DOCTOR STRANGE EN EL MULTIVERSO DE LA LOCURA (sin spoilers)

Me suponía por los avances previos que esta secuela de Doctor Strange sería la primera película del cada vez más amplio y muy poblado universo Marvel cinematográfico en dar cabida al material que se ha añadido al mismo a través de las series de televisión que se estrenaron en Disney Plus el año pasado desde la de Wandavision. Curiosamente la mencionada seria una de ellas, porque resulta muy evidente que nos volvemos a encontrar con el personaje encarnado por Elizabeth Olsen tras los hechos que tuvieron lugar allí. Pero a diferencia de lo que yo pensaba, NO es imprescindible el haberla visto puesto que la presencia del personaje aqui queda muy bien justificada, siendo tan solo un extra de información no necesariamente primordial, pero si que agradecidamente complementaria.

Curiosamente la otra serie que sirve como complemento a esta secuela del Doctor Strange es la de animación What If, ya que al abrirse la veda de los multiversos con la reciente Spider-Man No way home (que recibe una mera mención anecdótica), los mundos alternativos que allí se presentaban tienen cabida aqui. Para ser exactos sería no tan solo aquel que se centra en el protagonista de esta película (Doctor Strange), sino el que sirvió como presentación a dicha serie, con cierto carismático personaje del que se abre la posibilidad de volver a verlo, ya que el mismo concepto del multiverso deja las puertas abiertas a todo tipo de hipotéticas versiones alternativas. La sorpresa fue máxima (al menos para mi) cuando a dicho personaje lo encontré siendo miembro de otro importante grupo en este universo de superhéroes, en el cual hay cabida tanto para el pasado (mutantes) como para el futuro (con cierto padre de familia bastante popular a cargo de quien el público lleva pidiendo desde hace meses), e incluso recuperando al cabecilla de otro popular grupo cuya presencia se centraba hasta ahora en una fallida serie de 2017 que apenas duró 8 episodios.

Pero no solo de guiños y cameos vive el fan de Marvel (a lo antes citado se podría añadir otro personaje de la mitología del protagonista que se deja ver en la primera escena entre créditos), sino también de que el resultado sea bueno, y sin lugar a dudas la elección de Sam Raimi como director ha resultado todo un acierto. Ello se debe a que cumple con lo que en origen iba a ser este amplio universo, en el que cohabitaran entrelazadas diferentes historias desde diferentes puntos de vista según los directores asignados a cada proyecto, algo que quizás no todas las películas han respetado, quedándose en cintas tan funcionales como poco personales. Al igual que pasaba con las aportaciones de Kenneth Branagh, Taika Waititi o James Gunn (por citar tan sólo tres ejemplos), en este caso esta Doctor Strange en el multiverso de la locura tiene el sello personal de Sam Raimi, cierto que tamizado para que entre a cuanto más público mejor, pero agradecido para dotar de entidad propia al resultado final, aparte de devolvernos a ese fantástico director que hace ya 20 años abrió la veda del cine de superhéroes con su inaugural Spider-Man.

 

Aunque los actores cumplen bien con los papeles asignados (atención a todo un habitual en el cine de Raimi, con el que además se cierra el presente film), me asombró BASTANTE una magnífica Elizabeth Olsen, cuya motivación para hacer lo que hace proviene de lo visto en la serie Wandavision (aunque insisto en que si no se ha visto es perfectamente entendible incluso para los néofitos), lo que la actriz aprovecha para ahondar en la brecha que se abrió allí, ofreciendo en esta película una doble versión entre la comprensión hacia lo que quiere obtener y la misma locura con la que pretende lograrlo. De igual manera cuando su personaje demuestra todo su poder (y Raimi nos lo ofrece con su toque personal) estamos sin duda ante alguien que bien podría dar un giro radical a este universo como hizo su homóloga de las viñetas en el evento titulado Dinastia de M, dejando al final que la Bruja Escarlata (o más bien Wanda Maximoff) sea el personaje femenino que ha tenido una mejor evolución en este universo en los últimos tiempos. 

 

Por contra se le podría achacar a esta secuela que dos conceptos de su título (multiverso y locura) no están tan presentes como todos desearian, si bien en el primer caso deja las puertas abiertas a que esas realidades alternativas (algunas tan extrañas como tremendamente atractivas) vuelvan a ser visitadas en algún futuro proyecto (es lo que tiene el multiverso, que TODO es posible) En cuanto a la citada "locura" sería la que motiva los hechos que aqui acontecen, que estando en las manos de Raimi podría haberse desmadrado como en otros proyectos suyos, pero que se encuentra en todo momento comedida por la mano de la productora, aunque sin que ello sea obstáculo para un espectaculo tremendamente entretenido y muy bien acotado, ya que sus 126 minutos se demuestran adecuados para lo que nos cuenta, sin esos excesos de metraje tan usuales en algunos tipos de producciones actuales. En resumidas cuentas una secuela quizás sencilla en su premisa argumental (aunque tampoco pide mucho más) pero todo un espectáculo visual con el que desconectar y dejarnos llevar para disfrutar.

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• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 6 de mayo de 2022.
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LA CIUDAD PERDIDA, un entretenimiento funcional (crítica sin spoilers)

El cine de aventuras se puso de moda en la década de los ochenta con la franquicia de Indiana Jones, aunque en si la misma tan solo rescataba el espíritu de los seriales de las primeras décadas del siglo XX, que fue cuando el género despuntó. A rebufo del éxito del citado arqueólogo de Spielberg y Lucas surgieron multitud de proyectos similares, siendo uno de los que triunfó la cinta Tras el corazón verde (Romancing the stone) de 1984, protagonizada por Michael Douglas, Kathleen Turner y Danny DeVito, que sería la que más facilmente se puede tomar como referencia al hablar de un film como La ciudad perdida con Sandra Bullock y Channing Tatum.

Lo mejor (y lo peor) de esta cinta radica en centrarse en esquemas conocidos y funcionales dentro de este género, lo que para algunos puede significar una historia en ciertos aspectos previsible, pero que en el fondo tan solo busca entretener introduciendo dichos conceptos a un nuevo público potencial que podía más o menos desconocerlos. Y es que este film se une a ejemplos recientes tales como las dos secuelas de Jumanji con Dwayne Johnson, Uncharted o sobretodo Jungle Cruise, que también se nutren de ese espíritu clásico de aventuras que despuntó en las décadas de los ochenta y noventa, el cual recuperan con mejor o peor fortuna.

La protagonista de La ciudad perdida, a cargo de Sandra Bullock, es la escritora Loretta Sage, que ha triunfado con una serie de novelas románticas de aventuras, aunque arrastra aún la pena por la pérdida de su esposo. La editorial ha usado para las portadas de los libros de la protagonista a un modelo llamado Alan (a cargo del actor Channing Tatum), tan guapo como simple, que sería la total antítesis del héroe aventurero de las novelas de Loretta al que le presta su imagen, lo cual enerva a la autora si bien transigue con ello. Pero en la presentación de su obra más reciente, cuando parece que va a finalizar la relación "comercial" que les une, la protagonista es secuestrada por Abigail Fairfax, un esperpéntico villano al que da vida Daniel Radcliffe, empeñado en que la autora le ayude a encontrar el tesoro que menciona en sus obras. El pobre Alan intentará demostrar su valía y emprenderá su rescate en pos de demostrarle a Loretta que es algo más que el mozo guapetón por el que se ha hecho famoso, pudiendo ser el héroe que se espera que sea.

