores de aquellos relatos destacan la muerte más llamativa de los diferentes ejemplos analizados. Sin duda una lectura muy entretenida y amena, sobretodo para los fans de pasar miedo, sea en el formato que sea.

CALIFICACIÓN: Entretenido (3/5)

• Los lugares del terror, ficha editorial por este enlace y ficha de la biblioteca por este otro. 

GWEN STACY: ¿QUIÉN ES ESA CHICA?

Los seguidores de Spider-Man saben que ha tenido dos muertes que le han marcado de por vida, una familiar (la de su tío Ben) que le motivó a ser un héroe, y otra sentimental (la de Gwen Stacy) que marcó en su momento todo un punto de inflexión. Quizás esta última le restó al personaje posibilidades de un mayor desarrollo (de ahí esa exitosa variante que es SpiderGwen), pero respetando su deceso ocurrido en The Amazing Spider-Man 121, este cómic viene a revelar detalles del personaje previos a su aparición en The Amazing Spider-Man 31, aunque siempre con matices. Estos serían lo de incluir personajes posteriores como Jean DeWolff o Yuriko Watanabe como tenientes de policía (en una retrocontinuidad muy bien planteada), que ayudan al padre de Gwen, el capitán de policía George Stacy. 

Otros que también se dejan ver por estas viñetas son el Duende Verde, Kingpin o los Forzadores (entre otros), en una trama sencilla pero funcional que mezcla la vida en el instituto de la protagonista con los asuntos policiales de su padre, en dos líneas argumentales que al final convergen en una. Bien planteado tanto a nivel argumental (a cargo de Christos Gage) como gráfico (obra de Todd Nauck), este cómic sin duda destila un cariño inmenso hacia esa chica rubia que con su fatal muerte alcanzó la categoría de mito. La historia principal se complementa con guiños y curiosidades donde la que mejor funciona sería la de Sean Ryan y Gustavo Duarte (Gwen Stacy La niña policia), siendo lo de Las Gwengadoras una gracieta algo exagerada, que tan solo sirve para rizar el rizo.

CALIFICACIÓN: Entretenido (3,5/5)

• Gwen Stacy: ¿quién es esa chica?, ficha editorial por este enlace y ficha de la biblioteca por este otro.

JOHN ROMITA JR.: LA ERA DE LOS PRODIGIOS

Hay dibujantes buenos, muy buenos o ya directamente míticos, y en ese grupo final es donde sin duda está John Romita Jr., que heredó de su padre (el emblemático John Romita) su pasión por el dibujo, que ha ido evolucionando a lo largo de los años desde su debut en el The Amazing Spider-Man Annual 11 en 1977. Este libro es todo un homenaje al trabajo de este magnífico dibujante, aquí centrado en su paso por Marvel (ya que durante un tiempo estuvo en DC e incluso fue responsable de la famosa saga Kick-Ass de la mano de Mark Millar), que comienza justo con el anual antes citado (donde ya apuntaba maneras), aunque no menos míticas son las siguientes aportaciones: El demonio en una botella para Iron Man y Nadie puede parar al Juggernaut para Spider-Man. Tras eso se atrevió con otros como Daredevil, Thor o Hulk, siempre dejando calidad en sus páginas, acabando este compendio con el único cómic inédito para mi del mismo (el resto lo había leído en otras ediciones): el homenaje por los 60 años de Los Cuatro Fantásticos.

CALIFICACIÓN: Bueno (4/5)

• John Romita Jr.: La era de los prodigios, ficha editorial por este enlace y ficha de la biblioteca por este otro.

WONKA, una encantadora precuela (crítica sin spoilers)

Si el escritor Roald Dahl tiene una obra emblemática, esa sin duda es Charlie y la fábrica de chocolate, que ya tuvo una (más o menos) reciente adaptación de la mano de Tim Burton, en el film homónimo estrenado en 2005, en el que el personaje de Willy Wonka estaba encarnado por el actor Johnny Depp, y que en su reparto tenía a un por entonces jovencito Freddie Highmore o Helena Bonham-Carter entre otros. 

 

Admito que la vi hace tiempo en un pase televisivo, ya que no fui en su momento a verla de estreno al cine, pero la recuerdo tan solo correcta; si bien hay algunos que defienden la versión de 1971 titulada por estas tierras como Un mundo de fantasía (el original era Willy Wonka and the Chocolate Factory), que protagonizó Gene Wilder, que ha dado para una multitud de memes y/o gifs, y que admito no haber visto en el momento de escribir estas líneas.

Con dicha experiencia por mi parte me atreví con Wonka, una película que (todo sea dicho) pensaba que podría ser tontorrona y cursi (las imágenes previas daban pie a ello), con un actor protagonista que aún tiene que convencer (el film más notorio de Timothée Chalamet hasta el momento sería Dune), y que para sorpresa de un servidor ha sido una bastante emotiva y entrañable sorpresa, muy apta para estas fechas.

Lo que primero hay que alabar de esta película de Paul King (responsable de las dos entregas hasta el momento del osito Paddington) ha sido su acertada elección de Timothée Chalamet para representar a este joven y carismático Willy Wonka, que aún no tiene la fábrica de chocolate por la que se hará famoso, e intenta abrirse camino en el gremio con más buena voluntad que resultados iniciales acertados (la competencia no le pondrá las cosas fáciles), pero que nunca pierde su gran entusiasmo y logra empatizar con todo tipo de espectadores. De hecho esta precuela del clásico relato de Roald Dahl me recordó mucho en su espíritu a ese gran clásico infantil que es Mary Poppins, logrando que ambos personajes tengan unas características básicas similares (una entonada mezcla de bondad y excentricidad), lo que permite equilibrar y ofrecer un resultado más entrañable y menos empalagoso de lo que podía esperar, demostrando además el destacable talento vocal de su protagonista principal (sin por ello desmerecer al resto de su acertado reparto)

Entre el resto de su elenco el que resulta más llamativo sería sin duda un Hugh Grant encarnando a un (en inicio) esquivo Oompa Loompa, una particular raza de hombrecitos de piel naranja y pelo verde que aquí tiene la misión de perseguir al joven Wonka hasta que este subsane una deuda que ni él mismo sabía que tenía. Pese a lo apropiado de su elección, su presencia es más secundaria de lo esperado, como ocurre con el otro rostro más popular: Rowan Atkinson (famoso por su personaje de Mr.Bean), que aquí encarna a un cura corrompido por su vicio por el chocolate, que dirige la base donde se reúnen la maquiavélica competencia de Wonka en el negocio. También es justo destacar la escasa pero emotiva presencia de Sally Hawkins (la protagonista de La forma del agua) encarnando a la madre del protagonista, o una Olivia Colman que disfruta dando vida a la malvada señora Scrubitt, así como todo el resto de un reparto actoral bastante apropiado, que demuestra el acertado trabajo de casting hecho con casi todos ellos.