 

Como muchos previsiblemente pensarán, estamos ante el clásico ejemplo de una pareja de carácteres contrapuestos que se ven envueltos en una situación límite (con las presumibles consecuencias que se deriven...) A ello hay que añadir el personaje de Bullock, que bien podría considerarse heredero de los que la actriz ha interpretado en muchas de las comedias románticas que han cimentado su carrera, pero que consigue desarrollar de una forma bastante correcta a las pretensiones del film, con el esquema básico de alguien a quien sitúan fuera de su ambiente y tendrá que ir hacienco frente a las situaciones que le ocurren. A su lado el modelo de Tatum, que sabe sacar partido de un personaje que tiene que demostrar su valía bajo el estereotipo clásico del chico guapo pero más bien tontorrón aunque en el fondo buena persona; si bien el que destaca más pese a ser poco más que un simple cameo sería el personaje al que da vida Brad Pitt (y ojo a la innecesaria y absurda escena entre los créditos finales... pero que ahi está)

Resulta divertido, aunque sea más bien breve, el ver como la eficiencia del personaje de Pitt deja en evidencia la supuesta masculinidad de la que quiere hacer gala el de Tatum, si bien en el fondo el villano al que hacen frente encarnado por Radcliffe nunca acaba de hacer gala de su supuesta maldad, dejándose llevar más bien por una imperiosa ambición que le situaría como una parodía de los megalómanos con los que ha tenido que lidiar James Bond. Supongo que por más que Radcliffe quiera demostrar su versatilidad más allá del Harry Potter con el que alcanzó la fama, aún seguimos viendo en él a aquel muchacho que conocimos en Hogwarts, lo que le resta credibilidad enfrentándose a personajes como el que encarna aqui. En cuanto al trabajo de los directores (el duo formado por los hermanos Aaron y Adam Nee) hacen aqui su debut en el panorama más comercial de Hollywood con corrección, sin alardes ni pretensiones aunque también sin sorpresas ni innovaciones, en un mero entretenimiento que nunca aspira a más que eso.

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• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 13 de abril de 2022.
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MORBIUS, vampirismo indefinido (crítica sin spoilers)

Los aficionados a los comics (especificamente de superhéroes) estamos viviendo una época maravillosa, en la que cada año se pueblan las carteleras de diferentes opciones para todos los gustos. Aún así está claro que esos universos son de manera general los de Marvel y DC... pero mientras que la primera ha ido escalando éxitos desde su nacimiento (allá por de 2008) con los mínimos tropezones, los de DC no pueden presumir de lo mismo, ya que fracasaron en su forzado intento de un universo entrelazado como ha conseguido ya la citada Marvel, teniendo que anclarse en éxitos individuales (como esa The Batman de reciente estreno) pero sin formar aún un conjunto más o menos cohesionado... al menos a corto plazo.

Bastante más equivalente a los fallidos intentos por parte de DC que a los éxitos de Marvel, en Sony (al tener los derechos de Spider-Man) tienen al famoso arácnido "compartido" con Disney, ya integrado en el universo Marveliano... pero quieren "crear" uno propio con las extensas opciones que les da todo lo relacionado con Spider-Man, que se inauguró con Venom y su secuela, que continua con Morbius, y que se espera que tenga más entregas con las futuras películas para Kraven y Madame Web. A priori no pinta mal, pero la calidad es otro tema y las dos entregas (hasta la fecha) de Venom no convencieron del todo, y esta Morbius sigue por los mismos derroteros.

El mayor problema que arrastra esta película radica en un guión retocado por infinidad de manos, lo que provoca una indefinición genérica sobre la historia que nunca acaba de tomar un camino determinado. Con esto me vengo a referir que aunque estemos hablando de un universo de superhéroes donde todo gira sobre unos conceptos más o menos similares, las diferencias inherentes de según que personajes permiten tocar otras temáticas, estando claro en este caso que una de ellas podría haber sido el terror (por la condición vampírica de su protagonista) Asimismo los films de orígenes se hacen un tanto cansinos si se decantan por la resolución más esquemática, ya que eso los hace previsibles para el espectador más curtido en esto... siendo otro de los errores patentes en este film, que al menos en mi caso provocó las mínimas sorpresas. A ello habría que añadirle una resolución visual con la que parece que retrocedamos al pasado, recordando a ejemplos tales como Blade o Buffy Cazavampiros que triunfaron allá por los noventa, pero en este caso sin aportar nada digno de novedad (ya que en muchos momentos las escenas de acción resultan hasta confusas)

La pobreza de su guión se ve además afectada por un montaje en el que debieron pensar que esto era un puzle que debía de montarse como fuera para sacarlo adelante lo antes posible (esta cinta fue otra víctima de sucesivos retrasos debidos al Covid), siendo eso evidente en las dos escenas ENTRE los créditos finales (ya que tras los mismos no hay ninguna), en el que se juega con que lo sucedido en Spiderman No way home lleva hasta "este" universo a cierto villano arácnido que ya estaba presente en el otro (lo que justifica la presencia de ESE actor que se ha visto en algunos trailers, pero que nada más aparece en lo que cito) El problema radica en hacerlo sin la más mínima coherencia, al igual que las paralelas al final de la secuela de Venom, llevando el simbionte al universo cinematográfico Marvel, quedándose en meras promesas de cara a futuros e indefinidos cruces entre ambos (por las redes sociales circula una petición para realizar The Amazing Spider-Man 3, con Andrew Garfield frente a Venom y/o Morbius (se supone que comparten este universo) más lo que sea, dejando al arácnido encarnado por Tom Holland para las películas cohesionadas de Marvel)

En resumidas cuentas Morbius es otro ejemplo de película fallida en el tema de adaptación de un personaje de comic a la gran pantalla, ya que aunque el aspecto visual de Jared Leto cumpla bastante con las características de este personaje (no siendo tan grotesca como la que el mismo actor ofreció con su Joker en Escuadrón Suicida), resulta insuficiente para hacer remontar este film, también lastrado por un ritmo algo atropellado. No ayuda mucho un reparto donde ninguno de sus miembros consigue destacar lo suficiente (ni Matt Smith como villano que no acaba de desmelenarse como desearía, ni Jared Harris como mentor inicial de los oponentes principales, ni Tyrese Gibson como policia que investiga las muertes que se provocan; siendo los más conocidos de su elenco), aunque tenga algún detalle bastante acertado como el referente al Nosferatu de Murnau, si bien no dejan de ser momentos puntuales en 109 minutos con poco bueno para recomendar. Lo lamentable es que si películas como las citadas de Venom o como esta triunfan en taquilla (y la del simbionte lo ha hecho), serán el ejemplo a seguir... con lo cual mal vamos.

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• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 1 de abril de 2022.
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CAZAFANTASMAS: MÁS ALLÁ, ahora vamos bien (crítica sin spoilers)

Hay sagas y franquicias que parten del potencial de su primera entrega, pero que no logran avanzar más allá de eso, y uno podría pensar que esa es la mejor definición para algo como Cazafantasmas. Es indudable que la película original de 1984 es todo un icono de aquella década, éxito que luego se intentó repetir en su secuela de 1989 que no convenció tanto en cuanto a calidad, además de tener que luchar en la taquilla de aquel año con pesos pesados como el primer Batman de Tim Burton o Indiana Jones y la última cruzada. Resulta curioso porque a diferencia de otras franquicias, de las que se ha abusado con un sinfín de secuelas, la hipotética tercera entrega nunca llegó a concretarse, haciéndola cada vez más improbable con el paso de los años (a lo que añadir el triste fallecimiento en 2014 del actor Harold Ramis, miembro del cuarteto original)

En 2016 se llevó a cabo un reboot donde se intentó repetir el esquema pero pasando de masculina a femenina la identidad del cuarteto protagonista, en un film que tampoco estaba tan mal, siempre tomándolo como el sencillo entretenimiento que era. La cinta fue vapuleada medianamente por la crítica y de una forma mayoritaria por el público, por lo que igual se podría decir que la franquicia no daba para más, hasta que llegó Jason Reitman (el hijo de Ivan Reitman, director de las dos primeras películas) para esta "tercera" entrega.

Y es que en este secuela se enfoca mejor algo que podría ya haberse hecho en el polémico reboot de 2016, que además contaba con los miembros originales como aqui: situarlo en el mismo universo. Con esto me vengo a referir a que aunque en la película de Paul Feig se notaba la sombra de la original (desde mi punto de vista tratada con respeto, según otros ultrajando recuerdos de su infancia) todos los personajes eran nuevos, e incluso los cameos de Bill Murray, Dan Aykroyd, Ernie Hudson y Sigourney Weaver eran tan solo meros guiños de complicidad hacia el espectador veterano. ¿Por qué no se optó por ejemplo que alguna de las actrices protagonistas hubiera sido la hija de algún miembro del cuarteto original? Siendo ese el mayor error que uno le puede achacar al mencionado reboot, la lección parece que quedó aprendida y esta Cazafantasmas: Más allá es la evidente tercera entrega al SI tener a los personajes originales.

El problema está en que la primera parte se estrenó hace casi cuatro décadas, y su secuela también tiene más de 30 años, con lo cual el reparto envejece y ya no está para muchos excesos. ¿Cómo congeniar entonces con las nuevas generaciones sin menospreciar a las más veteranas? Con respeto hacia las cintas originales (aunque alguno dirá que un tanto excesivo, ya que en su último tramo hay momentos bastante paralelos) pero abriendo la puerta a una regeneración de la franquicia con nuevos actores. Eso fue lo que se propuso (sin éxito) el film de 2016, pero aqui se subsana tirando de nostalgia ya que el personaje que interpreta la joven Mckenna Grace bien pronto descubrirá que uno de los Cazafantasmas originales fue su abuelo, siendo sencillo deducir cual con solo ver como la caracterizan. A partir de ahi será solo cuestión de tiempo que forme un nuevo y joven (e inexperto en inicio) grupo para seguir el legado de su abuelo.

El hecho de abandonar los escenarios urbanos de las dos primeras películas y decantarse en este caso por una ambientación rural me parece un acierto por parte de sus responsables, ya que las ciudades siempre evolucionan, mientras que un pueblo siempre puede tener el aspecto de haberse quedado anclado en el pasado, como se busca aqui en clara referencia a la década de los ochenta. Dicha idea también está patente en el otro joven protagonista de este film, encarnado por el actor Finn Wolfhard, que ha alcanzado la fama en vehículos nostálgicos de la citada década como la serie Stranger Things o las dos entregas que adaptan el It de Stephen King. También resultan convincentes los dos adultos principales, encarnados por Carrie Coon y Paul Rudd, este último dando vida a un profesor que en vez de dar clases les pone a sus alumnos cierto tipo de cine, en el clásico formato VHS, también muy acorde a la década que se quiere recordar.

Pero llegados a este punto cabe preguntarse... ¿que pasa con los actores más veteranos? Pues salen todos recuperando a sus antiguos personajes, en un tramo final tan nostálgico como emotivo, que logró aclamaciones, risas y también alguna lágrima, sobretodo en como se decide recordar al difunto Harold Ramis, con un giro de guión tan bonito como coherente teniendo en cuenta la temática de esta franquicia. De todas maneras se echa en falta a cierta persona cuando se ven los titulos de crédito finales al ritmo de la clásica canción de Ray Parker Jr.... hasta que aparece en la primera de los dos escenas post créditos, probablemente porque no encontraron otro hueco dentro de la historia, pero recordando con uno de los miembros originales otro de los momentos más divertidos del film de 1984. La segunda escena sería al finalizar los mismos, dejando las puertas abiertas a una posible y ahora mismo tentadora secuela.

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 3 de diciembre de 2021.
• Galería de posters por este enlace.
• LO MEJOR: El buen equilibrio que mantiene esta película entre el vehículo para la nostalgia que se espera que sea y la puerta abierta a una posible revitalización de la franquicia que se pretende. Tambien el nostálgico y emotivo homenaje hacia el difunto Harold Ramis.
• LO PEOR: Quizás se echan en falta más novedades aparte de su joven y adecuado reparto, aparte de un guión funcional pero que en algunos momentos resulta algo acomodaticio.
  

LA INCREIBLE MASACRE-GWEN: EN ESTRICTA CONTINUIDAD, BATMAN: EL ÚLTIMO CABALLERO DE LA TIERRA y PEQUE-MARVELS: V VS.X

LA INCREIBLE MASACRE-GWEN: EN ESTRICTA CONTINUIDAD

Tras los dos anteriores tomos de Masacre-Gwen (que me leí y reseñé por este enlace y por este otro) le ha llegado el turno a este tercer volumen, que incluye los números 11 al 15 de la cabecera americana. En los mismos tenemos tres historias: una inicial autoconclusiva en la que la protagonista vive una historia que se podría considerar homenaje a la mítica Buffy Cazavampiros cruzándose con Blade, luego otra dividida en dos partes en la que Masacre-Gwen se encontrará con viejos conocidos enfrentándose a Arcade (con el cameo de Masacre, evidente inspiración inicial para ella) para acabar con otro arco argumental en dos entregas, con una disparatada aventura en la que aparecen el Piloto Fantasma y Kate Bishop (Ojo de Halcón), acabando con un interesante cliffhanger sobre las similitudes para la protagonista entre nuestro mundo real y en el que ahora vive. El resultado global es una lectura amena y entretenida, con un apartado gráfico atractivo (en el que destaca Gurihiru), pero en esencia quizás demasiado intrascendente respecto a anteriores entregas.

• La increible Masacre-Gwen: En estricta continuidad, ficha editorial por este enlace y ficha de la biblioteca por este otro.

BATMAN: EL ÚLTIMO CABALLERO DE LA TIERRA

 

Scott Snyder es el autor de una de las mejores historias que he leído de Batman en los últimos años (El tribunal de los buhos), por lo que con dicha referencia no dudé a la hora de pedir en la biblioteca este comic, también sobretodo por su título y por lo que proponia su premisa argumental: Bruce Wayne se despierta en el Asilo Arkham y resulta que NUNCA ha sido Batman. Lo que podría haber sido un análisis metafórico de la salud mental del personaje desde un punto de vista más realista (en inicio todo parece indicar que tiene las facultades mentales mermadas) bien pronto deviene una distopia que vendría a narrarnos la (supuesta) última aventura de Batman en un entorno postapocalíptico. 

 

El resultado es entretenido pero me decepcionó que virara tan pronto de lo que en inicio prometía a lo que al final es: algo así como un intento de imitar al Frank Miller de El regreso del Caballero Oscuro, en una historia que plantea muchos detalles interesantes que luego se van quedando sin una explicación o desarrollo más o menos coherente. Pese a ello el apartado gráfico de Greg Capullo es PORTENTOSO, siendo uno de los mayores alicientes de este comic al plasmar en su dibujo de forma brillante lo siniestro de las situaciones que plantea el guión de Snyder para esta distopia. ¿El problema? Insisto, que la idea inicial bien pronto se transforme en otra cosa radicalmente diferente.

• Batman: El último caballero de la Tierra, ficha editorial por este enlace y ficha de la biblioteca por este otro.

PEQUE-MARVELS: V VS.X

 

Cuando me leo algún comic Marvel de la biblioteca siempre es una inmensa delicia encontrar en el apartado final de extras alguna portada alternativa dibujada por Skottie Young. Admirador de su estilo gráfico, no lo dudé a la hora de pedirme en la biblioteca este Peque-Marvels: Vvs.X que pese a no ser reciente (sería parte del evento Secret Wars que me leí hace unos meses en su tomo integral) resulta una lectura del todo independiente y absolutamente disfrutable. Además de estar situada durante las citadas Secret Wars, si bien es un hecho MUY colateral, se supone que estariamos ante una parodia del evento Vvs.X (Los Vengadores vs.La Patrulla-X) que me leí hace unos pocos años, si bien también en este caso es un simple guiño de cara a los lectores habituales.