En resumidas cuentas Wonka es una película BONITA en todos los sentidos, por momentos quizás abrumadora, pero logrando que sus excesos cuadren con el tono emocional que quiere transmitir a la audiencia. Acierta en detalles apenas sugeridos pero bien evidentes como la corrupción policial (digamos que aquí se plantea como una versión dulcificada de algo que no resulta tan bucólico realmente), y todos sus espléndidos escenarios ayudan a imaginar que estamos inmersos en ese entrañable cuento de hadas que pretende ser, que parece de lo más apropiado para las fechas navideñas en las que esta película se estrena en cines. Incluso algo con lo que no todos comulgarán por igual (su vertiente musical) se demuestra acertada en su combinación de temas y estilos variados, pero muy bien ensamblados. Wonka ofrece unos 115 minutos de una historia entrañable que si se puede decir que sería apta para todos los públicos, y cuya única pretensión es emocionar y entretener a partes iguales, algo que sin duda alguna consigue.

CALIFICACIÓN: Buena (4/5)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 6 de diciembre de 2023.
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LEO, con ADAM SANDLER como lagarto terapeuta (crítica sin spoilers)

Aunque la relación sea meramente circunstancial, tengo que admitir que cuando me enteré de la existencia del presente film, lo que primero se me vino a la cabeza fue Newt, un proyecto de Pixar que nunca llegó a desarrollarse. Más allá de que los protagonistas de ambos films sean, así en general, lagartos, también tuve bastantes dudas con esta película porque Adam Sandler es un actor que no acabo de tragar (otro con el que me pasa lo mismo es Vin Diesel) Pero finalmente me decanté por ella en versión original subtitulada, más que nada por la experiencia que tengo con la franquicia Marvel de Guardianes de la galaxia, donde el mencionado Diesel pone voz al personaje de Groot, con un resultado bastante satisfactorio en mi opinión.

En cuanto al lagarto al que interpreta Adam Sandler, tengo que admitir que Leo resulta tan divertido como entrañable, no cayendo en ese vicio habitual en las comedias de dicho actor, que más que divertidas acaban siendo cargantes. Supongo que aquí tenía una mejor noción de lo que quería hacer, ya que también ejerce funciones de guionista (junto con Paul Sado y Robert Smigel, este último también codirector) así como de productor, con un resultado final entretenido aunque quizás no tan acertado como debería, al no olvidar nunca cual sería su objetivo primordial (a diferencia de otras películas de animación que intentan arriesgar un poco más, con la intención de llegar más allá del previsible público infantil, la presente Leo se conforma con apenas ciertos guiños anecdóticos que se quedan tan solo en eso)

La premisa argumental de la que parte resulta interesante: Leo y Squirtle son respectivamente un lagarto y una tortuga que han vivido toda su vida como mascotas de un colegio en Florida, transmitiendo la tristeza propia de todo animal que no ha conocido otro tipo de existencia (algo lamentablemente muy real), con lo cual han ido perviviendo con resignación a lo largo de los años, y asistiendo al fluido devenir de numerosos alumnos y maestros que han pasado por la clase. Cuando Leo, que ya tiene 74 años, se entera de que la esperanza de vida de su especie son los 75, se propone escapar para poder disfrutar de la libertad antes de morir, pero otro problema se cruzará con su intención inicial. La maestra de la clase donde se encuentran Leo y Squirtle está embarazada, y su sustituta será una amargada profesora de férreo carácter, que obligará a los alumnos a llevarse al lagarto a casa por turnos, para responsabilizarse de él.

A partir de ahí se desarrolla una película diferente, que deja algo estancada esa búsqueda de libertad de su protagonista, y en la que el lagarto Leo será algo así como un Pepito Grillo para los diferentes alumnos que se tienen que encargar de él, ofreciéndoles acertados consejos sobre el sentido de la vida cual si fuera un terapeuta, que ayudarán en las diferentes problemáticas de cada uno. Eso le llevará a ganarse no solo el cariño de los chavales, sino incluso el de la estricta profesora sustituta; todo ello con unas cuantas canciones propias de este tipo de films (funcionales y que no molestan), y frenando en parte el humor más escatológico propio de Sandler, pese a ciertos momentos de evidente crueldad animal simplemente por hacer la gracia (la aberración de pintar al gato) Eso si, tengo que reconocer que me hizo gracia como se visualizan a los niños de preescolar: algo así como cabezones desmadrados que arrasan por donde pasan.

Sin olvidar nunca su (potencial) público infantil, la película desarrolla mucho momentos de ese humor slapstick que siempre resulta funcional en films de este estilo (como por ejemplo cierto guiño a Godzilla), aunque sin tampoco convertirlo en un recurso fácil. Asimismo hay una divertida relación de amistad y celos entre Leo y Squirtle, que será fundamental en su último tramo, dejándome con las ganas de saber más sobre como ha sido la rutina diaria de ambos animales a lo largo de los años (apenas se sugieren unos pocos detalles meramente anecdóticos) En resumidas cuentas Leo resulta una grata sorpresa por lo más evidente: un protagonista carismático que aunque peca de todos los tópicos del tipo de animal que es (lento, perezoso, indeciso), vendría a representar esa voz amiga que por la experiencia vivida sabe ofrecer los mejores consejos en ese siempre difícil momento de gestión emocional que es la preadolescencia.

CALIFICACIÓN: Entretenida (3/5)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN NETFLIX: 21 de noviembre de 2023.
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WISH: EL PODER DE LOS DESEOS, magia sin magia (crítica sin spoilers)

Que Disney no pasa por un buen momento es algo evidente para todos aquellos que estén al tanto del (decepcionante) resultado en taquilla de sus más recientes estrenos, así como de la recepción entre el público de las últimas entregas de sus marcas más consolidadas (como Marvel o Star Wars) Incluso a nivel de animación, donde ellos se supone que son los que sientan cátedra y el modelo a seguir por todo el resto de la competencia, han tenido entre sus últimos estrenos algunos títulos que no han sabido conectar con el público (en mayor o menor grado), pese a ofrecer ciertos conceptos y detalles novedosos, por encima del estereotipo con el que uno relaciona a las producciones Disney.