 

¿Y porqué me gusta el arte de Skottie Young? Pues porque le ocurre algo parecido al español Enrique Vegas: su calidad gráfica es encantadora a la hora de recrear multitud de personajes conocidos por todos de una forma entrañable, y si el segundo lo ha demostrado en sus muchas adaptaciones de todo tipo de películas, el primero lo ha hecho con infinidad de portadas alternativas de Marvel donde salian caricaturas infantiles de sus personajes. Al igual que las citadas adaptaciones de Vegas, que suelen funcionar más a base de gags que con una historia más o menos sólida, en Peque-Marvels todos los superhéroes infantiles que viven en Marvilla (sobretodo Vengadores y Patrulla-X) pelearán para tener en sus filas a dos nuevos niños del barrio, que además son gemelos, deleitando al lector con diversión a mansalva.

• Peque-Marvels: Vvs.X, ficha editorial por este enlace y ficha de la biblioteca por este otro.

WAY DOWN, el gran robo de JAUME BALAGUERÓ (crítica sin spoilers)

Salvo contadas excepciones, toda la experiencia hasta el momento de Jaume Balagueró como director estaría centrada en el género del terror, destacando de forma especial su exitosa franquicia de Rec, que alcanzó las cuatro entregas e incluso dió para que el film original tuviera un remake americano y hasta una secuela del mismo. Es por eso que la primera impresión ante su labor en esta Way Down sea de incredulidad, máxime con una premisa argumental que a muchos les ha recordado la de la serie española La casa de papel. Más allá de posibles semejanzas en las que no entraré (ya que en mi caso no he sido seguidor de la mencionada La casa de papel, ni en su estreno en Antena-3 ni en su posterior traslado a Netflix) me imaginaba que estaba ante una película centrada en la planificación y la ejecución de un intrincado atraco, de las que ha habido infinidad de ejemplos, más o menos acertados, en las últimas décadas, lo que incluso se podría englobar en un subgénero propio.

De hecho si soy sincero el mismo inicio de esta película me recordó en detalles a la premisa de la que parte la serie La fortuna de Alejandro Amenábar (que adapta el comic de Paco Roca titulado El tesoro del Cisne Negro) Si en la misma se dirime de forma burocrática y judicial la posesión de un tesoro hallado en aguas españolas, en una historia que bebe de fuentes tan variadas como los clásicos de Emilio Salgari y Julio Verne, los documentales de Costeau y las aventuras del Tintín de Hergé; en lo que se refiere a Way Down bien pronto nos dejan claro que el objetivo son unas misteriosas monedas que pertenecieron al mítico corsario Francis Drake, que justo al ser descubiertas son incautadas y llevadas al Banco de España. En este caso más que mareo de burocracia y juzgados para recuperarlas, se decantan por organizar un espectacular robo que tendrá lugar mientras se disputa la final del campeonato mundial de futbol que ganó España en 2010, transitando el guión de esta película por todos los previsibles y evidentes estereotipos para llevar a cabo semejante objetivo, con un resultado final tan entretenido y eficaz como intrascendente (aunque es sincera y tampoco es que aspire a más)

Con la clara idea de realizar un film lo más internacional posible, en Way Down hay un reparto solvente (tanto nacional como internacional), que tienen a su cargo personajes bastante esquemáticos y meramente funcionales, si bien se integran con corrección a las pretensiones de un producto como este. Es curioso porque en su primer tramo, cuando reclutan al personaje encarnado por Freddie Highmore (en un nuevo intento de este actor para llevar a cabo papeles de lo más variado posible y no quedar encasillado en la imagen de "buen chico" que suele desprender), el joven ingeniero al que interpreta cita con sarcasmo si lo han confundido con Danny Ocean, en un claro guiño a esa otra famosa trilogia de robos planificados protagonizada por George Clooney. Lo gracioso es que luego bien pronto se convertirá la historia justo en el ejemplo del que se ironizaba al principio, si bien Highmore dista aún bastante de tener el carisma del citado Clooney (que le supera en veteranía, más allá de que luego convenza más o menos como actor)

En este tipo de títulos se suele introducir (con mayor o menor acierto), un interés romántico en alguno de los personajes principales, por lo que como Highmore es el nombre más conocido del reparto (es incluso productor de esta película) para él será dicho detalle, representado por la astuta ladrona encarnada por la actriz Astrid Bergès-Frisbey. El problema viene porque dicha "relativa" atracción queda muy difusa y tan solo concretada en un beso en su tramo final que resulta tan insípido como la labor de la citada intérprete para desarrollar su esquemático personaje, que (al igual que el resto del reparto) se limita a cumplir con corrección dentro de los márgenes prefijados por la historia. En este caso la solvencia vendría por sus secundarios, que saben defender con acierto lo muy básico de sus papeles, como demuestran los españoles Jose Coronado y Luis Tosar o el irlandés Liam Cunningham, dejando con las ganas (al menos a mi me pasó) de que sus personajes hubieran tenido un más y mejor desarrollo, para saber más de ellos.

 

Si justo antes citaba las películas de Oceans Eleven como referente más directo a las pretensiones de este film, al igual que en aquellas (y siempre teniendo en cuenta que nos movemos en un mercado global donde las franquicias, cuanto más rentables mejor), la película deja abierta las puertas a una secuela que se llevará a cabo según como funcione en taquilla este film; el cual también llega un año más tarde de lo previsto debido a la pandemia por el Coronavirus, ya que su fecha inicial era el otoño del pasado 2020. En caso de que se lleve a cabo espero que no se concentren tanto en la resolución visual del conjunto como ocurre aqui (demostrando Balagueró su solvencia para ello, aunque careciendo el conjunto de cualquier impronta personal por su parte), para desarrollar más unos personajes que quedan meramente esbozados en una película tan amena como intrascendente, que circula por todos los estereotipos del género en el que se engloba, pero sin detalles que la hagan especialmente memorable. 

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 12 de noviembre de 2021.
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• LO MEJOR: Es funcional y entretenida, tampoco aspirando a más.
• LO PEOR: Es intrascendente y esquemática, sin nada memorable.
  

SIN TIEMPO PARA MORIR, y casi sin para aburrir (crítica sin spoilers)

Otra de las muchas películas damnificadas por la pandemia mundial del Coronavirus fue Sin tiempo para morir, el quinto film de la saga Bond con Daniel Craig interpretando al protagonista. Ya de por si en un inicio tenía que haberse estrenado a finales de 2019, cuando su director era Danny Boyle, el cual al final abandonó dejando el camino abierto para Cary Fukunaga, que ha sido al final el responsable del presente film. No había mayor problema y por eso se retrasó hasta primavera del 2020, pero a partir de ahi el problema fue la citada pandemia mundial que retrasó el estreno de esta película hasta en tres ocasiones: finales del 2020, primavera del 2021 y la definitiva en octubre de 2021.

Con esta Sin tiempo para morir el actor Daniel Craig se convierte en el Bond más duradero de las últimas décadas, y el tercero respecto a Roger Moore (que lo encarnó en siete ocasiones) y Sean Connery (que lo hizo en seis ocasiones oficiales, siete si contamos la apócrifa Nunca digas nunca jamás) Los cuatro títulos precedentes a este fueron Casino Royale, Quantum of solace, Skyfall y Spectre, siendo el metraje en todos los casos bastante superior a las dos horas (con la excepción de Quantum of solace, que se podría catalogar desde mi punto de vista como el más flojo de la etapa Craig), pero en este caso con esta cinta marcamos record con 163 minutos de metraje, lo que la convierte en la entrega más extensa de toda la franquicia hasta el momento. Pese a dicha extensión, el resultado final es tan acertado que cuesta imaginar por donde irá en futuras entregas.

 

Lo que ha caracterizado al Bond de Daniel Craig ha sido dotarle de un valor humano del que carecía en sus encarnaciones precedentes, el cual se ha ido desarrollando al mismo tiempo que la franquicia ofrecía todos esos detalles tan habituales a la misma que vienen a ser su seña de identidad. Esa evolución ha sido más o menos palpable en cada nueva entrega, pero en esta 25ª película del popular agente y (como ya he dicho más arriba) la 5ª y última de Daniel Craig, se nos ofrece un cierre espectacular cuyas connotaciones resulta innegable que causarán polémica, pero que ha ofrecido una inesperada (y sensata) novedad a un producto de casi seis décadas de antigüedad en la gran pantalla, que nació en una época pretérita ya bastante superada. A partir de aqui se intuye un cierto cambio si se quiere mantener la continuidad planteada en las cinco entregas de Craig (con elementos que las entrelazan), aunque también cabe la posibilidad de algún tipo de reboot, pero quisiera decantarme más por lo primero que por lo segundo ya que haría oficial la teoría esa de que James Bond es un nombre clave que ha ido pasando de generación en generación y de agente en agente.

 

Pero en lo referente a esta Sin tiempo para morir hay que admitir que ofrece todo lo que uno espera del personaje y al mismo tiempo consigue ir más allá, con ciertos detalles que podrán gustar más o menos, pero que sin duda alguna no dejarán indiferente a nadie. Dicho propósito requiere mucho trabajo, y de ahi la extensa duración de 163 minutos, que se notan por el tiempo que representa pero que logran mantener la atención del espectador en (casi) todo momento, habiendo ciertas irregularidades en su ritmo perfectamente achacables a sus ambiciosas pretensiones. Los villanos de esta larga franquicia se han caracterizado primero por la Guerra Fría vigente en el momento en que nació el personaje, para luego evolucionar en megalómanos con ansias de dominación mundial, siendo (más o menos) en esta última categoría donde se podría englobar al encarnado aqui por Rami Malek, al que en inicio parece moverle la venganza, pero que en el tramo final demuestra unas ambiciones más amplias (y genocidas) Quizás no sea el mejor al que se ha enfrentado 007, pero sin duda marcará el hecho trangresor al que lleva al popular personaje casi 60 años después de su primera aventura en cines.

 

Si algo ha caracterizado a esta franquicia han sido detalles que han permanecido a lo largo de los años, siendo uno de ellos el de un prólogo previo a los títulos de crédito iniciales, que en este caso se extiende durante los 30 minutos iniciales, pero que funciona de forma realmente notable. Tras él, y la canción de Billie Eilish carente del gancho de temas precedentes, asistimos a una historia que recoge tanto elementos previos como novedosos, dando la sensación de que evoluciona por tramos que se entrelazan para formar un conjunto (más o menos) homogéneo. Se recuperan ciertos conocidos a esta saga como son Léa Seydoux repitiendo su papel de Madeleine ya visto en Spectre (y haciéndolo más trascendental), Naomie Harris como Moneypenny, Ralph Fiennes como M, Ben Wishaw como Q Jeffrey Wright como Felix Leiter y un cameo de Christoph Waltz como Blofeld. A ellos se añaden dos presencias femeninas contrastadas: por un lado la agente que en inicio consta como relevo de Bond (encarnada por Lashana Lynch) y por otro una Ana de Armas que vuelve a coincidir con Craig tras Puñales por la espalda, y que ofrece una actuación realmente destacable.

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 1 de octubre de 2021.
• Galería de posters por este enlace.
• LO MEJOR: Es un magnífico cierre a la etapa de Daniel Craig como 007 en su sabia conjunción de elementos clásicos de la franquicia con novedades transgresoras pero (desde mi punto de vista) acertadas.
  
• LO PEOR: Su extenso metraje hace que el ritmo tenga ciertos altibajos, por otra parte comprensibles.
  

SHANG-CHI Y LA LEYENDA DE LOS DIEZ ANILLOS de MARVEL (crítica)

En Marvel siempre han ido de la mano con las modas imperantes, y en la década de los setenta del pasado siglo XX eso significaba el cine de artes marciales en donde se hizo mítico el nombre de Bruce Lee. Fue entonces cuando nacieron en los comics Marvel dos personajes muy relacionados con aquella moda: Puño de Hierro y Shang-Chi. Respecto al primero tuvo una adaptación en serie de la mano de Netflix (junto con Daredevil, Luke Cage y Jessica Jones) que para muchos es la más floja de dicho cuarteto de superhéroes, los cuales después se reunieron en la temporada única que tuvo The Defenders.

Por otro lado Shang-Chi es otro gran desconocido para la mayoría del público (si he leído algo suyo debe de haber sido cruzándose con algún otro personaje de Marvel más popular), y lo único que sabía era que en los comics en inicio el padre de este personaje había sido Fu-Manchú, lo cual cambió con el tiempo al perder Marvel los derechos sobre ese popular villano creado por Sax Rohmer. 

 

En esta película el progenitor del protagonista es el personaje conocido en las viñetas como el Mandarín. Pero... ¿no salió ya en Iron Man 3 encarnado por Ben Kingsley? Si, pero allí era en verdad un actor de segunda llamado Trevor Slattery, contratado para encarnarlo. Eso no fue del agrado de todos, pero se solventa aqui poniendo en el papel de la adaptación del personaje al actor Tony Leung, que se densenvuelve de forma digna con él, aunque ignoro la fidelidad a su homónimo de los comics, ya que aqui se podría considerar más un señor del crimen, al que le otorgan ciertos matices para no hacerlo un villano maníqueo intrascendente. Logicamente hay una ironia bastante acertada sobre el pasado en el universo Marvel cinematográfico del lider de la organización de los Diez Anillos, repitiendo aqui Ben Kingsley el mismo personaje cómico que encarnó allí, con algunos guiños cinéfilos (por ejemplo el de El planeta de los simios) realmente hilarantes.

El "alivio cómico" está también presente en el personaje encarnado por Awkwafina, que encarna a la inicial compañera de trabajo del protagonista encarnado por Simu Liu (con el que mantiene una excelente química desde el mismo momento en que conocemos a sus personajes trabajando de aparcacoches) No dudará en zambullirse con él en una aventura que da comienzo cuando unos esbirros del villano atacan a Shang-Chi, en la espectacular batalla que tiene lugar en un autobús en su tramo inicial. De todas maneras la acción siempre está presente en casi todo su algo dilatado metraje (son 132 minutos que podían haberse reducido ligeramente), con coreografias espectaculares en algunos de sus combates, pero encontré que dicha acción en algunos momentos se hacía algo frenética. Eso se hace especialmente evidente en su tramo final, donde quizás peca de ambicioso para una cinta de orígenes, si bien su conexión con el universo Marvel es muy tangencial (por ejemplo la presencia ya vista en los trailers previos de Abominación es poco más o menos lo que ya se ha visto)

Esta película aparenta ser una operación por parte de Marvel que parece equivalente a la que llevaron a cabo con Black Panther: si allí era el público afroamericano al que iba dirigido de manera principal, en este caso es evidente que serian los espectadores orientales los que estan en el foco de esta nueva producción. Habrá que ver si este personaje, también conocido como Maestro del Kung-Fu, consigue a partir de aqui la repercusión que ha tenido por ejemplo Thanos, villano principal a gran escala en el universo cinematográfico Marvel, ya que ambos son creaciones de un mismo autor: Jim Starlin (que en este caso fue cocreador del citado Shang-Chi junto a Steve Englehart) De momento en esta película se nos presenta como un héroe bastante bonachón y amable con el que resulta muy facil empatizar, que en inicio esconde la familia disfuncional de la que forma parte, algo que en muchos momentos toma una importancia mayor que los Diez Anillos del título (que no dejan de ser tan solo un arma defensiva)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 3 de septiembre de 2021.
• Galeria de posters de la película por este enlace.
  