Más allá de la opinión de cada cual de las últimas ofertas propuestas por la factoría del ratón, está claro que en el año en que celebran su centenario con cortos tan emotivos como Érase una vez un estudio, su película animada de dicha temporada (la presente Wish, subtitulada aquí como El poder de los deseos) tenía que ser buen ejemplo de esa magia Disney que ha caracterizado, en mayor o menor medida, a los 61 films que anteceden a este, generados por la citada compañía. Por eso que en este caso van a lo seguro y si el público pide clasicismo, el estudio ofrece clasicismo hasta el empacho, en una historia en la que uno se pregunta si es que van buscando sucedáneos de la exitosa Frozen para lograr encandilar al espectador, ya que es lo que parece a tenor de lo visto en esta, su 62ª producción animada (aunque aquí más que encandilar sería embaucar)

Está muy bien que Disney cumpla 100 años, y nadie les puede negar el sello tan inconfundible que le han dado a todas sus obras, con las que han crecido varias generaciones. Es por eso que siempre se ha hablado de la "magia Disney" a la hora de describir el espíritu de la gran mayoría de su producción, y con esa idea de que los deseos se pueden hacer realidad es la que sostiene el argumento del presente film, en el que se congregan todas las moralejas típicas más conservadoras de esta factoría, lo cual no estaría del todo mal si no fuera porque ese cuento ya nos lo han contado infinidad de veces. Eso ya queda palpable desde la presentación de su heroína principal, una Asha cortada por el mismo patrón con el que Disney ha dado vida a los personajes femeninos de sus películas desde Enredados, aunque en el presente caso la interpretación (en su versión original) de Ariana DeBose logra que probablemente cale en el sector de público al que va dirigida. 

 

Pese a ser bastante evidente que (en su versión original nuevamente) Chris Pine lo disfrutó, tampoco resulta mucho mejor parado el Rey Magnífico al que pone voz, villano de la presente historia, al que como mínimo se le puede agradecer ser un malvado clásico, sin dobles lecturas o giros inesperados. Pero quizás debido a la concisión de esta película (apenas 95 minutos) o que la historia no daba más de si, deja con la sensación de ser un personaje al que se le podía haber sacado más jugo (con lo cual no descartaría su retorno en algún otro producto de la compañía del ratón) A partir de ahí el interés decrece en personajes como Valentino, una cabra parlante, y Estrella, que es justo eso; funcionando mejor esta última al no hablar, mientras que la primera sirve tan solo como (relativo) "alivio cómico" más dirigido hacia el público infantil que a los adultos. A partir de ahí el resto de personajes resultan meros secundarios intrascendentes.

Wish está ambientada en la ficticia isla mediterránea de Rosas, donde el Rey Magnífico rige una idílica comunidad a la que sólo se pide a sus nuevos integrantes que entreguen al monarca su deseo más preciado cuando cumplan la mayoría de edad. El mágico gobernante concede periódicamente alguno de ellos, pero cuando Asha, que aspira a ser su aprendiz, descubre su verdadera (y egoísta) condición, intentará remediar la situación. Cabe destacar en esta Wish la destaca fusión (sin llegar a ser del todo perfecta) que se hace entre el habitual 3D y el dibujo tradicional, compensando a nivel visual lo poco novedosa o arriesgada que resulta a nivel argumental. Pero aún comprendiendo que no siempre se puede acertar, sabe mal que como conmemoración de su centenario Disney lleve a cabo una película que desde luego no está a la altura de otros clásicos de esta productora, carente de la magia de la que presume.

Quizás en exceso dependiente de introducir guiños o referencias más o menos evidentes a la amplia filmografía que tiene a sus espaldas (lo cual les funciona no siempre igual de bien), creo que eso está más logrado en sus títulos de crédito, donde dibujados con estrellas como las citadas en esta película se van viendo dibujos de probablemente todos los films animados que la preceden, siendo eso un buen entretenimiento para el ojo avizor del espectador que los quiera identificar. Tiene una escena tras los créditos del todo intrascendente, relacionada con el mítico tema de Pinocho que Disney ya ha tomado como emblema de la compañía, mientras que en el resto de su apartado musical digamos que todo circula por canciones más o menos llamativas, pero meramente funcionales (me puedo equivocar, pero no vi ningún tema como el Let it go de Frozen, que pueda convertirse en un éxito)

CALIFICACIÓN: Regular (2/5)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 24 de noviembre de 2023.
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NAPOLEON de RIDLEY SCOTT, crítica sin spoilers

Cuando me enteré de que Ridley Scott iba a dirigir una película sobre Napoleon pensé (erróneamente) si se trataría de ese proyecto que tenía Stanley Kubrick pero que nunca llegó a realizar. Al poco de buscar información me quedó claro que de hecho, aparte del presente film, el director Steven Spielberg, que ya "heredó" el proyecto de A.I.: Inteligencia Artificial en 2001 del citado Kubrick, está trabajando en una serie limitada de siete episodios que se verá en la plataforma HBO Max, basada en la película que el responsable de El resplandor no pudo llegar a realizar. 

 

Su intención era llevar a cabo una GRANDIOSA producción (a todos los efectos), y de hecho ya escribió en 1961 un guion sobre el ascenso al poder del emperador Napoleón Bonaparte que le llevó a controlar gran parte de Europa, pero al final tuvo que desistir por ser una epopeya demasiado ambiciosa para los márgenes de la época (la década de los setenta), siendo dicho libreto el que servirá como punto de partida para la serie que está preparando Spielberg.

Asimismo el destino de esta película será la plataforma de Apple TV, principal promotora de que este proyecto saliera adelante, y que se añadiría a Los asesinos de la luna de Martin Scorsese, también un reciente estreno que tras pasar por salas de cine tendrá allí su citado destino. Es curioso percatarse de que en ambos casos son directores ya veteranos (los dos superan los ochenta años) que han tenido que recurrir por ese camino para sacar sus proyectos adelante. Asimismo este retorno al cine histórico por parte de Scott le lleva a volver a trabajar con el actor Joaquin Phoenix: ambos coincidieron en el 2000 en la película Gladiator, dirigida por el primero y con el segundo dando la réplica al protagonista encarnado por Russell Crowe.

Con precedentes tan ambiciosos, uno podría pensar que un director ya veterano como Scott habría dado lo mejor de si en este proyecto, pero aunque estamos ante una película realmente notable, no acaba de resultar redonda quizás por cierta sensación de superficialidad (algo curioso a tenor de su metraje de dos horas y 38 minutos), como si esto fuera solo el preámbulo de ese otro montaje de cuatro horas y diez minutos citado por su responsable, que vea la luz de forma probable ya cuando el film llegue a Apple TV. El trabajo de Joaquin Phoenix encarnando al histórico personaje resulta bastante destacable al mostrar a un hombre de gesto huraño; engreído y ambicioso, que sólo muestra su verdadera personalidad (y patética condición) ante el gran amor de su vida, una Josefina muy bien encarnada por Vanessa Kirby (actriz vista en las más recientes entregas de la franquicia Misión imposible)

El mayor handicap de este film sería, como he citado antes, esa sensación de mera parcialidad que desprende una película con un metraje ya de por si respetable, como si el propio Scott hubiera asumido lo tremendamente ambicioso de intentar reflejar en pantalla la vida de un personaje histórico tan importante, quedándose tan solo en una destacable, pero pese a todo superficial visión (al menos en la adaptación estrenada en cines) De todas maneras en los aspectos técnicos sin duda alguna estamos ante toda una gran superproducción, ya que se logra una ambientación y escenarios (incluidos los evidentemente digitales) realmente digna de mérito, a lo que añadir el no cortarse en cuanto a mostrar la violencia y el salvajismo de las batallas, siendo realmente impresionante en casos como por ejemplo la de Austerlitz, resultando significativos esos momentos donde se muestra la vertiente más estratega de Napoleón Bonaparte.