• LO MEJOR: La sobresaliente química entre Simu Liu y Awkwafina, el primero como protagonista y la segunda como "alivio cómico" y compañera de andanzas. También la solvencia del villano al que encarna Tony Leung, las coreografías de algunas escenas de acción y la elección de elementos culturales orientales (en la parte final más fantástica se puede ver a un yokai conocido como Kitsune) en un film en conjunto bastante entretenido.
• LO PEOR: Su tramo final puede pecar de grandilocuente teniendo en cuenta que esta es tan solo una película de orígenes y la acción en ocasiones es demasiado frenética. Además su metraje se dilata en exceso (aunque sin perder el interés del espectador) y las conexiones con el universo Marvel a muchos les parecerán demasiado tangenciales, si bien eso dota de individualidad al resultado final.

SPACE JAM: NUEVAS LEYENDAS, la tienda WARNER (crítica sin spoilers)

Despues de esa nostalgia que se vive hoy en día por la década de los años ochenta, ¿vendrá otra por los noventa? Lo digo pensando en dos títulos que fueron muy populares en su estreno como Jumanji y Space Jam (si bien la primera me parece mejor que la segunda) que han tenido unas "relativas" secuelas o reboots bastantes años más tarde, la primera con Jumanji: Bienvenidos a la jungla (cuyo éxito llevó a Jumanji: siguiente nivel) y la segunda con esta Space Jam: Nuevas leyendas, cuya mayor "gracia" estaría en incluir TODO de lo que tiene sus derechos la Warner (Harry Potter, Matrix, universo DC y un largo etcetera) Desde guiños, cameos, escenas icónicas o meras presencias testimoniales en segundo plano, todo tiene cabida para aparecer aqui, en lo que se podría considerar más un escaparate de merchandising variado que una película con cierta dosis de coherencia.

Sería este continuo fluir de referencias el que más puede entretener al espectador más adulto, que acudirá por la nostalgia hacia los clásicos Looney Tunes (e incluso por el film previo de hace 25 años) pero que los verá siendo una mera presencia más de este festival de marcas registradas que recuerda al popurrí multireferencial que había en Ready Player One (si bien allí podriamos argumentar que tenía un mínimo de justificación) Aqui todo se reduce a una sencilla excusa: volcar encima del espectador tal cúmulo, tal aluvión de referencias que uno se sienta abrumado por todo el catálogo de licencias que tiene Warner (lo que siendo justos es sin duda así)

El problema es que son tantas las referencias que uno piensa si verdaderamente importan algo o están ahi tan solo para rellenar espacio, decantándose al final por esta segunda opción. Y es que algunas de ellas pueden hacer gracia, o incluso ser algo simpáticas y provocar alguna que otra sonrisa (como la película dentro de la cual están en origen el Coyote y el Correcaminos), pero esa manera de apabullar al espectador lo único que logra es que pierda interés la ya de por si escueta historia, que nunca circula fuera de terrenos claramente predeterminados de antemano. Al menos hay que agradecer que no se plantea el mismo esquema del film previo, pero es que el mismo (la animación tradicional) está "anticuado" según las grandes productoras, debido al apogeo que ha tenido la animación por ordenador en las últimas décadas. 

Y ahi radica otro de los contrasentidos de este film, ya que funciona mucho mejor cuando circula por la animación clásica, bien sea el mundo original de los Looney Tunes u otros populares por los que también pasarán, que cuando Bugs Bunny y compañía pasan a ser recreados en tres dimensiones (lo cual puede no acabar de convencer a los más puristas, más allá de la polémica con el diseño menos sexualizado de Lola Bunny respecto a sus orígenes) Es también llamativo que contando en esencia con poco que desarrollar dilate tanto su metraje: cuando el Space Jam de 1996 apenas duraba 87 minutos esta secuela se extiende hasta las dos horas, que se hacen especialmente pesadas en su tramo inicial, cuando se plantea el conflicto paternofilial sobre el que girará todo (y que enseguida se hace evidente como acabará)

El villano al que interpreta Don Cheadle resulta intrascendente, pero tiene su gracia por lo que es y el nombre que recibe, además de resultar indudable (ya que así lo transmite) lo mucho que el actor se divirtió interpretándolo. También aparecen breves cameos de otros actores como Steve Yeun (visto en la serie The walking dead o la película Minari) y Michael B.Jordan (el protagonista de la saga Creed, con el que hacen un jocoso guiño al que fue protagonista del film inicial por lo similar de sus nombres) Pero el mayor peso de la película recae en el jugador de baloncesto LeBron James, que habrá que ver si llega (y no sólo en Estados Unidos) al nivel mítico o al tirón mediático que tuvo su predecesor, pero que consigue compensar sus nulas dotes actorales por un inesperado y sorprendente carisma.

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 23 de julio de 2021.
• Galería de posters por este enlace.
• LO MEJOR: La cantidad de referencias que tiene la Warner, los tramos en animación tradicional y el carisma de los Looney Tunes (aqui quizás algo diluido) más el inesperado de LeBron James.
  
• LO PEOR: Tiene un ritmo excesivamente precipitado, el conflicto paternofilial sobre el que pivota todo resulta manido y las virguerías visuales no logran enmascarar una historia tan esquemática o más que la de la primera entrega (y aqui dilatándose hasta las dos horas)

VIUDA NEGRA, por fin una película para ella (crítica sin spoilers)

Otra de las víctimas del Coronavirus (en el mundo del cine) ha sido la película Viuda Negra, que de un estreno inicial previsto para el 30 de abril del 2020 se retrasó varias veces hasta al final por fin llegar a la cartelera el próximo 9 de julio. Se trataría del primer estreno situado en el Universo Cinematográfico Marvel desde que hace dos años llegó el título más reciente hasta la fecha (Spiderman: Lejos de casa), si bien dicho universo se ha expandido hace poco en formato televisivo con series como Wandavision, Falcon y el Soldado de invierno o la actualmente en emisión Loki. Para todo aquel que no esté al día con las citadas series le recomiendo que las vea porque hay un personaje que ha salido en alguna de ellas (no puedo especificar cual ni dar más pistas por ser un evidente spoiler) que conecta con el ¿futuro? de este universo (entre interrogantes porque no sé si se verá en televisión o en cine, ahora mismo caben ambas opciones) en la escena final tras los créditos tan habitual en ellas.

Hay que recordar que en las películas del universo Marvel la primera superheroina fue la Viuda Negra, aunque le haya tomado delantera y ya tenga título propio (y secuela a la vista) la Capitana Marvel, por lo que la primera sensación que desprende el film es que quizás llega un poco tarde, máxime si tenemos en cuenta el destino del personaje en el díptico de los Vengadores formado Infinity War y Endgame. Queda claro entonces que esta película es una precuela situada tras Capitán América: Civil War y antes de la citada Infinity War.

Si hay un detalle a alabar de Viuda Negra (más allá de que luego la película guste más o menos) es lo bien que funciona de forma individual, aunque esté integrada en un universo cinematográfico (que ahora también es televisivo) cada vez más grande. Logicamente hay algunas referencias en sus tramos inicial y final, pero las mismas sirven tan solo como piezas de puzzle para situar cronologicamente al espectador, funcionando el resto como una cinta a medio camino entre las sagas de Jason Bourne y James Bond dentro del universo Marvel (de hecho de este último hay un guiño a uno de los films de la etapa de Roger Moore) 

 

En este viaje al pasado de la Viuda Negra conoceremos a Yelena Belova (la gran sorpresa del presente film a cargo de la actriz Florence Pugh) Alexei Shostakov (un simpático "alivio cómico" con el actor David Harbour, al que quizás se nota que igual podía haber dado más juego) y Melina Vostokoff (a cargo de la actriz Rachel Weisz, en un papel quizás un tanto ambiguo), siendo todos ellos unos personajes que tendrán una especial relevancia en esta película, ya que vendrían a formar algo así como un "nucleo familiar", compartiendo un pasado común al que intentarán finiquitar aqui, marcado por un villano que bien podría haber salido de cualquier título de la longeva saga de James Bond porque cumple a la perfección todos los cánones de megalómano con ansias de dominación.

Pero el mayor problema que tiene Viuda Negra sería el de insinuar más que mostrar, quizás porque en el fondo estamos hablando de un producto que tiene que llegar cuanto a más público mejor. Con esto me vengo a referir no solo a todo lo que precede al personaje del Guardían Rojo encarnado por David Harbour (atención a sus múltiples comentarios sobre ello) sino a la propia protagonista, ya que no se ve la forma de adoctrinamiento que llevó a Natasha Romanoff a convertirse en la Viuda Negra. Comparativamente hace unos años la película Gorrión Rojo partía de un esquema similar pero ahi si se mostraba todo el duro entrenamiento de la protagonista para convertirse en el arma que le piden que sea. Y no quiero olvidarme de Olga Kurylenko que también está en el elenco de este film (lo que en inicio desconocía) en un papel que admito que me sorprendió, aunque también les faltó ahondar más, y no solo insinuar, en lo que la llevó a estar como está (pero me imagino que eso podría derivar hacia lo escabroso y esto tiene que ser apto para cuantos más, mejor)

Pese a su clara irregularidad, el resultado final es una película tremendamente entretenida, que quizás no estará entre las mejores de este universo cinematográfico Marvel (carece de la grandiosidad de algunos films previos), pero que sin duda se convierte en una interesante opción para pasar un rato bastante ameno. Si el arco de Scarlett Johansson dentro de este universo se cierra con el presente film, hay que reconocer que deja el listón alto porque sabe defender con solvencia a su personaje, incluyendo sarcasmos bastante acertados acerca de su forma de posicionarse para combatir. Las escenas de acción resultan solventes rozando en algunos momentos lo inverosimil al intentar hacer parecer espontaneo lo que se ve de forma clara que está coreografiado, pero la mayoría estan resueltas con eficacia. En resumidas cuentas una película que un personaje así se hubiera merecido antes (debutó en 2010 en Iron Man 2, o sea que oportunidades de haberlo hecho ha habido) Pero siempre es mejor tarde que nunca.

Nota: Agradezco al personal de Disney que ante mi imposibilidad para poder acudir al pase de prensa me ofrecieran una alternativa con la cual pude ver la película y ofrecer esta crítica con mi valoración.

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA (en cines y Disney Plus): 9 de julio de 2021.
• Galería de posters por este enlace.
• LO MEJOR: Es bastante entretenida aunque siga el estilo marcado por los films de las sagas Jason Bourne y James Bond, destacando (más allá de la protagonista) una muy eficaz Florence Pugh.
  
• LO PEOR: Aparte de que quizás tendría que haber llegado antes, la película denota cierta irregularidad y apenas insinúa detalles que podría haber mostrado.

ROMPAMOS EL HIELO y MOON GIRL Y DINOSAURIO DIABÓLICO (#7: MAL SUEÑO y #8 [último]: LEYENDAS DE LA CALLE YANCY) -reseñas-

ROMPAMOS EL HIELO

Desde que me descubrieron hace años al autor David Safier he leido todo lo suyo que ha llegado a las bibliotecas, que para mi regocijo es TODO, pero es cierto que ultimamente no lo había buscado por el catálogo y fue de pura casualidad que me encontré Rompamos el hielo, su última novela hasta la fecha. Este autor ha tocado varios géneros, pero por el que es más conocido es por la comedia, donde ha logrado momentos realmente brillantes, repitiendo en ello en la presente obra que además nos conciencia sobre la necesidad de conservar nuestro planeta así como esa eterna búsqueda de la felicidad por parte del ser humano a lo que añadir ciertos toques feministas (lo que nos llevará incluso hasta la Edad de Piedra) en una trama con una premisa quizás no muy original pero si bastante simpática, entrañable y aleccionadora.

Rompamos el hielo se centra en varios personajes, pero los primordiales serían Felix (un empresario con más bien poca fortuna en los negocios), Maya (su hija y fuerte defensora del medio ambiente, siendo una clara traslación de la popular Greta Thunberg), Øyvind Lovskar (un excéntrico capitán que les acompañará en sus andanzas) y Urga (una mujer de la Edad de Piedra que quedó congelada en un iceberg hace 33000 años junto a un minimamut que responde al nombre de Trö) El inesperado hallazgo de esta última junto con el citado animal llevará al resto, junto con otros personajes que se cruzarán con ellos, en un periplo en busca de la antes mencionada búsqueda de la felicidad, intentando evitar que Urga y Trö caigan en manos de una corporación que tan solo desea experimentar con ellos.

No podría calificar a este libro como uno de los mejores de su autor (algunos giros argumentales quizás resultan en exceso surrealistas), pero si que sin duda puede recomendarse a cualquier nuevo lector que quiera probarlo. Y es que en cuanto a estilo, David Safier es fiel a si mismo y ofrece aqui una narración muy ágil, sencilla y humorística (en su tónica habitual), tocando con mayor o menor fortuna temas tan candentes como el calentamiento global, el cambio climático, el feminismo y sobretodo la búsqueda de la felicidad, siendo en este último aspecto donde en ocasiones fuerza la credibilidad del lector con decisiones algo disparatadas por parte de algunos personajes. Pese a ello se le agradecen las intenciones y desde luego que su lectura es tremendamente entretenida y recomendable.

• Rompamos el hielo, ficha editorial por este enlace y ficha de la biblioteca por este otro.

MOON GIRL Y DINOSAURIO DIABÓLICO: MAL SUEÑO

Fue en septiembre del 2019 cuando me leí el sexto tomo de Moon Girl y Dinosaurio Diabólico, por lo que había pasado ya mucho tiempo. Pero eso no ha sido obstáculo para seguir disfrutando con este comic que en este séptimo volumen recopila los números 37 al 41 de la cabecera americana, en el que otra vez nos encontramos con la espabilada Lunella Lafayette y su compañero de aventuras: un T-Rex rojo conocido como Dinosaurio Diabólico. En este tomo, y tras un número navideño en el que debido a un elfo rebelde la heroina protagonista tendrá que sustituir a Santa Claus, tenemos un arco argumental que es el que da título al presente volumen (Mal sueño) en el que Moon Girl y Dinosaurio Diabólico tendrán que resolver una oleada de somnolencia que asola la ciudad provocada por Pesadilla, al que se enfrentarán con la ayuda del Doctor Extraño y Sonámbulo. El resultado es un comic sin duda alguna muy simpático, curioso y entretenido.

• Moon Girl y Dinosaurio Diabólico: Mal sueño, ficha editorial por este enlace y ficha de la biblioteca por este otro.

MOON GIRL Y DINOSAURIO DIABÓLICO: LEYENDAS DE LA CALLE YANCY

Justo tras el séptimo tomo de esta serie me leo el octavo y último, ya que la andadura de esta cabecera en Estados Unidos acabó en el 47 (a tan solo tres del 50), incluyendo este volumen los seis últimos números (del 42 al 47) Esta entrega final empieza con un cruce con Spiderman que en origen se ve que tenía que haber ido en el tomo previo (pero que por ajustes acabó aqui) tras el que viene un simpático cruce de esta serie con el evento Guerra de los Reinos, para acabar con un viaje en el tiempo de la protagonista que le permitirá conocer a su abuela cuando tenía su edad, una accidentada excursión al museo y un último arco argumental en dos partes con el choque generacional entre Moon Girl y Mr.Fantástico. 