CALIFICACIÓN: Buena (4/5)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 24 de noviembre de 2023.
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BLACK FRIDAY (THANKSGIVING) de ELI ROTH, crítica sin spoilers

En 2007 Quentin Tarantino y Robert Rodriguez hicieron con Grindhouse un homenaje al cine cutre que aman, el cual se saldó con un importante fracaso en taquilla. Ello llevó a que las dos películas que la componían (cada una a cargo de uno de los directores citados) se estrenaran por separado cuando llegaron a España, siendo primero el turno de Planet Terror de Robert Rodriguez, y unas semanas después llegó el turno de Death Proof de Quentin Tarantino. 

 

Acompañando a las mismas se vieron unos trailers ficticios de unas películas que por aquel entonces no existían, pero que seguían el mismo espíritu que dicha propuesta. De ellos el más llamativo era Machete, que el propio Robert Rodriguez dirigió en 2010, funcionando lo bastante bien como para tres años después ofrecer la secuela: Machete kills, precedida del falso tráiler de una tercera entrega (Machete kills again in space), con el personaje a cargo de Danny Trejo viviendo aventuras espaciales, y que Rodriguez no descarta acabar realizando.

Entre aquellos falsos trailers (donde incluso había uno titulado Werewolf Women of the SS de Rob Zombie, que al final tuvo salida como cómic) también había uno de un slasher titulado Thanksgiving a cargo de Eli Roth, que ahora el propio director ha convertido en película pero que aquí en España se estrena como Black Friday (una jugada comercial bastante asumida por nuestro mercado, al igual que ha ocurrido con Halloween, que ha logrado ir calando entre el público de este país), ya que su título original hace mención a la festividad de Acción de Gracias, bastante popular en Estados Unidos pero desconocida por estas tierras.

 

Ojo que tampoco va tan desacertado como pueda pensar alguno, ya que la citada fecha comercial del Black Friday es la que en su prólogo tiene una funesta y bastante acertada sátira por parte de sus responsables, en la cual se muestra como el consumismo voraz en el que está inmersa nuestra sociedad (y que se hace más patente en las cercanías de Navidad) nos puede llevar a extremos grotescos como los que se ven en este film. Los mismos justifican que alguien quede traumatizado por lo vivido, y un año después se dedique a "impartir" su sangriento modo de justicia contra aquellos a los que cree culpables de su desgracia, bajo una máscara de John Carver, personaje histórico que fue gobernador de la primera colonia inglesa en Nueva Inglaterra.

 

Y si a alguien más le pasa, de que le resulten similares el citado personaje y el enmascarado de V de Vendetta, cabe decir que Guy Fawkes (el que inspiró al protagonista de dicha obra de Alan Moore y David Lloyd) fue más o menos coetáneo del citado Carver, por lo que de ahí viene que por estética se parezcan bastante. Por lo demás que lo de Black Friday lleve a lo de Thanksgiving o Acción de Gracias es lógico ya que mientras que la más comercial, y conocida ya también por aquí, hace referencia al último viernes del mes de noviembre (con sus cacareados y masivos descuentos para comprar casi de todo), la citada Acción de Gracias es una fiesta que se lleva a cabo el cuarto jueves de cada mes de noviembre en Estados Unidos, en una celebración tan familiar y hogareña, con todos reunidos alrededor de un pavo asado, como la cercana Navidad. 

 

A partir de ello sus responsables ofrecen un canónico slasher de grotesca y salvaje venganza en una pequeña localidad (Plymouth en Massachusetts, de donde es originario Eli Roth) con el clásico esquema de whodunit para saber quien se esconde tras la máscara del asesino, que relanzó en los noventa la saga Scream dentro de la misma temática (de hecho el segundo póster de esta crítica me hace recordar mucho a la citada franquicia iniciada por Wes Craven) Decantándose por un estilo más convencional, lejos de lo cutre que tenía que parecer todo lo relacionado con la propuesta original, la película resulta correcta en sus pretensiones, si bien también cumple el tópico de dejar algún resquicio disponible por si se tercia alguna secuela (pese a su eslogan de No quedarán ni los restos)

CALIFICACIÓN: Entretenida (3/5)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 17 de noviembre de 2023.
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EL UNIVERSO DE TARZÁN / DON DRÁCULA / BLACK HAMMER: VISIONES 1 y 2 / BATMAN: EL GRAN GOLPE DEL PINGÜINO / ¡ASADORA! 5 y 6

EL UNIVERSO DE TARZÁN

Cuando descubrí las novelas de Tarzán se me abrió un universo que no conocía, y libros como este El universo de Tarzán me sirven para saber el motivo. Para muchos el Tarzán más emblemático que ha habido en cine fue el encarnado por el actor Johnny Weissmüller, pero marcó unos estereotipos al personaje que se han quedado perennes en la cultura popular y en muchas adaptaciones posteriores, ya que las aventuras literarias del popular Hombre Mono no se centraban solo en el arquetípico selvático en el que lo tenemos situado, sino que circulaban también por otros escenarios. Este libro repasa TODOS los actores que lo han encarnado y TODAS sus andanzas en todo tipo de producciones que en la mayoría de los casos eran mero entretenimiento para un programa de sesión doble, cuando no desvergonzados ejemplos de serie B o incluso de serie Z. Un repaso interesante y entretenido de toda la vida que ha tenido en pantalla el héroe de Edgar Rice Burroughs, más allá de las aventuras literarias que vivió de la mano de su creador.

CALIFICACIÓN: Bueno (4/5)

• El universo de Tarzán, ficha editorial por este enlace y ficha de la biblioteca por este otro.

DON DRÁCULA

Osamu Tezuka realiza aquí una obra realmente magnífica y muy divertida, que admito que me ha sorprendido de forma muy grata: ¿que pasaría si Drácula se fuera a vivir a Tokio, allá por finales de la década de los setenta del pasado siglo? El resultado es esta desternillante Don Drácula, que a través de los 26 capítulos incluidos en este tomo satiriza la imagen clásica del famoso vampiro, al que acompañan en estas andanzas una hija adolescente llamada Chocola (que se adapta mejor a su nuevo ambiente que su progenitor), así como un lacayo llamado Igor, a lo que añadir a Helsing, un cazador de vampiros con ciertos "problemillas" escatológicos. Todo se centra sobretodo en el contraste cultural y/o social de un conde transilvano muy aferrado a sus costumbres frente al mundo actual (esta obra se editó en 1979), en todo tipo de simpáticas andanzas donde predomina mucho un humor splastick que funciona la mar de bien gracias a la gran expresividad con la que Tezuka se encarga de esta parodia del más popular vampiro de todos los tiempos.

CALIFICACIÓN: Excelente (5/5)

• Don Drácula, ficha editorial por este enlace y ficha de la biblioteca por este otro. 

BLACK HAMMER: VISIONES

Muchos son los cómics que me he leído del universo Black Hammer, ya que aparte de los que serían su "cabecera" oficial ha tenido también varios spinoffs que lo engrandecían (si bien con resultados dispares, al menos bajo mi punto de vista) En este caso Visiones sería una de esas "derivaciones", en este caso con la curiosidad de que el creador de Black Hammer (Jeff Lemire) le deja libertad creativa a una serie de autores que realizan ocho historias autoconclusivas, divididas en dos tomos de cuatro cada uno, con variedad de resultados pero en donde predomina lo curioso, en algunos casos derivando a destacable. Del primer tomo me gustaron las dos primeras historias (la segunda imitando el clásico estilo de terror de EC), mientras que en el segundo sobresale su primera historia, la quinta de esta Visiones, donde claramente se nota que se hace un homenaje a la "relación" entre Batman y Catwoman pero adaptada a esta serie; aunque todo ello sin desmerecer al resto de relatos, bastante disfrutables si uno ya está más o menos familiarizado con este universo.

CALIFICACIÓN: Entretenido (3,5/5)

• Black Hammer: Visiones, ficha editorial del tomo 1 por este enlace y del tomo 2 por este enlace. Ficha de la biblioteca de ambos tomos por este enlace. 

LAS AVENTURAS DE BATMAN: EL GRAN GOLPE DEL PINGÜINO

Muchas veces se establece la duda sobre cómics que DE VERDAD se puedan considerar para todos los públicos, y el presente primer volumen de Las aventuras de Batman (que recoge los seis primeros números de dicha serie) sería un buen ejemplo de algo accesible para todas las edades. Heredera de la prestigiosa serie de animación que tuvo el personaje, en este tomo se concentra la misma esencia del Caballero Oscuro, pero desde un punto de vista que convence tanto al lector común como a esas nuevas generaciones que se pueden aproximar con curiosidad a esto de los tebeos de superhéroes. El título de este tomo (El gran golpe del Pingüino) vendría de la primera de las historias, centrada en dicho villano del Caballero Oscuro, a la que le siguen Catwoman y el Joker, para luego dedicar los números 4 y 5 al Espantapájaros mientras que el sexto sería un acertado homenaje a los whodunits al estilo Hitchcock (atención al guiño que tiene), en unos relatos ligeros divididos además en tres actos para hacer la lectura más distendida.

CALIFICACIÓN: Entretenido (3,5/5)

• Las aventuras de Batman: El gran golpe del Pingüino, ficha editorial por este enlace y ficha de la biblioteca por este otro.

¡ASADORA! 5 y 6

Me leo el quinto y sexto tomo del manga ¡Asadora! (los tres primeros los reseñé por este enlace y el cuarto fue comentado por este otro), siendo realmente destacable la manera que tiene su autor (Naoki Urasawa) de conseguir mantener el interés y la intriga del lector, al mismo tiempo que la historia va avanzando hacia, de momento, terrenos desconocidos. El quinto tomo se centra de manera principal en como la protagonista Asa junto con Nakaido intentan evitar a bordo de un sencillo avión que el monstruo amenace Japón y la inauguración de los Juegos Olímpicos, en un hilo argumental que sabe mantener muy bien la tensión. Entre los tomos aquí reseñados también se nos ofrece como evolucionan y se desarrollan los personajes de Yone y Miyako (las dos amigas de Asa), siguiendo derroteros opuestos (al menos de momento), mientras Shô se sigue preparando como atleta en paralelo a las Olimpiadas, y por su parte Asa tiene que estar atenta a cualquier nuevo avistamiento del monstruo.

CALIFICACIÓN: Entretenido (3,5/5)

• ¡Asadora!, ficha editorial del tomo 5 por este enlace, del tomo 6 por este enlace y ficha de la biblioteca (de la serie) por este otro.

LOS JUEGOS DEL HAMBRE: BALADA DE PÁJAROS CANTORES Y SERPIENTES, crítica sin spoilers de esta destacada precuela

En 2012 fue cuando despuntó el género de las distopias juveniles con el estreno de Los juegos del hambre. El éxito del film fue tal que se garantizó sin problemas la adaptación de toda la trilogía literaria (por aquel entonces), incluso dividiendo en dos películas Sinsajo, el tercer libro. Eso abrió la veda para que se estrenaran varias películas más que podían ser englobadas como "distopias juveniles", y que más o menos pretendían lo mismo que Los juegos del hambre, si bien El corredor del laberinto fue la única que completó trilogía, ya que otras como Divergente se quedaron inconclusas (nunca más se supo de la rumoreada serie de televisión), y luego otras como La quinta ola o Chaos walking no pasaron de su primera entrega.

Pese a que mi interés personal sobre Los juegos del hambre se me hizo poco a poco menguante (algo que se trasladó a los cuatro films que generó entre 2012 y 2015), admito que su premisa argumental era lo suficientemente interesante como para interesarme por más. En lugar de intentar desarrollar la historia a partir de donde se quedó, la autora de la obra literaria (Suzanne Collins) se decidió por una precuela que me leí de la biblioteca hace tiempo, ambientada 64 años antes de los films estrenados hasta aquel momento. Como nexo de unión con ellos se decantó por el personaje de Coriolanus Snow, el villano presidente de Panem al que dio vida en las entregas previas el actor Donald Sutherland, y que en su juventud en esta precuela tiene los rasgos de Tom Blyth.

Tengo que recordar que cuando leí en su día la novela, su esencia me recordó a las precuelas de Star Wars, en el sentido de que lo mismo que aquellas se centraban en la caída de Anakin Skywalker en el villano Darth Vader, en esta precuela veíamos como el malvado Presidente Snow había sido en un principio un joven Coriolanus Snow, simple estudiante del Capitolio que fue criado en un ambiente humilde. Y si dichas precuelas galácticas conformaban una trilogía, eso mismo se encuentra uno en esta entrega, dividida en tres partes bien diferenciadas. Si uno de los detalles que más gustaron de esta franquicia son esos juegos del título, algo así como un Battle Royale donde sólo puede quedar uno, eso es lo que hay aquí en su décima edición, más rudimentaria y menos sofisticada de como acabaron siendo. 