Al final lo que nos ofrece es un meritorio punto y aparte para este personaje (en Marvel nada se acaba para siempre) con despedidas de sus máximos valedores en origen (aunque luego se han sumado otros artistas): Brandon Montclare al guión y la española Natacha Bustos en el apartado gráfico, esta última con un evidente parecido físico a la entrañable Lunella Lafayette protagonista de este comic, que no conocía al no haber visto nunca imágenes suyas. En conjunto ocho tomos de una serie en viñetas muy entretenida y apta para todas las edades (sobretodo las nuevas generaciones), que en principio será una serie de animación para Disney Plus en la que se está trabajando.

• Moon Girl y Dinosaurio Diabólico: Leyendas de la calle Yancy, ficha editorial por este enlace y ficha de la biblioteca por este otro.
  

THOR: LA DIOSA DEL TRUENO, CABEZÓN ONE, SHERLOCK HOLMES Y EL NECRONOMICÓN y HARLEEN: INTEGRAL (reseñas de comics)

THOR: LA DIOSA DEL TRUENO

En el momento en que escribo esta reseña se está rodando la cuarta película de Thor, donde está previsto que el martillo que enarbola dicho personaje lo lleve Natalie Portman, que en la ficción encarna a Jane Foster. Eso ha tenido su versión en los comics, ya que hace años que se produjo dicho cambio, y yo ya había leído algunos donde el Thor que aparecía era ella y no la clásica versión masculina, pero no ha sido hasta ahora que he leido este tomo recopilatorio que he sido partícipe de cuando empezó eso. Teniendo en cuenta de que el asgardiano ha sido un superhéroe que nunca me ha llamado mucho la atención (de hecho si lo ha hecho un poco más ha sido gracias a las tres películas hasta la fecha, por mucho que algunos las crucifiquen), tengo que admitir que este es uno de los mejores comics que me he leído del personaje. Jason Aaron, responsable por aquel entonces de la cabecera, introduce a esta Diosa del Trueno manteniendo el misterio sobre su identidad (aunque leído a estas alturas eso ya está más que superado)

El hijo de Odín dejó de ser digno de enarbolar su martillo Mjolnir tras un misterioso susurro que le dió Nick Fury tras el evento Pecado Original (que en el momento de escribir esta reseña aún no me he leído) Al principio de este tomo nadie ha parecido ser capaz de conseguir levantarlo, pero al final del primer número una mujer lo consigue, ¿quién es? El propio Thor, desesperado por verse indigno de ello, se hará muchas cábalas intentando averiguar su identidad, pero no será hasta el final del octavo número incluido aqui que se descubre que es Jane Foster, que por aquel entonces estaba enferma de cáncer. Esos ocho números son tremendamente entretenidos, otorgándole un agradable toque feminista a uno de los personajes con más testosterona del universo Marvel, y todo ello sin que pierda de ser Thor (y no Lady Thor o cualquier otra variante), así como tampoco ni un gramo de la épica y la espectacularidad que uno asocia al Dios del Trueno, aqui Diosa, mientras la misma se va haciendo un hueco dentro de esta mitologia.

La forma en que se mantiene el misterio, y como se juega con quien podría ser la mujer tras la máscara, me recordó a cuando yo me aficioné a Marvel con el coleccionable de Spiderman y como se mantuvo la intriga sobre la identidad del Duende, si bien los tiempos cambian y algo así durante tanto tiempo era poco probable. Este tomo también incluye Thors, una serie derivada de las nuevas Secret Wars centrada en esa peculiar fuerza policial que hay en el Mundo de Batalla del citado evento, que en estos cuatro números vendría a tener el esquema básico de un procedimental. Se trata de una mera curiosidad aunque bastante bien resuelta, como también el insospechado complemento final de este tomo: un número de What If de 1978 donde ya se valoraba que hubiera pasado si Jane Foster hubiera tenido el martillo de Thor (con detalles tan curiosos como que entonces se hiciera llamar Thordis... recordándome bastante a Tardis, la cabina en la que viaja por el tiempo y el espacio el famoso Doctor Who)

• Thor: La diosa del trueno, ficha editorial por este enlace y ficha de la biblioteca por este otro. 

CABEZÓN ONE: UNA HISTORIA DE LOS CABEZONES DE LAS GALAXIAS

Enrique V.Vegas ha editado multitud de comics basados en películas de éxito (con especial preferencia hacia los títulos de fantasía, ciencia-ficción y aventura), por lo que dentro del apartado dedicado a Star Wars no podía faltar la parodia de Rogue One que fue el primer spin-off de la citada franquicia. Ha sido hace poco cuando ha entrado como novedad en la biblioteca y no me he podido resistir ante lo mucho que me gusta el apartado gráfico de este autor, el cual aqui de nuevo vuelve a ser soberbio y muy divertido. El problema radica en que más que un nexo común que podriamos llamar historia, este comic (al igual que otros muchos de Enrique V.Vegas) se mueve por los diferentes gags que se van sucediendo uno a otro, en donde además se permite multitud de guiños para todos aquellos con ojo avizor que van desde Wall-E hasta Wally pasando por ET, Howard el pato, The big bang theory y unos cuantos más. Como curiosidad este fue el primer comic del autor que salió directamente a color y en formato album europeo, sin versión previa reducida en blanco y negro.

• Cabezón One: Una historia de Los cabezones de las galaxias, ficha editorial por este enlace y ficha de la biblioteca por este otro. 

SHERLOCK HOLMES Y EL NECRONOMICÓN

Este comic continuaría (al menos según como lo tiene catalogado la biblioteca) al de Sherlock Holmes y los vampiros de Londres que reseñé hace poco tiempo, y en él vemos como el famoso detective, mientras todo el mundo lo creía muerto tras enfrentarse con el malvado Moriarty, se embarca como Thomas Sigerson hasta el Círculo Polar Ártico, donde tendrá una insospechada visión de su confrontación contra su némesis, lo que le llevará de regreso a Londres. Una vez allí descubrirá bien pronto que su mayor villano aún vive, y que ambos están más unidos de lo que podía pensar, siendo un elemento primordial de ese hecho un grimorio denominado Necronomicón. Pero el poder de ese libro resulta mayor del esperado (incluso para el malvado Profesor Moriarty) y muy pronto Holmes se verá en la tesitura de intentar salvar al mundo del regreso de los dioses primigenios, en lo que sería un acertado homenaje a la obra de H.P.Lovecraft por parte de los responsables de esta muy entretenida historia, estéticamente continuista respecto a la previa.

• Sherlock Holmes y el Necronomicón, ficha técnica por este enlace y ficha de la biblioteca por este otro.

HARLEEN: INTEGRAL

Sorpresa sorprendente (para bien) la que me llevó con el tomo recopilatorio de las tres entregas de Harleen (ya editadas individualmente): una revisión más adulta y menos caricaturizada del origen de Harley Quinn, la novia del Joker que en estos últimos años ha vuelto a resurgir gracias a la interpretación que ha hecho de ella en cine la actriz Margot Robbie. Obra completa (tanto guión como dibujo) del artista Stjepan Šejić, lo que aqui se nos ofrece es una profundización en el origen conocido de dicho personaje, es decir, de como la joven psiquiatra Harleen Quinzel empezó a tratar al Joker en una de sus múltiples reclusiones en Arkham, se dejó encandilar por él y se convirtió en su compañera de diabluras. 

Ese proceso se va desarrollando en esta obra de forma paulatina, lo que hace partícipe al lector de la progresiva caida de la protagonista en las redes del villano que tiene como paciente (con detalles muy curiosos como de donde viene su apelativo de Harley), aunque en detrimento habría que achacar un Joker demasiado guapo, que funciona dentro de lo que aqui se nos plantea (sobretodo unido a ciertos detalles eróticos muy bien usados) pero que lo aleja de visiones más extremas que ha tenido este popular villano. Eso si, salvo eso nada que objetar a su apartado gráfico (muy guapo, no solo los personajes en particular, sino que todo en general), lo que resulta una delicia para los ojos.

• Harleen: Integral, ficha editorial por este enlace y ficha de la biblioteca (de los individuales y el integral) por este otro.