 

En sí serán las pioneras ideas del protagonista las que ayudarán a hacer más populares Los juegos del hambre (que en esta historia no es que pasen por su mejor momento), pero lo que en principio era para Snow un reto ambicioso (por el premio que obtendrá si su tributo gana el sádico evento), se convierte en algo personal al conocer de quien será mentor. La tributo del Distrito 12 es Lucy Gray Baird, una joven con más aptitudes musicales que para la supervivencia extrema, pero que paulatinamente encandilará a Snow (ejerciendo en mi comparación galáctica previa el equivalente a Amidala), el cual recurrirá a todas las opciones posibles para ganar (aunque sea por mutuo interés) pese a que sus acciones, algunas saltándose las normas, le puedan meter en serios problemas.

 

De las tres partes en las que está dividido este film, las dos primeras servirían para presentar al joven Snow (encarnado por un acertado Tom Blyth), su interacción con otros miembros del Capitolio (destacando ahí más el personaje de Viola Davis que el de Peter Dinklage) y como todo cambiará para él cuando conozca a su tributo (la citada Lucy, a cargo de Rachel Zegler), así como lo que sucede en la citada décima edición de los juegos.... lo que lleva a una tercera parte con las consecuencias de ello, funcional pero quizás resuelta de forma algo precipitada, y donde lo que ocurre lleva ya a intuir al Snow posterior. En resumen una destacable (aunque algo extensa) precuela, donde lo que más chirría serían forzados insertos a lo previo, como las menciones a los sinsajos y a las plantas katniss.

CALIFICACIÓN: Entretenida (3,5/5)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 17 de noviembre de 2023.
• Galería de posters por este enlace.

THE MARVELS, irregular pero funcional (crítica sin spoilers)

Se puede afirmar que el UCM alcanzó su mayor gloria con ese díptico formado por Infinity War y Endgame, y desde entonces todo lo que se ha estrenado situado en dicho universo (que no es poco, teniendo en cuenta que se añadieron las series televisivas) no ha acabado de convencer como sucedió con las fases precedentes. Es cierto que se pretende ese universo entrelazado que ha caracterizado a los cómics, pero lo que tenía que ser un mero entretenimiento se transforma en una obligación si se tiene que estar al tanto de todo... o eso piensan muchos fans (también los hay que se quejan del poco carisma de los personajes nuevos que se han presentado tras todo lo relacionado con Endgame, si bien ahí diría yo que alguno si tiene potencial: todo es cuestión de que sepan aprovecharlo)

Esta The Marvels, secuela de la irregular Capitana Marvel, resulta un film entretenido y del todo disfrutable para el público mayoritario, pero también es verdad que es la más deudora (hasta la fecha) del citado universo compartido, ya que aparte de ser secuela de la cinta previa, nos "engarza" a los personajes de Monica Rambeau (que era una niña en Capitana Marvel y que luego de adulta adquirió poderes tras los sucesos ocurridos en Wandavision, la primera serie televisiva de este universo) y Kamala Khan (que se presentó en Ms.Marvel, dando aquí su salto a la gran pantalla) ¿Es obligatorio estar al tanto de todo ello al ir a ver esta película? No de manera necesaria aunque sin duda alguna se disfruta más si se ha visto todo lo citado.

 

El film se construye sobre un simple detalle que sirve para unir a los tres personajes principales, siendo ellos (y en menor medida un irregular Samuel L.Jackson) los que se llevan aquí el mayor peso. Eso va en detrimento del que probablemente sea el peor villano visto hasta ahora en este universo, la Dar-Benn que interpreta Zawe Ashton NUNCA consigue exudar ninguna sensación de peligro o amenaza: todo está organizado para el lucimiento de su trío protagonista, del que sin duda destaca Iman Vellani como Ms.Marvel, ya que desprende en todo momento esa ilusión de todo un fan de Marvel que está metida justo en aquello que más le gusta (de hecho la serie en la que se presentó, si destacó por algo es por el acierto de casting que lograron con ella, que consigue desprender el carisma y la empatía con la que conectar con el público) Por su parte Teyonah Parris está correcta como Monica Rambeau, algo extensible a una Brie Larson que hace oídos sordos a esas múltiples críticas que arrastra, ya desde su primera película encarnando a Carol Danvers.

Pero si en su día Capitana Marvel era tan solo un simple episodio meramente funcional dentro de este universo, otro tanto se puede decir de esta The Marvels, cuya mayor virtud estaría en sus apenas 105 minutos de metraje, que hacen que vaya "directa al grano" desde principio, si bien el desarrollo resulta algo irregular. Eso se hace palpable en una película que nunca logra sobreponerse a esa idea que transmite de mero pasatiempo intrascendente, a lo que no ayudan algunos momentos que rozan peligrosamente el ridículo, y que a muchos les puede "chirriar" (me refiero sobretodo a los relacionados con dos conceptos precisos: el uso de canciones y de gatos) Asimismo hay en su tramo final un momento de sacrificio que tampoco logra desprender el dramatismo necesario, si bien la escena entre créditos lo transforma en una fuente de ilusión que vuelve su mirada al pasado. Previo a eso la última escena sugiere la formación de un futuro grupo con, de momento, el cameo de otro personaje surgido de una serie de televisión del UCM.

CALIFICACIÓN: Entretenida (3/5)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 9 de noviembre de 2023.
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RETRIBUTION, remake de la española EL DESCONOCIDO (sin spoilers)

Mucho se ha hablado de Los Simpsons y su acierto a la hora de prever según que temas, siendo algo en ocasiones curioso si (como yo) uno es bastante desafortunado a la hora de intentar adivinar algo: por tónica general cuando por ejemplo se hacen las quinielas de los Oscars suelo acertar poco. Por eso me permito una felicitación hacia mi mismo, ya que cuando se estrenó la película española El desconocido con Luis Tosar de protagonista ya cité en la crítica que Liam Neeson sería la mejor opción que veía si alguna vez se realizaba el remake... ¡y aquí está!, ya que esta Retribution sería justo la versión norteamericana del mencionado film estrenado en 2015 (conservando el mismo título que tuvo la cinta original en el mercado americano)

Junto a un Liam Neeson, que desde que triunfó en el género de acción con Venganza (Taken) ha convertido casi todos los films en los que aparece en algo así como un subgénero propio (lo mismo que le pasó, salvando las distancias, a Charles Bronson tras el éxito que tuvo El justiciero de la ciudad (Death Wish) en la década de los setenta), los otros nombres más conocidos de su elenco serían los de Matthew Modine y Embeth Davidtz. Como director de este remake tenemos a Nimród Antal, del cual tengo la experiencia (dentro de su más bien discreta filmografía) de Vacancy (Habitación sin salida) y Predators, que cumplian como los funcionales entretenimientos que eran, aunque también ha tenido andadura televisiva haciéndose cargo de algunos episodios de series como Servant o Stranger Things.

Pese a estar producida, entre otros, por Jaume Collet-Serra (que me imagino que será gran amigo de Liam Neeson, al que ha dirigido hasta en cuatro películas), el resultado final es excesivamente superficial, componiendo uno de tantos títulos encabezados por este veterano actor (que pese a todo se desenvuelve muy bien a sus 71 años): sin destacar en nada en particular resultan tan pasables como olvidables, y sin ser malos distan de ser destacables. Su mayor handicap sería la continua sensación de déjà vu que provoca su visionado, máxime con los pocos años transcurridos desde el estreno de la película original dirigida por Dani de la Torre. Es algo tristemente habitual en todo este tipo de remakes realizados para el mercado norteamericano, donde no están acostumbrados ni a las versiones originales ni a los subtítulos, realizando copias que, en el mejor de los casos, igual levantan el interés de algún espectador avispado por conocer la base original sobre la que se sustenta (o al menos eso quiero pensar) 

 

En este caso hay que decir que incluso dura menos que la película de 2015 en la que se basa (aquella eran 102 minutos frente a los escuetos 91 de esta), pero al menos hay que valorar que han optado por un montaje concreto y conciso, lo cual se agradece. Junto a ello estaría el ya citado carisma de este actor irlandés, por más que aquí repita una tónica muy común en ese subgénero de acción que ha creado el mismo: un padre al que los malos amenazan a su familia, y si tu padre en una película es Liam Neeson, los villanos ten por supuesto que acabarán recibiendo su merecido. El problema radica en todo lo que envuelve esa idea básica, que en este caso es un film que denota ser acomodaticio para su protagonista, sabedor de los aficionados que ha generado dentro de esta vertiente crepuscular de héroe de acción que se ha granjeado, y que le seguirán incluso (como en este caso) aunque se pase la gran mayoría de la película sentado (sobre una bomba que amenaza estallar, aunque más bien sobre un guion con evidentes carencias y tópicos a destajo)

En este remake la historia se sitúa en Alemania, donde trabaja Matt Turner (el personaje al que encarna Liam Neeson), un avispado hombre de negocios al que parece que la vida le sonríe, pese a que quizás no sea tan listo a nivel personal al no percatarse que por su obsesión laboral ha dejado un tanto olvidada a su esposa (encarnada por Embeth Davidtz) Un día como otro cualquiera esta le pide que lleve al colegio a sus dos hijos, caracterizados con todos los tópicos que uno se pueda imaginar en un título de estas características, pero cuando se sube a su coche de 100.000 euros recibe una llamada del villano de turno que le amenaza con una bomba escondida bajo el asiento del vehículo, y que explotará si no le obedece en sus peticiones. A partir de ahí se desarrolla una historia que repite el esquema de la película del 2015, solo que en este caso de una manera más rutinaria, y con un guion que opta por la ley del mínimo esfuerzo, haciendo previsibles algunos sus (supuestamente) sorpresivos giros, máxime si se conoce el film original.

CALIFICACIÓN: Regular (2/5)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 27 de octubre de 2023.
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LOS ASESINOS DE LA LUNA, magistral SCORSESE (crítica sin spoilers)

Hasta ahora el film más extenso que he visto de estreno en una sala de cine ha sido el Hamlet de Kenneth Branagh en la década de los 90, que con sus 242 minutos marcaba una duración que pensaba que sería difícil que algún día superara. Lo nuevo de Martin Scorsese no lo logra, pero admito que marca una destacada posición que costará desbancar, ya que sus 206 minutos de metraje han levantado cierta polémica sobre si no hubiera sido mejor enfocarla como una miniserie televisiva que como una película. Ante eso el director ha defendido dicho metraje, ya que según él hay espectadores que pasan horas y horas frente a una pantalla viendo lo que sea, por lo que el cine bien merece un respeto que no se le da (de hecho el guion original daba para cuatro horas y media)

Basada en el libro Los asesinos de la luna: petroleo, dinero, homicidio y la creación del FBI de David Grann, esta nueva película de Martin Scorsese marca su reunión con viejos conocidos, ya que sería la décima vez que dirige a Robert de Niro (con quien comenzó a principios de la década de los 70) y la sexta que lo hace con Leonardo DiCaprio (que le ha acompañado desde inicios de los 2000), aunque Los asesinos de la luna es la primera vez que coincide con ambos en una misma película. Incluso como curiosidad cabe indicar que de hecho Scorsese, De Niro y DiCaprio ya coincidieron en un corto de 2015 (en el que también estaba Brad Pitt) para promocionar un complejo de casinos en Macao, y los dos actores protagonistas de Los asesinos de la luna ya trabajaron juntos hace 30 años en la película Vida de este chico.

En cuanto al presente film, resulta triste que un maestro de la vieja escuela como es Martin Scorsese no haya conseguido apoyos de ningún estudio para este proyecto (financiado al final por Apple TV) y el previo (El irlandés, ese sufragado por Netflix), como si ya hubiera pasado el tiempo de cineastas de primera fila como él. Aún así hay que indicar que la presente Los asesinos de la luna tiene un presupuesto de 200 millones de dólares, lo que sin duda la convierte en una superproducción, pero no hay problema en ello porque la película lo luce en todo momento, a lo que añadir un ritmo que temía en exceso pausado, pero que resulta acertado en su conjunto, pese a leves altibajos en sus 206 minutos, que se pueden hacer pesados por su duración (me removí algunas veces en mi butaca del cine donde la estaba viendo, ya que me cansa estar sentado tanto rato en un sitio) pero nunca tediosos en su paulatino desarrollo. 

 

Con películas como esta Scorsese demuestra ser un virtuoso del cine al estilo de otro clásico como Clint Eastwood, y en esta ocasión lo hace decantándose por el que para muchos sería el primer western de su extensa filmografía, si bien a tono con la propia edad de su responsable (que supera los 80 años), entraría dentro de los enfocados de forma crepuscular, ya casi cuando el Salvaje Oeste conocido por todos daba sus últimos estertores de vida. En este caso se basa en unos hechos reales que vendrían a resumirse en la mezquina codicia y usura del ser humano, capaz de las peores triquiñuelas con tal de conseguir algo si considera que lo merece más que su legítimo propietario. Por el desmedido colonialismo del que siempre ha hecho gala la humanidad, en la década de los años veinte del pasado siglo la nación Osage (tribu nativa de los Estados Unidos) fue desplazada hasta una zona en el noroeste de Oklahoma sin ningún tipo de valor.

 

Pero lo que en inicio pensaban que sería una tierra infértil y rocosa cambió cuando se descubrió petróleo en ellas, haciendo a sus (ahora) legítimos propietarios la comunidad más rica del país. Eso no se podía tolerar y se perpetró una retorcida conspiración por parte de algunos hombres blancos para quitarle a los Osage la propiedad de esas tierras, infiltrándose en sus núcleos familiares, y perpetrando los asesinatos de los mencionados nativos (algunos encubiertos como suicidios), con la complicidad de unas autoridades que miraban para otro lado, pero siempre procurando que el heredero de los terrenos fuera un hombre blanco. Curiosamente estamos ante un hecho real poco conocido, siendo justo ese uno de los motivos que convencieron a Scorsese para enfrascarse en este proyecto, pese a que los Osage actuales (aún habiendo sido consultados por el director) han mostrado ciertas discrepancias con el resultado final, al estar enfocado más desde el punto de vista del personaje notablemente encarnado por Leonardo DiCaprio, que del de los propios nativos.

El trío protagonista de esta película realiza un trabajo excelente, pero si bien uno ya puede suponer algo así de actores de renombre como Robert de Niro o el citado Leonardo DiCaprio (capaces en ocasiones de lo mejor), es justo destacar también a una Lily Gladstone que tiene aquí su proyecto de mayor envergadura hasta el momento, realizando una labor introspectiva magnífica en un personaje que se debate entre las tradiciones de su cultura, y aquellas propias del nivel social adquirido gracias a su estatus social (no serían los únicos, porque en un reparto notablemente acertado es justo destacar también la labor de Jesse Plemons, Brendan Fraser y John Lithgow) En resumidas cuentas Los asesinos de la luna es una magnífica epopeya histórica narrada con pulso brillante y enérgico por Scorsese, pero también un tipo de cine como se realizaba antaño, pero que ahora vemos con resignación como poco a poco desaparece.

CALIFICACIÓN: Excelente (5/5)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 20 de octubre de 2023.
• Galería de posters por este enlace.

TRES ASESINOS / PRIME ROSE / TÍPICOS TÓPICOS DE HOLLYWOOD

TRES ASESINOS

Me leo en español la nueva novela que se edita de Kotaro Isaka, pese a que en origen vio la luz en 2003, aunque ahora es cuando se traduce por el éxito de su anterior obra (Tren bala) que fue adaptada en una película de título homónimo (en su versión original) con Brad Pitt de protagonista. Admito que con los precedentes que tenía, confié bastante en el autor y ya desde el principio sorprende: si uno lee la sinopsis de su contraportada casi se imagina una historia de venganza como las que han llevado al éxito en cines, en su etapa madura como actor, a Liam Neeson, pero al poco de empezar a leer trastoca cualquier previsión en dicho sentido, decantándose por otros interesantes derroteros. 

De todas maneras el inicio no es tan vertiginoso como el de Tren bala, decantándose por una paulatina presentación de los personajes, aunque con el giro inicial que provoca que su esquema no sea tan previsible como uno podría haber pensado. Toda la novela se sustenta en el progresivo relato de los acontecimientos que vive Suzuki (el protagonista) y la Ballena y la Cigarra (dos de los tres asesinos a los que hace mención el título, ya que el tercero digamos que tiene su sorpresa) Eso si, a medida que se avanza la lectura se hace tan atractiva como adictiva, ya que la trama se complica y la tensión aumenta, ofreciendo una novela bastante destacable, recomendable y entretenida.

CALIFICACIÓN: Buena (3,5/5)

• Tres asesinos, ficha editorial por este enlace y ficha de la biblioteca por este otro.

PRIME ROSE

A Osamu Tezuka lo llaman (con toda justicia) el "dios del manga", y con esta nueva obra suya que ha llegado a la biblioteca deja constancia de ello (si bien lo de "nueva" sería por fecha de edición, ya que esta Prime Rose en origen es de 1982) Ante todo tendría que admitir que la mayoría de lo gestado por este autor me ha parecido de notable para arriba, si bien a lo largo de su trayectoria hizo tal cantidad de material de tantos temas y con tantos estilos que siempre hay algo más ligero, con lo que pasar un rato entretenido, y otras obras más extensas, que pueden requerir de una lectura pausada para su total disfrute. Pues bien, esta Prime Rose sería intermedia entre ambos conceptos.

Sin saber absolutamente nada de ella pensaba, por su portada, que sería quizás una obra de espada y brujería, ya que el atuendo de la protagonista me hizo pensar en Red Sonja, personaje femenino del universo de Conan el bárbaro. Algo de eso hay, pero estamos ante una obra río, una extensa saga de 888 páginas, cuyo personaje sería la Emiya de portada, pero que no es protagonista única sino que comparte la historia junto con todos aquellos que se relacionan con ella, sea por el motivo que sea. Y todo ello envuelto en una mezcla de géneros (fantasía épica, ciencia-ficción, drama, comedia, intrigas palaciegas, distopía, acción o aventuras entre otros) que funciona bien pese a algunos cambios un tanto abruptos.

CALIFICACIÓN: Buena (4/5)

• Prime Rose, ficha editorial por este enlace y ficha de la biblioteca por este otro.

TÍPICOS TÓPICOS DE HOLLYWOOD

¿¡Cuantas veces uno no está viendo una película o serie, y se encuentra de pronto con un recurso argumental previsible que ya se ha visto en otros muchos sitios!? Eso serían los llamados tópicos o clichés: situaciones que en la vida real serían del todo diferentes, pero que en la ficción se resuelven de una forma "casual" y por tónica habitual repetitiva, que como siempre ha funcionado más o menos bien... ¿para que cambiarla? En este libro titulado Típicos tópicos de Hollywood: 120 clichés del cine comercial el autor (Álvaro Ruiz de Gauna) repasa ese tipo de situaciones que suelen tener una resolución similar, las cuales van desde todos los consabidos recursos del cine de terror (que la propia Scream satirizaba) hasta la representación de la violencia (bien sea en peleas, explosiones, etc.) pasando por los tópicos de los films de adolescentes, las maneras de representar escenas de sexo o la forma de proceder de los policias, entre otras de estas "casualidades" en ocasiones tan evidentes. El resultado es un libro muy entretenido que provoca más de una sonrisa cómplice al leer algunos típicos tópicos que el lector no puede menos que confirmar que se han visto hasta la extenuación. 

CALIFICACIÓN: Entretenido (3/5)

• Típicos tópicos de Hollywood: 120 clichés del cine comercial, ficha editorial por este enlace y ficha de la biblioteca por este otro.